Вся живопись так или иначе показывает жизнь и быт в деталях и мелочах. Усадьбы, квартиры, дома и дворики не менее важные, хотя намного менее заметные персонажи картин, чем главные действующие лица. Объясняем на примерах.
«Девочка с персиками», Валентин Серов, 1887 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Портрет Веры Мамонтовой — 11-летней дочери Саввы Мамонтова, хозяина усадьбы в Абрамцеве. В конце XIX века эта усадьба, ранее принадлежавшая писателю Сергею Аксакову, а потом — меценату Савве Мамонтову, стала местом, где встречались, спорили, обсуждали творческие замыслы выдающиеся представители творческой интеллигенции: литераторы, художники, скульпторы. Василий Поленов, Виктор Васнецов, Илья Репин, Михаил Врубель, гостившие и работавшие в усадьбе, даже образовали неформальный Мамонтовский кружок. Бывал тут, разумеется, и Валентин Серов, который в 1887 году нарисовал Веру в интерьере усадьбы.
Усадьба была куплена за 15 тыс. рублей (по сегодняшним меркам это примерно 20 млн рублей), хотя ее состояние оставляло желать лучшего. Впрочем, построена она была из качественной древесины, что позволило закрыть глаза на недостатки. К усадьбе прилагалось 284 десятины земли (413 га). Вскоре после покупки начался масштабный ремонт и строительство новых зданий: бани, сказочного терема, церквушки и мастерских.
На картинке перед нами одна из анфиладных комнат (анфилада — длинный сквозной ряд комнат в усадьбах и дворцах). За большим раздвижным столом, за которым художнику позировала Вера (работа над картиной длилась два месяца), по вечерам собирались шумные компании. Роскошные стулья из красного дерева уже к моменту написания картины заслужили статус антиквариата.
Игрушку — фигурку гренадера (она до сих пор стоит в том же углу) купили у местных сергиево-посадских кустарей в Троице-Сергиевой лавре. Сначала она была нераскрашенной, но Серов взялся за краски и исправил этот недостаток. На стене — керамическая декоративная тарелка. Авторство ее неизвестно, зато известно, что позже в гончарной мастерской Абрамцева работал создатель знаменитого «Демона сидящего» Михаил Врубель, увлекавшийся керамикой и даже руководивший «заводом изразцовых и терракотовых декораций».
«Опять двойка», Федор Решетников, 1952 год
Автор: Решетников, Фёдор Павлович (1906–1986), Добросовестное использование, https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=727419
Эта картина — лишь часть задуманного Решетниковым триптиха. Первая часть — «Прибыл на каникулы» изображает маленького ученика Суворовского училища, приехавшего под Рождество домой. К слову, эта картина, если присмотреться, видна во второй части триптиха «Опять двойка» — вон она, за спиной сестры-отличницы. А сюжет третьей части — картины «Переэкзаменовка» продолжает предсказуемый путь двоечника. «Переэкзаменовка» напоминает содержание предыдущих серий триптиха все тем же приемом «картина в картине»: рядом с окном, за которым шумят летние детские игры, увы, недоступные нашему герою, изображена репродукция картины «Опять двойка».
Но вернемся к главному. По словам историков, квартира, изображенная на картине «Опять двойка», списана с квартиры соседа Решетниковых — художника-авангардиста Густава Клуциса, «роль» двоечника исполняет его сын (хоккейный вратарь — отсюда и коньки). Самого Клуциса в 1938 году расстреляли по сфабрикованному делу, обвинив в участии в «фашистском заговоре латышских националистов». Позже семьи Решетникова и Клуциса поменялись квартирами, так что на момент написания «Двойки» хозяином был уже художник. На картине мы видим интерьер достаточно обеспеченного семейства: велосипед, ковер, на стене — часы-ходики. Очевидно, семья живет в собственной квартире — как минимум двухкомнатной, а это для 1952 года уже успех.
Виден на картине и краешек какой-то монументальной мебели — вполне вероятно, это популярный в те времена буфет-горка. В зависимости от материального благосостояния семьи в буфете хранились или довольно стандартные тарелки, блюдца, чашки, или гораздо более ценные приборы посуды, доставшиеся в наследство. От стола (прямо по центру картины) отодвинут обитый кожей кабинетный стул — еще один характерный признак эпохи. Такие стулья были доступны далеко не всем.
Наличие отопления и электричества в квартире тех времен (мы видим выключатель и батарею) — еще один бесценный подарок судьбы: в те времена даже в центре Москвы еще сохранялись деревянные дома-бараки без центральных коммуникаций, так что теплая и светлая квартира (да еще и своя!) по тем временам была скорее редкостью.
«За туалетом. Автопортрет», Зинаида Серебрякова, 1909 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
По мнению искусствоведов, художница работала над автопортретом, предполагая, что ее зрителями будут в основном близкие ей люди. Она предпочла изобразить свою женскую, домашнюю ипостась, которую подчеркивают окружающие ее предметы, а не профессиональную принадлежность.
На картине запечатлен интерьер дома, расположенного в селе Нескучное Курской губернии, где художница родилась и где потом поселилась вместе с мужем после полугода жизни в Париже. Учитывая, что за окном на тот момент была зима, а Серебрякова одета легко, в доме было не только светло, но и тепло. Для начала века такой деревенский интерьер не был бедным, хотя и выглядит просто: в доме есть свой умывальник с классическим эмалированным тазиком и кувшином и туалетный столик со «всякой мелочью», как назвала его содержимое сама художница: стеклянные флаконы с духами, подушечка со шпильками для шляп, расписная коробка с бусами.
Весь этот радостный и нежный интерьер, к слову, оказался для очевидцев эпохи почти лучом света. Другая часть интерьера, пусть и чуть менее светлая, изображена на другой картине той поры — «Портрет Жени Серебрякова»: самая обычная детская кроватка, ночной горшок, дымковские игрушки. Беленые стены и отблеск свечей (свечи — частый атрибут картин художницы, они являлись честными бытовыми помощниками), чистое белье, незатейливые картинки по стенам — всё это свидетельствует о простом семейном счастье и неплохом материальном положении.
Спустя несколько лет начнется Гражданская война, подожженное имение сгорит, муж Серебряковой умрет от тифа, а сама она с детьми будет вынуждена переехать в Париж.
«Новоселье», Кузьма Петров-Водкин, 1937 год
Автор: Козьма Сергеевич Петров-Водкин, Общественное достояние, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=878191
Перед нами расположенная в центре Петербурга (тогда Петрограда) квартира с прекрасным видом на Неву и Петропавловскую крепость. Название и без того красноречиво объясняет сюжет, но поясним, что за история стояла за созданием картины. Уже больной туберкулезом художник получил заказ от выставки «Индустрия социализма» — написать сюжет, как из квартиры выселяют состоятельную семью, не принявшую советскую власть. Тогда выселения и уплотнения практиковались повсеместно, жилплощадь можно было потерять в считаные минуты, да и очередь из жильцов поджимала (в городе уже проживали около 3 млн человек). Таких злодеев художник писать отказался, сославшись на то, что даже в самых ужасных людях есть что-то человеческое, и красками рассказал историю с середины: когда «плохая» семья буржуев уже выселена, а «хорошая» семья пролетариев только въезжает.
«Время действия — 1922 год. Весна. Рабочая семья получила новую квартиру в центре города. Прежний хозяин ее — фабрикант или банкир, очевидно, сбежал за границу. В большой комнате с окнами на Неву собралось человек 20: хозяева и их гости, простые, хорошие люди. В самом их подборе, в выражениях лиц, в одежде, в движениях я показываю и следы оставшейся позади Гражданской войны, и начало новой социалистической стройки», — так художник пояснял свою картину «Новоселье».
Квартиры в центре Петербурга–Петрограда–Ленинграда всегда были достаточно дорогими. Описываемое время не стало исключением. К тому же от прошлых владельцев простой рабоче-крестьянской семье досталась и мебель с убранством, что вносит абсолютный диссонанс: барочные лампы и дворцовые стулья соседствуют с деревенским половичком и самодельными табуретками. Рядом с парадным зеркалом развешаны уже никому не нужные портреты в классическом стиле. Французское окно разбито, а дыру прикрыли фанерой, чтобы ледяной ветер с реки не тревожил тяжелые портьеры.
А вот печка-буржуйка вполне могла принадлежать и прежним хозяевам: после революции и Гражданской войны в городе отключили паровое отопление и даже тем, кто жил в подъездах с мраморными лестницами, приходилось прибегать к народным методам обогрева. Над шкафом — пустой иконный оклад (по стране шагал атеизм), но осталась забытая воткнутая в него веточка вербы.
К слову, жюри выставки отказалось принимать работу художника: слишком очевидно прослеживались в ней нелепость и трагизм положения.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Странно было бы обойти вниманием этот великолепный образец быта второй половины позапрошлого века! Родилась задумка в абсолютно бытовых обстоятельствах: Поленов только-только приехал в Москву и присматривал себе квартиру, потратив на это занятие около трех недель — баз недвижимости тогда не было, поиски сводились к прогулкам по городу и высматриванию соответствующих объявлений на дверях.
В то время аренда была гораздо более популярным способом обеспечить себе крышу над головой, чем покупка. Как писал в 70-х годах XIX века репортер «Биржевой газеты» Владимир Михневич, в районе Пречистенки особняки в те времена можно было купить за 30–50 тыс. рублей (при этом министерские зарплаты составляли около 8 тыс. рублей в год, более простые москвичи получали не более 100 рублей, что считалось неплохим доходом).
А вот снять жилье предлагалось от 20 копеек за ночь. Средняя стоимость ежемесячной аренды более-менее комфортной квартиры с парой комнат обходилась примерно в 42 рубля, писал Михневич. В меблированных комнатах (к ним прилагались уборка и подача чая) аренда стоила примерно 9 рублей в месяц.
Но вернемся к ищущему жилье художнику. Один из просмотров случился в районе нынешнего Арбата — на пересечении Дурновского (ныне Композиторская улица) и Трубниковского переулков. Увидев записку на двери, художник зашел, выглянув в окно, увидел вот этот самый дворик, который «тут же сел и написал» (речь идет об этюде, названном «Московский уголок», картина-шедевр появится позже). Кстати, церковь на заднем плане существует до сих пор — это храм Преображения Господня на Песках, расположенный в Спасопесковском переулке. За ней видно церковь Николая Чудотворца в Плотниках — ее снесут в 1932 году.
«Московские ведомости» описали изображение так: «Старинный деревянный дом, дом-особняк, закутался в теплую тень старинного густого разросшегося сада. Мы знаем его, это родовое гнездо… Да, это он, старинный мирный дом, доживающий свой век вместе со своим садом и своим “двориком”».
Что еще мы видим? Колодец и женщину с тяжелым ведром (водопровода, разумеется, не было), сарай, луг и играющих на нем детей, готовую для поездки запряженную лошадь, развешенное на солнце белье и даже свободно разгуливающих на месте сегодняшней парковки кур — довольно провинциальный вид (не забываем, тогда Москва не была столицей). Совершенно деревенская картина, не правда ли? О том, что дело происходит все-таки в городе, напоминает каменная усадьба подполковника Александра Юрьева.
Любопытно, что уже тогда в Москве (да и по всей империи) действовал указ, принятый еще Петром I: все постройки необходимо согласовывать в полицмейстерской канцелярии. Но, как это часто бывает, на указ и его выполнение смотрели сквозь пальцы — в результате появлялись многочисленные самострои, а дома строились не вдоль красной линии, как того требовали законы градостроительства, а по старинке — в глубине дворов, что мы и видим на картине.
Спустя всего несколько лет этот подход все же изменится — дома начнут возводить по правилам. Появится более четкая планировка города, у домов появятся парадные фасады, а улицы станут шире. Московские дворики уменьшатся, а затем и вовсе превратятся в исчезающую натуру.
Вся живопись так или иначе показывает жизнь и быт в деталях и мелочах. Усадьбы, квартиры, дома и дворики не менее важные, хотя намного менее заметные персонажи картин, чем главные действующие лица. Объясняем на примерах.
«Девочка с персиками», Валентин Серов, 1887 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Портрет Веры Мамонтовой — 11-летней дочери Саввы Мамонтова, хозяина усадьбы в Абрамцеве. В конце XIX века эта усадьба, ранее принадлежавшая писателю Сергею Аксакову, а потом — меценату Савве Мамонтову, стала местом, где встречались, спорили, обсуждали творческие замыслы выдающиеся представители творческой интеллигенции: литераторы, художники, скульпторы. Василий Поленов, Виктор Васнецов, Илья Репин, Михаил Врубель, гостившие и работавшие в усадьбе, даже образовали неформальный Мамонтовский кружок. Бывал тут, разумеется, и Валентин Серов, который в 1887 году нарисовал Веру в интерьере усадьбы.
Усадьба была куплена за 15 тыс. рублей (по сегодняшним меркам это примерно 20 млн рублей), хотя ее состояние оставляло желать лучшего. Впрочем, построена она была из качественной древесины, что позволило закрыть глаза на недостатки. К усадьбе прилагалось 284 десятины земли (413 га). Вскоре после покупки начался масштабный ремонт и строительство новых зданий: бани, сказочного терема, церквушки и мастерских.
На картинке перед нами одна из анфиладных комнат (анфилада — длинный сквозной ряд комнат в усадьбах и дворцах). За большим раздвижным столом, за которым художнику позировала Вера (работа над картиной длилась два месяца), по вечерам собирались шумные компании. Роскошные стулья из красного дерева уже к моменту написания картины заслужили статус антиквариата.
Игрушку — фигурку гренадера (она до сих пор стоит в том же углу) купили у местных сергиево-посадских кустарей в Троице-Сергиевой лавре. Сначала она была нераскрашенной, но Серов взялся за краски и исправил этот недостаток. На стене — керамическая декоративная тарелка. Авторство ее неизвестно, зато известно, что позже в гончарной мастерской Абрамцева работал создатель знаменитого «Демона сидящего» Михаил Врубель, увлекавшийся керамикой и даже руководивший «заводом изразцовых и терракотовых декораций».
«Опять двойка», Федор Решетников, 1952 год
Автор: Решетников, Фёдор Павлович (1906–1986), Добросовестное использование, https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=727419
Эта картина — лишь часть задуманного Решетниковым триптиха. Первая часть — «Прибыл на каникулы» изображает маленького ученика Суворовского училища, приехавшего под Рождество домой. К слову, эта картина, если присмотреться, видна во второй части триптиха «Опять двойка» — вон она, за спиной сестры-отличницы. А сюжет третьей части — картины «Переэкзаменовка» продолжает предсказуемый путь двоечника. «Переэкзаменовка» напоминает содержание предыдущих серий триптиха все тем же приемом «картина в картине»: рядом с окном, за которым шумят летние детские игры, увы, недоступные нашему герою, изображена репродукция картины «Опять двойка».
Но вернемся к главному. По словам историков, квартира, изображенная на картине «Опять двойка», списана с квартиры соседа Решетниковых — художника-авангардиста Густава Клуциса, «роль» двоечника исполняет его сын (хоккейный вратарь — отсюда и коньки). Самого Клуциса в 1938 году расстреляли по сфабрикованному делу, обвинив в участии в «фашистском заговоре латышских националистов». Позже семьи Решетникова и Клуциса поменялись квартирами, так что на момент написания «Двойки» хозяином был уже художник. На картине мы видим интерьер достаточно обеспеченного семейства: велосипед, ковер, на стене — часы-ходики. Очевидно, семья живет в собственной квартире — как минимум двухкомнатной, а это для 1952 года уже успех.
Виден на картине и краешек какой-то монументальной мебели — вполне вероятно, это популярный в те времена буфет-горка. В зависимости от материального благосостояния семьи в буфете хранились или довольно стандартные тарелки, блюдца, чашки, или гораздо более ценные приборы посуды, доставшиеся в наследство. От стола (прямо по центру картины) отодвинут обитый кожей кабинетный стул — еще один характерный признак эпохи. Такие стулья были доступны далеко не всем.
Наличие отопления и электричества в квартире тех времен (мы видим выключатель и батарею) — еще один бесценный подарок судьбы: в те времена даже в центре Москвы еще сохранялись деревянные дома-бараки без центральных коммуникаций, так что теплая и светлая квартира (да еще и своя!) по тем временам была скорее редкостью.
«За туалетом. Автопортрет», Зинаида Серебрякова, 1909 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
По мнению искусствоведов, художница работала над автопортретом, предполагая, что ее зрителями будут в основном близкие ей люди. Она предпочла изобразить свою женскую, домашнюю ипостась, которую подчеркивают окружающие ее предметы, а не профессиональную принадлежность.
На картине запечатлен интерьер дома, расположенного в селе Нескучное Курской губернии, где художница родилась и где потом поселилась вместе с мужем после полугода жизни в Париже. Учитывая, что за окном на тот момент была зима, а Серебрякова одета легко, в доме было не только светло, но и тепло. Для начала века такой деревенский интерьер не был бедным, хотя и выглядит просто: в доме есть свой умывальник с классическим эмалированным тазиком и кувшином и туалетный столик со «всякой мелочью», как назвала его содержимое сама художница: стеклянные флаконы с духами, подушечка со шпильками для шляп, расписная коробка с бусами.
Весь этот радостный и нежный интерьер, к слову, оказался для очевидцев эпохи почти лучом света. Другая часть интерьера, пусть и чуть менее светлая, изображена на другой картине той поры — «Портрет Жени Серебрякова»: самая обычная детская кроватка, ночной горшок, дымковские игрушки. Беленые стены и отблеск свечей (свечи — частый атрибут картин художницы, они являлись честными бытовыми помощниками), чистое белье, незатейливые картинки по стенам — всё это свидетельствует о простом семейном счастье и неплохом материальном положении.
Спустя несколько лет начнется Гражданская война, подожженное имение сгорит, муж Серебряковой умрет от тифа, а сама она с детьми будет вынуждена переехать в Париж.
«Новоселье», Кузьма Петров-Водкин, 1937 год
Автор: Козьма Сергеевич Петров-Водкин, Общественное достояние, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=878191
Перед нами расположенная в центре Петербурга (тогда Петрограда) квартира с прекрасным видом на Неву и Петропавловскую крепость. Название и без того красноречиво объясняет сюжет, но поясним, что за история стояла за созданием картины. Уже больной туберкулезом художник получил заказ от выставки «Индустрия социализма» — написать сюжет, как из квартиры выселяют состоятельную семью, не принявшую советскую власть. Тогда выселения и уплотнения практиковались повсеместно, жилплощадь можно было потерять в считаные минуты, да и очередь из жильцов поджимала (в городе уже проживали около 3 млн человек). Таких злодеев художник писать отказался, сославшись на то, что даже в самых ужасных людях есть что-то человеческое, и красками рассказал историю с середины: когда «плохая» семья буржуев уже выселена, а «хорошая» семья пролетариев только въезжает.
«Время действия — 1922 год. Весна. Рабочая семья получила новую квартиру в центре города. Прежний хозяин ее — фабрикант или банкир, очевидно, сбежал за границу. В большой комнате с окнами на Неву собралось человек 20: хозяева и их гости, простые, хорошие люди. В самом их подборе, в выражениях лиц, в одежде, в движениях я показываю и следы оставшейся позади Гражданской войны, и начало новой социалистической стройки», — так художник пояснял свою картину «Новоселье».
Квартиры в центре Петербурга–Петрограда–Ленинграда всегда были достаточно дорогими. Описываемое время не стало исключением. К тому же от прошлых владельцев простой рабоче-крестьянской семье досталась и мебель с убранством, что вносит абсолютный диссонанс: барочные лампы и дворцовые стулья соседствуют с деревенским половичком и самодельными табуретками. Рядом с парадным зеркалом развешаны уже никому не нужные портреты в классическом стиле. Французское окно разбито, а дыру прикрыли фанерой, чтобы ледяной ветер с реки не тревожил тяжелые портьеры.
А вот печка-буржуйка вполне могла принадлежать и прежним хозяевам: после революции и Гражданской войны в городе отключили паровое отопление и даже тем, кто жил в подъездах с мраморными лестницами, приходилось прибегать к народным методам обогрева. Над шкафом — пустой иконный оклад (по стране шагал атеизм), но осталась забытая воткнутая в него веточка вербы.
К слову, жюри выставки отказалось принимать работу художника: слишком очевидно прослеживались в ней нелепость и трагизм положения.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Странно было бы обойти вниманием этот великолепный образец быта второй половины позапрошлого века! Родилась задумка в абсолютно бытовых обстоятельствах: Поленов только-только приехал в Москву и присматривал себе квартиру, потратив на это занятие около трех недель — баз недвижимости тогда не было, поиски сводились к прогулкам по городу и высматриванию соответствующих объявлений на дверях.
В то время аренда была гораздо более популярным способом обеспечить себе крышу над головой, чем покупка. Как писал в 70-х годах XIX века репортер «Биржевой газеты» Владимир Михневич, в районе Пречистенки особняки в те времена можно было купить за 30–50 тыс. рублей (при этом министерские зарплаты составляли около 8 тыс. рублей в год, более простые москвичи получали не более 100 рублей, что считалось неплохим доходом).
А вот снять жилье предлагалось от 20 копеек за ночь. Средняя стоимость ежемесячной аренды более-менее комфортной квартиры с парой комнат обходилась примерно в 42 рубля, писал Михневич. В меблированных комнатах (к ним прилагались уборка и подача чая) аренда стоила примерно 9 рублей в месяц.
