Мы поможем в написании ваших работ!
ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ?
В музыкальном творчестве 60-х годов ведущее место заняли Чайковский и группа композиторов, вошедших в состав объединения под названием «Могучая кучка».
«Могучая кучка» — творческое содружество российских композиторов, сложившееся в период 1856-1862г.г.; известно также под названием Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа, «Пятерка» (по количеству входящих в него музыкантов).
В «Могучую кучку» входили М.А. Балакирев (руководитель), А.П. Бородин, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский – Корсаков. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства. Всех членов содружества объединяло стремление продолжить дело Глинки во славу и процветания отечественной музыки. Как и у Глинки, жизнь народа стала главной темой их творчества, объектом постоянного наблюдения, изучения. Они рисовали её через события истории, через образы поэтических сказок и были, через философские раздумья о судьбах родины и яркие картины быта, через образы русских людей разных сословий и времен. Члены «Могучей кучки» продолжили дело собирания народных русских песен, чьей красотой они восхищались. Со временем каждый из композиторов пошел своим путем, и кружок распался. Но идеи балакиревцев получили развитие в творчестве и просветительской деятельности композиторов нового поколения.
Вопросы-Русская музыка второй половины 19 века
1.Чем знаменательны 60-е годы 19 века в общественно-политической и культурной жизни России?
2. Расскажите о писателях и художниках 60 — 70 -х годов, об идейных и эстетических принципах их творчества.
3. Охарактеризуйте критическую деятельность В.В. Стасова и ее значение в развитии русского искусства.
4. Расскажите о деятельности братьев А.Г. и Н.Г. Рубинштейнов.
Вопросы-«Могучая кучка»
1. Что такое «Могучая кучка», кто в нее входил?
2. Кто дал название кружку?
3. Кто был главой этого содружества? Почему?
4. Расскажите о деятельности В.В. Стасова.
5. Каковы идейно-эстетические взгляды композиторов «Могучей кучки»?
Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887)– выдающийся русский композитор, крупный ученый – химик, известный педагог, активный общественный деятель, музыкальный критик, талантливый литератор. Таким же разносторонним было и его творчество. Оно не велико по объему, но охватывает разные жанры: оперу («Князь Игорь», «Богатыри», «Млада»), квартеты, симфонии (3), симфоническую картину («В Средней Азии»), романсы («Песня темного леса», «Спящая княжна», «Отравой полны мои песни», «Для берегов отчизны дальной»), фортепианные произведения. Все его сочинения объединяет одна ведущая мысль – о богатырской мощи русского народа. Являясь верным последователем Глинки, Бородин был особенно близок ему в оптимистическом восприятии мира, вере в торжество разума и красоты – вечных идеалов жизни. Органичность стиля, стройность формы, мелодическая яркость, красочность гармоний, сочетание национального своеобразия русских и восточных образов определили оригинальность, неповторимую красоту музыки Бородина.
А.П. Бородин.Жизненный путь. Отец — князь Л.С. Гедианов, мать — А.К. Антонова — дочь солдата. Записан сыном П. Бородина (крепостного князя). Домашнее образование: все предметы гимназического курса (успешная сдача экзаменов на аттестат зрелости в 1850г.). Увлечение химией и музыкой: игра на флейте, фортепиано, виолончели, участие в любительских кружках, создание фортепианных пьес (первая — в 1842г. -полька «Елена»), камерных ансамблей, концерта для флейты с фортепиано.
1850г. — поступление в Медико-хирургическую академию (МХА). 1855г. — создание трио на народную тему «Чем тебя я огорчила», песен. 1856г. — окончание МХА, знакомство с Мусоргским, защита диссертации на степень доктора медицины. 1859-62 гг. — научная командировка в Германию, посещение Франции, Италии; дружба с Менделеевым, знакомство с Тургеневым, пианисткой Е.С. Протопоповой (стала его женой в 1863г.).1862г. — возвращение в Петербург, знакомство с Балакиревым, Стасовым, Кюи; начало работы над 1-й симфонией, создание 2-х трио, 2-х квинтетов, Тарантеллы для фортепиано в 4 руки. 1864г. — избрание профессором МХА. 1865г. — знакомство с Римским-Корсаковым. 1867г — постановка оперы «Богатыри» (имя Бородина не объявлялось), окончание работы над 1-й симфонией, создание песни «Спящая княжна» на собственный текст. 1868г — начало музыкально-критической деятельности, написание вокальных произведений: «Фальшивая нота», «Песня темного леса», «Морская царевна» (сл. Бородина). 1869г. — первое исполнение 1-й симфонии, начало работы над 2-й симфонией и оперой «Князь Игорь». 1872г. — участие в организации Высших женских врачебных курсов, коллективная работа Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова и Кюи над оперой-балетом «Млада». 1874г. — избрание зав. кафедрой химии МХА. 1878г. — первое исполнение 2-й симфонии, избрание академиком МХА. Знакомство с Листом (в Германии). 1879г. — создание 1-го струнного квартета. 1880г. — создание симфонической картины «В Средней Азии», первое публичное исполнение произведения Бородина (I симфонии) за границей (Баден-Баден), 1881г.- написание 2-го квартета и романса «Для берегов отчизны дальной» (посв. Е.С. Бородиной), знакомство с Глазуновым. 1885г. — создание Маленькой сюиты для фортепиано. 1886г. — работа над 3-й симфонией; последняя встреча с Листом. 27 февраля 1887г. — внезапная кончина.
Вопросы по жизни Бородина.
1. Уникальность Бородина, какими талантами он обладал, в каких областях творческой деятельности проявил себя?
2. Главная тема творчества.
3. Истоки музыкального языка, особенности музыки Бородина.
4. Город, с которым связана его жизнь.
5. Музыка в детстве: на каких инструментах он учился играть? Как проявились музыкальные способности?
6. Какими предметами увлекался в детстве, что изучал?
7. Образование Бородина.
8. С какой целью Бородин едет за границу?
9. С кем он познакомился за границей?
10. Деятельность Бородина после возвращения на родину.
11. Знакомство с каким музыкантом «произвело решительный переворот в его художественной жизни»?
12. Результат этого знакомства.
13. С каким зарубежным композитором познакомился Бородин во время научных поездок в Европу?
14. Почему сочинение оперы растянулось на долгие годы и не было закончено?
15. Кто закончил незавершенные произведения Бородина?
16. Назовите основные музыкальные произведения Бородина.
Опера «Князь Игорь». Опера не закончена, завершили работу над ней Римский-Корсаков и Глазунов. Историко-эпическое произведение: древняя Русь, исторические образы, медленное развитие событий, принцип сопоставления: Русь — Восток, князь Игорь — князь Галицкий, серьезное — комическое и т.д. Характерные черты оперы: завершенность эпизодов, старинные жанры (былина, скомороший наигрыш, плач).
Пролог — грандиозная хоровая сцена в традициях Глинки — характеристика русского народа: оркестровое вступление — напоминает раскачивание колокола; хор «Солнцу красному слава» — народно-песенные интонации, параллельное движение голосов, возгласы «Слава!» — величие, колорит древности: 
Сцена затмения — красочная оркестровка и необычные гармонии (увеличенные трезвучия, диссонансы без разрешения).
Сцена Скулы (бас) и Ерошки (тенор) — комическая, изображает «дезертирство» персонажей: осторожные шаги (пиццикато струнных), вокальная партия — речитатив передает резкую смену настроения, оркестровая тема — изображение «работы мысли» Скулы. Завершение пролога — повторение 1 -го хора.
Сцена у князя Владимира Галицкого (брата Ярославны, жены князя Игоря, его партию исполняет высокий бас) начинается хором «Слава» (коротким, на беспорядочной скороговорке) и величальной песней Скулы и Ерошки — контраст величественному хору пролога: каков князь, такова и «слава». Песня Галицкого — 3-х частная форма; портрет «князя-босяка» (Стасов): стремительное вступление, простая по интонации тема с энергичным ритмом: 
Ариозо Ярославны показывает лирические черты героини, ее основная тема близка по интонациям некоторым темам Игоря: 
Хор девушек тихой светлой мелодией и нежными переливами переменного лада напоминает русские песни: 
Хор бояр «Мужайся, княгиня» — суровая размеренная мелодия (напоминает древние песнопения), начинается в низком регистре у басов, затем поднимается вверх — к тенорам; создается ощущение неотвратимости трагических событий: 
Каватина Кончаковны (контральто), дочери половецкого хана — восточная лирика, в сопровождении — аккорды арфы, вокальная партия — извилистая мелодия со сложным ритмом, варьирование (импровизационность), гармонический и мелодический мажор.
Каватина Владимира Игоревича (тенор), сын князя Игоря — вступление изобразительное — пейзаж, южная ночь; основная тема — лирическая, восторженная, пылкая. Каватина носит черты серенады.
Ария князя Игоря (баритон) — не только характеристика главного героя, но к смысловой центр оперы, т.к. князь Игорь — образ-символ, идеал русского воина — храброго защитника и преданного супруга. Форма арии сложная Зх-частная с чертами концентричности (характерно для эпоса):Вступление А В А Кода
Вступление — мрачное раздумье, речитатив, в оркестре — тяжелые «шаги» (размеренное нисходящее движение в низком регистре). Основной раздел: А — «И бранной славы пир веселый» ( «О дайте, дайте мне свободу»)- патетика, энергия, воля; тема прозвучит еще дважды, с каждым разом все более уверенно: 
В — «Ты одна голубка-лада» — лирическая тема, ласковая, нежная, но
сдержанная (так бывают выражены чувства в народных песнях):
Реприза (А) — героическая кульминация, на тон выше, чем в экспозиции, начинается восходящей ч.4. Кода — на материале вступления, но общее впечатление не мрачное, т.к. темы основного раздела более значительны.
Ария хана Кончака (бас) — «портрет» восточного властелина: непостоянство характера — храбрость, жестокость, коварство, хитрость, но может быть и великодушным. Контраст арии князя Игоря. 3 раздела на самостоятельных темах: восточный колорит. Основная тема арии:
Половецкая пляска с хором (финал 2 д.) — кульминация восточных сцен. 1 раздел — лирический хор — пляска девушек-невольниц: плавная и гибкая мелодия на фоне неизменных повторяющихся басов (органный пункт), синкопированный ритм: 
2й раздел — стремительная, темпераментная пляска мужчин, 2 темы, близкие народным восточным мелодиям; 3 тема — общая пляска с хором, тема напоминает 2 раздел арии Кончака, но более быстрый темп. Варьированный повтор всех разделов.
Плач Ярославны (жена князя Игоря, сопрано) открывает IV д. Самый трагический эпизод оперы. Глубокое горе, но выражено сдержанно: 
Впервые древний жанр — характеристика главной героини. Рондообразность. Рефрен — плач, эпизоды — обращение к силам природы (народная традиция); первый и последний — на лирической теме из арии князя Игоря (см. пример № 43) Красочная оркестровка, в последнем эпизоде изображение восхода солнца (тремоло скрипок в высоком регистре).
Хор поселян — лирическая протяжная песня: 
Мастерское воссоздание народного стиля. Подголосочная полифония.
Заключительный хор – «3нать, Господь мольбы услышал» — радостный характер, менее величественный, чем хор пролога, который Бородин (по свидетельству современников) хотел повторить в конце оперы.
Вопросы по опере.
1. История создания оперы.
2. Жанр оперы.
3. Какие исторические события отражены в опере?
4. Кто подсказал сюжет, составил сценарий и помогал в работе с материалами для оперы?
5. Действующие лица, их вокальные партии.
6. Композиция оперы, краткое содержание (по действиям).
7. Идея оперы.
8. Образ князя Игоря содержит лучшие черты древнерусских воинов. Какие это черты и в каких сценах они проявляются?
9. Какие лучшие качества русской женщины воплощены в образе княгини Ярославны? В каких сценах они проявляются?
10. Музыкальная характеристика князя Галицкого.
11. Музыкальная характеристика хана Кончака.
12. Хоровые сцены оперы: пролог — хор «Солнцу красному слава», хор бояр. хор девушек, хор поселян. Отметить содержание, форму, музыкальные особенности.
13. Восточные сцены в опере.
14. Как в опере изображается солнечное затмение? Смысл этой сцены.
15. Бородин посвятил оперу памяти Глинки. В чем выразились традиции Глинки?
ВТОРАЯ СИМФОНИЯ, си минор, 1869 – 1876 «Богатырская» (Стасов): величественные эпические образы, древние жанры народного творчества. Эпическая драматургия: сопоставление контрастных разделов и тем, их завершенность. Классические традиции: 4-х частный цикл – 1ч. определяет характер произведения. Ее главная тема изложена мужественными, суровыми унисонами:
Второй ее элемент – оживленные плясовые терции у деревянных духовых инструментов, передающие молодецкую удаль: 
Тема побочной партии (в экспозиции Ре мажор, в репризе – в Ми-бемоль мажоре) нежная мелодия виолончелей, полная благородства и тепла: 
II ч. — скерцо, III ч. — медленная (Стасов называл ее «Песней Бояна»), IV ч. — быстрая, жизнерадостная; сонатная форма во всех частях (в скерцо — в крайних разделах 3-частной формы). Романтические черты: обращение к образам древности, национальный характер тем — русский (ГП I ч., темы III и IV ч), восточный (средний раздел скерцо), изобразительность («Богатырская скачка» — разработка I ч.), красочные гармонии.
Творчество Бородина — «Бояна XIX столетия» воссоздает связь времен, воспевает добро и красоту жизни, величие и могущество Руси.
Вопросы по симфонии.
1. История создания симфонии.
2. Название симфонии, тональность. Кто дал название симфонии?
3. Какому произведению она близка по музыке и образам и сочинялась параллельно с ним?
4. Содержание, образы и идея симфонии.
5. Строение симфонии и характеристика каждой части (содержание, характер, темп, форма, особенности).
6. Премьера симфонии.
7. Значение симфонии.
Романсы
1. Назовите песни и романсы Бородина.
2. Расскажите о возникновении романса «Для берегов отчизны дальной». На чьи стихи он написан?
3. Каково содержание романса, его строение и характер музыкального развития?
4. Расскажите историю создания романса «Спящая княжна».
5. Каково содержание романса, его строение и характер музыкального развития?
6. Какой традиции ближе романсы Бородина — Глинки или Даргомыжского?
Модест Петрович Мусоргский (1839-1881)– величайший художник – трагик. И этой главной чертой своего мировоззрения он тесно связан со своей эпохой. Его эстетические взгляды сложились под воздействием демократических и народно – освободительных идей 60-х годов – времени высокого духовного подъема и острых социальных конфликтов. Цель своего искусства композитор видел в правдивом отображении жизни народа, в психологической достоверности образов, в любви и сострадании к обездоленным людям. Основной творческий принцип – «жизнь, где бы ни сказалось; правда, как бы ни была солона, смелая, искренняя речь к людям…».