Но вернемся к ищущему жилье художнику. Один из просмотров случился в районе нынешнего Арбата — на пересечении Дурновского (ныне Композиторская улица) и Трубниковского переулков. Увидев записку на двери, художник зашел, выглянув в окно, увидел вот этот самый дворик, который «тут же сел и написал» (речь идет об этюде, названном «Московский уголок», картина-шедевр появится позже). Кстати, церковь на заднем плане существует до сих пор — это храм Преображения Господня на Песках, расположенный в Спасопесковском переулке. За ней видно церковь Николая Чудотворца в Плотниках — ее снесут в 1932 году.
«Московские ведомости» описали изображение так: «Старинный деревянный дом, дом-особняк, закутался в теплую тень старинного густого разросшегося сада. Мы знаем его, это родовое гнездо… Да, это он, старинный мирный дом, доживающий свой век вместе со своим садом и своим “двориком”».
Что еще мы видим? Колодец и женщину с тяжелым ведром (водопровода, разумеется, не было), сарай, луг и играющих на нем детей, готовую для поездки запряженную лошадь, развешенное на солнце белье и даже свободно разгуливающих на месте сегодняшней парковки кур — довольно провинциальный вид (не забываем, тогда Москва не была столицей). Совершенно деревенская картина, не правда ли? О том, что дело происходит все-таки в городе, напоминает каменная усадьба подполковника Александра Юрьева.
Любопытно, что уже тогда в Москве (да и по всей империи) действовал указ, принятый еще Петром I: все постройки необходимо согласовывать в полицмейстерской канцелярии. Но, как это часто бывает, на указ и его выполнение смотрели сквозь пальцы — в результате появлялись многочисленные самострои, а дома строились не вдоль красной линии, как того требовали законы градостроительства, а по старинке — в глубине дворов, что мы и видим на картине.
Спустя всего несколько лет этот подход все же изменится — дома начнут возводить по правилам. Появится более четкая планировка города, у домов появятся парадные фасады, а улицы станут шире. Московские дворики уменьшатся, а затем и вовсе превратятся в исчезающую натуру.
Вся живопись так или иначе показывает жизнь и быт в деталях и мелочах. Усадьбы, квартиры, дома и дворики не менее важные, хотя намного менее заметные персонажи картин, чем главные действующие лица. Объясняем на примерах.
«Девочка с персиками», Валентин Серов, 1887 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Портрет Веры Мамонтовой — 11-летней дочери Саввы Мамонтова, хозяина усадьбы в Абрамцеве. В конце XIX века эта усадьба, ранее принадлежавшая писателю Сергею Аксакову, а потом — меценату Савве Мамонтову, стала местом, где встречались, спорили, обсуждали творческие замыслы выдающиеся представители творческой интеллигенции: литераторы, художники, скульпторы. Василий Поленов, Виктор Васнецов, Илья Репин, Михаил Врубель, гостившие и работавшие в усадьбе, даже образовали неформальный Мамонтовский кружок. Бывал тут, разумеется, и Валентин Серов, который в 1887 году нарисовал Веру в интерьере усадьбы.
Усадьба была куплена за 15 тыс. рублей (по сегодняшним меркам это примерно 20 млн рублей), хотя ее состояние оставляло желать лучшего. Впрочем, построена она была из качественной древесины, что позволило закрыть глаза на недостатки. К усадьбе прилагалось 284 десятины земли (413 га). Вскоре после покупки начался масштабный ремонт и строительство новых зданий: бани, сказочного терема, церквушки и мастерских.
На картинке перед нами одна из анфиладных комнат (анфилада — длинный сквозной ряд комнат в усадьбах и дворцах). За большим раздвижным столом, за которым художнику позировала Вера (работа над картиной длилась два месяца), по вечерам собирались шумные компании. Роскошные стулья из красного дерева уже к моменту написания картины заслужили статус антиквариата.
Игрушку — фигурку гренадера (она до сих пор стоит в том же углу) купили у местных сергиево-посадских кустарей в Троице-Сергиевой лавре. Сначала она была нераскрашенной, но Серов взялся за краски и исправил этот недостаток. На стене — керамическая декоративная тарелка. Авторство ее неизвестно, зато известно, что позже в гончарной мастерской Абрамцева работал создатель знаменитого «Демона сидящего» Михаил Врубель, увлекавшийся керамикой и даже руководивший «заводом изразцовых и терракотовых декораций».
«Опять двойка», Федор Решетников, 1952 год
Автор: Решетников, Фёдор Павлович (1906–1986), Добросовестное использование, https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=727419
Эта картина — лишь часть задуманного Решетниковым триптиха. Первая часть — «Прибыл на каникулы» изображает маленького ученика Суворовского училища, приехавшего под Рождество домой. К слову, эта картина, если присмотреться, видна во второй части триптиха «Опять двойка» — вон она, за спиной сестры-отличницы. А сюжет третьей части — картины «Переэкзаменовка» продолжает предсказуемый путь двоечника. «Переэкзаменовка» напоминает содержание предыдущих серий триптиха все тем же приемом «картина в картине»: рядом с окном, за которым шумят летние детские игры, увы, недоступные нашему герою, изображена репродукция картины «Опять двойка».
Но вернемся к главному. По словам историков, квартира, изображенная на картине «Опять двойка», списана с квартиры соседа Решетниковых — художника-авангардиста Густава Клуциса, «роль» двоечника исполняет его сын (хоккейный вратарь — отсюда и коньки). Самого Клуциса в 1938 году расстреляли по сфабрикованному делу, обвинив в участии в «фашистском заговоре латышских националистов». Позже семьи Решетникова и Клуциса поменялись квартирами, так что на момент написания «Двойки» хозяином был уже художник. На картине мы видим интерьер достаточно обеспеченного семейства: велосипед, ковер, на стене — часы-ходики. Очевидно, семья живет в собственной квартире — как минимум двухкомнатной, а это для 1952 года уже успех.
Виден на картине и краешек какой-то монументальной мебели — вполне вероятно, это популярный в те времена буфет-горка. В зависимости от материального благосостояния семьи в буфете хранились или довольно стандартные тарелки, блюдца, чашки, или гораздо более ценные приборы посуды, доставшиеся в наследство. От стола (прямо по центру картины) отодвинут обитый кожей кабинетный стул — еще один характерный признак эпохи. Такие стулья были доступны далеко не всем.
Наличие отопления и электричества в квартире тех времен (мы видим выключатель и батарею) — еще один бесценный подарок судьбы: в те времена даже в центре Москвы еще сохранялись деревянные дома-бараки без центральных коммуникаций, так что теплая и светлая квартира (да еще и своя!) по тем временам была скорее редкостью.
«За туалетом. Автопортрет», Зинаида Серебрякова, 1909 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
По мнению искусствоведов, художница работала над автопортретом, предполагая, что ее зрителями будут в основном близкие ей люди. Она предпочла изобразить свою женскую, домашнюю ипостась, которую подчеркивают окружающие ее предметы, а не профессиональную принадлежность.
На картине запечатлен интерьер дома, расположенного в селе Нескучное Курской губернии, где художница родилась и где потом поселилась вместе с мужем после полугода жизни в Париже. Учитывая, что за окном на тот момент была зима, а Серебрякова одета легко, в доме было не только светло, но и тепло. Для начала века такой деревенский интерьер не был бедным, хотя и выглядит просто: в доме есть свой умывальник с классическим эмалированным тазиком и кувшином и туалетный столик со «всякой мелочью», как назвала его содержимое сама художница: стеклянные флаконы с духами, подушечка со шпильками для шляп, расписная коробка с бусами.
Весь этот радостный и нежный интерьер, к слову, оказался для очевидцев эпохи почти лучом света. Другая часть интерьера, пусть и чуть менее светлая, изображена на другой картине той поры — «Портрет Жени Серебрякова»: самая обычная детская кроватка, ночной горшок, дымковские игрушки. Беленые стены и отблеск свечей (свечи — частый атрибут картин художницы, они являлись честными бытовыми помощниками), чистое белье, незатейливые картинки по стенам — всё это свидетельствует о простом семейном счастье и неплохом материальном положении.
Спустя несколько лет начнется Гражданская война, подожженное имение сгорит, муж Серебряковой умрет от тифа, а сама она с детьми будет вынуждена переехать в Париж.
«Новоселье», Кузьма Петров-Водкин, 1937 год
Автор: Козьма Сергеевич Петров-Водкин, Общественное достояние, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=878191
Перед нами расположенная в центре Петербурга (тогда Петрограда) квартира с прекрасным видом на Неву и Петропавловскую крепость. Название и без того красноречиво объясняет сюжет, но поясним, что за история стояла за созданием картины. Уже больной туберкулезом художник получил заказ от выставки «Индустрия социализма» — написать сюжет, как из квартиры выселяют состоятельную семью, не принявшую советскую власть. Тогда выселения и уплотнения практиковались повсеместно, жилплощадь можно было потерять в считаные минуты, да и очередь из жильцов поджимала (в городе уже проживали около 3 млн человек). Таких злодеев художник писать отказался, сославшись на то, что даже в самых ужасных людях есть что-то человеческое, и красками рассказал историю с середины: когда «плохая» семья буржуев уже выселена, а «хорошая» семья пролетариев только въезжает.
«Время действия — 1922 год. Весна. Рабочая семья получила новую квартиру в центре города. Прежний хозяин ее — фабрикант или банкир, очевидно, сбежал за границу. В большой комнате с окнами на Неву собралось человек 20: хозяева и их гости, простые, хорошие люди. В самом их подборе, в выражениях лиц, в одежде, в движениях я показываю и следы оставшейся позади Гражданской войны, и начало новой социалистической стройки», — так художник пояснял свою картину «Новоселье».
Квартиры в центре Петербурга–Петрограда–Ленинграда всегда были достаточно дорогими. Описываемое время не стало исключением. К тому же от прошлых владельцев простой рабоче-крестьянской семье досталась и мебель с убранством, что вносит абсолютный диссонанс: барочные лампы и дворцовые стулья соседствуют с деревенским половичком и самодельными табуретками. Рядом с парадным зеркалом развешаны уже никому не нужные портреты в классическом стиле. Французское окно разбито, а дыру прикрыли фанерой, чтобы ледяной ветер с реки не тревожил тяжелые портьеры.
А вот печка-буржуйка вполне могла принадлежать и прежним хозяевам: после революции и Гражданской войны в городе отключили паровое отопление и даже тем, кто жил в подъездах с мраморными лестницами, приходилось прибегать к народным методам обогрева. Над шкафом — пустой иконный оклад (по стране шагал атеизм), но осталась забытая воткнутая в него веточка вербы.
К слову, жюри выставки отказалось принимать работу художника: слишком очевидно прослеживались в ней нелепость и трагизм положения.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Странно было бы обойти вниманием этот великолепный образец быта второй половины позапрошлого века! Родилась задумка в абсолютно бытовых обстоятельствах: Поленов только-только приехал в Москву и присматривал себе квартиру, потратив на это занятие около трех недель — баз недвижимости тогда не было, поиски сводились к прогулкам по городу и высматриванию соответствующих объявлений на дверях.
В то время аренда была гораздо более популярным способом обеспечить себе крышу над головой, чем покупка. Как писал в 70-х годах XIX века репортер «Биржевой газеты» Владимир Михневич, в районе Пречистенки особняки в те времена можно было купить за 30–50 тыс. рублей (при этом министерские зарплаты составляли около 8 тыс. рублей в год, более простые москвичи получали не более 100 рублей, что считалось неплохим доходом).
А вот снять жилье предлагалось от 20 копеек за ночь. Средняя стоимость ежемесячной аренды более-менее комфортной квартиры с парой комнат обходилась примерно в 42 рубля, писал Михневич. В меблированных комнатах (к ним прилагались уборка и подача чая) аренда стоила примерно 9 рублей в месяц.
Но вернемся к ищущему жилье художнику. Один из просмотров случился в районе нынешнего Арбата — на пересечении Дурновского (ныне Композиторская улица) и Трубниковского переулков. Увидев записку на двери, художник зашел, выглянув в окно, увидел вот этот самый дворик, который «тут же сел и написал» (речь идет об этюде, названном «Московский уголок», картина-шедевр появится позже). Кстати, церковь на заднем плане существует до сих пор — это храм Преображения Господня на Песках, расположенный в Спасопесковском переулке. За ней видно церковь Николая Чудотворца в Плотниках — ее снесут в 1932 году.
«Московские ведомости» описали изображение так: «Старинный деревянный дом, дом-особняк, закутался в теплую тень старинного густого разросшегося сада. Мы знаем его, это родовое гнездо… Да, это он, старинный мирный дом, доживающий свой век вместе со своим садом и своим “двориком”».
Что еще мы видим? Колодец и женщину с тяжелым ведром (водопровода, разумеется, не было), сарай, луг и играющих на нем детей, готовую для поездки запряженную лошадь, развешенное на солнце белье и даже свободно разгуливающих на месте сегодняшней парковки кур — довольно провинциальный вид (не забываем, тогда Москва не была столицей). Совершенно деревенская картина, не правда ли? О том, что дело происходит все-таки в городе, напоминает каменная усадьба подполковника Александра Юрьева.
Любопытно, что уже тогда в Москве (да и по всей империи) действовал указ, принятый еще Петром I: все постройки необходимо согласовывать в полицмейстерской канцелярии. Но, как это часто бывает, на указ и его выполнение смотрели сквозь пальцы — в результате появлялись многочисленные самострои, а дома строились не вдоль красной линии, как того требовали законы градостроительства, а по старинке — в глубине дворов, что мы и видим на картине.
Спустя всего несколько лет этот подход все же изменится — дома начнут возводить по правилам. Появится более четкая планировка города, у домов появятся парадные фасады, а улицы станут шире. Московские дворики уменьшатся, а затем и вовсе превратятся в исчезающую натуру.
Вся живопись так или иначе показывает жизнь и быт в деталях и мелочах. Усадьбы, квартиры, дома и дворики не менее важные, хотя намного менее заметные персонажи картин, чем главные действующие лица. Объясняем на примерах.
«Девочка с персиками», Валентин Серов, 1887 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Портрет Веры Мамонтовой — 11-летней дочери Саввы Мамонтова, хозяина усадьбы в Абрамцеве. В конце XIX века эта усадьба, ранее принадлежавшая писателю Сергею Аксакову, а потом — меценату Савве Мамонтову, стала местом, где встречались, спорили, обсуждали творческие замыслы выдающиеся представители творческой интеллигенции: литераторы, художники, скульпторы. Василий Поленов, Виктор Васнецов, Илья Репин, Михаил Врубель, гостившие и работавшие в усадьбе, даже образовали неформальный Мамонтовский кружок. Бывал тут, разумеется, и Валентин Серов, который в 1887 году нарисовал Веру в интерьере усадьбы.
Усадьба была куплена за 15 тыс. рублей (по сегодняшним меркам это примерно 20 млн рублей), хотя ее состояние оставляло желать лучшего. Впрочем, построена она была из качественной древесины, что позволило закрыть глаза на недостатки. К усадьбе прилагалось 284 десятины земли (413 га). Вскоре после покупки начался масштабный ремонт и строительство новых зданий: бани, сказочного терема, церквушки и мастерских.
На картинке перед нами одна из анфиладных комнат (анфилада — длинный сквозной ряд комнат в усадьбах и дворцах). За большим раздвижным столом, за которым художнику позировала Вера (работа над картиной длилась два месяца), по вечерам собирались шумные компании. Роскошные стулья из красного дерева уже к моменту написания картины заслужили статус антиквариата.
Игрушку — фигурку гренадера (она до сих пор стоит в том же углу) купили у местных сергиево-посадских кустарей в Троице-Сергиевой лавре. Сначала она была нераскрашенной, но Серов взялся за краски и исправил этот недостаток. На стене — керамическая декоративная тарелка. Авторство ее неизвестно, зато известно, что позже в гончарной мастерской Абрамцева работал создатель знаменитого «Демона сидящего» Михаил Врубель, увлекавшийся керамикой и даже руководивший «заводом изразцовых и терракотовых декораций».
«Опять двойка», Федор Решетников, 1952 год
Автор: Решетников, Фёдор Павлович (1906–1986), Добросовестное использование, https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=727419
Эта картина — лишь часть задуманного Решетниковым триптиха. Первая часть — «Прибыл на каникулы» изображает маленького ученика Суворовского училища, приехавшего под Рождество домой. К слову, эта картина, если присмотреться, видна во второй части триптиха «Опять двойка» — вон она, за спиной сестры-отличницы. А сюжет третьей части — картины «Переэкзаменовка» продолжает предсказуемый путь двоечника. «Переэкзаменовка» напоминает содержание предыдущих серий триптиха все тем же приемом «картина в картине»: рядом с окном, за которым шумят летние детские игры, увы, недоступные нашему герою, изображена репродукция картины «Опять двойка».
Но вернемся к главному. По словам историков, квартира, изображенная на картине «Опять двойка», списана с квартиры соседа Решетниковых — художника-авангардиста Густава Клуциса, «роль» двоечника исполняет его сын (хоккейный вратарь — отсюда и коньки). Самого Клуциса в 1938 году расстреляли по сфабрикованному делу, обвинив в участии в «фашистском заговоре латышских националистов». Позже семьи Решетникова и Клуциса поменялись квартирами, так что на момент написания «Двойки» хозяином был уже художник. На картине мы видим интерьер достаточно обеспеченного семейства: велосипед, ковер, на стене — часы-ходики. Очевидно, семья живет в собственной квартире — как минимум двухкомнатной, а это для 1952 года уже успех.
Виден на картине и краешек какой-то монументальной мебели — вполне вероятно, это популярный в те времена буфет-горка. В зависимости от материального благосостояния семьи в буфете хранились или довольно стандартные тарелки, блюдца, чашки, или гораздо более ценные приборы посуды, доставшиеся в наследство. От стола (прямо по центру картины) отодвинут обитый кожей кабинетный стул — еще один характерный признак эпохи. Такие стулья были доступны далеко не всем.
Наличие отопления и электричества в квартире тех времен (мы видим выключатель и батарею) — еще один бесценный подарок судьбы: в те времена даже в центре Москвы еще сохранялись деревянные дома-бараки без центральных коммуникаций, так что теплая и светлая квартира (да еще и своя!) по тем временам была скорее редкостью.
«За туалетом. Автопортрет», Зинаида Серебрякова, 1909 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
По мнению искусствоведов, художница работала над автопортретом, предполагая, что ее зрителями будут в основном близкие ей люди. Она предпочла изобразить свою женскую, домашнюю ипостась, которую подчеркивают окружающие ее предметы, а не профессиональную принадлежность.
На картине запечатлен интерьер дома, расположенного в селе Нескучное Курской губернии, где художница родилась и где потом поселилась вместе с мужем после полугода жизни в Париже. Учитывая, что за окном на тот момент была зима, а Серебрякова одета легко, в доме было не только светло, но и тепло. Для начала века такой деревенский интерьер не был бедным, хотя и выглядит просто: в доме есть свой умывальник с классическим эмалированным тазиком и кувшином и туалетный столик со «всякой мелочью», как назвала его содержимое сама художница: стеклянные флаконы с духами, подушечка со шпильками для шляп, расписная коробка с бусами.
Весь этот радостный и нежный интерьер, к слову, оказался для очевидцев эпохи почти лучом света. Другая часть интерьера, пусть и чуть менее светлая, изображена на другой картине той поры — «Портрет Жени Серебрякова»: самая обычная детская кроватка, ночной горшок, дымковские игрушки. Беленые стены и отблеск свечей (свечи — частый атрибут картин художницы, они являлись честными бытовыми помощниками), чистое белье, незатейливые картинки по стенам — всё это свидетельствует о простом семейном счастье и неплохом материальном положении.
Спустя несколько лет начнется Гражданская война, подожженное имение сгорит, муж Серебряковой умрет от тифа, а сама она с детьми будет вынуждена переехать в Париж.
«Новоселье», Кузьма Петров-Водкин, 1937 год
Автор: Козьма Сергеевич Петров-Водкин, Общественное достояние, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=878191
Перед нами расположенная в центре Петербурга (тогда Петрограда) квартира с прекрасным видом на Неву и Петропавловскую крепость. Название и без того красноречиво объясняет сюжет, но поясним, что за история стояла за созданием картины. Уже больной туберкулезом художник получил заказ от выставки «Индустрия социализма» — написать сюжет, как из квартиры выселяют состоятельную семью, не принявшую советскую власть. Тогда выселения и уплотнения практиковались повсеместно, жилплощадь можно было потерять в считаные минуты, да и очередь из жильцов поджимала (в городе уже проживали около 3 млн человек). Таких злодеев художник писать отказался, сославшись на то, что даже в самых ужасных людях есть что-то человеческое, и красками рассказал историю с середины: когда «плохая» семья буржуев уже выселена, а «хорошая» семья пролетариев только въезжает.
«Время действия — 1922 год. Весна. Рабочая семья получила новую квартиру в центре города. Прежний хозяин ее — фабрикант или банкир, очевидно, сбежал за границу. В большой комнате с окнами на Неву собралось человек 20: хозяева и их гости, простые, хорошие люди. В самом их подборе, в выражениях лиц, в одежде, в движениях я показываю и следы оставшейся позади Гражданской войны, и начало новой социалистической стройки», — так художник пояснял свою картину «Новоселье».
Квартиры в центре Петербурга–Петрограда–Ленинграда всегда были достаточно дорогими. Описываемое время не стало исключением. К тому же от прошлых владельцев простой рабоче-крестьянской семье досталась и мебель с убранством, что вносит абсолютный диссонанс: барочные лампы и дворцовые стулья соседствуют с деревенским половичком и самодельными табуретками. Рядом с парадным зеркалом развешаны уже никому не нужные портреты в классическом стиле. Французское окно разбито, а дыру прикрыли фанерой, чтобы ледяной ветер с реки не тревожил тяжелые портьеры.
А вот печка-буржуйка вполне могла принадлежать и прежним хозяевам: после революции и Гражданской войны в городе отключили паровое отопление и даже тем, кто жил в подъездах с мраморными лестницами, приходилось прибегать к народным методам обогрева. Над шкафом — пустой иконный оклад (по стране шагал атеизм), но осталась забытая воткнутая в него веточка вербы.
К слову, жюри выставки отказалось принимать работу художника: слишком очевидно прослеживались в ней нелепость и трагизм положения.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Государственная Третьяковская галерея/www.tretyakovgallery.ru
Странно было бы обойти вниманием этот великолепный образец быта второй половины позапрошлого века! Родилась задумка в абсолютно бытовых обстоятельствах: Поленов только-только приехал в Москву и присматривал себе квартиру, потратив на это занятие около трех недель — баз недвижимости тогда не было, поиски сводились к прогулкам по городу и высматриванию соответствующих объявлений на дверях.
В то время аренда была гораздо более популярным способом обеспечить себе крышу над головой, чем покупка. Как писал в 70-х годах XIX века репортер «Биржевой газеты» Владимир Михневич, в районе Пречистенки особняки в те времена можно было купить за 30–50 тыс. рублей (при этом министерские зарплаты составляли около 8 тыс. рублей в год, более простые москвичи получали не более 100 рублей, что считалось неплохим доходом).
А вот снять жилье предлагалось от 20 копеек за ночь. Средняя стоимость ежемесячной аренды более-менее комфортной квартиры с парой комнат обходилась примерно в 42 рубля, писал Михневич. В меблированных комнатах (к ним прилагались уборка и подача чая) аренда стоила примерно 9 рублей в месяц.
Но вернемся к ищущему жилье художнику. Один из просмотров случился в районе нынешнего Арбата — на пересечении Дурновского (ныне Композиторская улица) и Трубниковского переулков. Увидев записку на двери, художник зашел, выглянув в окно, увидел вот этот самый дворик, который «тут же сел и написал» (речь идет об этюде, названном «Московский уголок», картина-шедевр появится позже). Кстати, церковь на заднем плане существует до сих пор — это храм Преображения Господня на Песках, расположенный в Спасопесковском переулке. За ней видно церковь Николая Чудотворца в Плотниках — ее снесут в 1932 году.
«Московские ведомости» описали изображение так: «Старинный деревянный дом, дом-особняк, закутался в теплую тень старинного густого разросшегося сада. Мы знаем его, это родовое гнездо… Да, это он, старинный мирный дом, доживающий свой век вместе со своим садом и своим “двориком”».
Что еще мы видим? Колодец и женщину с тяжелым ведром (водопровода, разумеется, не было), сарай, луг и играющих на нем детей, готовую для поездки запряженную лошадь, развешенное на солнце белье и даже свободно разгуливающих на месте сегодняшней парковки кур — довольно провинциальный вид (не забываем, тогда Москва не была столицей). Совершенно деревенская картина, не правда ли? О том, что дело происходит все-таки в городе, напоминает каменная усадьба подполковника Александра Юрьева.
Любопытно, что уже тогда в Москве (да и по всей империи) действовал указ, принятый еще Петром I: все постройки необходимо согласовывать в полицмейстерской канцелярии. Но, как это часто бывает, на указ и его выполнение смотрели сквозь пальцы — в результате появлялись многочисленные самострои, а дома строились не вдоль красной линии, как того требовали законы градостроительства, а по старинке — в глубине дворов, что мы и видим на картине.
Спустя всего несколько лет этот подход все же изменится — дома начнут возводить по правилам. Появится более четкая планировка города, у домов появятся парадные фасады, а улицы станут шире. Московские дворики уменьшатся, а затем и вовсе превратятся в исчезающую натуру.
30 вариантов картин для интерьера ванной комнаты и туалета
Автор Наталья Юршина На чтение 8 мин. Просмотров 1.3k. Опубликовано
Какие картины лучше выбрать для ванной и туалета? В этой статье предлагаю подборку самых красивых и влагостойких картин для оформления интерьера санузла. Читайте подробные советы по выбору картин для ванной в этой статье!
Зачем это нужно
Многие люди, обустраивая свой дом или делая косметический ремонт, задаются вопросом, как можно украсить квартиру, придать ей какую-то особую атмосферу.
В ход идут самые разные детали интерьера: мебель, шторы, ковры, подушки, пледы, светильники, фоторамки с дорогими сердцу снимками, комнатные растения и цветы, и, конечно же, картины. И если с интерьером гостиной или кухни все более или менее понятно, то как быть с ванной комнатой?
Стоит ли там размещать картины, или просто оставить красивое зеркало? И если все-таки вешать картины на стены ванной комнаты, то какие? Не будут ли они смотреться неуместно? И как в таком случае подобрать такую работу, которую не испортит влажность – ведь в ванной она очень повышена?
Сталкиваясь со всеми этими вопросами, владельцы самых разных ванных комнат, от маленьких и крошечных, до больших и просторных, часто решают не вешать картины, чтобы не было лишних проблем.
И зря. Подобрать картину сейчас можно в любую комнату, даже в ванную или туалет.
Нужно лишь узнать пару советов, выбрать подходящую работу и место, где будет висеть картина. Остальное дело за малым.
Как выбрать картину для ванной и туалета
Если вы все еще сомневаетесь, можно ли вешать картину в ванной комнате, ответ да, можно. Современное жилье с более-менее просторными ванными комнатами не имеет такой большой процент влажности, как можно подумать. Но, к сожалению, не все из нас живут в домах современного типа, многие имеют квартиры в постройках старых времен. Но даже в таких квартирах, где часто ванна и санузел совмещены, можно разместить картину.
Так как ванну и душ мы принимаем не круглосуточно, то и высокая влажность там не будет постоянной. Если в вашей комнате будет хорошая вентиляция, то живописи будет не страшно висеть на стенах ванной комнаты.
Отдельно хочу сказать про то, какой материал можно использовать. Картины на холсте больше пригодны для ванной комнаты, чем рисунки на бумаге.
Во-первых, бумага трансформируется от воды, малейшие капли и она уже идет рябью, а краска – разводами. К тому же, если вы будете вешать картину под стеклом, оно может начать запотевать из-за конденсата. К тому же это не безопасно, ведь стекло, очень хрупкий материал, и в маленьком пространстве комнаты может разбиться, а осколки будет очень сложно убирать.
Лучше всего подойдет влагостойкий акрил. Ведь насколько вы знаете, эта краска при высыхании не смывается водой. Если вы хотите картину в абстрактном стиле, то вообще можете смешать влагостойкую акриловую краску с колером и сделать что-то красивое и влагостойкое одновременно.
Еще один совет, которым не стоит пренебрегать, это размещение – место, где конкретно будет висеть картина. Выбирайте стену или уголок максимально далеко от источников влаги – душа, самой ванной, раковины. Так, случайные брызги воды не попадут на картину, да и пар от воды не будет идти непосредственно на живопись.
Если же ваша картина все-таки пострадала от влажности, например, провис холст, ее можно убрать на некоторое время в другую комнату. Холст просохнет от влаги и выровняется, а если нет, то всегда можно подбить деревянные колышки в уголки подрамника, которые идут в комплекте с холстом.
Очень важно подобрать картину не только по свойствам краски, но и по другим дизайнерским аспектам. Картина должна соответствовать стилю ванной комнаты, сочетаться по цветовой гамме, при чем рама тоже входит в этот критерий. Картина в ванной должна быть как бы продолжением всего интерьера и быть максимально уместной как по размеру, так и по тематике.
Помните также и про освещение. Обычно в ванных комнатах теплый, слегка приглушенный свет. Но можно сделать дополнительную подсветку, например, у зеркала, или над самой картиной.
Не забывайте и про уход за картинами. Вовремя протирайте пыль или излишки влаги после долгих водных процедур. Также, если картина висит в деревянной раме, покройте раму лаком – чтобы структура дерева не пострадала от влажности.
Проветривайте ванную комнату после каждого приема ванны или душа, чтобы влага поскорее ушла.
Проветривайте ванную комнату после каждого приема ванны или душа, чтобы влага поскорее ушла.И, конечно же, помните, что если в вашей ванной идет ремонт, или просто очень грязно и нужны косметические изменения, например, побелить потолок, убрать тенету и пыль с потолка, помыть стены и технику, а саму ванну сделать белоснежной, то вешать картину будет не уместно.
Ведь красивая живопись будет украшать ванную, если комната в чистоте и порядке, и наоборот, создавать диссонанс, если комната не готова на 100%.
Картины для совместной ванны и туалета
Как правило, ванная совмещенная с туалетом – это очень маленькая, небольшая комната. Я сейчас не имею ввиду большие, дорогие квартиры, где у ванных комнат есть окна на улицу, а просторно так, что можно даже кушетку со шкафом поставить. Имеются ввиду самые простые и обыкновенные ванные комнаты в стандартных квартирах – современных и периода СССР и Перестройки.
Посмотрите, как гармонично цвета картин сочетаются с цветом гарнитура и других деталей в ванной комнате:
Цвет рамы здесь играет на контрасте с цветом стен, а парные картины только дополняют друг друга.
Хорошая идея, если у вас мало места и не хочется перегружать пространство одной большой картиной – повесить две парные работы небольшого формата, например, 30х40 Цветовая гамма – очень важный элемент в дизайне, все должно сочетаться, чтобы не было визуального отторжения. На этих примерах цвет идеально сыграл свою роль Если пространство ванной комнаты очень маленькое, предпочтение отдавайте горизонтальным картинам – так, они визуально сделают комнату выше Вешать в ванную картину с краской. Это может быть постер из специального материала. Такие влагозащитные картины хорошо смотрятся в интерьере современной ванной комнаты И снова двойная картина – оригинальный принт, напечатанный на специальном материале и обрамленный в металлическую раму, то, что нужно для комнаты с повышенной влажностью
Картины с морской тематикой, как и другие атрибуты моря – ракушки, камешки, кораллы, очень популярны в оформлении комнат. Особенно они красиво смотрятся в сочетании с интересными узорами из глянцевой белой или перламутровой плиткиЕсли вам близок тропический стиль и плетеная мебель – выбирайте картины в зеленых тона, с изображениями растений.
Опять же, это могут быть как постеры, так и картины, написанные акрилом Самый главный критерий при выборе – это чтобы вам нравилось. Ведь в ванную комнату мы приходим чтобы расслабиться, отдохнуть, приготовиться ко сну или встретить новый день. Картины должны нести только позитивный заряд энергии
Картины для ванной комнаты
Если вам повезло, и у вас большая, просторная ванная, разделенная с санузлом, то вам определенно есть, где разгуляться. Следующая подборка картин в интерьере для вас!
Из такой ванной комнаты можно устроить целый будуар, где будет не только приятно принимать ванну, но и собираться на мероприятия и наводить красоту!
Как правило, в таких больших комнатах влажность не сильно отличается от остального дома, так что можно смело использовать и картины, написанные на бумаге, развесив их вдали от источника влаги. А если в вашей ванной комнате нашлось место туалетному столику, можно даже поставить картину на негоМожно пойти дальше, и устроить из ванной комнаты настоящую галерею, собрав все свои любимые произведения! Но не забывайте, что в таком случае, все картины должны быть в одном стилеНе забывайте и про другие детали декора – свечи, мыльницы, мочалки, полотенца, корзинки.
Все это поможет создать вам особую атмосферу уюта и красоты
Если место позволяет, можно добавить растения, особенно если у вас есть окно. Они придадут свежести вашей комнате. И не забудьте также про хорошее зеркало
Картины для туалета
Какую картину повесить в туалете? И насколько она там вообще нужна? Если ваш санузел находится отдельно от ванной комнаты, то, в принципе, вы можете декорировать и это помещение. Влагостойкие картины для туалетной комнаты не сильно нужны, так как там нет непосредственного источника влаги или пара. Поэтому, выбирая декор для этой комнаты, вы можете поэкспериментировать и сделать что-то очень интересное или необычное, при чем, практически не прилагая усилий – ведь комната-то явно меньше, чем та же ванная.
Вот несколько примеров того, как можно декорировать туалет с помощью картин и других предметов, смотрите фото:
Оригинальный прием – повесить зеркало, а лучше несколько Нейтральные картины в металлических рамах тоже хорошо впишутся в интерьер Помимо зеркал и картин, можно создать что-то свое и оригинальное, например, как на этом фото – старые ключи в простых деревянных рамках Для любителей романтичных интерьеров – старые постеры или афиши фильмов.
Такая картина в туалет на стену подойдет и крупного формата, и под стеклом и даже на бумаге, опять же, из-за меньшего количества влажности Также галерею можно создать и в туалете
Теперь, надеюсь, после прочтения этой статьи у вас не осталось сомнений насчет картин в ванной комнате, и вы сможете выбрать именно то, что нужно вам и наслаждаться своей красивой и уютной ванной комнатой!
Картины в ванную комнату, 40 фото. Красивые интерьеры и дизайн
Почему все забывают о том, что в ванной тоже можно разместить красивые картины? Конечно, есть свои нюансы, но в целом нужно просто подобрать материал, которому не страшна влага, и можно смело наполнять ванную предметами искусства. В нашей статье вы можете присмотреть несколько идей и получить парочку советов по размещению картин в ванной.
Картины, которые не боятся влажности
Перво-наперво при выборе картины, какой бы красивой она ни была, обратите внимание на то, как она переживет высокую влажность.
Иначе вместо красивого изображения уже через пару купаний у вас получится предмет сюрреализма, а в худшем случае — не самое красивое изображение на стене под картиной.
Советы по выбору картины в ванную комнату
Поэтому придерживайтесь следующих советов: используйте ламинирование или цельные коробы для картин с надежным пломбированием, проверяйте, чтобы влага не могла попасть через раму. Не покупайте слишком дорогие картины для ванной, лучше всего использовать старые газетные вырезки или вырезки из журналов, которые при необходимости можно легко заменить.
Картины для ванной своими руками
Почему бы и нет? Если у вас есть дети, то вы с легкостью можете устроить целую выставку произведений искусства. Почему именно в ванной? Все же прекрасно помнят, насколько дети любят рисовать красками или пеной на стене около ванной. Поэтому они будут рады, если увидят свое творение на стенах вокруг во время купания.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Красивая идея дизайна маленькой ванной комнаты — фотообои
Найдите правильное место
Лучше всего картины смотрятся там, где необходимо заполнить пустое место — это места над раковинами и туалетами.
Если в ванной вдруг есть окно или стоит какое-то особенное освещение, не забудьте учесть эти факторы для того, чтобы свет на картину падал правильно.
Картины из плитки в ванной комнате
Впрочем, не только картинами в рамках едиными. Всегда можно заказать плитку разных цветов и сделать картину самостоятельно прямо на стене. Из плюсов данного метода: нет проблем с конденсатом и влажностью и опасности, что такая картина для ванной в один момент просто испортится.
Фотографии дизайна ванной с картинами
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Варианты оформления маленькой ванной комнаты плиткой, 40 фото
Картины красиво смотрятся вместе с полотенцами
Подбирайте цвета, сочетающиеся с остальными элементами
Не бойтесь экспериментировать с яркими цветами
Как повесить картину в ванной комнате
Можно вешать картины разных размеров
Фото / Photos: http://deavita.
com/
Идеи для декорирования туалетной комнаты
Книжный шкаф, коллаж из картин, атмосфера в стиле поп-арт или ультраграфичный дизайн – вот несколько вдохновляющих идей, чтобы превратить интерьер туалетной комнаты в лабораторию идей.
Ставка на цвет
Сочный живой цвет или модный приглушенный? В туалетной комнате можно попробовать цветовые блоки. Выбор насыщенного цвета придаст яркую индивидуальность Вашему туалету. Игра цвета от пола до потолка создаст исключительное, уникальное пространство, яркий акцент посреди дома. Итак, Вы выберете лимонно-желтый для создания хорошего настроения или глубокий фиолетовый для атмосферы будуара?
Ансамбль в стиле “будуар” – Коллекция PRESQU’ILE
Выкрасив всего одну стену, можно создать контраст, придать рельефность, усилить ощущение глубины или оживить классический белый фон туалета.
Хотите маленький дизайнерский штрих для полноценного эффекта? – Выберите туалетную бумагу в тон.
> Как сочетать цвета в ванной комнате>
Аксессуары для туалетной комнаты
Дьявол в деталях, возможно, но и дизайн тоже! Чтобы придать неповторимый стиль туалетной комнате без капитального ремонта и радикальных изменений, необходимо сосредоточиться на аксессуарах.
Декорирование в этническом стиле
Если Вы сумеете их ловко сочетать, то в помещении тут же создастся ощущение полной гармонии. И поскольку туалетная комната небольшая, это не потребует колоссальных усилий. Это помещение также требует большого количества незаменимых полезных аксессуаров. Как же извлечь из них максимальную пользу? Секрет в умении их расположить на первом плане и грамотно сочетать. Создайте гармоничный ансамбль из держателя для туалетной бумаги
, мыльницы, полотенца для рук, коврика – и все готово!
Несколько хитроумных идей для ванной комнаты, которые можно повторить для наилучшего оформления туалета …
> Воспользуйтесь советами по декорированию от наших дизайнеров
Световое решение
В туалетной комнате выбор освещения имеет ведущее значение, поскольку, как правило, в этом помещении нет окон.
Слишком белый свет создаст холодную атмосферу в этом функциональном пространстве; плохо отрегулированный и слишком тусклый – неприветливые сумерки. Для правильного оформления пространства обратите внимание на дизайн освещения, при возможности установив различные источники света для максимально комфортной атмосферы
, или же сделав ставку на необычные и ультрасовременные светильники: лампы с видимой нитью накаливания, современные лампы, которые можно включать все вместе или по отдельности.
Невозможно устоять перед плиткой
Графичные мотивы цементной плитки Вам импонируют? Ваша туалетная комната дает Вам возможность поддаться искушению. Минимальная площадь помещения позволяет осуществить дизайнерскую революцию без больших затрат. Арабески в восточном стиле или геометрический рисунок в стиле пятидесятых? Самое сложное – выбрать среди всех этих плиточек с огромным декоративным потенциалом. При ограниченном бюджете отдайте предпочтение виниловому напольному покрытию, которое теперь прекрасно имитирует другие материалы.
Кафельная плитка в ванной комнате в сочетании с коллекцией ODEON UP
Маленький штрих для создания продуманного дизайна туалета: пьедестал или мебель для умывальника, подобранные в тон.
Раскрасьте туалетную комнату
Если Вы покрасите туалет шиферной краской от пола до потолка, у Вас в квартире появится настоящая лаборатория идей. Кроме ультрамодной темной атмосферы, которая выгодно подчеркнет сантехнику и светлые аксессуары, Вы получите уютный интерьер для творчества. При помощи нескольких мелков каждый может что-то нарисовать, процитировать любимое высказывание или написать сообщение. Это настоящая игровая площадка, где малыши могут безнаказанно упражняться в искусстве граффити.
Коллекционируйте
Картины, приглашения на крестины, сувениры из путешествий, вещи, которые прошлым летом Вы купили на блошином рынке… У Вас душа коллекционера? Несмотря на то, что в туалете редко есть лишнее место, мы часто туда заходим и не всегда спешим уйти.
Это идеальное место, чтобы выставить все дорогие вашему сердцу вещи и любоваться ими. Подобно коллекции магнитов на холодильнике, на стенах туалета можно устроить собственную выставку
картин, постеров или фото. Очень современен также настенный держатель для открыток, при помощи которого можно легко менять декор. Вырезка из журнала, которая пробуждает мечты и идеи, визитка любимого ресторана, мотивирующая цитата… На стену из пробкового дуба вы можете прикрепить любые любимые вещицы, которые подарят Вам вдохновение и заставят задержаться в туалетной комнате. Тогда Вы получите оригинальную и неповторимую туалетную комнату
Смелые мотивы
После нескольких лет забвения обои возвращаются в качестве ультрамодной декоративной тенденции к большой радости… туалетной комнаты. Туалет – идеальное пространство для моря фантастических мотивов, которые предлагают обои: обои в цветочек в английском сельском стиле, фотография размера XXL, которая перенесет вас в Нью-Йорк, или кокосовые пальмы, страница из комиксов, которая порадует фанатов супергероев!
Ничего не прятать!
Огромные буквы, прекрасная ваза, красивое растение …
Букет свежих роз для украшения туалетной комнаты…
В голову приходит то одно, то другое, но не всегда хватает сил все попробовать? Установив несколько подвесных полок на стены, Вы можете обновлять дизайн туалета так часто, как Вам захочется.
Вы можете бесконечно обновлять вашу маленькую «кунсткамеру»: книги, которые Вы обожаете листать, любимый диффузор с ароматом для дома, мандала, перед которой вы любите медитировать…
Правильные решения для дизайна туалета:
- Ставка на цвет
- Аксессуары для туалетной комнаты
- Дизайн цвета
- Невозможно устоять перед цементной плиткой
- Раскрасьте туалетную комнату
- Коллекционируйте
- Смелые мотивы
- Экспозиция любимых вещиц
Ремонт туалета своими руками (35 идей с фото)
Чтобы оживить интерьер в санузле существует множество способов. В процессе ремонта в туалете, вы можете добавить интересные детали своими руками. В этой статье мы расскажем о некоторых приемах трансформации, которые помогут в оформлении пространства.