Главными жанрами для Мусоргского были опера («Саламбо», «Женитьба», «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская ярмарка») и камерная вокальная музыка (67 романсов и песен, в том числе циклы «Детская», «Без солнца», «Песни и пляски смерти»). Лирика в его вокальном творчестве занимает сравнительно небольшое место. Чаще он обращается к социально – обличительной теме. Среди его песен большое число сатир («Семинарист»), «народных картинок» («Калистрат», «Сиротка», «Светик Савишна»), драматических песен (баллада «Забытый»). Также Мусоргский написал пьесы для фортепиано (в том числе цикл пьес «Картинки с выставки») и оркестровые произведения («Интермеццо», симфоническая картина «Иванова ночь на лысой горе».
Музыкальная «речь» композитора – синтез русской крестьянской песенности и декламационности, впитавшей живые интонации разговорной речи. Новаторские гармонии, тембровое богатство, свободная игра тональностей предвосхитили многие открытия русских и европейских композиторов XX века.
М.П. Мусоргский.Жизненный путь. Принадлежал к старинному дворянскому роду. До 10 лет жил в имении родителей в Псковской губернии. Музыкальные впечатления в детстве: домашнее музицирование, церковная музыка, народные песни. Занятия музыкой с матерью; в 7 лет исполнял небольшие пьесы Листа, в 9 лет выступил на музыкальном вечере в доме родителей (исполнил Концерт Фильда).
1849г. — поступление в Петропавловскую школу в Петербурге, занятия по фортепиано у Герке. 1852г. — поступление в Петербургскую школу гвардейских подпрапорщиков, издание фортепианной польки «Подпрапорщик». 1856г. — окончание школы, зачисление в гвардейский Преображенский полк; знакомство с Даргомыжским, Стасовым, Балакиревым, Кюи, Бородиным. 1858г. — выход в отставку, решение посвятить себя музыке. 60 годы — создание вокальных произведений (в т. ч. «Калистрат», «Семинарист», «Светик Савишна», «Сиротка», «Озорник», «Козел»), музыки к трагедии Софокла «Царь Эдип», Симфонической картинки «Иванова ночь на Лысой горе»; работа над оперой «Саламбо» (музыка вошла в оперу «Борис Годунов»).1868г. — создание 1 д. оперы «Женитьба» (по Гоголю), начало работы над оперой «Борис Годунов» (1 ред. закончена в 1869, 2 в 1872 гг.). 1872г. — создание вокального цикла «Детская», начало работы над «Хованщиной». 1874г. — премьера оперы «Борис Годунов», создание вокального цикла «Без солнца», баллады «Забытый», фортепианного цикла «Картинки с выставки», начало работы над «Сорочинской ярмаркой» (не закончена). Последние годы жизни — мрачное настроение (распад кружка, непонимание его творчества, одиночество, бедность); создание вокального цикла «Песни и пляски смерти», песен (в т.ч. «Блоха»); выступление в концертах певицы Леоновой, гастрольные поездки по России. 1881г. — тяжелая болезнь и смерть 16 марта.
Вопросы по жизни Мусоргского.
1. Где и когда жил М.П. Мусоргский?
2. Семья Мусоргского.
3. Впечатления детства.
4. Музыкальная одаренность Мусоргского.
5. Где и как он учился?
6. Знакомство с какими выдающимися музыкантами помогло ему определить жизненный путь?
7. Творчество молодого Мусоргского (темы, жанры и сюжеты, которые привлекали его в 60 годы).
8. Произведения 70-80 годов.
9. Кто завершил работу над операми Мусоргского?
10. Жанры опер Мусоргского.
11. Главные темы творчества.
12. В чем видел Мусоргский задачи искусства?
Опера «Борис Годунов»- По драме Пушкина. Либретто Мусоргского. Реформаторское произведение: приближение к драме (сквозное развитие, без разделения на традиционные номера, монологи, диалогические сцены, речитативы). Исторический сюжет — «смутное время» (конец 16 в.), борьба за власть — тяжелое бремя для народа.
«Народная драма» (Мусоргский): народ — коллективный герой, участник событий, показан реалистически, «без прикрас» (Мусоргский). Характеристика: народные сцены — песенные темы (иногда цитаты) и Хоровой речитатив (новое); образы-символы — Пимен (мудрость народная), Варлаам (удаль, сила), Юродивый (правда, горе). Психологическая драма — сложный образ Годунова. У Пушкина — мудрый государь, у Мусоргского — страдающий человек, совершивший преступление, но вызывающий сочувствие искренним раскаянием. Характеристика: монологи, лейтмотивы, лейттональности (трагические — ми-бемоль минор, ля бемоль минор, си-бемоль минор, до минор), колокольный звон (торжественный в Прологе, погребальный в 4 д.),
Неразрешимый конфликт 2-х основных драматургических линий — народа и царской власти. Необычный финал: печальная песня Юродивого с мрачными предсказаниями, интонация стона (м.2), неустойчивое звучание (V — VI ступени в мелодии). Дополнительные драматургические линии: боярство (представитель — Шуйский), Самозванец, поляки. Уникальная сложность драматургии.
Начинается опера не увертюрой,
а Вступлением, его сумрачная тема напоминает народную песню: 
Развивается как фугато (редко у Мусоргского), в последнем проведении к теме присоединяется подголосок-стон (нисходящая м.2 — лейтинтонация народа).
Пролог, 1 к. — народная сцена: хор «На кого ты нас покидаешь, отец наш» — горестный характер, причитания, мольба: 
и хоровой речитатив (реплики групп хора и солистов) — непонимание событий и равнодушие: 
Пролог, 2 к. — 3-х частное строение: крайние разделы — торжественный колокольный звон и хор «Слава» (народная песня) в До мажоре: 
средний раздел — до минорный монолог Годунова «Скорбит душа» (высокий бас или баритон) — этих слов у Пушкина нет, лейтмотив мрачных предчувствий:
1 д. 1 к. — в келье Чудова монастыря. Монолог Пимена (бас) — размеренная речь, оркестровая партия передает сосредоточенность Пимена на своем труде — летописи. Рассказ Самозванца (тенор) о вещем сне — красочные гармонии.
1 д. 2 к. — корчма на Литовской границе. Песня Варлаама «Как во городе было во Казани» — народный текст, в духе народных песен (фригийский лад, куплетно-вариационная форма), энергичный характер: 
В оркестре (вариации на сопрано – остинато) — изобразительность.
Диалог Самозванца и Хозяйки корчмы — на фоне песни Варлаама «Как едет ён» — (цитата) — новый вид полифонии (полифония пластов, будет применяться в XX веке).
Сцена с приставом — соединение комического (чтение по слогам) и трагического (пристав готов привести «указ» в исполнение).
II д. — раскрытие образа Годунова в сценах с детьми, с Шуйским и в монологах.
1 монолог «Достиг я высшей власти» — изменение состояния от сдержанного до крайне возбужденного. Первый раздел имеет декламационный характер: 
Второй раздел начинается благородно-возвышенной темой ариозного склада:
Заключительный раздел – трагическая кульминация монолога: 
2 монолог (с курантами) — предваряется лейтмотивом галлюцинаций, вокальная партия целиком декламационна, звучание неустойчивое (роль тоники выполняет тритон — ново), передает начинающееся безумие.