Откуда брать идеи?
Если речь идет исключительно об идеях — смотреть как можно больше фото.
Перед началом ремонта желательно максимально точно представлять конечный результат. Хотя часть из все равно обязательно видоизменится. Если ваш туалет уже готов к ремонту, можно использовать следующий план.
- Определяемся с отделкой стен (пластиковые панели, ПВХ, обои или плитка)
- Выбираем, как спрятать трубы
- Решаем, нужен ли шкаф, где он будет располагаться
- Выбираем унитаз
- Смотрим тенденции в отделке текущего года
Это основные этапы. О каждом из них с фотопримерами читайте здесь — используйте табличку для быстрой навигации. А теперь — прикольные идеи как таковые, чтобы вы могли подчерпнуть что-то интересное и полезное.
Картины
Да-да, картины. Многие могут сказать, что это идея для ремонта весьма так себе. Но тем не менее практика имеет место быть. Классический вариант оформления – золотистая рамка на фоне красных стен.
Для каждого стиля можно подобрать подходящую картину, которая эффектно украсит помещение.
Рамка изделия должна также соответствовать общей концепции.
Тон стен продолжается в картине.
Белая массивная рамка оттеняет активный фон и сочетается с цветом сантехники.
Растительные мотивы на стене перекликаются с декоративными цветами.
Яркий рисунок гармонирует по цвету с текстилем и подвесными корзинами.
Люстры
Пратика показывает, что большинство предпочитают делать в туалете встроенные светильники или что-то другое незаметное. Но ведь можно наоборот сделать освещение частью дизайна! Белая люстра современного дизайна сочетается с оттенком пола, унитазом и раковиной на фоне древесной текстуры.
Люстра достаточно массивна для данного санузла и притягивает к себе внимание. Опустим шутки!
Предметный декор
Оформление в новогодней стилистике. Наполнение ниши можно менять, в зависимости от настроения.
Незатейливая композиция на фоне деревянных плашек – венок из сухоцветов и декор в виде сушеной рыбки.
Идею легко воплотить жизнь, а ее реализация своими руками вообще не отнимет сил.
Морскую тему в декоре навевает стены сине-голубого оттенка. На эту тему в принципе много коллекций плитки, просто полистайте каталоги.
Античные формы дополняют мраморные стены.
Красно-белый интерьер в стиле кантри ко дню Святого Валентина. Такой дизайн может сделать каждый.
Свечи могут заменять основной свет в вечернее время.
Акцентный тон стилизованной птички и органичные формы светильников нарушают строгость интерьера.
Открытые полки
Открытые полки выглядят эффектно только в том случае, если на них царит порядок.
Деревянная текстура полок сочетается с материалом тумбы. Три основных цвета отлично смотрятся в едином пространстве.
Вместительную полку образует верхний борт короба инсталляции.
Цвет и стиль
В маленьком санузле или в помещении с яркой отделкой стен избегайте нагромождения мебели, выбирайте лаконичную форму сантехники.
Подвесной унитаз с инсталляцией смотрится компактно, без лишних деталей.
Выбирайте сантехнику в одной гамме, особенно если помещение миниатюрное.
Выбирая активный рисунок для стен, откажитесь от навесных шкафов в туалете.
Подвесной унитаз с инсталляцией в санузле площадью 0,7 кв. м.
Минимум предметов в совмещенном санузле площадью 1 кв. м. В этом и заключалась основная идея ремонта: делаем все просто, лаконично, а главное — дешево и своими руками. Коллекции плитки уже давно подобраны дизайнерами в салонах.
Необычная сантехника
Нет, правда. В нынешние времена на рынке можно найти все что угодно. Так почему бы во время ремонта не подойти к выбору сантехники креативно? Черная коллекция сантехники выглядит необычно и сочетается с отделкой пространства. Интерьер также дополняет картина в черной рамке и эффектная ваза. Извилистые ветки в вазе похожи по форме с водонагревателем.
Унитаз и раковина в виде усеченных и перевернутых конусов. Перспектива морского причала и футуристичная форма сантехники в интерьере выглядят интересно и стильно.
Сантехника в винтажном стиле.
Зеркальный обман
Зеркальные отражения искажают восприятие реальной геометрии. Это не самый популярный прием при ремонте туалета своими руками, многие попросту не воспринимают эту идею в такой интимной комнате. Зато данный эффект позволяет визуально расширить границы небольших комнат.
Зеркало делает помещение не таким узким (зрительно).
Сочинение по картине серебряковой за туалетом. автопортрет 6 класс описание
Зинаида Серебрякова, «За туалетом»: краткое описание картины
Композиция представляет собой автопортрет художницы: в зеркале отражается молодая женщина. Эффект присутствия подчеркнут тем, что на изображении виднеется рама зеркала и отзеркаленная свеча.
Художница словно бы позволяет зрителю взглянуть на нее ее же глазами.
Девушка на изображении расчесывает свои прекрасные густые волосы. На ней легкое платьице, поза естественная и непринужденная, она смотрит на себя. Взгляд главной героини полотна завораживает и влюбляет в себя, он наполнен теплотой и жизнелюбием, кажется, что еще вот-вот и девушка запоет или искренне засмеется.
На переднем плане мы видим флаконы с духами, синюю подушечку со шпильками, коробку с бусами, ленты и кружевные салфетки. Нехитрый девичий набор говорит о игривости девушки, она молода и хочет подчеркнуть свою красоту приятными мелочами.
Из описания картины Серебряковой «За туалетом» видно, что гармония теплых оттенков подчеркивает свежесть и молодость Зинаиды Евгеньевны. Во всем видна любовь к повседневным мелочам, которые ее окружают. На заднем плане картины цветовая гамма более приглушенная, прохладная. Позади девушки, в противоположной части комнаты, стоит таз для умывания и кувшин.
Подводя итог описанию картины Серебряковой «За туалетом», можно сделать вывод, что данная работа – это отражение внутреннего мира художницы, ее лучезарности и неподдельной женской красоты.
Принцесса русского модерна. Лучшие картины Зинаиды Серебряковой
Стать художником Зинаиде Серебряковой было просто предначертано судьбой. Она родилась в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед Николай Бенуа был знаменитым архитектором, отец – Евгений Лансере — известным скульптором, а мать Екатерина Николаевна в молодости была художником-графиком. Public Domain / Автопортрет в костюме Пьеро. 1911 год.
В 1900 году Зинаида окончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. В 1903—1905 годах она была ученицей художника-портретиста О. Э. Браза. В 1902—1903 она путешествует в Италию. В 1905—1906 занимается в Академии де ла Гранд Шомьер в Париже. В 1905 году Зинаида Лансере выходит замуж за студента (позднее железнодорожного инженера) Бориса Серебрякова и принимает его фамилию. Public Domain / «Девушка со свечой». Автопортрет. 1911 год.
В 1910 году почти никому не известная художница Зинаида Евгеньевна Серебрякова показала на выставке Союза русских художников автопортрет «За туалетом», портреты знакомых, пейзажи, этюды крестьян.
Её выступление было для всех неожиданным и вызвало восторженные отзывы. Особенно понравился автопортрет. Действительно, это произведение Серебряковой отвечало потребности многих её современников в «живительном ключе здоровья». Public Domain / Автопортрет («За туалетом»). 1909 год.
Александр Николаевич Бенуа писал в то время о Серебряковой: «Ныне она подарила русскую публику таким прекрасным даром, такой «улыбкой во весь рот», что нельзя не благодарить её…» Public Domain / Бенуа Александр Николаевич. 1924 год.
В 1919 году в семье случилось большое горе – Борис умирает от тифа. Зинаида остается в 35 лет одна с четырьмя детьми и больной матерью без средств к существованию. Public Domain / Портрет Б.А.Серебрякова. 1908 год.
Голод. Запасы семьи разграблены революцией. Нет масляных красок — приходится перейти на уголь и карандаш. В это время она рисует свое самое трагическое произведение — «Карточный Домик», показывающий всех четверых осиротевших детей.
Public Domain
Зинаида отказывается перейти на популярный у Советов футуристический стиль или рисовать портреты комиссаров, однако находит работу в Харьковском археологическом музее, где выполняет карандашные наброски экспонатов. В декабре 1920 Зинаида переезжает в Петроград на квартиру деда. Им правда оставили всего три комнаты. Но к счастью уплотнили их родственниками и друзьями. Public Domain / «Зеленя осенью». 1908 год.
Зинаида, вместе с дочерью посещают Мариинский театр, бывают и за кулисами. В театре художница постоянно рисовала. Творческое общение с балеринами на протяжении трёх лет отразилось в изумительной серии балетных портретов и композиций. Public Domain / «Балетная уборная. Снежинки». 1920 год.
В начале сентября 1924 года Серебрякова уехала в Париж с двумя детьми Сашей и Катей, которые увлекались живописью. Маму с Таней, которая увлекалась балетом и Женей, который решил стать архитектором, она оставила в Ленинграде, надеясь заработать в Париже и вернуться к ним.
Public Domain / «Таня и Катя. Девочки у рояля». 1922 год.
В первые годы парижской жизни Зинаида Евгеньевна испытывает большие трудности: денег не хватает даже на необходимые расходы. Константин Сомов, помогавший ей получать заказы на портреты, пишет о её положении: «Заказов нет. Дома нищета… Зина почти всё посылает домой… Непрактична, делает много портретов даром за обещание её рекламировать, но все, получая чудные вещи, её забывают…» Public Domain / «Крестьяне». 1914 год.
В Париже Серебрякова живёт уединенно, нигде не бывает, кроме музеев, и очень тоскует по детям. Все годы эмиграции Зинаида Евгеньевна пишет нежные письма детям и матери, которые всегда духовно поддерживали её. Проживает она в это время по Нансеновскому паспорту и лишь в 1947 получает французское гражданство. Public Domain / «Спящая крестьянка». 1917 год.
В 1928 и 1930 Зинаида едет в Африку, посещает Марокко. Природа Африки поражает её, она рисует Атласские горы, арабских женщин, африканцев в ярких тюрбанах.
Она также рисует цикл картин, посвящённый рыбакам Бретани. Public Domain / «Марокко. Водонос». Ок. 1928 года.
Во времена хрущёвской оттепели разрешаются контакты с Серебряковой. В 1960, после 36 лет разлуки, её посещает дочь Татьяна (Тата), ставшая театральным художником во МХАТе. Public Domain / «За завтраком». 1914 год.
История написания полотна
В описании картины «За туалетом» Серебряковой Зинаиды Евгеньевны уже было сказано, что на этом произведении нарисована сама художница. Автопортрет девушка нарисовала в 1909 году, когда ей было 25 лет.
Полотно было написано в тот период, когда Зинаида проживала в Курской губернии, в селе Нескучное. Как писала в письмах сама художница, зима в тот год пришла рано, снегом замело все вокруг. В доме было уютно и очень тепло, вдохновившись душевной домашней атмосферой, она принялась за рисование. Сегодня эта картина хранится в Третьяковской галерее.
«Карточный домик» (1919)
Чудом добравшись до Москвы в начале 1919 года, Зина наконец встретилась с мужем.
Уговорила его съездить в Харьков к детям. Но на обратном пути Борису стало плохо, он решил вернуться домой и в военном эшелоне подхватил сыпной тиф…
«Это было ужасно, агония продолжалась пять минут, — писала мать Зины кому-то из сыновей. — Плач, рыдание детей, мальчики были неутешны (Катюша не понимала). Зинок мало плакала, но не отходила от Боречки…»
Борис умер на руках у жены. Ему было 38 или 39 лет. В таком же возрасте когда-то ушел в другой мир отец Зинаиды, она тогда была совсем крошкой. Теперь ей предстояло повторить путь матери — Екатерины Лансере, оставшейся вдовой с шестью детьми. У Зинаиды было четверо по лавкам. А возраст матери приближался к 70…
В тот год Серебрякова написала свою самую трагичную работу: «Карточный домик». В 1920 году она перевезла семью в Петроград, в отцовский дом, который власти успели превратить в коммуналку. Теперь у нее не было ни любви, ни радости. Смириться с уходом любимого Зина не смогла до конца дней. Написала еще несколько портретов по памяти.
И даже подумать не могла о том, чтобы заменить мужа другим.
«Карточный домик», 1919 год.
Она много работала, за копейки распродавала старые полотна. Но жила семья все равно «каким-то чудом», радуясь котлетам из картофельных очисток. В Нескучное дорога была заказана: усадьбу разгромили, дом с книгами и картинами сгорел…
В 1924 году на выставке советских художников в США у Серебряковой купили несколько картин. 24 августа она уехала в Париж в надежде найти работу. И действительно получила заказ на большое панно. Но потом удача оставила ее. Зинаида опять работала за гроши, иногда бесплатно. Жила замкнуто, очень скучала по детям, оставшимся с ее матерью в СССР. Письма ее полны щемящего чувства безысходности.
Статья по теме
Роковой выбор Мастера. Со своими детьми Серебрякова увиделась через 30 лет «Для меня всегда казалось, — писала она подруге, — что быть любимой и быть влюблённой — это счастье… Так грустно сознавать, что жизнь уже позади… и ничего больше, кроме одиночества, старости и тоски впереди нет, а в душе ещё столько нежности, чувства».
«Жизнь представляется мне теперь бессмысленной суетой и ложью… Нет теперь ничего священного на свете, все загублено, развенчано, попрано в грязь».
Отзывы в прессе были восторженными, Серебрякову называли одной из лучших русских художниц эпохи. Однако в моде было другое искусство. Зинаида все больше чувствовала себя ненужной на чужбине. Но и вернуться домой не получалось.
Посмотреть эту публикацию в Instagram
Публикация от @umbra_media 12 Апр 2020 в 11:33 PDT
Со временем родственникам удалось переправить в Париж Шуру, позже — Катю. Сын готовил декорации и рисовал интерьерные эскизы, оформлял выставки и иллюстрировал книги. Дочь взяла на себя домашнее хозяйство. Однако Серебрякова не оставляла мысли о возвращении.
«Ничего из моей жизни здесь не вышло, и я часто думаю, что сделала непоправимую вещь, оторвавшись от почвы».
«Сломалась жизнь в самом расцвете».
В 1933 году в Ленинграде умерла мать художницы Екатерина Лансере.
Сердце Зинаиды разрывалось от мыслей о том, как там Женя и Таня. Но опять возникли проблемы с документами. А потом началась война…
Так отъезд на несколько месяцев ради работы обернулся вынужденной эмиграцией, продлившейся 43 года. Серебрякова часто пребывала в подавленном состоянии. Нутром ощущая, что жизнь развалилась. Как карточный домик.
«Вся жизнь моя прошла в ожидании, в… щемящей мое сердце досаде и в упреке себе, что я рассталась с вами…» — писала она Тане.
«Может… вернуться? Но кому я там буду нужна?.. И где там жить? Всюду буду лишняя…»
С Татьяной художница увиделась в Париже в 1960 году, спустя 36 лет после расставания. А в 1965 году в Москве прошла персональная выставка сотни работ Серебряковой, созданных в эмиграции. Успех был грандиозный. Из столицы картины увезли в Киев, затем — в Ленинград. Но насладиться настоящей славой и признанием художнице уже было не суждено.
В 1967 году 82-летняя Зинаида Серебрякова покинула этот мир.
Стать художником Зинаиде Серебряковой было просто предначертано судьбой. Она родилась в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед Николай Бенуа был знаменитым архитектором, отец – Евгений Лансере — известным скульптором, а мать Екатерина Николаевна в молодости была художником-графиком. Public Domain / Автопортрет в костюме Пьеро. 1911 год.
В 1900 году Зинаида окончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. В 1903—1905 годах она была ученицей художника-портретиста О. Э. Браза. В 1902—1903 она путешествует в Италию. В 1905—1906 занимается в Академии де ла Гранд Шомьер в Париже. В 1905 году Зинаида Лансере выходит замуж за студента (позднее железнодорожного инженера) Бориса Серебрякова и принимает его фамилию. Public Domain / «Девушка со свечой». Автопортрет. 1911 год.
В 1910 году почти никому не известная художница Зинаида Евгеньевна Серебрякова показала на выставке Союза русских художников автопортрет «За туалетом», портреты знакомых, пейзажи, этюды крестьян. Её выступление было для всех неожиданным и вызвало восторженные отзывы.
Особенно понравился автопортрет. Действительно, это произведение Серебряковой отвечало потребности многих её современников в «живительном ключе здоровья». Public Domain / Автопортрет («За туалетом»). 1909 год.
Александр Николаевич Бенуа писал в то время о Серебряковой: «Ныне она подарила русскую публику таким прекрасным даром, такой «улыбкой во весь рот», что нельзя не благодарить её…» Public Domain / Бенуа Александр Николаевич. 1924 год.
В 1919 году в семье случилось большое горе – Борис умирает от тифа. Зинаида остается в 35 лет одна с четырьмя детьми и больной матерью без средств к существованию. Public Domain / Портрет Б.А.Серебрякова. 1908 год.
Голод. Запасы семьи разграблены революцией. Нет масляных красок — приходится перейти на уголь и карандаш. В это время она рисует свое самое трагическое произведение — «Карточный Домик», показывающий всех четверых осиротевших детей. Public Domain
Зинаида отказывается перейти на популярный у Советов футуристический стиль или рисовать портреты комиссаров, однако находит работу в Харьковском археологическом музее, где выполняет карандашные наброски экспонатов.
В декабре 1920 Зинаида переезжает в Петроград на квартиру деда. Им правда оставили всего три комнаты. Но к счастью уплотнили их родственниками и друзьями. Public Domain / «Зеленя осенью». 1908 год.
Зинаида, вместе с дочерью посещают Мариинский театр, бывают и за кулисами. В театре художница постоянно рисовала. Творческое общение с балеринами на протяжении трёх лет отразилось в изумительной серии балетных портретов и композиций. Public Domain / «Балетная уборная. Снежинки». 1920 год.
В начале сентября 1924 года Серебрякова уехала в Париж с двумя детьми Сашей и Катей, которые увлекались живописью. Маму с Таней, которая увлекалась балетом и Женей, который решил стать архитектором, она оставила в Ленинграде, надеясь заработать в Париже и вернуться к ним. Public Domain / «Таня и Катя. Девочки у рояля». 1922 год.
В первые годы парижской жизни Зинаида Евгеньевна испытывает большие трудности: денег не хватает даже на необходимые расходы. Константин Сомов, помогавший ей получать заказы на портреты, пишет о её положении: «Заказов нет.
Дома нищета… Зина почти всё посылает домой… Непрактична, делает много портретов даром за обещание её рекламировать, но все, получая чудные вещи, её забывают…» Public Domain / «Крестьяне». 1914 год.
В Париже Серебрякова живёт уединенно, нигде не бывает, кроме музеев, и очень тоскует по детям. Все годы эмиграции Зинаида Евгеньевна пишет нежные письма детям и матери, которые всегда духовно поддерживали её. Проживает она в это время по Нансеновскому паспорту и лишь в 1947 получает французское гражданство. Public Domain / «Спящая крестьянка». 1917 год.
В 1928 и 1930 Зинаида едет в Африку, посещает Марокко. Природа Африки поражает её, она рисует Атласские горы, арабских женщин, африканцев в ярких тюрбанах. Она также рисует цикл картин, посвящённый рыбакам Бретани. Public Domain / «Марокко. Водонос». Ок. 1928 года.
Во времена хрущёвской оттепели разрешаются контакты с Серебряковой. В 1960, после 36 лет разлуки, её посещает дочь Татьяна (Тата), ставшая театральным художником во МХАТе.
Public Domain / «За завтраком». 1914 год.
Отзывы
Ранее в описании картины Серебряковой «За туалетом», было сказано, что художница изобразила себя очень легкой и по-детски игривой. Как отмечал известный искусствовед А. Савинов, в этом автопортрете отсутствует всякая манерность и надуманность, что было характерно для живописи начала ХХ века. Эта неподдельная искренность завораживает и заставляет радоваться жизни так же, как радуется эта талантливая девушка.
Искусствовед Д. Сарабьянов сказал, что в этом произведении самым привлекательным является удивительная женственность художницы. Так же как и Савинов, Сарабьянов подчеркивает простоту окружающей обстановки и общую ясность произведения.
Картинки ванной комнаты и туалета
Вы живете в городском доме, а хотели бы жить на лоне природы? Выходов два: либо переезжать, либо создавать природные уголки у себя. Владельцы этого дома выбрали второй вариант, и дизайнер сделал для них душевую кабину, напоминающую и сад, и ванную – в лучших традициях эко-интерьеров.
На фото:
Дизайнеру Артему Шелипову было, где развернуться – ванная в частном доме занимает площадь в 20 «квадратов». В комнате осталось много свободного пространства и воздуха. В то же время, благодаря хорошо выстроенной композиции, удачному освещению и правильному выбору материалов, помещение получилось очень комфортным и экологичным. Глядя на фото, видишь не картинки ванной комнаты и туалета в замкнутом помещении, а прекрасный уголок в саду. Изучим секреты оборудования эко-ванной по проекту, который дизайнер назвал Behind the Glass («За стеклом»).
Читайте также:
План ванной.
Освещение душевой имитирует естественный свет. Чтобы растения выжили в непростых условиях, искусственное освещение должно быть постоянным. Выбирайте зелень с гладкими твердыми листьями и следите, чтобы на них не оставалось мыльной воды.
Стены ванной комнаты отделаны деревянными панелями и плиткой Petra Antiqua (коллекция Neo hedonism) из натурального камня.
Природные материалы, цвет стен и полки под умывальник, приглушенное освещение вызывают ассоциации с интерьером старинной деревянной бани, ощущение естественной чистоты, тепла и уюта. Предметы декора дизайнер выбрал «нерукотворные» – например, пространство под умывальником украсила живописная коряга. Простой прямоугольный умывальник Vitra – memoria вписался в общий стиль.
Кадка на стене – не только украшение, поддерживающее «банную» тему, но и вполне функциональная вещь. Хозяева дома, приверженцы здорового образа жизни и закаливания, обливаются из кадки холодной водой. Оригинальный светильник создает достаточно яркий, но мягкий свет в зоне ванной. Благодаря необычной форме торшер становится одной из ключевых деталей интерьера.
В ванной установлен подвесной унитаз water jewel с инсталляцией. «Санитарная» зона выделена с помощью покрытия на полу. Многочисленные шкафчики и полочки смотрелись бы в эко-интерьере не совсем органично, поэтому места хранения организованы стенных нишах, снабженных подсветкой.
Материалы с разными фактурами обогащают интерьер большой ванной. Важно лишь, как в данном случае, добиться «согласованности» в цвете. В просторных ванных дизайнеры часто формируют так называемую «зону отдыха»: ставят диванчики, скамейки или шезлонги. Это помещение украсило стильное кресло, по цвету и форме «родственное» плетеной корзине для белья.
Прелесть этой ванной не только в естественной красоте натуральных материалов, но и в обилии свободного пространства и воздуха. Гармоничный интерьер не перегружен деталями, в нем чувствуешь себя просто и комфортно.
СМОТРЕТЬ ПРОЕКТ ЦЕЛИКОМ
Проект – финалист конкурса на сайте pinwin.ru Полностью страницу проекта можно увидеть здесь: http://www.pinwin.ru/konkurs.php?kact=2&knid=34&rbid=6941
Туалет венеры, франсуа буше, 1751
Франсуа Буше
Francois Boucher
Один из ярчайших представителей жанра рококо, великий французский живописец, декоратор, гравёр.
Дата и место рождения – 29 сентября 1703 г., Париж, Франция.
Дата и место смерти – 30 мая 1770 г. (66 лет), Париж.
Франсуа Буше родился в Париже 29 сентября 1703 года. Его отец, Николя Буше, был художником. Он зарабатывал на жизнь рисованием гравюр и узоров для вышивки. С ранних лет Франсуа помогал отцу в мастерской.
Отец, обнаружив у своего сына талант, определил его в ученики к Франсуа Лемуану. У Лемуана Буше провёл несколько месяцев и вспоминал о нём впоследствии без большой благодарности.
В семнадцать лет Буше поступил в мастерскую гравёра Жана-Франсуа Карса, что позволило ему самостоятельно зарабатывать на жизнь, а также завести полезные знакомства — с высокопоставленными клиентами своего наставника.
В 1722 году Франсуа Буше было поручено иллюстрировать новое издание “Французской истории” Оноре Габриэля Даниеля, а в 1723 году живописец получил академическую премию за картину “Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима”.
В 1725 Буше представил несколько картин на выставку молодых авторов и был приглашен де Жюльенном сотрудничать в издании произведений Антуана Ватто.
В 1727 он отправился на свой счет в Рим, где усерднее всего изучал Альбано и Пьетро да Кортоне, с которым нередко его впоследствии сравнивали, и срисовал целое собрание голов с Траяновой колонны (изданное Гютеном).
Современные критики находили, что картины, написанные Буше, по возвращении из Италии, отличались красотой и мужественной силой; это относится может быть к картинам, которые дошли до нас лишь в гравюрах, изданных Лаврентием Карсом, так как оригиналы их исчезли.
24 ноября 1731 года Б. был принят в академию, а в 1732 написал “Венеру, заказывающую Вулкану вооружение для Энея”.
Настоящее признание пришло к Буше в 1737 году, когда его картины впервые появились в Салоне. В том же году он начал работать для парижского театра «Опера», создавая декорации и разрабатывая костюмы для балетов, опер и драматических спектаклей.
Несколько раньше, в 1734 году, началось его сотрудничество с Королевской мануфактурой гобеленов.
К концу десятилетия положение мастера настолько упрочилось, что он мог теперь не беспокоиться о своем будущем и будущем своих детей (их у Буше было трое — две дочери, вышедшие впоследствии замуж за учеников своего отца, и сын, ставший, как и отец, художником).
Более того — он стал позволять себе относиться к заказам весьма избирательно. Примечательна, к примеру, история его взаимоотношений с графом Карлом Густавом Тессином, шведским посланником в Париже. Их заочное знакомство состоялось приблизительно в 1737 году, когда граф, находившийся в то время еще в Швеции, попытался заказать художнику картину через своего парижского агента.
Агент не замедлил с ответом: «Я виделся с мсье Буше… Но когда объявил ему о предлагаемой цене, он даже не захотел со мной разговаривать. В настоящее время он получает не менее 300 ливров за каждую свою картину. Это очень занятой молодой человек, он работает при дворе короля и считает себя одним из самых знаменитых живописцев современности.
Сказать по правде, в Париже его действительно полагают одним из лучших».
В конце 1740-х годов покровительницей Буше стала мадам Помпадур, любовница короля Людовика XV. Она брала у художника уроки рисования — по крайней мере, такова была официальная версия. И платила за эти уроки немалые деньги.
В салонах же говорили, что между мадам Помпадур и живописцем существуют отнюдь не только дружеские отношения.
Благодаря связям любовницы короля, Буше смог получить очень выгодные заказы от главного управляющего королевскими имениями — в том числе, на декоративные росписи в Версале.
Будучи страстной поклонницей театра, мадам Помпадур приказала построить для себя в Версале небольшой театр. Для него Буше (к тому времени — уже опытный театральный художник) создавал декорации и костюмы.
А вскоре всемогущая мадам нашла для него новую работу — делать эскизы для сервизов и фарфоровых фигурок, производившихся на фабрике в Севре. Именно во второй половине XVIII века этот маленький городок неподалеку от Парижа стал знаменит своим фарфором.
Надо думать, труды Буше сыграли здесь немалую роль.
После революции 1789 года творчество художника, «запачкавшего» себя близостью к королевскому двору, было предано забвению.
Вплоть до середины XIX столетия о Франсуа Буше не вспоминали иначе как с презрительной усмешкой.
Но с появлением многотомного труда братьев Гонкур «Искусство XVIII века» отношение к «первому придворному живописцу» переменилось, и он вновь занял подобающее ему место среди мастеров живописи XVIII столетия.
Буше и рококо
Рококо
Rocaille
Cтиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко.
Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.
Франсуа Буше был типичным представителем легкого, праздничного, повышенно декоративного искусства рококо.
На его живопись оказало влияние творчество Антуана Ватто, но легкая грусть, сквозящая в его картинах, Буше была чужда. Можно сказать, что Ватто дал рококо дух, а Буше – плоть.
Полотна мастера – сплошная чувственность, но на французский манер: когда любовь способна принять форму красивой игры.
В богатом живописном наследии Франсуа Буше, работавшего в чувственном и рафинированном стиле рококо, одной из самых популярных картин является «Купание Дианы». Красивейшая олимпийская богиня Диана предстала на полотне французского художника прелестнейшей чаровницей, отдыхающей после своих охотничьих забав на берегу ручья.
Буше не стремился в написании ее образа точно следовать греческим мифам о богине. Его не интересует мифология как таковая, он лишь пользуется ею как удобным предлогом для изображения обнаженного женского тела, юного и прекрасного.
Его Диана – нежное создание, привыкшее к неге и заботе, она живет лишь для того, чтобы дарить усладу жадным взглядам.
Картины Франсуа Буше (произведения)
Отдыхающая девушка
1752
Картина принадлежит к числу известнейших картин в собрании «Старой пинакотеки». Это одна из лучших работ Франсуа Буше, который, будучи придворным живописцем Людовика XV, изобразил богатую сладостями и утехами жизнь той эпохи.
Фигура юной девушки изображена в очень необычной и сложной позе. Спинка софы неудобно высока для такого положения тела и ноги, так вожделенно утопающие в подушках, не в состоянии служить опорой изогнутому телу. Буше мастерски решил эту проблему и очень занимательно представил движение и немногочисленные предметы на картине.
Софа, занавесь и стена — нежно оливкового цвета и различаются только материалом; дорогое тёмно-розовое шёлковое покрывало, придающее глубину картине; светло-голубая шёлковая лента, вплетённая в волосы девушки и вьющаяся у неё в руках. Светло-голубой и розовый являются основными цветами рококо.
ТУАЛЕТ
1742 год, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид
Диана после купания
(1742 Париж, Лувр)
Туалет Венеры
1751
«Туалет Венеры» был заказан художнику его покровительницей — фавориткой Луи XV мадам Помпадур для ее Шато Бельвю близ Парижа. Сама мадам Помпадур играла главную роль в одноименном спектакле в театре Версаля.
На полотне Венера похожа на придворную даму XVIII века: у нее «фарфоровое» личико с томно-игривым выражением, жесты прелестной жеманницы, характерная прическа с естественно лежащими локонами, и вся она, несмотря на пышность форм, похожа на куколку.
Амуры не столько наряжают эту очаровательную кокетку, сколько играют с ее волосами и украшениями. Возле Венеры вьются голуби, священные птицы, один из них прижимается к груди богини. Тело красавицы написано в редких и изысканных, но несколько неестественных тонах.
Буше сделал это сознательно: он не стремился подражать природе, объясняя это тем, что и природа несовершенна.
Одалиска
1745. Музей Лувр, Париж.
Этот портрет полуобнаженной молодой женщины также известен под названием «Темноволосая одалиска». Обнаженная молодая женщина лежит на кровати в обрамлении роскошных драпировок. Открыто бросая вызов, она флиртует со зрителем, выглядывая из своего будуара.
Картина Буше – своего рода квинтэссенция фривольных излишеств середины XVIII века, а сам он – один из наиболее последовательных представителей стиля рококо.
В юности Буше испытал сильное влияние творчества Антуана Ватто, многие картины которого гравировал, а в 1740-е годы добился покровительства мадам де Помпадур.
Благодаря ее влиянию Буше становится первым живописцем Людовика XV.
Буше был одним из самых модных художников-декораторов в Париже, а его очаровательно кокетливые картины на мифологоческие сюжеты, изображавшие нимф и богинь, должны были угождать вкусам тех представителей высшего парижского общества, чьи элегантные особняки он украшал. Идеально воплощая условность приемов живописи века рококо, Буше будто бы хотел сказать в своих картинах, что природа представляется «чрезмерно зеленой и плохо освещенной».
Прекрасная кухарка
1735 Париж, Музей Коньяк-Же
Модистка
Пан и Сиринга
Сиринга (Сиринкс), в греческой мифологии наяда, почитавшая Артемиду и потому строго хранившая свою девственность. Пан, охваченный любовной страстью, преследовал нимфу Сирингу.
Сиринга бежала от преследовавшего ее Пана до реки Ладон, где она попросила помощи у своих сестер-нимф и у речного божества. Поэтому и была превращена божеством реки Ладон в тростник при прикосновении к Сиринге бога полей и пастбищ Пана.
Пан вырезал из тростника пастушескую свирель-сирингу.
Сиринга — у древних греков музыкальный инструмент (свирель), считавшийся принадлежностью аркадского бога Пана и вместе с тем греческих пастухов. Сиринга делалась следующим образом.
Брали 7 (иногда 8 и 9) полых стеблей тростника и прикрепляли их одну к другой с помощью воска, причем длина каждой трубки делалась различной с тем расчетом, чтобы можно было иметь полную гамму.
Существовала свирель Сиринга и из одного стебля: в таком случае на ней играли так же, как играют на современных флейтах, а именно через боковые отверстия. Сиринга была родоначальницей современного органа.
Мадам де Помпадур
(1756. Старая Пинакотека, Мюнхен)
Франсуа Буше никогда не был мастером портретной живописи. Из почти тысячи написанных им картин портретов наберётся едва ли полтора десятка.
«Портрет мадам де Помпадур» из мюнхенской Старой Пинакотеки – один из самых известных.
С книгой в руках она полулежит на кушетке в своем будуаре, и можно не сомневаться, что и подробности её туалета, от сорта кружев до жемчугов на запястье, и детали интерьера – это самое изысканное и самое модное, что только могло существовать в тот исторический момент.
А такие туфельки на каблуке без задника, как на картине, ввела в моду именно госпожа де Помпадур. Кстати, она же, столкнувшись в Версале с удушающей ароматической композицией из пота, мочи и пыли, ввела в обычай часто мыться – до этого дамы предпочитали заглушать запах тела пронзительным ароматом духов.
И Буше хорошо удаётся передать исходящее от маркизы ощущение свежести и чистоты (в буквальном, а не переносном смысле). О мадам говорили, что «она благоухает розами». Не в состоянии передать благоухание, Буше украсил розами её платье и бросил пару роз на паркет у ног Помпадур.
Буше никак не назовешь глубоким психологом: его портреты не несут никаких особых прозрений, не демонстрируют следов напряжённой внутренней жизни. Он не склонен разоблачать своих персонажей, но, к счастью, и не особо им льстит.
А если и льстит, то не грубо: госпожу де Помпадур Буше изображает уверенной и спокойной, без тени дешевого заигрывания со зрителем.
Книга в её руке (странички явно потрепаны от внимательного чтения) и книжный шкаф за спиной лишь констатируют её блестящую образованность, которую не стали бы отрицать даже её недоброжелатели.
Фонтан любви
1748-й, год написания «Фонтана любви», – это как раз тот год, когда Буше начал работать для мадам де Помпадур.
Основными сюжетами живописи становятся пасторали, fetes galantes (так называемые «галантные празднества»), лёгкие и изысканные любовные сценки. Еще недавно ваши предки украшали сцены парадными портретами и торжественными полотнами с героями античности.
Но вы, современница маркизы де Помпадур, конечно, подобной оплошности не допустите. Вы ведь в курсе, что нынче в моде? То, что раньше считалось низким и недостойным. Пастухи и пастушки! К тому же кому теперь интересны парадные залы? Все важные вопросы решают в альковах, камерных салонах, уютных будуарах.
Вот насколько всё переменилось! Недаром говорят, что мода – дама ветреная и непредсказуемая.
Источник – интернет.
Франсуа Буше – великий живописец и декоратор – биография и картины обновлено: Ноябрь 28, 2017 автором: interesno-vse.ru
Источник: https://interesno-vse.ru/?p=20618
Художник Франсуа Буше — картины с названиями, биография и интересные факты :
Картины Франсуа Буше заказывали король Франции, его фаворитка и вся придворная знать. Этот художник — один из ярких представителей эпохи рококо, который в 18 веке заслуженно считался законодателем различных искусств в Париже и за его пределами.
Семья и обучение живописи
Родился знаменитый живописец в 1703 г. в Париже в семье художника, занимающегося разработкой узоров для вышивки. С самого детства, разглядев неординарные способности сына к рисованию, Николя Буше отдал сына для обучения в мастерскую Лемуана, который считался видным мастером живописи во Франции.
По характеру Франсуа был трудолюбивым и прилежным, вызывая восторг у учителей своим послушанием и талантом. Он постепенно освоил различные виды искусств: в качестве декоратора создает узоры для обоев, с успехом пробует себя в работе с гравюрами и талантливо создает живописные произведения.
В 16 лет он начинает работать над своим первым заказом от издательства на оформление книги «Французская история» Даниэля, а спустя год получает академическую премию за одну из живописных картин.
Одна из страниц биографии Франсуа Буше — создание серии гравюр по картинам Ватто, что заняло у него 2 года жизни и помогло в изучении произведений и манеры этого живописца.
Начиная с 22 лет картины художника Франсуа Буше активно представляются на выставках, где и публика, и критики воспринимали их всегда с восхищением. Четко понимая, чего от него требуют заказчики, он создавал работы с помощью своего запаса живописных приемов и набора сюжетов, которые были продиктованы модой того времени и вкусами аристократии.
Получив стипендию Академии, в 1727 г. он совершил учебную поездку в Италию, где не только учился, но и получал дополнительные заказы на живописные работы от богатых клиентов.
Творчество Франсуа Буше
После возвращения из Италии творчество Буше получило полное признание. С 1734 г. он стал членом Королевской академии, а затем ее профессором. На протяжении многих лет художник работает в Версале, оформляя королевскую резиденцию росписями и декором, участвует в оформлении залов Королевской библиотеки в Париже.
Основная тематика картин Франсуа Буше — это описание природы, жанровые зарисовки, портреты, работы на мифические сюжеты и библейские. Яркое мастерство живописца Буше проявил в создании жанровых картин, тщательно прорисовывая каждую деталь и мелочи: все композиции и люди на них, черты их лиц — выглядят очень жизненно и естественно.
Картина «Завтрак» Ф. Буше — одна из жемчужин его живописных работ. В ней художник изобразил семью (предположительно свою), передавая с успехом атмосферу теплых взаимоотношений, благополучия и любви. Цветовая гамма представлена нежными оттенками, от светлых до темных тонов.
С точностью до малейших деталей описана обстановка комнаты и декоративные элементы (столик на фигурных ножках, позолоченное зеркало, старинные часы, столовый сервиз, игрушки). Очень подробно нарисована одежда: платья, кружева, чепчики.
Большое внимание художник уделил мельчайшим деталям, характеризующим эпоху, и даже стоящий на полочке Будда может рассказать зрителю о моде в 18 в. на китайское искусство.
Это художественное произведение знакомит зрителей с эпохой и нравами людей.
Портреты Маркизы де Помпадур
В 1756 г. к художнику приходит большая слава: он получает заказ от французского короля на портрет его фаворитки мадам де Помпадур и с блеском его выполняет.
Описание картины Франсуа Буше «Маркиза де Помпадур» можно сделать с точки зрения эпохи и статуса дамы в качестве фаворитки короля. Ее имя стало нарицательным еще при жизни.
Любовницей короля она была только 5 лет, однако и после этого, сохранив дружбу монарха, участвовала в управлении государством еще многие годы.
Отношение к ней придворных было различным: одни считали ее корыстной и мстительной, другие ценили за ум, красоту и ученость. Обладая хорошим вкусом, она активно участвовала в разработке интерьеров и отделке королевских дворцов, покровительствовала многим художникам.
Художник написал ее с книгой в руках, сидящей на кушетке в своей комнате.
Одета она во все самые модные предметы туалета той эпохи: платье, отделанное розочками и кружевами, туфельки без задника (которые вошли в моду благодаря ей). Все олицетворяет состояние свежести и чистоты.
Поза маркизы излучает спокойствие и уверенность, книга в руке и шкаф позади нее обращают внимание на ее высокую образованность.
Сама маркиза де Помпадур отозвалась об этом портрете, как «об очень похожем, но слишком красивом», с присущей ей прямотой и умом. Впоследствии Буше еще не один раз писал с нее портреты, став придворным художником и декоратором.
Картины мифологической и библейской тематики
В произведениях с мифическими и библейскими героями Ф. Буше показал свою фантазию и свободу творчества, использовав большую цветовую гамму и живописные приемы. В качестве фона всегда присутствуют античные сооружения, но не реальные, а выдуманные художником. Центром всех работ являются герои мифов, сценки и описание их взаимоотношений.
Наиболее часто в них присутствуют Юпитер, Венера, различные нимфы, наяды и амуры.
Картина Фансуа Буше «Туалет Венеры» рисует богиню любви в окружении амуров, она почти полностью обнажена и по стилю написания напоминает дворцовую даму эпохи рококо. Как всегда, художник проработал множество деталей.
Завитые кудри Венеры, амуры, играющие с бусами, роскошная софа с золотым объемным орнаментом, обтянутая шелком, голуби возле ее ног и в руках, стоящий рядом медный чайник и лежащий кувшин — все это больше напоминает будуар французской дамы, хотя и с мифическим персонажем в центре.
Франсуа Буше: картины с названиями на библейские сюжеты
Это следующие работы:
- «Аврора и Кефал».
- «Геркулес и Омфала», 1730-е годы.
- «Венера просит Вулкана оружие для Энея».
- «Юпитер и Каллисто», 1744.
- «Леда и Лебедь».
- «Купание Дианы», 1742.
- «Туалет Венеры»;
- «Венера, утешающая Амура», 1751.
- «Жертвоприношение Гидеона» и др.
Пейзажи Ф. Буше
Одно из направлений творчества художника — создание декораций и шпалер, для которых он писал пейзажи, рисуя окрестности Парижа и Бове. В картинах Франсуа Буше описание природы и сельской жизни французской провинции представлено в виде пасторальных сценок с молодыми селянками, которые расположились на отдыхе или выясняют любовные отношения.
Такую тематику имели и декорации, которые Буше рисовал для оформления спектаклей, работая в театрах Франции.
Интересные факты из жизни Ф. Буше
Картины Франсуа Буше многие годы считаются «зеркалом, отражающим придворную жизнь Франции при короле Людовике 15-м».
Художник с помощью своего мастерства и филигранной техники смог отобразить в живописи вкусы публики 18-го в.