III д. — «польское»: Самозванец и Марина Мнишек (дочь воеводы). Ее ария выдержана в горделивом характере мазурки: 
IV д. 1 к. — песня Юродивого (тенор) — напоминает колыбельную: 
Хор «Кормилец батюшка» сначала звучит сначала как тихая, но настойчивая просьба, но затем быстро перерастает в яростное требование, негодующий вопль и выражает открытую угрозу: 
Сцена Юродивого с мальчишками (детский хор) из плача обиженного Юродивого (нисходящие м.2) вырастает хор «Кормилец — батюшка, подай Христа ради» — обращение к Годунову. Мольба, отчаяние и угроза.
Заканчивается 1 к. сценой Годунова и Юродивого, который обличает царя-убийцу.
IV д. 2 к. — сцена смерти Годунова — реалистична; декламация, погребальный звон, лейтмотив несбывшихся надежд в оркестре.
IV д. 3 к. — сцена народного бунта (у Пушкина ее нет). Несколько разделов: хор «Не сокол летит по поднебесью», Варлаам и Мисаил (тенор) — тема «Солнце, луна померкнули» (былина «Жил Святослав» — цитата), хор «Расходилась, разгулялась сила, удаль молодецкая» — кульминация: 
Средняя часть хора основана на мелодии народной хороводной песни «Заиграй моя волынка» контрастна начальной теме своим задоно-ликующим характером:
Торжественный въезд Самозванца — марш, звучит механистически. Заключение — песня Юродивого (из IV д. 1 к., но с другим текстом) — словно многоточие, разомкнутосгь композиции (ново, не было понято современниками).
Вопросы по опере.
1. История создания оперы. Кто помогал Мусоргскому собирать нужные исторические документы?
2. На чей сюжет написана опера?
3. Кто писал либретто?
4. Жанр оперы.
5. Идея оперы.
6. Сколько редакций оперы Вам известно?
7. Какие события истории отражены в опере?
8. Главный герой оперы?
9. Композиция оперы, краткое содержание.
10. Что такое трагедия?
11. В чем трагедия Бориса и в чем трагедия народа?
12. С какой темы начинается опера? Дайте ей характеристику.
13. Как развивается образ народа в опере и меняется его характеристика?
14. Каким показан Борис? Почему арии Бориса названы монологами?
15. Как и в каких эпизодах оперы охарактеризованы Пимен, Григорий, Варлаам и Мисаил, Юродивый?
16. Хоры (где звучат, с какими событиями связаны, характер и особенности музыки).
17. Кульминация оперы.
18. Чем заканчивается опера и почему?
19. Музыкальный язык оперы.
20. Роль оркестра.
21. Новаторство Мусоргского.
Вокальные произведения
1. Разнообразие вокальных жанров.
2. Главные темы вокального творчества.
3. Авторы текстов вокальных произведений.
4. «Народные картинки»-монологи.
5. Сатирические произведения.
6. Циклы.
7. В чем проявились традиции Даргомыжского?
«Картинки с выставки»-написана под впечатлением посмертной выставки художника Гартмана — друга Мусоргского. Программная фортепианная сюита, с чертами рондообразности (рефрен — «Прогулка», изображающая автора) и вариационности (рефрен меняется в зависимости от увиденного автором).
Новаторство: в содержании — эпические образы («Богатырские ворота»), социальные проблемы («Два еврея, богатый и бедный»), сценки («Ссора детей после игры»); в музыкальном языке — колокольность, речитативные интонации, изобразительность (новые виды фортепианной фактуры). 10 частей. Кульминация в №10 («Богатырские ворота») — преображенная тема «Прогулки», эпическая мощь, торжественный характер.
Вопросы.
1. Жанр произведения?
2. Как возник цикл «Картинки с выставки»?
3. Сколько пьес в цикле? Назовите их.
4. Особенность строения (что объединяет «картинки»?)
5. Музыка «Прогулки».
6. Рассказать об одной из пьес.
7. Назовите композитора, оркестровавшего фортепианный цикл?
8. В чем проявилось новаторство творчества Мусоргского (темы, жанры,музыкальный язык, форма, гармония, оркестр).
КАМЕРНО-ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО.Романсы и песни.
Развитие традиций Даргомыжского: театрализация, речитативы, социальные проблемы, сатира, но более смелое новаторство, конкретность — как в литературе или живописи. Герои, ситуации — увиденные в жизни «Сиротка», «Озорник», «Светик Савишна» на собственные тексты: 
Новые образы в камерно-вокальной музыке: показ народных персонажей («Калистрат» на ст. Некрасова), детей (вокальный цикл «Детская». Первая песня «С няней» передает тончайшие оттенки детской речи:
Отражена в творчестве композитора и антивоенная тема — баллада «Забытый» на сл. Голенищева-Кутузова: 
Контрастные образы: трагические («Песни и пляски смерти») и комические («Семинарист»), сатирические («Блоха»). Музыкальный язык: речитатив, мелодии в духе народной песни; в фортепианной партии — необычные красочные гармонии, изобразительность.
Обобщение. Новизна и сложность творчества Мусоргского — причина недооценки его современниками (неодобрительное отношение к поздним произведениям даже единомышленников: Римского-Корсакова, Кюи, Стасова, Балакирева). В XX веке мнение изменилось: «Композитор, без которого для нас немыслима русская культура» (Сабинина). Влияние на музыку Дебюсси, Равеля, Прокофьева, Шостаковича, Свиридова и др.«Озорник»), на собственные тексты. Новые образы в камерно-вокальной музыке: показ народных персонажей («Калистрат» на ст. Некрасова), детей (вокальный цикл «Детская»), антивоенная тема («Забытый» на сл. Голенищева-Кутузова). Контрастные образы: трагические («Песни и пляски смерти») и комические («Семинарист»), сатирические («Блоха»). Музыкальный язык: речитатив, мелодии в духе народной песни; в фортепианной партии — необычные красочные гармонии, изобразительность.
Николай Андреевич Римский – Корсаков (1844-1908)– личность, поражающая многогранностью: композитор, дирижер, педагог, музыкально – общественный деятель, автор литературных сочинений («Приктический учебник гармонии», «Основы оркестровки», «Летопись моей музыкальной жизни»).
Многообразны темы и сюжеты произведений композитора: это русская история и бытовая лирико — психологическая драма, картины русской народной жизни и образы Востока, сказочность и старинные языческие обряды, образы природы. Он часто вводил в свои сочинения подлинные народные мелодии и сочинял собственные темы в народном духе. Строгие и ясные гармонии у него сочетаются с новыми сложными ладами, которые он использовал для сказочных образов. Римского – Корсакова по праву считают непревзойденным мастером оркестра («инструментовка есть одна из сторон души самого сочинения»): предпочитает прозрачность фактуры, «чистые» тембры, часто использует солирующие инструменты, раскрывая их тембровые и технические возможности, сочетает сольные эпизоды с мощью и полнотой звучания тутти.
Основным жанром в творчестве Римского — Корсакова была опера (15 опер, в том числе «Псковитянка», «Снегурочка», «Садко», «Царская невеста», «Сказка о царе Салтане», «Кощей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Золотой петушок». Композитор обогатил программную симфоническую музыку, создав жанр симфонической сказки. Среди оркестровых произведений сюиты «Антар», «Испанское каприччио», «Шехеразада», музыкальная картина «Садко», увертюра «Светлый праздник». Композитор так же обращался к различным жанрам вокальной музыки: около 80-ти романсов, хоры, сборники обработок русских народных песен (40 и 100 песен).
Самый младший из членов «Могучей кучки», он через всю жизнь пронес верность идеалам балакиревского кружка, по-рыцарски служа русскому искусству.