Особое восхищение у ценителей искусства вызывают его колористическое решение картин и умение создать на полотне особый сияющий свет, который позднее найдет отражение в стиле импрессионистов.
Он мастерски мог создавать праздничную и разнообразную по жанрам живопись, применяя свои таланты и в других произведениях искусства. В биографии Франсуа Буше картины сыграли главную, но не единственную роль. Он активно работал на фабрике гобеленов, создав более 40 эскизов шпалер.
По его эскизам изготовляли фарфоровые изделия, Буше создавал гравюры для оформления книг (по произведениям Мольера, Овидия и др.), рисовал декорации к театральным постановкам балетов «Персей» (1746) и «Галантная Индия» (1735). За счет всего этого он смог нажить внушительное состояние.
Последние годы жизни
Закат творчества Франсуа Буше происходил постепенно, по мере вхождения в моду нового стиля в искусстве — классицизма. Интерес к работам художника у публики стал снижаться, а после смерти Маркизы де Помпадур он лишился поддержки королевского двора, однако по-прежнему оставался на посту директора Королевской академии живописи и скульптуры.
Последние годы жизни Ф. Буше прошли в тишине и покое. Умер он в 1770 году, оставив после себя около тысячи живописных картин и других произведений, прославившись как великий живописец эпохи рококо.
Картины Ф. Буше выставлены в знаменитых музеях Франции, США и других стран.
Источник: https://www.syl.ru/article/323048/hudojnik-fransua-bushe—kartinyi-s-nazvaniyami-biografiya-i-interesnyie-faktyi
Буше Туалет Венеры
Картины (живопись) : копия картины Франсуа Буше туалет Венеры
Пройдя в музей с мясным тесаком, в 1914 году суфражистка Мэри Ричардсон, семь раз ударила по им картине (в область тела нарисованной Венеры).
Непосредственные жанровые наблюдения сочетаются в них с обобщенно и декоративно решенным общим построением композиции («Ферма», Музей изобразительных искусств им.
Купание дианы В богатом живописном наследии Франсуа Буше, работавшего в чувственном и рафинированном стиле рококо, одной из самых популярных картин является «Купание Дианы».
Художник в своей мастерской В 1720 году в возрасте семнадцати лет Буше поступил в мастерскую гравера Жана-Франсуа Карса, что позволило ему изучить искусство оформления книг и работу с гравюрой, а также самостоятельно зарабатывать на жизнь. Б. Тьеполо, а в палитре160 колориту венецианских «виртуозов». Он не стремился подражать природе, что природа и несовершенна – объясняя это тем, Буше сделал это сознательно.
Но эффектный штамп, у него вырабатывается постепенно легкий, так как от него требуют повторения работ. Молодое тело, отражение зрелой женщины, маленький сын Купидон. Единственное, что указывает на то, что перед нами Венера, это Купидон (по мифу, сын богини), держащий зеркало. Тело красавицы написано в редких и изысканных, но несколько неестественных тонах.
Он по-прежнему создает пейзажи («Пейзаж с рыбаком и его друзьями», 1770, Метрополитен-музей), картины на библейские сюжеты, декоративные композиции в медальонах с пышно оформленными в стиле рококо обрамленьями (они обычно размещались или над дверями или над зеркалами).
За это Буше подвергался критике Дидро, всегда, однако, высоко ценившего его дарование. В «портретах-состояниях» (этот жанр был распространен в XVIII столетии) или в «одалисках» Буше часто прибегает к изображению модного типа грациозной красоты с кукольным капризным розовым личиком.
Сюжет картины прост.
«Маркиза де Помпадур за туалетным столиком»
Расположенных на переднем плане картины, Присутствие очаровательной морской нимфы и наяды, что могущественный Нептун, говорит о том, моря, бог не даст разгуляться ветрам и успокоит бурлящую морскую стихию. Придавая живописи вид миниатюры или фарфоровой поверхности, Он то прибегал к обильным лессировкам, подражая манере Дж, то свободными писал жидкими мазками.
Сама мадам Помпадур играла главную роль в одноименном спектакле в театре Версаля. А. 160С. 160Пушкина) Прекрасный рисовальщик, Буше работал не только в технике пастели, но и гуаши любил сочетать черный и белый мел с сангиной, то есть исполнял рисунок «в три карандаша» по тонированной коричневым тоном бумаге, что создавало изысканные цветовые эффекты.
Вот таким образом картина Диего Веласкеса «Венера перед зеркалом» при жизни художника не была популярна. Сколько играют с ее волосами и украшениями, Амуры не столько наряжают очаровательную эту кокетку. Туалет богини венеры «Туалет Венеры» был заказан художнику его покровительницей – фавориткой Луи XV мадам Помпадур для ее Шато Бельвю близ Парижа.
Буше скончался 30 мая 1770 года.
Конечно, это специальный приём художника. В Салоне 1765 года Дидро писал, что «его манера широка и величественна» и что у него «сильный и верный цвет».
Инквизиция могла потребовать, При несоблюдении перекрасить этого, картину или конфисковать её для сожжения, в лучшем случае, в худшем, наложить на художника штраф, выгнать из страны или отлучить от церкви. Сюжеты обеих «пасторалей» были навеяны художнику пантомимой плодовитого драматурга Шарля Симона Фавара (1710-1792).
В 1722 году Буше было поручено иллюстрировать новое издание «Французской истории» Габриэля Даниеля. На что нужно обращать внимание. Конечно, она была известна в узких кругах, но признание получила лишь спустя время.
Веласкес Туалет Венеры или Венера зеркалом перед в те времена в Испании свирепствовала инквизиция и нагота в живописи была запрещена. А. С. Пушкина, Москва «Утро в деревне», 1740-е годы, Старая пинакотека, Мюнхен «Пейзаж с отшельником», Музей изобразительных искусств им.
pastoralis пастушеский), в искусстве и литературе утвердившееся в 17-18 веках наименование группы жанров, тематически нацеленных на литературно-стилизованное изображение естественной, природной жизни (пасторальный метажанр).
На потомство, в котором продолжается жизнь и красота, которая так временна.
- Презентация на тему: Франсуа Буше
- Туалет Венеры, картина Франсуа Буше
- Репродукция картины Буше Франсуа на холсте – Туалет Венеры
- Франсуа Буше – все произведения по хронологии
- Репродукция картины Франсуа Буше, Туалет Венеры
Отдыхающей после своих охотничьих забав на берегу ручья, Красивейшая олимпийская богиня Диана на предстала полотне французского художника прелестнейшей чаровницей. Завершившемуся захватом Иерусалима в 1099 г. и установлением христианского царства, Поэма первому посвящена Крестовому походу.
Для шпалерной мануфактуры он создал более 40 эскизов для шести серий шпалер («Сельские празднества», «История Психеи», «Китайская серия», «Любовь богов» и др. ). Более того, лицо в зеркале отражено не так, как должно быть на самом деле. Молодая дама раздумывает над прочитанным, подняв глаза от книги.
В его произведениях появляется сопоставление ярких локальных цветов, придающих «ковровость» его живописи. Что он спас своих товарищей, Она ненавидела Ринальдо и хотела отомстить ему за то, подобно Цирцее, которых превратила она, в монстров.
Картина «Рождение Венеры» написана по древнегреческим преданиям о Венере и Зевсе.
Нежного южного ветра, Потом они уложили ее на большую волну и вверили Зефира, заботам который и отнес ее на остров Кипр.
Богиня Юнона, Юнона посещает хранителя ветров Эола Как рассказано римским автором Вергилием в первой книге Энеиды, всячески интриговала, поглощенная ревностью к Венере, чтобы не допустить флота прибытия ее сына Энея к берегам поселения, основанного троянцами в Италии. Первоначально она просто называлась Dona Desnuda (от исп.
Художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, Несомненно, ездил ли он в Венецию позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо Написанные им в этот период пейзажи окрестностей Бове и Парижа словно перешли со шпалер или декораций, эскизов хотя неизвестно, для которых они создавались, на станковые полотна. Два воина взирают на происходящее, укрывшись за колонной дворца Армиды. Таковы его женские образы в картинах «Темноволосая одалиска» (1745, Париж, Лувр) и «Светловолосая одалиска» (Мюнхен, Старая пинакотека). Тело красавицы написано в редких и изысканных, но несколько неестественных тонах. Осенняя пастораль Пастораль (франц. Возле Венеры вьются голуби, священные птицы, один из них прижимается к груди богини. Эти красивые декоративные композиции быть могли использованы как фон в любой пасторальной сценке.
- Собрание произведений искусства
- «Венера требует армию у Вулкана для Энея»
- «Аполлон, обожествляющий пастушку»
- «Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея»
- Буше () Франсуа (1703–1770), французский художник
Амуры не столько наряжают эту очаровательную кокетку, сколько играют с ее волосами и украшениями. По другой теории, зеркало являет собой разграничитель на мир реальный (отражение) и мир фантазий (красота).
Буше любил не только использование определенных нескольких цветов (обыгрывая их тональные вариации или, напротив, локальные сочетания), но и броские приемы. Первыми ее обнаружили океанические нимфы.
Покоренная красотой Ринальдо, Однако, Армида влюбляется в него и в уносит свои зачарованные сады.
Морские нимфы решили, Когда воспитание Венеры было завершено и подняли ее на поверхность моря, что пришло время представить ее богам, где тритоньи, океаниды нереиды и окружили богиню, громко восхищаясь ее красотой и предлагали жемчужины и отборные кораллы, чтобы она могла себя ими украсить. Крылья Купидона ярко контрастируют с цветом его кожи.
Живопись жесткой, Во второй половине 50-х годов 18 столетия творчество Буше стало чересчур отвлеченным и холодным, в композициях ложный проявился пафос.
Рождение венеры Франсуа Буше любил писать картины на мифологические темы.
Франсуа Буше Туалет Венеры, 1751, Метрополитен Музей Франсуа Буше (1703-1770) был типичным представителем легкого, праздничного, повышенно декоративного искусства рококо.
- Рене Франсуа Гислен Магритт (18981967)
- Великие математики: Франсуа Виет
- Венера – Богиня любви, весны и плодородия
На полотне Венера похожа на придворную даму XVIII века: у нее «фарфоровое» личико с томно-игривым выражением, жесты прелестной жеманницы, характерная прическа с естественно лежащими локонами и вся она, несмотря на пышность форм, похожа на куколку.
Куда смотрит женщина. pastorale, от лат. Когда любовь способна принять форму красивой игры, Полотна – мастера сплошная чувственность – но на французский манер.
В Риме на произвели него особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Беспокойства во взгляде ее нет. Сводя к ним свою палитру, Буше любил сочетание нескольких доминирующих цветов, но стремясь всегда к изысканным тональным их соотношениям.
В Риме на Буше особенно сильное впечатление произвели работы живописцев Пьетро. Армида вложила в руку Ринальдо зеркало (на картине зеркало держит, точнее подпирает своей спиной, один из амуров) влюбленные смотрят в глаза друг другу и при этом видят в зеркале свой собственный образ в момент любовного экстаза.
Буше не стремился в написании ее образа точно следовать греческим мифам о богине.
Хранителя ветров, в переданном кистью Буше описании этого античного мифа Юнона посещает Эола, таким образом вызвав бурю и сильный шторм, убеждает и его выпустить их на свободу, который потопил бы флот Энея.
На фоне модной обстановки будуара, Знатная заказчица с позирует книгой или у фортепьяно, кабинета или гостиной своего замка Бельвю. Зеркало являет собой на разграничитель мир реальный (отражение) и мир фантазий (красота), По другой теории. «нагая донья, женщина»).
Вызванную общим упадком аристократической Творческий культуры, кризис Буше отражает деградацию стиля рококо. Она лежала, как в колыбели, на большой голубой волне и они отнесли ее в свои коралловые пещеры, где нежно ухаживали за ней и учили с большим старанием.
Ощущая творческую свободу подлинный как мастер XVIII столетия Все полотна исполнены в серебристой оливково-коричневой гамме, Он был интерпретатором многих манер.
В 1914 году суфражистка Мэри Ричардсон, пройдя в музей с мясным тесаком, семь раз ударила им по картине (в область тела нарисованной Венеры). Что же с картиной Веласкеса.
В то же время Купидон готовит стрелу, направляет Юнона факел страсти непосредственно на сердце Эола, запястья которой связанны жемчугом, предназначенную для страсти и послушания нимфы.
Портрет маркизы де Помпадур Буше не был увлеченным портретистом, но достаточно много писал свою покровительницу и, вместе с тем, поклонницу его таланта, фаворитку Людовика XV маркизу де Помпадур. По одной теории Веласкес, таким образом, показывает связь между старостью и молодостью.
Можно сказать, что Ватто дал рококо дух, а Буше – плоть. Безумно влюбленный Эол, внимая Юноне, готов освободить сонм ветров. Что Венера была дочерью Юпитера и Дионы, Из мифов древней Греции считается, богини влаги по мнению других из родилась морской пены. Уже потом она получила названия «Венера перед зеркалом» или «Туалет Венеры». Вторая картина называется «Летняя пастораль».
На полотне Венера похожа на придворную даму XVIII века: у нее «фарфоровое» личико с томно-игривым выражением, жесты прелестной жеманницы, характерная прическа с естественно лежащими локонами и вся она, несмотря на пышность форм, похожа на куколку.
Присущая идеальному портрету, Декоративная импозантность, чувства, личного сочетается в образах маркизы де Помпадур с передачей интимного, что придает им более камерный тон. Сама мадам Помпадур играла главную роль в одноименном спектакле в театре Версаля.
Рисунки Буше использовались для украшения фарфора и изготовления фигурок из бисквита с изображением детей и пасторальных сцен («Едоки винограда», «Маленький садовник», «Продавец бубликов», все в Эрмитаже) В позднем творчестве Буше начинает изменять чувство цвета.
В 1723 году Франсуа Буше победил в конкурсе на Римскую премию академии Королевской живописи и ваяния. В 1723 году Франсуа Буше победил в на конкурсе Римскую премию Королевской академии живописи и ваяния.
Не менее тонки по найденным цветовым сочетаниям изображения женских головок в технике живописи маслом и в пастели («Женская головка или Пробуждение», 1730-е, Москва, Государственный музей изобразительных искусств им.
Читала, задумалась, снова облокотившись читала, на подушку и опустив книгу – писала письма, Спокойно занималась в своем кабинете. Он не стремился подражать природе, что и природа несовершенна – объясняя это тем, Буше это сделал сознательно.
«Туалет Венеры» был заказан художнику его покровительницей – фавориткой Луи XV мадам Помпадур для ее Шато Бельвю близ Парижа. Заказанных Франсуа Буше министром финансов Людовика XV, «Осенняя пастораль» – из одна двух картин.
Отправиться в путешествие по Италии молодому художнику удалось лишь в 1727 году. Ринальдо и армида Ринальдо и Армида герои поэмы «Освобожденный Иерусалим» итальянского поэта Т. Тассо (154495). Его картины эффектны по композиции исполнены динамичным мазком. Они не лишены пикантной эротики и исполнены с большим живописным мастерством.
Присущая идеальному портрету, Декоративная импозантность, личного чувства, сочетается в образах маркизы де Помпадур с передачей что интимного, придает им более камерный тон. А. С. Пушкина, Москва).
Он лишь пользуется ею как удобным предлогом для изображения обнаженного женского тела, Его не интересует как мифология таковая, юного и прекрасного.
Армида, красавица-колдунья, была послана Сатаной (поддержкой которого заручились сарацины), чтобы сокрушить крестоносцев силой своих чар.
Вряд ли кто-то прервал ее чтение и потревожил покой. Картины с таким названием есть у нескольких художников и все они прекрасны. В котором рассказывается о том, На картине изображен знаменитый эпизод, разыскивающие похищенного Армидой Ринальдо, как воины, находят в влюбленных садах Армиды.
Но легкая грусть, На его живопись оказало влияние творчество Антуана Ватто, Буше была сквозящая чужда, в его картинах.
Юнона предлагает Эолу самую свою красивую нимфу, в качестве платы за услугу и как искушение, Деяопею.
Главную героиню пантомимы, в данном случае на картине представлена сцена умилительная – юноша-пастух кормит виноградом Лизетту. Возле Венеры вьются голуби, священные птицы, один из них прижимается к груди богини.
Источник: http://art.bluvelvet.net/wdr/201601/bushe-tualet-venery/
Туалет Венеры. Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж
Поступление: между 1815—1822 годами приобретены Н. Б.
Юсуповым, находились в усадьбе Архангельское под Москвой;после 1854 года перевезены во дворец на Мойке, Санкт-Петербург;в 1925 году поступили в Эрмитаж из дворца-музея Юсуповых в Петрограде;в 1928 году переданы в Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва;
возвращены в Эрмитаж в 1932 году.
Обе картины, составляющие пару, исполнены в середине — второй половине XVIII столетия на сюжеты, заимствованные из «Метаморфоз» Овидия (X, 534). Картины с изображением Венеры, как и вообще культ богини любви, имели огромный успех во Франции в XVIII веке. В Париже постоянно дают «Пигмалиона» Рамо, Андре Кампра ставит на сцене оперу «Любовь Марса и Венеры», Жан Жорж Наварр создает балет «Туалет Венеры». В Парижском салоне со времени последних лет правления Людовика XIV на протяжении всего столетия и даже в годы революции выставляются картины, посвященные Венере. Художники избирают для своих произведений сюжеты из «Илиады» Гомера, «Метаморфоз» Овидия, «Энеиды» Вергилия, «Од» Анакреонта. На полотнах живописцев богиня рождалась из пены морских вод, предавалась любви с Марсом, посещала кузницу Вулкана, стремилась спасти Адониса, оживить Галатею, воспитывала или обезоруживала Амура, занималась своим туалетом, купалась, отдыхала. Сам Вольтер заказал для себя копии с «прекрасных обнаженностей» Натуара и Буше.
Истинным певцом женской красоты был Франсуа Буше, «кого Венера и ее Двор, — по выражению современника Фрерона, — избрали своим художником». Буше, как никто другой, умел передать мимолетные состояния души, ускользающие и обманчивые.
Соблазнительная юность его женских образов смягчала эротизм поз и движений.
Венеры Буше, погруженные в цветущую природу, негаснущие небеса, ласкающий свет солнца и обещающие сладость любви, живут в атмосфере эротики, созданной с большой деликатностью, где есть лишь легкий намек на соблазн.
Вполне вероятно, что приобретение этих двух композиций Н.Б. Юсуповым имело целью быть включенными в убранство интерьеров дворца в Архангельском, например, в качестве десюдепортов.
Возможно, поэтому Николай Борисович не был слишком строг к своему выбору и не обратил внимание на некоторую сухость и жесткость манеры, не очень свойственные Буше даже в написании небольших произведений, призванных служить элементом декора.
Однако эти особенности, отличающие представленные картины от основного варианта (в начале XX века — собрание А. Гольдшмита, затем — А. Ротшильда; в настоящее время — частное собрание, Нью-Йорк), заставляют усомниться в авторстве Франсуа Буше.
Мы склонны усматривать в композициях из юсуповского собрания не авторские варианты, а копии мастерской художника или его последователей. Известно большое количество полотен, написанных Буше и его учениками на эту тему.
Одновременно существует ряд рисунков мастера на сюжеты «Триумфа Венеры» и «Туалета Венеры», одни из них являются самостоятельными, другие следует считать подготовительными к живописным композициям. К последним можно отнести набросок к фигуре Венеры из композиции «Триумф», использованный в нью-йоркском оригинале и эрмитажной картине.
Дерябина Е. В.
© Фото, текст: Античное наследие в искусстве Западной Европы. Каталог выставки. с. 70—71 кат. № 61.© 2004 — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.© 2004 — АО «Славия», Санкт-Петербург.
© 2004 — ООО «Компания «Базовый элемент», Москва.
Источник: http://ancientrome.ru/art/artwork/img.htm?id=1137
Буше Франсуа (1703 — 1770)
Подлинный представитель французского рококо. Буше официально именовался «Первым художником короля», был директором Академии, обладал почетным правом занимать квартиру в Лувре. И пожалуй всей Франции было известно о благоволении к нему всесильной фаворитки короля Жанны-Антуанетты Пуассон, маркизы де Помпадур.
И он был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев, каминных часов, карет, эскизы костюмов и т.д. Станковые картины у него похожи на панно, панно могут смотреться и как самостоятельные произведения. Однако наибольшей известностью пользуются его картины. Увлекшись в юности масляной живописью, художник уже никогда не изменял этой технике.
И все это — галантные празднества, пастушеские идиллии, мифологические, жанровые, религиозные темы, пейзаж — все разыграно, как современная ему пастораль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, во всем царствует бело-розовая героиня — богиня Флора, а по сути обряженная в пастушеский наряд аристократка, везде похожая на себя парижанка, и неважно, Венера она или пастушка. Везде художник изображал юную модель с лучистыми глазами, с как бы случайной, но обольстительной небрежностью закутанные в нежные ткани, окруженные цветами, порхающими эротами. Типичные сюжеты — «Триумф Венеры» или «Туалет Венеры», «Венера с Амуром» (с Вулканом, с Марсом), «Купанье Дианы» и т.п.
Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, который видел в художнике порождение всего, с чем боролись просветители. Однако он не отказывал ему в профессионализме. И несмотря на эту критику произведения Буше пользовались огромной популярностью. Их покупали короли и императоры, герцоги и графы, богатые буржуа.
Буше был выходцем из небогатой семьи, успеха он достиг единственно своим трудом. Первоначальное обучение он получил в мастерской Франсуа Лемуана. Здесь развилось умение «мыслить красками», видеть замысел в больших цветовых отношениях.
Позднее он обучался технике рисунка и технике офорта в мастерской Жана Франсуа Кара-отца. Благодаря ему Буше познакомился с творчеством Ватто, которого Кара-отец очень почитал; и сам Буше писал всегда в стиле рококо, как и Ватто.
Всю жизнь он писал «взахлеб», оставил невероятно большое количество картин, гобеленов, рисунков, гравюр и других работ. И даже будучи уже процветающим, обласканным властью художником, он много и плодотворно работал.
Увлекаясь творчеством старых мастеров, Буше много сил отдал коллекционированию. С особым увлечением к концу жизни он собирал рисунки и гравюры Рембрандта.
Буше пользовался большой популярностью в России. Его даже пригласили на место профессора русской Академии художеств в Санкт-Петербурге, и Буше принял приглашение, однако смерть художника не позволила осуществиться этим планам.
Чем больше всматриваешься сегодня в полотна Буше, в эту сияющую светом, трепещущую нежными цветовыми оттенками радостную живопись, осознаешь его поразительную даровитость, тем большн чувствуешь подлинно цельное, эстетически полнокровное искусство.
Сегодня картины Буше украшают залы виднейших музеев мира. Эти работы несут ощущение полноты жизни, чаруют радостным даром цветовой гармонии, свободным и ликующе-светлым мастерством. Недаром критиковавший его Дени Дидро, отдавая должное его таланту, не мог не сказать:»В нем столько воображения, эффекта, волшебства и легкости!».
Источник: http://cvetamira.ru/bushe-fransua-1703-1770
Французский художник Франсуа Буше (1703-1770) Часть 2
- РЕЛИГИОЗНО-МИФОЛОГИЧЕСКАЯ ЖИВОПИСЬ
- Французский художник Франсуа Буше (1703-1770)
- Мадонна с младенцем и маленьким Иоанном Крестителем
- Святой Пётр идёт по воде
- Путти с мыльными пузырями
- Амуры — аллегория живописи
- Венера обезоруживает Купидона
- Марс и Венера, застигнутые Вулканом
- Кузница Вулкана (Вулкан, показывающий Венере оружие для Энея)
Буше Франсуа (1703—1770), французский живописец и декоратор.
Родился 29 сентября 1703 г. в Париже в семье орнаментщика и торговца эстампами.
Буше — наиболее яркий представитель рококо (стилевое направление в европейском искусстве первой половины XVIII в.). Он сделал блестящую карьеру, постоянно получал королевские заказы и был дружен с многими любителями искусства. В 1723 г. Буше получил Гран-при Французской академии за картину «Освобождение Иоакима, пленника Навуходоносора».
Любимой моделью художника в это время была Мари Жанн Бюзо, которая вскоре стала его женой. Он продолжил публиковать гравюры («Мольер», 1734—1737 гг.; «Крики Парижа», 1737 г.) и начал получать дорогие заказы. В 1734 г. Буше избрали в академию; это открывает для него долгую официальную карьеру профессора (1737 г.), директора академии и «первого художника короля» (1765 г.).
Художник работает на мануфактуре шпалер в Бовэ и на Королевской мануфактуре гобеленов в Париже, делает декорации для театральных и оперных постановок, разрывается между заказами короля Людовика XV и маркизы де Помпадур, а также своих друзей.
В 1736 г. Буше нарисовал серию «Пасторалей» из 14 частей, а в 1739 г. — «Историю Психеи». Для Королевской мануфактуры гобеленов он создал две серии — «Любовь богов» и «Аминте» (1755—1756 гг.).
Гобелен «Китайские дивертисменты» (подарен в 1764 г. Людовиком XV китайскому императору), орнаментальные рисунки для фарфоровых изделий Севрской мануфактуры (1757— 1767 гг.
) и многочисленные работы для театра и оперы обеспечили Буше славу самого крупного декоратора своего времени.
После смерти маркизы де Помпадур в 1764 г. художник продолжает выставляться в Салоне, хотя публику начинают больше привлекать Ж. Б. Грёз и О. Фрагонар. Буше стареет, зрение его слабеет, но он продолжает работать.
Он совершает путешествие во Фландрию (1766 г.), пишет картины на религиозные сюжеты («Поклонение пастухов», 1764 г., и др.), украшает дворец Марсийи (1769 г.), создаёт многочисленные декорации к оперным спектаклям («Кастор и Поллукс», 1764 г.
; «Тесей», 1765 г.; «Сильвия», 1766 г.).
За несколько месяцев до смерти, Буше избрали почётным членом Академии художеств в Петербурге.
Его можно считать основателем целой художественной школы. Художник создал новый канон женской красоты, великолепно подходящий к парижскому обществу того времени («Смуглая одалиска», 1745 г.; «Геркулес и Омфала», 1731— 1734 гг.).
Пейзажи Буше полны очарования и фантазии («Пейзаж в окрестностях Бовэ», 1742 г., и др.). Художник проявил себя как декоратор («Отдых на пути в Египет», 1757 г.) и орнаменталист, которому столь часто подражали в XIX столетии.
Мастер виртуозных рисунков, Буше сделал их более 10 тысяч.
Умер 30 мая 1770 г. в Париже. http://citaty.su/kratkaya-biografiya-fransua-bushe
Источник: https://tatyana-0953.livejournal.com/1165018.html
13 шикарных художественных идей для ванной комнаты
Ричард Пауэрс
В любой комнате можно увидеть привлекательное произведение искусства, будь то скульптура, черно-белая картина или красочная винтажная фотография. Но хотя вы можете подумать о включении искусства только в свою спальню, гостиную или прихожую, есть одно пространство, которое часто упускается из виду — ванная комната. Прокрутите вниз и найдите более 10 творческих идей для оформления ванной комнаты. Эти фотографии напоминают о том, что нужно уделить вашей ванной комнате то внимание, которого она заслуживает.
Реклама — продолжить чтение ниже
1
Медальон Hermès
Для главной ванной в своем доме в Вест-Виллидж Джонатан Адлер решил соединить медальон из бутика Hermès с коллекцией старинных женских портретов.
3
Деревянный Корабль
Деревянный корабль, найденный в Европе, украшает стену побеленной ванной комнаты отреставрированного фермерского дома на Лонг-Айленде.
4
Бюст Наполеона
Античный бюст Наполеона добавляет характер этому бунгало в ванной комнате в Окленде, спроектированной Патриком Пунти.
7
Белая скульптура
В парижских апартаментах французского архитектора Жака Гранжа скульптура Луизы Буржуа выходит на ванную комнату.
8
Grafitti Mirror Art
Зеркальное искусство Рашида Джонсона в стиле граффити привносит индивидуальность в гостевую ванную комнату на лофте на Манхэттене.
9
Скульптура Будды
Наряду с бронзовой статуей лежащего Будды, зеркальной стеной и кожаным креслом Vanitas от Versace Home Collection завершают главную ванную комнату в миланской квартире Донателлы Версаче. Помещение оформлял офис Ренцо Монджардино.
10
Скульптура синей стены
Иногда достаточно яркого цвета, чтобы преобразить пространство, и эта белая ванная комната с кобальтово-синей настенной скульптурой от Гельмута Пиццинини — тому подтверждение.
11
Живопись XVIII века
Манхэттенская ванная комната Элис Чайлдресс и Кристофера Дэниэлса украшена унаследованной картиной XVIII века, а также старинной отдельно стоящей мраморной ванной и старинной итальянской люстрой.
12
Черно-белый рисунок
Черно-белый рисунок Роберта Лонго дополняет естественные тона этой дамской комнаты в Верхнем Ист-Сайде.
13
Канделябры
Эта элегантная главная ванная комната в отеле отельера Алана Фаэна в Майами-Бич украшена канделябрами Питера Танни, креслом Филиппа Старка, мексиканской оттоманкой и зеркалом Людовика XV.
Моник Валерис
Старший домашний редактор, Good Housekeeping
Моник Валерис — старший домашний редактор журнала Good Housekeeping, где она освещает идеи украшения, домашние туры, путеводители по подаркам и многое другое.
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Реклама — продолжить чтение ниже
Движение Fluxus, сюрреалисты и другие
Туалеты, искусство и Fluxus
Fluxus — международное движение художников
кто смешивал художественные медиа и дисциплины
в моде нео-дада с 1960-х, производя
визуальное искусство и музыка в дополнение к влиянию
литература, дизайн, архитектура и городское
планирование.
Американский композитор и исполнитель Джон Кейдж
и французский художник
Марсель Дюшан,
оба жили в Нью-Йорке в 1950-х годах,
оказали большое влияние на движение Fluxus.
Движение Fluxus было официально оформлено литовцами.
Джордж Мачюнас.
Fluxus на латыни, что означает течь, и как
задуманная Мачюнасом, она была антиискусственной и антикоммерческой.
Джон Кейдж составил экспериментальный шум
музыку на протяжении 1950-х, а в 1957–1959 преподавал
изучение экспериментальной композиции
понятие неопределенности в искусстве.Ряд музыкантов и художников, посетивших эти
Позже курсы были задействованы в деятельности Fluxus.
Марсель
Дюшан
Между тем, Марсель Дюшан был
создает концептуальное искусство с начала 1900-х годов.
К тому времени, когда разразились катаклизмы Первой мировой войны,
В Европе в 1914 году Дюшан отказался от работ большинства
художников того времени как чисто «ретинальный», предназначенный для
радуют только глаз.
Дюшан стремился создать искусство, занимающее ум, вместо этого
о красивой, но неинтересной работе Матисса,
Моне и др.Импрессионизм и постимпрессионизм были инновациями
в то время, но Дюшан счел их неудовлетворительными.
Дюшана
Nu, потомок un escalier № 2
или, как на английском языке,
Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 ,
принес ему известность в мире искусства.
Сейчас он считается модернистской классикой и является одним из
самые известные произведения того периода.
Но тогда это было спорно.
Кубисты сказали, что это слишком футуристично, отчасти потому, что
Кубизм был французским движением, опасавшимся влияния
иностранным группам нравятся в основном итальянские футуристы.
Несмотря на разногласия, Дюшану удалось получить свою работу
представлен на Exposició d’Art Cubista
в Барселоне весной 1912 года, а затем
гораздо больше экспонатов на Armory Show 1913 года в Нью-Йорке.
Это была первая американская художественная выставка, на которой
значимые произведения из европейского авангарда
включая фовизм, кубизм, футуризм и многое другое.
Присутствовавшие на выставке американские теоретики искусства возмутились
поскольку они не привыкли ни к чему, кроме реализма.
Готовые модели Дюшана
Дюшана
Готовые модели
были то, что он назвал антиискусством.
Readymades были обычными промышленными объектами,
Дюшан выбрал и тем самым
определяется как арт.
Он выбрал их, исходя из своего личного чувства иронии,
юмор и равнодушие.
Первым «чистым» Readymade Дюшана стал его 1914 год.
Подставка для бутылок.
Его первым на тему туалета Readymade был его 1917 год.
Фонтейн ,
казнен в 1917-1964 гг., как гласит пояснительная табличка.На самом деле произошло то, что в 1917 году Дюшан заложил
писсуар, подписал его «R. Mutt» и назвал его произведением искусства.
Он продолжил серию таких работ до середины 1960-х годов.
Эта художественная философия в обобщенном виде получила название
Дадаизм , когда он распространился по Европе.
Дадаизм был протестом
против того, что его приверженцы считали
буржуазно-националистические и колониальные интересы
распространен в Европе и привел к мировой войне.
Дадаизм включал изобразительное искусство, литературу и поэзию,
теория искусства, театр, графический дизайн.Он был антибуржуазным и левым,
и это включало публичные собрания, демонстрации,
и издание художественных и литературных журналов.
В 2004 году модель Fontaine Дюшана была
выбранный
в виде
«Самое влиятельное произведение искусства ХХ века»
группой из 500 выдающихся художников и историков.
Оригинал Fontaine штука
был отправлен на выставку, но не принят.
Оригинал был утерян, по-видимому, выброшен (что кажется
вероятно, так как это было то, что художник нашел выброшенным
в первую очередь).
Затем, начиная с 1950-х годов, Дюшан получил заказ.
сделать ряд реплик.
Сейчас их можно найти в ряде значительных коллекций.
Один находится в Centre Pompidou в
Париж,
также известен как Centre Beaubourg,
один из крупнейших в мире музеев современного искусства.
Остальные версии Fontaine находятся в коллекциях
Музей современного искусства Сан-Франциско,
Художественный музей Филадельфии,
Тейт Модерн в Лондоне,
Национальная галерея Канады,
и Художественный музей Университета Индианы.
4 января 2006 г.
Пьер Пинончелли,
французский артист-перформанс напал на версию в
Центр Помпиду с молотком.
В отличие от других «вмешательств»,
Пинончелли использовал молоток.
Другие,
в том числе южноафриканский художник Кенделл Гирс,
Шведский художник Бьорн Кьельтофт,
и Юань Чай и Цзянь Цзюнь Си из Китая,
использовал более очевидную и уместную форму нападения
на писсуар.
Как сказал Чай,
«Писсуар есть — это приглашение.Как сказал сам Дюшан, это выбор художника.
Он выбирает, что есть искусство. Мы только что добавили к нему «.
Джордж Мачюнас открыл художественную галерею на Мэдисон-авеню в
Нью-Йорк, и благодаря этому стал связанным с авангардом.
художников, окружавших экспериментальный эксперимент Джона Кейджа конца 1950-х гг.
курсы композиции.
Он впервые использовал термин Fluxus при продвижении
фестиваль искусств, организованный им в 1962 году после переезда в Германию.
за его работу графическим дизайнером в США.Воздушные силы.
Мачунас первоначально называл эту философию
Неодадаизм или Обновленный дадаизм.
Но Рауль Хаусманн, первоначальный член дадаистов
движение, обескураживает эти условия.
Фортепианная деятельность, Задуманная работа для перформанса
Филиппа Корнера в 1962 году, многократно воссоздавался
в том числе в
Роанок, Вирджиния
и, конечно же,
Бруклин, Нью-Йорк.
Оригинальная «партитура», правда, просто лишние художественные предложения,
просил любое количество исполнителей «играть», «щипать или нажимать»,
«царапать или тереть», «ронять предметы», «воздействовать на струны с помощью»,
«ударьте по деке, штифту, крышке или перетащите различные виды
объектов через них «, и» действуют каким-либо образом на нижней стороне
фортепиано ».В результате Действия привели к полному уничтожению
пианино.
Мачюнас сказал:
«В конце мы выполнили Corner’s Piano Activities .
не в соответствии с его инструкциями, поскольку мы систематически
уничтожил пианино, которое я купил за 5 долларов, и
все это разрезать, чтобы выбросить, иначе мы бы
пришлось заплатить грузчикам, состав очень практичный, но
Немецкие настроения об «инструменте Шопена»
были ранены и устроили скандал из-за этого …
Странно, что немцы так завелись,
учитывая, что Шопен на самом деле был поляком, в то время как Бах и
Бетховен был немцем.Их было , так что возмутили, что сняли
разрушение четыре раза было показано по немецкому телевидению.
«Туалет», Джон Брэтби, 1955 г.
Описан сэром Джоном Ротенштейном, директором галереи Тейт (1938-64), как «выражающий его жесткий, более крупный и уродливый взгляд на его интимную среду» (цитируется в John Bratby , каталог выставки, французский and Company, New York 1958, pp.1-2), а арт-критик Дэвид Сильвестр назвал «кухонной раковиной» работы Брэтби середины 1950-х годов, которые считались радикальным отходом от эпохи, существовавшей до Второй мировой войны. пастырство военного периода.Ретроспективно сам Братби заявил, что реалистические картины 1950-х годов выражали «дух времени» десятилетия — интроверт, мрачный, цвета хаки, часто противопоставляемый красивости и посвященный изображению суровой, грубой, уродливой реальности (цитируется по The Forgotten Fifties). , стр.46).
Обыденная домашняя тема Туалет типична для реализма, который характеризовал работы Братби того периода. Искаженный используется для обеспечения прямого обзора бачка, цепи и трубопроводов, а также загрязненного внутреннего пространства унитаза.Высокое положение бачка по отношению к унитазу было обычным явлением в то время. Формальная ясность и мускулистость густой краски побудили критика Дэвида Сильвестра сравнить стиль Братби со стилем Винсента Ван Гога (1853–1890). Тем не менее, мрачная палитра коричневых, желтых и белых тонов была определенно связана с художниками по созданию кухонных раковин. В жестких экономических условиях того периода относительная стоимость различных цветов была важным фактором в определении хроматического диапазона художников, которые работали над большими и наносили краски густо.По словам Брэтби, они также передавали «цвет и настроение продовольственных книжек — общее ощущение вретища и пепла после войны» (цитируется в The Forgotten Fifties , p.14).
Туалет находился в квартире Братби в Элм Парк Гарденс в Челси, Лондон. По крайней мере, еще одна картина на эту тему была сделана Братби в середине 1950-х годов, хотя сообщается, что его продавец в то время, Хелен Лессор, директор Beaux Art Gallery, не относился к ним в восторге.
Дополнительная литература:
Забытые пятидесятые , каталог выставки, Graves Art Gallery, Sheffield 1984
Тоби Тревес
Сентябрь 2000
Содержит ли этот текст неточную информацию или формулировки, которые, по вашему мнению, нам следует улучшить или изменить? Мы бы хотели получить от Вас отзывы.
Искусство для ванной: портреты Джоэла Холмберга в туалете
Почему художник подумал, что рисовать унитаз с сиденьем, выложенным полосами туалетной бумаги, — это хорошая идея, остается только догадываться.Тем не менее, Джоэл Холмберг так думает — дюжину раз.
Новые картины Хольмберга в галерее Михаэля Беневенто — это виды с воздуха на фарфоровый трон. Все они одного размера (30 на 24 дюйма), а в цветовой гамме преобладают нейтральные и красивые пастельные тона. Пол представляет собой либо несочетаемый однотонный цвет, например королевский синий, либо атмосферную гамму мягких оттенков, например, персиковый, переходящий в ярко-розовый. Четыре этажа изображены в виде классических плиточных шахматных досок.
Рваная бумага, покрывающая сиденья, многослойна, образуя геометрические переплетения, края которых отбрасывают тени сквозь воду внизу.Холмберг рисует бумажные переплетения почти полупрозрачными; там, где они перекрываются, поверхность распадается на неправильные узоры цветных форм.
У неряшливого предмета краткая, но хваленая история. Знаменитый кузен — скульптура Марселя Дюшана 1917 года «Фонтан» — некогда скандальный, а ныне знаменитый писсуар, перевернутый набок. Фотография Эдварда Уэстона «Excusado», сделанная в 1925 году, представляет раздувшиеся, чувственные изгибы современной фарфоровой арматуры для ванной комнаты, видимой снизу, и наделяет ее тем, что он описал в своих «Дневных дневниках» как элегантную грацию «Крылатой победы Самофракии».”
Джоэл Холмберг, «Туалет с барьером из туалетной бумаги, № 11», 2017 г., холст, акрил (Джефф Маклейн / Галерея Майкла Беневенто)
В обоих этих более ранних случаях отчасти возникла проблема напряжения вокруг мнимой способности искусства освящать мирское. . Серийные образы Энди Уорхола, в которых банальное изображение повторяется до бесконечности, также подняли вопрос. Картины Холмберга тоже, но совсем по-другому: профана не сама сантехника, а сами визуальные образы, которые, кажется, нуждаются в искуплении.Его картины выглядят забинтованными.
До нашей эры изображение было чем-то редким и, в лучшем случае, поразительным. Сегодня, когда ежедневно обрабатывается миллиард изображений, не так уж и много.
В прошлом году на Хаммерской биеннале Холмберг показал большие картины элементарных веб-страниц. (Художнику было 9 лет, когда Всемирная паутина стала общедоступной.) Напряжение между пикселями и краской, казалось, было его потенциально продуктивным интересом, хотя эти работы казались неразрешенными.
Напротив, Хольмберг расточает свои картины на горшках с осторожностью и вниманием.Со скульптурой Дюшана «Индустриальная эпоха», элегантным фотоаппаратом Уэстона и серийными образами Уорхола в качестве фона эти натюрморты растворяются в абстракции, когда вы их внимательно рассматриваете. Странно то, что в тот момент, когда их предмет исчезает, они становятся неотразимыми, как картины.
Галерея Майкла Беневенто, 3712 Beverly Blvd., L.A. До 8 июля; закрыто по воскресеньям и понедельникам. (323) 874-6400, www.beneventolosangeles.com
21 невероятный туалет.
[email protected]
Твиттер: @KnightLAT
Искусство стен в ванной и туалете — PP
Мы знаем, что ванная комната может быть лучшим другом для каждого. Большинство из нас тратят часы, просто чтобы собраться с силами, слишком много размышляя о вещах, наших монологах, где наш сценарий был составлен, если мы столкнемся с нашими врагами, а иногда и с областью постановки целей. Это может быть одно из прекрасных мест, где можно продемонстрировать что-то мотивирующее и воодушевляющее.В наш век инноваций появилось множество идей художественного оформления стен в ванных комнатах. Я слышал эту фразу от друга, что «ванная комната — это лицо дома, а то, как она выглядит, соответствует характеру домовладельца». Вот почему некоторые домовладельцы вкладывают средства в то, чтобы сделать свои дома уютными и теплыми, а также вкладывают средства в интерьер своих ванных комнат.