Н.А. Римский-Корсаков.Жизненный путь. 1844 (Тихвин Новгородской губ.) — 1908 (Любенкск, близ Луги)
«Художник живет на свете для созидательной работы, и таковая есть его нравственная обязанность» (Римский-Корсаков).
Происходил из старинного дворянского рода. Отец — чиновник в отставке. Большое влияние брата (моряк, на 22 года старше композитора). Раннее проявление музыкальности. Занятия музыкой с 6 лет, в 11 лет — 1-е произведение (дуэт «Бабочка» на сл. из детской книжки).1856-62 гг. — учеба в Петербургском Морском корпусе (традиционная в семье профессия). Занятия у Канилле (фортепиано; композиция).1861 — знакомство с Балакиревым. Мусоргским, Кюи, Стасовым. Начало работы над 1 симфонией.1862 — смерть отца; окончание Морского корпуса; уход в плавание на клипере «Алмаз» (был в Западной Европе, Северной и Южной Америке).1865 — возвращение в Петербург. Окончание и успешное исполнение 1-й симфонии (дир. Балакирев). Участие в деятельности Балакиревского кружка, посещение музыкальных вечеров Даргомыжского. Конец 60 гг. — симфонические произведения, в т.ч. «Садко»), работа над 1-й оперой «Псковитянка».70-е гг. — активная деятельность: профессор Петербургской консерватории, инспектор хоров морского ведомства, директор БМШ (после ухода Балакирева). Начало выступлений в качестве дирижера. Создание оперы «Майская ночь». Женитьба на пианистке Н.Н. Пургольд.80-е гг. — служба в Придворной певческой капелле. Работа над завершением произведений Мусоргского (ум. в 1881г.) и Бородина (ум. в 1887г.). Участие в деятельности Беляевского кружка. Создание симфонических произведений «Испанское каприччио», «Шехеразада», «Светлый праздник», оперы-балета «Млада».Начало 90 гг. — тяжелые события в семье (смерть матери, сына и дочери), разрыв отношений с Балакиревым (расхождение во взглядах на развитие искусства и музыкальное образования), недовольство своим творчеством.1894-1907 гг. — «оперный» период: «Ночь перед Рождеством», «Садко», «Моцарт и Сальери», «Боярыня Вера Шелога», «Царская невеста», «Сказка о царе Салтане», «Сервилия», «Кащей бессмертный», «Пан воевода», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Золотой петушок».1905г. — увольнение Римского-Корсакова из консерватории. Всеобщее возмущение этим. Возвращение в консерваторию после избрания Глазунова на пост директора.1907г. — последнее зарубежное выступление (Париж). Весна 1908г. — постановка «Снегурочки» в Париже — начало мирового признания композитора.Ухудшение состояния здоровья весной 1908г. Скончался 8 (21) июня в имении Любенск. Похоронен в Петербурге.
Вопросы.
1. Кем был Н.А. Римский-Корсаков? Широта его творческой деятельности.
2. Какие направления русской музыки получают развитие в его творчестве?
3. Семья Римского-Корсакова.
4. Какую профессию и почему хотели дать ему родители?
5. Какое образование он получил?
6. Музыка в детстве и в годы учебы.
7. Город, с которым связана его жизнь.
8. Корабль, на котором он совершил кругосветное плавание. Причина и цель путешествия.
9. Кто такой гардемарин?
10. Музыкант, пианист, поклонник русской музыки, учитель Римского-Корсакова, который поддержал его стремление к серьезному искусству и композиции.
11. Творческий результат этого знакомства (сочинения 60-х годов).
12. Римский-Корсаков — педагог. Как он смог, не имея высшего музыкального образования, преподавать в консерватории, что ему помогло?
13. Сочинения 70 — 80-х годов.
14. Римский-Корсаков — дирижер.
15. Римский-Корсаков — редактор. Какие сочинения своих друзей он завершил.
16. Кто такой М.П. Беляев, что полезного н сделал для русского искусства?
17. Театр, в котором впервые были поставлены оперы Римского-Корсакова. Назвать эти оперы, а также фамилии великих исполнителей, дирижеров, художников.
18. Сочинения 90-х годов.
19. Сочинения XX века.
20. Какова роль сказочных сюжетов в творчестве Римского-Корсакова? Назовите известные вам произведения композитора на сказочные сюжеты.
21. Факты и высказывания, говорящие о способностях и человеческих качествах Римского-Корсакова.
22. События 1905 года в жизни композитора.
23. Чьё имя носит Петербургская консерватория и почему
24. Музыканты-ученики Римского-Корсакова.
Опера «Снегурочка» 1881г.
Либретто создал Римский-Корсаков по «Весенней сказке» Островского. Отражение интереса композитора к мифологии, язычеству, воспевание вечной красоты природы, искусства (обряды, песни; символ искусства — Лель), любви (Лель — бог любви в славянской мифологии; образы Снегурочки и Купавы символизируют идеальную и земную любовь). 3 группы действующих лиц:
мифические – Весна меццо-сопрано , Дед Мороз- бас, Леший- тенор,
Интеллигентный и нерешительный, неприхотливый в быту, одетый не по моде. Автор великой Седьмой симфонии, настоящий герой Великой Отечественной войны и неотъемлемая часть истории блокадного Ленинграда. Бессмертный Дмитрий Шостакович 25 сентября отмечает свое 115-летие.
«С Шостаковичем мы все знакомы через одно-два рукопожатия»
— Альфред Шнитке писал, что в конце жизни Шостакович уже мало кого интересовал. Бытовали мнения, что после смерти Шостаковича музыку его забудут, однако этого не произошло, скорее наоборот. Почему музыка его не была предана забвению, даже не было периода, когда бы ее не исполняли?
— Во-первых, по какой причине он стал менее популярным? На мой взгляд, из-за того, что в России всегда любили диссидентов. Шостакович долго был неугоден советской власти, но в конце жизни по ряду причин вступил в партию, стал занимать общественные посты, и в глазах тех людей, которые ходили на его премьеры, стал лоялен режиму, превратился в партийно-общепризнанного автора, перестал их интересовать.
Василий Петренко. Фото: Mark McNulty / tagesspiegel.de
Вторая причина — менялось время, мировосприятие и ощущение эпохи: закончился сталинизм, началась «оттепель», было некое ощущение единения и оптимизма. По воспоминаниям тех людей, которые играли с Шостаковичем премьеры и с которыми мне посчастливилось общаться, в 60-70-х годах музыка Шостаковича воспринималась как очень депрессивная и истеричная, а вот музыка Прокофьева была чистым искусством. Прокофьев значительно прозрачнее в своем творчестве, он был более созвучен тому времени, наверное.
— Плюс расцвет кино, современного театра, Высоцкий, Beatles… Прокофьев умер в 1953-м, а Шостакович застал время, когда акценты в искусстве сместились.
— Я бы согласился с вами, если бы этот феномен пропал, но ведь сейчас Шостакович более популярный автор, чем Прокофьев. Особенно за рубежом.
Дмитрий Шостакович
— А почему? Чайковский и Шостакович — самые исполняемые русские композиторы на Западе. С Чайковским понятно, но что западный человек слышит в нашей русской депрессивной музыке XX века?
— Хочется ответить — турбулентность. Что в симфониях Малера слышит западный человек? В первую очередь, сопричастность к экзистенциальности. Условно говоря, Шостакович — это Кафка. Современный мир очень близок к тому, что Кафка описывал в своих антиутопиях, — мы живем в клаустрофобическом мире. Несмотря на то, что, вроде, все открыто, люди стали более одиноки. С одной стороны, мы более связаны, потому что можно написать кому угодно. С другой, написать о том, что ты на самом деле думаешь, практически невозможно, за исключением двух-трех друзей.
А именно так и жил Шостакович — он мог сказать о том, что думает, нескольким друзьям: Соллертинскому, Гликману, Вайнбергу, Ростроповичу.
Он понимал одиночество, а нынешнему обществу это очень созвучно.
Кроме того, история СССР через индивидуальное восприятие личности, история XX века человеку более близка, более изучена, нежели история, скажем, XIX века. Исполняя Бетховена, приходится рассказывать, что он жил в период буржуазной революции. Монархические идеалы менялись на буржуазные, менялась музыка — и Бетховен во многом формировал новый музыкальный язык. Важная вещь при восприятии — понимать исторический контекст. С Шостаковичем мы все знакомы через одно-два рукопожатия. Это рядом, это то, что помнят через поколение.
Судьба человека
С К. Кондрашиным и Е. Евтушенко на премьере 13-й симфонии 18 декабря 1962 г.
— На ваш взгляд, насколько интерес к музыке Шостаковича в России связан с его образом страдающего человека?
— Шостакович — экзистенциальный композитор. Разница между ним и Прокофьевым состоит в том, что Прокофьев всегда писал о других людях. Прокофьев — это окружение, всегда общество, всегда массы. А у Шостаковича — всегда один человек. Эта линия пошла от Малера, а еще раньше — от Бетховена: среди огромного количества людей, страстей, событий — всегда судьба одного человека. Даже в больших сочинениях у Шостаковича, например, в 13-й симфонии «Бабий Яр» — общечеловеческая трагедия, но она все равно проходит через призму одного человека.
Экзистенциальность присуща русскому человеку. Мышление, которое все подвергает сомнению, в том числе, существование самого себя. Если у Прокофьева в большинстве произведений хэппи энд или, как минимум, сразу ясно — трагический или счастливый конец, то у Шостаковича каждый решает для себя.
Мы сейчас исполняли 5-ю симфонию, ее финал кто-то воспринимает как триумф счастья, а кто-то, и я сам — как триумф тоталитаризма.
В ней есть тема из «Мессии» Генделя, и она в 5-й симфонии — принуждение к вере в коммунизм. Так я это слышу — это к вопросу о том, насколько индивидуальны впечатления от Шостаковича.
Кодировка произведений, которая началась с 5-й симфонии, со временем становилась все более многоуровневой, в его творчестве появлялось все больше месседжей и цитат для разных слоев общества: для интеллигенции, для партийных товарищей, для простых людей.
— В 1952 году Шостаковича настолько поразила последняя симфония Сергея Прокофьева, что он представил ее на соискание Ленинской премии уже после смерти автора, и благодаря Шостаковичу Прокофьев получил эту премию посмертно. На ваш взгляд, пытался ли Шостакович в какой-то мере повторить прокофьевский путь, сочиняя произведения на свою собственную смерть?
— Я считаю, это не совсем так. У Шостаковича был инфаркт, после этого он прожил еще немало лет. Болезнь, которая у него прогрессировала (БАС — Прим.ред.), не лечилась в то время даже в США, куда он ездил на консультации, но умер он все-таки не от нее.
В 15-й симфонии (последней — Прим.ред.) нет такого глубокого пессимизма, как в 14-й. При том, что в 15-й и образ Вильгельма Телля, и, как сам Шостакович говорил, «магазин игрушек», хотя, на самом деле, там маршируют скелеты, но в 15-й все-таки существуют следующие миры, в которые Шостакович надеялся попасть. 14-я же о том, что мы умираем и все — ничего дальше нет.
Из воспоминаний тех, с кем я разговаривал, и кто был с Дмитрием Дмитриевичем рядом в последние месяцы жизни, после написания 15-й симфонии он не собирался уходить, был полон замыслов, планировал 16-ю симфонию. Хотя трудно наверняка сказать — закрытый человек был. У Прокофьева было по-другому — в его последней симфонии слышно, как колесница жизни уходит в небо, он осознавал свой уход. Поэтому я не думаю, что Шостакович пытался пройти путем Прокофьева — слишком разные люди были, разная музыка, по-разному ушли.
«Дьявол умер, а демоны остались»
— Есть мнение, что Шостакович, несмотря на сложные отношения с властями, ментально был советским человеком, в отличие от того же Прокофьева. Насколько вы согласны с этим мнением?
— Советским или не советским — Шостакович был человеком, которому в жизни нужно было немного. Как он сам говорил: «горячая вода и женщина, ведущая хозяйство».
Прокофьев был другим человеком. Я читал его биографии, воспоминания, дневники, там нет ответа на главный вопрос: в чем истинная причина его возвращения в Советский Союз? Ведь к тому моменту театр Метрополитен ему оперу заказал и исполнил, и другие пьесы исполнялись, и карьера пианиста у него была серьезная. На мой взгляд, Прокофьев не мог терпеть рядом тех, кто лучше него. Он был глубоко несчастлив, если его кто-то превосходил. На Западе он хотел стать лучшим пианистом, но там был некто по фамилии Рахманинов. Хотел стать лучшим композитором, но некто по фамилии Стравинский был значительно популярнее. Прокофьеву необходимо было быть numero uno, и во многом ради этой цели он вернулся в СССР. Свою свободу и возможность писать он променял на официальный титул композитора номер один.
Что касается советских произведений Шостаковича для концерта, у него есть Праздничная увертюра — одно из самых бравурных сочинений, 2-я симфония, где уровень гротеска просто зашкаливает. «Казнь Степана Разина» — когда-то мы записали ее с Валлийским национальным оркестром и двумя валлийскими хорами для ВВС на русском языке, что было невероятно мучительно для иностранцев. Из «плакатных» произведений Шостаковича — «Песнь о лесах». Это гениальная музыка, сарказм композитора там не такой едкий.
К киномузыке принято относиться, как к второстортному жанру, а ведь у Шостаковича много известнейших песен, о которых люди часто не подозревают, что это он написал: «Песня о встречном», «Зоя» и др.
Есть много хороших советских авторов: Шебалин, Кабалевский, Мясковский, Свиридов. Неправильно не исполнять музыку только потому, что она принадлежит к какой-то «не той» эпохе и была написана по заказу. Это все равно, что отрицать историю.
— В сталинское время Шостакович был довольно смелым. Наша историческая мифология трактует, что именно после 1936 года Шостакович «сломался», но так ли это?
— Я не думаю, что у него был какой-то резкий поворот. Был жизненный процесс взросления и кризис среднего возраста, когда ты понимаешь, что идеалы, которые были до этого, либо недостижимы, либо не принимаются обществом. В 1936-ом он был тридцатилетним молодым человеком, в полном расцвете сил, которому, несмотря на то, что его музыку в Союзе запретили, через Госконцерт шли определенные отчисления за исполнения его произведений на Западе.
После 1936 года он стал «кодировать» музыку.
До этого, в 4-й симфонии, в «Леди Макбет Мценского уезда» — это все искренне: я сложный, трудный, меня могут не выносить, но я обязан написать так! А потом произошло нечто — 4-ю симфонию так и не сыграли, а музыка же все равно звучит в голове композитора, ее нельзя не писать, нельзя не исполнять. Писать для цирка и песенного жанра — он видел вокруг примеры своих коллег, которые быстро возносились на этом, но так же быстро были репрессированы. Писать только в камерном жанре — Союз композиторов тогда не принимал камерный жанр всерьез. Он был адекватным человеком и понимал, что надо писать что-то серьезное. Поэтому 5-я и вышла закодированной, со многими смыслами.