Ванные комнаты — самое неизбежное место в доме, так почему бы не спроектировать их как идеальное убежище, каким оно должно быть.Дизайн ванной комнаты может быть одним из источников настроения, поскольку это первое место назначения каждого, кто просыпается рано утром. Дизайн вашей ванной комнаты не должен быть дорогостоящим, не потребуется интенсивного ремонта, можно разобраться со стенами ванной комнаты и некоторыми незначительными изменениями, или вы можете просто добавить небольшой элемент декора. Возможно, вы сейчас думаете, какой дизайн вы бы хотели для своей ванной комнаты. Вы можете захотеть оформить ванную комнату с необычными обоями или просто выложить плитку с цветами.Возможно, вы захотите найти холст для стен в ванной.
Печать на холсте не ограничивается только спальней и гостиной, в некоторых офисах, кафе, библиотеках, ресторанах, в музеях и других художественных галереях. Вы можете захотеть иметь их в своей ванной комнате. Это может быть ежедневная доза вашего художественного сердца. Отпечатки на холсте — это изображения, напечатанные на струйном принтере на холсте, не путайте с живописью на холсте, потому что картины на холсте создаются с использованием акриловых красок.Обратите внимание, что это обычная путаница между рисованием на холсте и отпечатками на холсте. После того, как изображение напечатано на холсте, холст растягивается в рамке. Не волнуйтесь, потому что отпечатки на холсте также могут подарить вам такую приятную атмосферу и невероятные чувства, как когда вы смотрите на картину. Брезент — это прочная и прочная ткань, созданная из конопли. В наше время, нашу нынешнюю эпоху, конопля была заменена хлопком и льном.
Ниже приведены некоторые из идей художественного оформления стен в ванной, которые помогут вам завершить проект по благоустройству ванной комнаты:
- Утверждение или стихи
Утверждения или стихи — это современные конструкции, которые обычно содержат фразу, предложение или строки, которые заставят вас немного прочитать.Строки, которые обычно исходят из ваших любимых фильмов, или какие-то мотивирующие строки, которые поднимают настроение в трудные времена. Вы можете захотеть прочитать стихи, если хотите, чтобы вам напомнили, что наш Создатель любит вас. Или вы можете использовать формулировки или стихи в качестве этикеток или напоминаний, например, о том, как мыть руки. В зависимости от ваших предпочтений, это может быть как-то развлекательно. Обратите внимание, что вы можете играть со всеми словами.
- Персонализированные картинки или портреты
Персонализированные фотографии, такие как ваши собственные семейные фотографии, даже фотография ваших любимых пушистых друзей, могут иметь другой уровень мотивации или иной эффект вдохновения.Всего лишь один взгляд, и ваше сердце может почувствовать облегчение. Они могут быть причиной того, что вы стараетесь изо всех сил и никогда не сдаетесь. У вас могут быть свои собственные фотографии со всеми вашими достижениями или лучшей позой, которую вы когда-либо показывали, чтобы напоминать себе о том, что нужно стремиться усерднее, чем раньше. Обратите внимание, что, оглядываясь на свои достижения, даже на простой фотографии или отпечатке на холсте, вы почувствуете какое-то чувство выполненного долга и обнаружите, что жизнь стоит того, чтобы жить. - Геометрические или абстрактные узоры
Геометрические или абстрактные узоры обычно встречаются в роскошных местах, таких как музеи, рестораны, библиотеки и любые другие стильные места.Но вы знаете, что можете принести его в свою ванную комнату, если вам нужен стильный и элегантный дизайн. Это также может быть сочетание уникальных форм и уникальных цветов. Бьюсь об заклад, вы не захотите оставаться в стороне от ванной, чтобы насладиться этим вычурным ощущением, как при посещении выставки.
Дизайн ванных комнат всегда может быть максимально художественным. Но помните, что у ванной есть партнер на все времена — это туалет. Ванные комнаты и туалеты обычно неразделимы с точки зрения их функций: ванная может стать ответом на внешний вид вашего тела, а туалет — это ваш ответ, когда вы получаете внезапный или запланированный звонок от природы.
Картина на холсте
не ограничивается только ванными комнатами, она может быть расширена в вашем туалете, чтобы вы не скучали на троне, находясь на эксклюзивной встрече с собой. Вы все еще можете выжать из своих творческих сил при разработке дизайна для своего туалета. Обратите внимание, что вам понадобится обширный мозговой штурм, чтобы вы находили пребывание в туалете …… .. довольно приятным и освежающим. Вы могли бы использовать эти настенные рисунки для улучшения рисунков на стенах унитаза, если бы они у вас уже были.
Расширяя настенное искусство для своих идей художественного оформления стен унитаза, вы также можете использовать идеи художественного оформления на холсте, как упомянуто выше: высказывания или стихи, персонализированные изображения или портреты, а также геометрические или абстрактные узоры.Ниже приведен дополнительный дизайн для ваших идей художественного оформления стен унитаза, которые не были упомянуты выше, но действительно хорошее дополнение к вашим многочисленным вариантам.
- Пейзажи
Пейзажи относятся к видимым элементам местности, формам рельефа и тому, как они сочетаются с естественными или созданными руками человека элементами. Это может быть место, где вы недавно побывали. Если вы любите пейзажи и если путешествие является частью ваших целей, фотография, сделанная в каком-либо месте, может стать прекрасным дополнением к вашему туалету.Прекрасное воспоминание, которое запомнится даже в туалете. - Карты
Дизайн и печать карт — еще один популярный вариант художественной печати на холсте. Это символическое изображение, подчеркивающее отношения между элементами некоторого пространства, такими как объекты, регионы или темы. Его обычная функция — знать изображения мест и стран. Имея это в качестве художественного оформления стены унитаза, одно можно сказать наверняка — вы поставите цель, куда идти дальше. Вы будете мотивированы исследовать то, что может предложить мир с точки зрения культур страны, и многие другие захватывающие мероприятия, которые может вместить эта страна.Вы можете отметить каждое место, где вы побывали, для отслеживания и для проверки в своем списке желаний.
Теперь, когда у вас появилась идея о дизайне стен с принтом на холсте для вашей ванной комнаты и туалета, следующее, что вам понадобится, — это сам принт на холсте — стоимость, размер, размеры, в рамке или без рамки, подвешивание печать на холсте, дизайне и т. д. — то, что остается в зависимости от ваших предпочтений.
Что касается размера печати на холсте и дизайна, если вы предпочитаете минималистский дизайн — как одну из самых популярных тенденций нашего века, когда дело доходит до дизайна интерьера — вы можете выбрать аккуратные и маленькие размеры, потому что мы знаем, что вы хотели бы найти дизайн в конкретном пространстве, но при этом соблюдая аккуратность и порядок стен.Было бы здорово увидеть ограниченный дизайн и вещи, которые могут скрыть ваши глаза. Для людей, которые слишком энергичны и увлечены творчеством, они хотят видеть любую форму искусства, куда бы они ни посмотрели. Они могут создать узор коллажа разных размеров, дизайна или цвета, чтобы удовлетворить свою тягу к зрелищу.
Ваши любимые картины на холсте — в рамку? Или не подставляться?
Можно сказать, что долговечность отпечатков на холсте зависит также от материала, которым они будут покрыты. Поскольку мы говорим о ванных комнатах и туалетах, мы должны убедиться, что материалы, которые нам потребуются, могут выдерживать влажную и влажную среду, которая является характерной для первого и второго.Поскольку мы живем в эпоху современного дизайна, существуют дополнительные материалы, которые обеспечивают водонепроницаемость, чтобы продлить срок службы отпечатков на холсте, в которые мы будем инвестировать.
Хотя мы обычно не уделяем внимания дизайну ванной и туалета и не зацикливаемся на нем, нам не повредит, если мы захотим выразить нашу любовь к искусству даже в этих священных частях нашего дома. Это места, в которых мы разговариваем сами с собой. Наши футуристические цели, которые достигаются, когда у нас достаточно времени в ванне.Мы произносим наши маленькие молитвы, когда решили занять несколько часов. Это поможет нам, если рисунки на холсте помогут нам поднять настроение и энергию — помните, что дизайн — это отражение нас самих и может помочь нам заряжать нашу энергию каждое утро — что наша ванная комната и туалет предоставят нам, так как это наше дело. -в места, прежде чем отделиться от дома.
Окрашенный туалет ™ Проект | Gastrointestinal Society
Этой весной Общество GI радуется, наконец, начать первый этап двухэтапной информационной кампании под эгидой проекта Painted Toilet ™.
В основе миссии Общества желудочно-кишечного тракта — повышение осведомленности о заболеваниях и расстройствах пищеварения. В течение ряда лет в нашем списке вдохновляющих желаний был конкретный проект. Многие пациенты, которых мы обслуживаем в рамках наших программ повышения осведомленности, просвещения и поддержки, проводят много времени в одной конкретной комнате — ванной, умывальнике, туалете, туалете, троне, джон, банке или другом термине, который вы используете для обозначения комнаты. в котором вы занимаетесь своим бизнесом. Люди с заболеваниями пищеварительной системы проводят в туалете больше времени, чем средний канадец.Мы подумали, а почему бы не начать с этого?
Пока прорастали семена для нашего проекта Painted Toilet ™, в городе произошел еще один разговор. Известный художник Фостер Истман создавал концепцию художественной инсталляции с примерно 100 сиденьями для унитаза, вдохновленный разговорами, которые он вел с пациентом, страдающим болезнью Крона, Джастином Рубинштейном — их истории следуют ниже. Осенью 2017 года мы нашли друг друга и рады сотрудничеству в этой задуманной инициативе.
Канада имеет сомнительную честь иметь самый высокий в мире показатель распространенности и заболеваемости воспалительным заболеванием кишечника (ВЗК), известным по двум наиболее распространенным его формам: болезнь Крона и язвенный колит.Мы надеемся, что эта инициатива в области мультимедийного искусства повысит осведомленность о проблемах, с которыми сталкиваются дети и взрослые, живущие с ВЗК, и поможет стимулировать дискуссии и снизить стигму, окружающую ВЗК.
Дети и взрослые, живущие с ВЗК, вместе со своей семьей и друзьями будут красить сиденья унитаза во время групповых занятий. Компания Eastman будет следить за дизайном крышек с помощью изображения Google Maps, которое идентифицирует компанию, предоставляющую доступ в общественные туалеты. Затем Истман творчески соберет этих «бабочек-драконов» и этой осенью установит произведение искусства в медицинском или образовательном учреждении, чтобы оно напоминало форму толстой кишки.
Меня зовут Джастин Рубинштейн, в возрасте девяти лет мне диагностировали болезнь Крона. Сейчас мне тридцать два года, и я уже долгое время катаюсь на американских горках симптомов и лечения. Я использую термин «американские горки», потому что то, как вы себя чувствуете, может измениться в мгновение ока: от сильной ремиссии до слабой боли, спазмов, дискомфорта, запоров или частых посещений туалета. Я перенес шесть крупных операций, включая колэктомию, илеостомию и прикрепление мешочка для стомы.Я также принимал бесчисленное количество лекарств, которые работают в течение определенного периода времени, но, похоже, через некоторое время теряют свою эффективность. Я предпочитаю говорить об этой болезни сейчас, потому что, когда я рос, я никогда не обращался за поддержкой, которая могла бы мне помочь.
Из-за стигматизации болезни Крона и других заболеваний желудочно-кишечного тракта я решил оставить эти проблемы при себе. Теперь, когда я стал старше, я чувствую, что могу помочь другим пережить то же самое, что и я.Я многому научился путем проб и ошибок, и я могу поделиться своим опытом и мудростью, чтобы другим пациентам не приходилось страдать в одиночку.
Сегодня жизнь довольно хороша. Я живу довольно нормальной жизнью с семьей, друзьями и замечательной девушкой, которая меня поддерживает. Иногда мне кажется, что посещение врачей — это моя работа неполный рабочий день. Однако врачи и медсестры в Британской Колумбии, которые помогали мне на этом пути, — все замечательные люди. Бывают взлеты и падения, но в одном я хорошо разбираюсь в том, чтобы двигаться вперед, ставить цели и наслаждаться жизнью, когда все хорошо.
Когда я встретил Джастина Рубинштейна, это было типичное дождливое ванкуверское утро, и я оказался в больнице Святого Павла в ожидании колоноскопии. Мы с Джастином сидели вместе, ожидая предоперационного приема лекарств.
Моей первой мыслью было, почему такой молодой парень, как он, проходит такую процедуру среди всех нас, пожилых людей. Я помню, как наблюдал, насколько терпеливым был его отец в приемной; они делали это раньше.
Джастин сразу же начал со мной разговор, задавая вопросы о моих интересах.Я сказал ему, что я художник, создающий художественные инсталляции с солдатами, которые служили в Афганистане и которые пережили оперативные стрессовые травмы.
Он сообщил мне, что он тоже художник. Мы немного поговорили об искусстве, и вскоре он сказал мне, что у него болезнь Крона и что он был здесь, потому что доктор хотел проверить его стому. Я мало что знал о болезни Крона, но Джастин был готов рассказать мне о своем путешествии: диагноз в девять, боль, инфекции, закупорки, ограничения в питании, операции, стома, отсутствие еды в течение года, лето, проведенное в больнице. , выпадение из Детской больницы, депрессия и постоянные посещения врача.В подростковом возрасте все, что он когда-либо хотел, — это иметь возможность ходить в ванную, как и все остальные, а летом плавать с друзьями.
Это было поистине открывающее глаза образование.
После наших процедур Джастин испытывал невероятную боль. Медсестры были очень добры и изо всех сил старались его успокоить, но его лекарства были исчерпаны. Он просто должен был пробиться через это.
В тот день, когда я выписывалась из больницы, я не могла выбросить Джастина из головы. Я подумал, не было бы замечательно создать с ним художественную инсталляцию, чтобы помочь лучше понять болезнь, о которой редко говорят и которую плохо понимают? Прошла пара недель, пока я не связалась со своим врачом, чтобы узнать, заинтересован ли Джастин во встрече для обсуждения, и, конечно же, он был заинтересован.
Мы встретились в моей студии и обсудили несколько идей, но одна застряла. Идея заключалась в том, чтобы привлечь людей с «плохим кишечником», их семьи и сообщество к созданию художественной скульптуры с использованием 100 унитазов, подвешенных к потолку, которые выглядели бы как двоеточие и назывались «бабочки-драконы». Места на Google Maps, определяющие общественный доступ к туалетам, будут перенесены на крышки унитазов, в то время как дети и семьи будут красить сиденья так, как они хотят. Джастин был особенно заинтересован в работе с детьми и подростками в этих художественных мастерских, чтобы давать советы, полученные из его опыта.
После нескольких случайных сетевых бесед с сотрудниками Gastrointestinal Society мы встретились, чтобы посмотреть, сможем ли мы наладить сотрудничество. Мы решили объединить наши проекты, чтобы создать кампанию по сбору средств и информированию общественности.
Мы надеемся, что успех первого этапа даст импульс для запуска следующего этапа проекта Painted Toilet ™. Для дальнейшего продвижения разговоров о здоровье пищеварительной системы на втором этапе принимают участие художники со всей Канады, которые рисуют полноразмерные туалеты, которые скоро будут введены в эксплуатацию, которые будут либо предварительно спонсированы, либо проданы с аукциона для предприятий и частных лиц.Эти туалеты можно найти в постоянных домах в туалетах предприятий, домов, торговых центров и уникальных мест по всей стране.
Помогите привлечь внимание миллионов канадцев, страдающих заболеваниями и расстройствами желудочно-кишечного тракта и печени. Давайте облегчим страдания наших близких с помощью образования, осведомленности и исследований. Давайте вместе поможем канадцам выйти из туалета и зарабатывать больше на жизнь. Проект Painted Toilet ™ предназначен для жизни . Вы заинтересованы в участии?
Художник рисует маски чумы на туалетной бумаге
ЗАКРЫТЬ
Автозапуск
Показать миниатюры
Показать подписи
Последний слайдСледующий слайд
Поскольку художница из Индианаполиса Кэт Сильвер социально дистанцировалась от своей студии и читала новости о коронавирусе, ее работа начала отражать время, в котором она живет.Она рисовала кроликов в масках для лица, детей в масках чумного доктора с клювом и картины маслом на кусках туалетной бумаги.
«Очень легко спрятаться от этого и притвориться, что этого не происходит», — сказала она. «Но мы как художники обязаны показать, что происходит».
В детстве дядя Сильвер научил ее держать кисть. Он умер от осложнений, связанных со СПИДом, когда ему было 25 лет.
«Мне всегда казалось, что я хочу продолжить с того места, где он остановился, и использовать то, чему он меня научил», — сказала она.
Местная художница Кэт Сильвер создает картины маслом на туалетной бумаге и других произведениях искусства под влиянием пандемии коронавируса. (Фото: Кэт Сильвер)
Сейчас 41-летняя художница специализируется на масляных красках, которые она использует для создания сказочных сюрреалистических фэнтезийных сцен с богатым повествованием. Она сказала, что рассказывание историй и символизм в ее работах уходят корнями в ее опыт арт-терапии. Сильвер получила степень магистра арт-терапии в Университете Дрекселя в 2006 году и с тех пор работает с клиентами, чтобы использовать художественные упражнения в качестве формы терапии.
Серебро также вдохновлено животными. Лягушки появляются во многих ее произведениях, олицетворяя метаморфозы и трансформации. Кролики появлялись в ее творчестве шесть лет. Для нее они означают, что вы не позволяете страху сдерживать вас. Но обычно это не милые пушистые кролики. Вместо этого она сказала, что у многих из ее кроликов есть зловещая, дурная аура, особенно во время ее работы в эпоху пандемии.
Картины на туалетной бумаге за 20 долларов
Ее искусство во время пандемии включает многие из этих бегущих мотивов, но с изюминкой.Когда детройтская галерея Small Wonders представила объявление о туалетной бумаге для виртуальной галереи, Сильвер подумала, что это забавная идея, поскольку во время начала пандемии магазины очищали от туалетной бумаги.
Местная художница Кэт Сильвер создает картины маслом на туалетной бумаге и других произведениях искусства под влиянием пандемии коронавируса. (Фото: Кэт Сильвер)
«Было что-то забавное и причудливое в рисовании на туалетной бумаге в то время, когда это считалось странно ценным товаром», — сказала она.
Она знала, что добавить достаточно деталей на такой маленький холст будет непросто, но это был не самый маленький холст, над которым она когда-либо работала. Она только что нарисовала стикеры для январского выступления.
«Было что-то забавное и причудливое в рисовании на туалетной бумаге в то время, когда ее считали этим странно ценным товаром».
Кэт Сильвер, художник
Когда Сильвер начала рисовать на туалетной бумаге, она поняла, насколько хлипким был ее новый холст. Бумага рвалась с каждым штрихом, и из 10 попыток получалось только две или три картины.В результате она решила закрасить туалетную бумагу левкасом и сложить два куска туалетной бумаги вместе, чтобы сделать ее толще.
С тех пор она написала от 15 до 20 картин из туалетной бумаги. Некоторые из них уже проданы, в том числе один в Канаду, а другой в Лондон, который она продала за 20 долларов. Она сказала, что была рада предложить более доступный вариант, чем ее большие картины, которые могут стоить сотни долларов.
Рассказывая историю пандемии в искусстве
Содержание картин Сильвера на туалетной бумаге также отражает пандемию.Многие из них включают маски чумного доктора или противогазы. В одном из них кролики в масках прыгают с парашютом на холмистые зеленые холмы. На другом изображена женщина в противогазе, развалившаяся на стуле и кролики на поводке.
Местная художница Кэт Сильвер создает картины маслом на туалетной бумаге и других произведениях искусства под влиянием пандемии коронавируса. (Фото: Кэт Сильвер)
Когда она разместила фотографию картины в Instagram, она написала: «Странное время, в котором мы живем.У меня нет слов, чтобы выразить грусть и гнев, которые я испытываю прямо сейчас, когда пытаюсь осмыслить то, что там происходит. Я боюсь того, что должно произойти ».
Неопределенность стала краеугольным камнем ее работы за это время. Многие из ее картин изображают маленьких детей, которые представляют неопределенность, с которой сталкиваются молодые поколения, когда они смотрят на свое будущее во время пандемии.
На одной из картин ребенок в маске чумного доктора, окруженный кроликами в поле.Над ней задерживаются темные тучи.
Местная художница Кэт Сильвер создает картины маслом на туалетной бумаге и других произведениях искусства под влиянием пандемии коронавируса. (Фото: Кэт Сильвер)
«Есть страх, дурное предчувствие», — сказала она.
Она сказала, что маска чумного доктора представляет коронавирус, а облака над головой показывают тьму, которую принесла пандемия. Помимо ребенка, кролики олицетворяют не только уязвимость каждого человека, но и его стойкость и надежду. Картина называется «Преодоление неопределенности.
Сильвер сказала, что надеется, что поколения будут размышлять об искусстве, созданном за это время, чтобы лучше понять опыт переживания пандемии и вспомнить жизни, потерянные из-за коронавируса.
«Эта история происходит прямо у нас на глазах, поэтому для меня большая честь участвовать в ее записи», — сказала она. «Меня давно не будет, и мои картины все еще будут здесь, чтобы рассказывать историю, рассказывать эту историю».
Вы можете увидеть другие ее работы на ее веб-сайте.