После 1953-55 годов отчаяние Шостаковича, на мой взгляд, было связано не с тем, что ушли Мясковский, Соллертинский, Прокофьев, а с осознанием того, что «дьявол умер, а демоны остались», как он писал в своих письмах. В 1954-м появилось ощущение свободы, но скоро стало ясно, что политика поменялась очень незначительно. Довольно быстро свернули и события в Будапеште, и Пражскую весну, стало понятно, что эта власть и ее политика — навсегда в жизни Шостаковича и что он никогда не сможет писать искренне.
Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович и Арам Хачатурян.
В 60-х он ушел в бюрократию. С Шостаковичем и Хачатуряном в президиуме Союза композиторов сидели три человека, которые в свое время писали письма против них, и все должны были сидеть и обсуждать какие-то насущные дела раз в две недели — сюр!
Однако нельзя сказать, что в его жизни совсем не было радостей: путешествия с Соллертинским из Ленинграда в Москву и обратно с ящиком коньяка, не выходя из поезда, природа, футбол, семья.
— Как вы думаете, почему Шостакович не остался на Западе? Ведь возможности были.
— Во-первых, он не знал языка. Во-вторых, для него был очень важен его маленький круг общения, те 5-10 человек, с которыми он дружил. Он понимал, что этот круг общения он потеряет, уехав, а нового не приобретет.
Мелос Шостаковича, его мелодии и темы XX века — настолько глубоко русские, что мне кажется, ему было бы очень сложно писать в отрыве от родины.
Как Рахманинову, который ничего долго не мог писать в эмиграции, а его последние сочинения — уже синтез с американской джазовой музыкой.
В-третьих, у Шостаковича и потребности не было уехать — по советским меркам, он жил относительно неплохо. Говорить, что его предавали абсолютному забвению, нельзя, он регулярно исполнялся, его премьеры всегда были событиями в музыкальном мире.
«Когда я дирижирую его музыку, перед глазами — Ленинград»
Боец добровольной противопожарной команды Дмитрий Шостакович на крыше консерватории в дни блокады Ленинграда, 1941 г.
— Шостакович, по большому счету, не стал оперным композитором. Полноценная большая репертуарная опера у него только одна — «Катерина Измайлова». Много ли мы потеряли от того, что Шостакович стал исключительно симфоническим автором? Его симфоническая музыка искупает пробел в опере?
— Разумеется, искупает. Шостакович комфортно себя чувствовал в этом жанре еще и потому, что даже во время первых постановок оперы «Леди Макбет» у него были противостояния с режиссерами и певцами. В симфониях какие-то обсуждения могут быть с дирижерами. Но Мравинский и Кондрашин — два основных дирижера, которые делали премьеры произведений Шостаковича, больше слушали и советовались, обсуждали какие-то детали, а не навязывали композитору свое видение.
Думаю, успех симфоний Шостаковича — немалая заслуга этих дирижеров, они соавторы успеха его симфоний. Подчеркну — не музыки, а успеха.
В опере ты далеко не со всеми говоришь на одном языке — там масса людей, которые не музыканты, как и режиссер. Шостаковича всегда пугало и эго певцов. Даже с Вишневской в творческом плане у него было не все гладко. Наверное, он был человеком, который один раз приняв кого-то за величину, уже не считал необходимым этой величине что-то советовать. Например, он никогда на репетициях не делал замечаний Ростроповичу. Это говорит об уровне доверия. Доверие к исполнителям — это очень важно для любого автора. Во многом поэтому в оперу он так не вкладывался.
Дмитрий Шостакович и Мстислав Ростропович
Что касается слов в музыке — в опере XX века от них ушли. Если взять оперы того же Прокофьева ведь и там симфоническая драматургия на первом месте. Начал эту систему лейтмотивов и трансформации образов Рихард Вагнер. Кто в XX веке стал оперным композитором? Прокофьев, Берг, Бриттен, Рихард Штраус.
В XIX веке опера была тем жанром, в котором люди жаждали премьер. Верди написал новую оперу! Полмира на это смотрит. Чайковский написал новую оперу — сразу 28 представлений, плюс еще 140 в других странах. В XX веке, во-первых, появились другие виды искусства. Во-вторых, цены на билеты остались примерно теми же, а затраты на постановку опер возросли многократно. Оперные театры стали зависеть от продажи билетов намного сильнее, поэтому стараются ставить репертуарные вещи. Сам жанр оперы во многом трансформировался в мюзиклы. По голосам и техническому уровню они достигли почти всех изысков оперы. Опера, конечно, осталась, и новые произведения пишутся, но это стало уделом знатоков.
— Вы с Королевским оркестром Ливерпуля записали все 15 симфоний Шостаковича. Вы молодой маэстро, как Вы решились взять этот непростой цикл?
— Цикл симфоний Шостаковича я взял потому, что я все-таки из Ленинграда. Я всегда чувствовал себя комфортно в музыке Шостаковича. Когда я дирижирую его музыку на репетициях или концертах, у меня перед глазами визуальные образы — улицы, места, дома, события, люди.
Архитектура, воплощенная в музыке, мне очень помогает.
Это на подсознательном уровне — наверное, эта музыка для меня легче и ближе, чем для дирижеров, не родившихся в Ленинграде, не впитавших дух города.
Мы разговаривали с коллегами-дирижерами, которые моложе меня, и я понял, что им сложнее, потому что город стал другим, преобразился, стал удобен для туристов. Ощущения большой деревни, взаимовыручки, понимания — многое из этого ушло.
Василий Петренко
Когда начали записывать этот цикл, 1-ю, 5-ю, 6-ю, 7-ю, 10-ю симфонии я знал хорошо. По мере записи я узнавал много нового для себя, это был интересный большой проект.
Я считаю, что записи — важная часть жизни любого дирижера. Помимо Шостаковича, я записал цикл симфоний Рахманинова, Чайковского, Элгара, частично Прокофьева с Мясковским, Римского-Корсакова. Композитор, написав музыку, имеет шанс остаться в истории. А что останется от дирижера?..
Любимая оперетта Гитлера и Сталина
— Сейчас наметилась тенденция — дирижер становится вровень с творцом, с автором. Как вы к этому относитесь?
— Я считаю, это в корне неправильно. Вы не можете, читая книгу, переиначивать ее текст. Вы ее не писали, какое вы имеете право? Это не ваши мысли. Вы можете ее читать с разной выразительностью, по-разному расставлять акценты, но вы должны следовать тексту, следовать характеру.
Как долго интерпретации дирижеров остаются в памяти слушателей?
Сейчас мир очень быстро меняется — единицы будут помнить концерт через пять лет, через 10-15 — никто.
Поэтому записи чрезвычайно важны, это то, что остается в истории. Плюс это лучшая реклама любого оркестра. Благодаря записям того же Шостаковича оркестр Ливерпуля впервые за свою 170-летнюю историю поехал в Японию. Один из японских миллионеров, купив диск, решил, что этот оркестр выступит в Японии, и мы исполняли там 10-ю симфонию Шостаковича.
Я надеюсь продолжать записи с Госоркестром. В министерстве культуры мы обсуждали большой проект — запись полной антологии русской музыки. Подобную когда-то записывал Евгений Светланов, но с тех пор прошло пятьдесят лет. Качество, носители и технологии шагнули далеко вперед. К сожалению, многое из той антологии было утеряно или продано в 90-е. Светланов не сумел записать какие-то вещи в силу того, что некоторые произведения были не очень угодны, сейчас у нас есть возможность записать практически любое сочинение. Надеюсь, при поддержке государства удастся осуществить этот проект уже в современных форматах.
— В проекте «Все симфонии Шостаковича» концертного зала «Зарядье» вы исполняете 7-ю (Ленинградскую) симфонию. Давайте поговорим о ней отдельно.
— Главная тема первой части 7-й симфонии (тема нашествия — Прим.ред.) взята из оперетты Легара «Веселая вдова» и называется «Сюда идет Максим». По легенде семьи Шостаковичей, это была домашняя песня, и ее начинали напевать, когда Максим — сын Шостаковича, в 1942-м году совсем маленький, начинал бедокурить.
Дмитрий Шостакович во время репетиции 7-й симфонии в Новосибирске. Июль 1942 г.
Вторая версия — эта оперетта была одним из любимых произведений как Гитлера, так и Сталина, и они хорошо знали эту песню. Именно от этой версии пошли корни споров: какую силу имел в виду Шостакович — фашизм или сталинизм. Для меня это не так важно — это бесчувственная формалистическая сила, которая сметает любые человеческие отношения. Шостакович был в начале блокады в Ленинграде и видел, что там происходило, как по-разному проявляли себя люди — были как акты героизма, так и акты каннибализма. В первый, самый страшный год блокады из начальников города никто не похудел, в то время как люди умирали целыми семьями.
Моя бабушка пережила блокаду, и она просто замолкала, когда я просил ее хоть что-то рассказать.
Для многих ленинградцев это было табу. Все то, что произошло – это результат той механической безликой всепоглощающей бездушной силы.
На мой взгляд, в 7-й симфонии «жемчужина» — это вторая, медленная часть. Первая часть — оркестрово великолепно выстроенная технология, я как музыкант-профессионал уважаю ее за конструктивизм. А вот соединение разных характеров во второй части, то, как мелодии переходят одна в другую, как они формируют большую форму — это действительно гениально.
Я часто и всегда с большим воодушевлением исполняю 7-ю симфонию. Ее очень сложно поставить в репертуар, потому что это дорого — минимум 16 приглашенных медных инструментов плюс огромный оркестр. Мы предложили ее залу «Зарядье», они сразу согласились. Возможно, исполним с Госоркестром еще и 9-ю. Планирую и другие симфонии Шостаковича исполнять в следующих сезонах.
Василий Петренко. Фото: Вера Журавлева
«Через полчаса перед тобой сидят зомби»
— Василий Эдуардович, вы — новый художественный руководитель Госоркестра России. Что ждать московской публике в новом сезоне?
— Все три фестиваля: «Истории с оркестром», «Другое пространство» и Ново-Иерусалимский фестиваль будут продолжаться.
На 2022-23 год у меня есть предварительная договоренность сыграть все симфонии Бетховена: пять концертов за две недели. В России Бетховена играют слишком по-русски, но эмоции не должны преобладать над дисциплиной — это все-таки австро-немецкая музыка. Цикл будет похож на «Истории с оркестром» — перед каждой симфонией будем рассказывать, как Бетховен формировал оркестр, каким мы его знаем сейчас, как он формировал мировоззрение музыкантов, как создавал новый музыкальный язык.
Хочется сделать цикл симфоний Малера. Есть какие-то совсем неохваченные вещи в репертуаре Москвы — например, симфонические поэмы Штрауса или симфонии Сибелиуса, Элгара.
Есть два диска, которые я хочу записать: 7-я симфония Прокофьева вместе со струнными серенадами Мясковского и 1-я (Классическая) симфония и симфониетта Прокофьева — редко звучащая и сложная для исполнения вещь вместе с 1-й симфонией Мясковского, которая больше похожа на музыку Чайковского и Римского-Корсакова.
Дмитрий Дмитриевич Шостакович и Исаак Давидович Гликман в процессе работы над новой редакцией оперы «Леди Макбет» («Катерина Измайлова»). 1953 г., Комарово
— В одном из своих интервью вы сказали, что дирижера на Западе избирает оркестр. Не собираетесь ввести такую практику в Госоркестре?
— Сейчас именно это и произошло. Когда Владимир Юровский сказал, что уходит, минкульт прислушался к тому, что просил коллектив — они выдвинули мою кандидатуру. На мой взгляд, это правильно — ведь оркестру работать с этим человеком. Если он не подходит, есть два варианта развития событий — либо бунт на корабле, либо изгнание всех тех, кто теоретически может бунтовать. Я многократно видел, как великие дирижеры не могли сработаться с великими оркестрами. К сожалению, сейчас в моей профессии количество дирижеров-«строителей оркестра» — тех, кто выводит коллектив на новый уровень, — в разы меньше, нежели дирижеров-шоуменов.
Планирую ввести онлайн-опросник — на Западе это норма в любом оркестре. После концерта каждый оркестрант заполняет анкету — что ему понравилось или не понравилось: дирижер, солист, репертуар, плюс пояснения. Один-два раза в год будем проводить опрос — что необходимо исполнить. Это разделенная ответственность, такой подход приносит лучший результат, нежели «нам сказали — мы исполнили».
В репертуаре тоже важно соблюдать баланс: с одной стороны, не хочется все время исполнять 5-ю симфонию Чайковского и 2-й концерт Рахманинова, с другой стороны, если все время перегружать репертуар современной музыкой, оркестр и публика будут уставать из-за обилия незнакомого непростого материала.
Темп работы в России пока ниже. Как главный приглашенный дирижер Госоркестра в последние годы я это уже немного поправил, но нужно больше — возможность быть полностью сфокусированным в течение трех часов репетиций и возможность репетировать более интенсивно. Если что-то повторяем, то с какой-то целью, которую я всегда объясняю. Если мы повторяем, а ничего не изменилось, то значит, кто-то сидит «в отключке». К сожалению, в большинстве оркестров России ты можешь добиться полного включения на полчаса, через полчаса перед тобой сидят зомби — потому что нет тренировки и нет быстрого схватывания. Никого не должно волновать, что у вас дома, что у вас в жизни. Придя на работу, вы обязаны уважать других, обязаны быть полностью погруженными в работу.
Василий Петренко с Государственным академическим симфоническим оркестром. Фото: Вера Журавлева
Есть и обратная сторона медали — в западных оркестрах ты не можешь даже на минуту задержать коллектив, не можешь поменять расписание репетиций, не можешь поменять музыканта.
В России я всегда борюсь с разделением концертов на важные и не важные. Те, кто пришел на концерт не в московский зал, чем виноваты? Никого не волнует, как было вчера в столице — нужно здесь и сейчас. Если не любить то, чем ты занимаешься в профессии музыканта, то какой смысл? Денег заработать? Деньги проще заработать в других местах. Я оркестрантам всегда говорю: если ты машинист поезда метро, ты получаешь больше, чем музыкант Госкоркестра России. При этом усилий надо предпринимать намного меньше — ни в форме себя держать, ни учить, ни репетировать, ни концерты давать. Однако есть компенсация, и она только в одном — мы занимаемся любимым делом, а не нажимаем кнопку в метро целыми днями, чтобы поезд двинулся. Не так много радостей в жизни оркестрового музыканта, но одна из основных — любовь к делу, которым занимаешься.
Василий Петренко — новый художественный руководитель Госоркестра России им. Е.Ф.Светланова. Записал с Королевским оркестром Ливерпуля все 15 симфоний Дмитрия Шостаковича.