Сочинение по картине утренний натюрморт к петрова водкина утренний натюрморт

Сочинение описание по картине Петрова-Водкина “Портрет мальчика”, эту картину проходят в 6 классе:
Фоном картины является листва. Она яркая, зеленая, свежая. Думаю, она на полотне символизирует юность и молодость. Все полотно занимает портрет. Это мальчик, ему наверное лет 12-13. Лицо у парня смуглое, загорелое. Его пухлые губы плотно сжаты. Темные карие глаза смотрят прямо на зрителя. Его тонкие брови сдвинуты. Все его лицо сжато, напряжено. Мальчик о чем-то очень серьезно думает, возможно он даже немного рассержен или обдумывает очень серьезный поступок, принимает важное решение. Взгляд у него очень пронзительный, заглядывает парень буквально в душу.
Его темные волосы аккуратно подстрижены. Одет парнишка в небесно-голубую рубашку. Он производит впечатление человека, которому пришлось быстро повзрослеть, взять на себя ответственность. Он смелый и гордый, ничего не боится. Несмотря на юные годы, это скорее мужчина, нежели мальчик.
Впечатление:
Парень приковывает внимание, особенно его пристальный взгляд. Однако хотелось бы, чтоб с таком возрасте на лице чаще играла улыбка. Но с таким человеком будет не страшно. Он никогда не даст в обиду младших, он всегда будет бороться за правду.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – знаменитый, талантливый, русский живописец. Долгое время работал театральным художником, декорировал спектакли. Писал натюрморты, тематические картины, портреты. Детство художника прошло в г. Хвалынске. Еще учась в училище, он был знаком с иконописцами. Петров-Водкин с интересом наблюдал за их работой. Как они писали иконы. Так он начал создавать эскизы для мозаик, расписывать храмы.
Петров-Водкин писал многочисленные портреты знаменитых людей, родственников. Часто изображал на картинах единственную дочь Елену. Ему очень нравилось создавать детские портреты. Каждое лицо – это творческая загадка для художника-портретиста. Главное – это способность отразить внутренний мир человека, подчеркнуть его особенности.  Рассмотрим одну из известных его картин «Портрет мальчика».
На картине крупным планом изображено лицо мальчика. Его решительный и проницательный взгляд, поджатые губы говорят о сильном и волевом характере. Брови слегка нахмурены, волосы аккуратно зачесаны на бок. Мальчик одет в ярко-голубую рубашку. Он еще мальчишка, но строгие черты лица свидетельствуют об осознанности перехода от детства к юности. Его глубокий взгляд смягчается теплыми тонами красок, что говорит о доброте и честности подростка. Он готов решительно встретить свое будущее. Мальчик понимает, что в жизни ему придется решать множество сложных задач. Задний фон выполнен отличимыми мазками зеленых тонов. Начиная от светлого тона и заканчивая темным. На нем изображены пышные зеленые листья. Мягкие зеленые тона не отвлекают от образа подростка. Этот ребенок столь же юный и яркий, как свежая весенняя зелень.
Петров-Водкин – это творческая личность и мыслящий художник. В лице этого мальчика он передает стойкость и решительность нового поколения. Которое готово создавать лучшее будущее для людей и своих потомков.

Тема детского портрета была очень свежей для художника, и скорее была вызвана поиском инновационных средств выразительности и форм: после оглушительного успеха «Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин продолжал покорять новые для себя горизонты.
Портреты в творческой биографии живописца встречаются весьма часто, достаточно вспомнить замечательные изображения Анны Ахматовой, но работа над детскими портретами началась именно с этого мальчика-юноши. После автор создаст немало портретов детей разного возраста (в том числе и свою единственную и долгожданную дочь) и национальности, воспевая красоту юного лица, свежесть и непосредственность.
Как каждый интеллектуальный творец, Кузьма Петров-Водкин ставит для себя определённую задачу, приступая к работе над картиной, и пытается в свойственной ему стилистике ее успешно решить. Здесь задача лежит в самом лице героя – этот юный паренёк ещё мальчишка, но в его образе читается уже что-то волевое и мужественное. Это логичное естественное взросление, переход от детства к юношеству и запечатлел живописец. Его герою ещё предстоит долгий путь превращения в мужчину, но характер, выраженный во внимательном проницательном взгляде, пожатых губах и ровном лице, уже виден и легко считывается зрителем. Можно предположить, что мальчику не больше четырнадцати лет и история, к сожалению, не сохранила сведения о нём.
Как обычно у Петрова-Водкина, яркой выразительной силой выступает цвет. Строгость во взгляде смягчена коричневым колером, оттенка топлёного шоколада. Филигранным чередованием контрастных красного и бежевого цветов будто вылеплено лицо мальчика: поднятые скулы, подбородок, тонкий нос, лоб с едва наметившимися морщинами, свидетельствующими о мысли, разуме этого юного героя. Внимательный зритель заметит, что у мальчика нет ресниц – Петров-Водкин просто не стал их рисовать, хотя глаза мальчика посажены не слишком глубоко.
Для того чтобы не отвлекать зрителя от главного персонажа, Петров-Водкин как можно больше нейтрализировал фон, не сделав его при этом безликим и ровным. Зелёные листья, навевающие мысли о весне, выражены в мягких нежных тонах, не теряя рельефности и выразительности. Выбор данной декорации носит также и метафорический смысл. Свежая зелень навевает мысли о весне, расцвете природы, вот и Петров-Водкин подчёркивает таким образом начало расцвета мальчика, впереди которого целая жизнь, а пока он как весенняя зелень, только начинает путь от нежного листочка к полноцветному буйству красок.
Хаотичные мазки, которыми трактуется фон, придаёт полотну динамику и живость. Это можно сравнить с живостью мысли главного героя, которые ещё по-детски мчатся вскачь, заменяя и поглощая друг друга. Рисунок живописца отличается точной, гибкой линией, которая присутствует на полотне, но не выделяется на первом плане.
Удивительным образом портрет, где мальчик взят крупным планом, где нет ничего лишнего, всё равно несёт националистическую философию, которая свойственна для живописца Петрова-Водкина – мы можем с абсолютной точностью быть уверены: перед нами русский герой, и никакой другой. Это умение изобразить «русскость» и отличает творчество художника в целом.
Любовь к отечеству, патриотизм в не пафосном, а в интеллектуальном своём смысле – главное богатство содержания любой из работ Кузьмы Петрова-Водкина. А ещё вера в человечество и надежда, в купе с любовью в будущее, в лице детей в целом, и в образе этого серьёзного мальчика, в частности.

Работы художника К. С. Петрова-Водкина по-своему интересны, у них всегда довольно специфические и глубокие сюжеты. На весь мир Петров-Водкин прославился как превосходный портретист.
На картине «Портрет мальчика», созданной великим автором в 1913 году, изображён юноша-подросток в возрасте примерно тринадцати лет.
Зритель может увидеть чёткий контраст перехода на лице мальчика детских черт в более взрослые – подростковые. По суровому виду ребёнка можно понять, что жизнь у него довольно-таки нелегка, он уже с детства знаком с такими понятиями как труд и лишения.
Ребёнок, несмотря на свой юный возраст, уже давно вырос, суровая крестьянская жизнь в то время рано делала из мальчиков мужчин, ведь нередко на плечах таких ребят лежали самые тяжёлые семейные обязанности.
Несмотря на то, что у героя полотна Петрова-Водкина довольно серьёзный и строгий взгляд, зритель всё же может разглядеть на его лице и детские милые черты, несколько размытые автором. У парнишки необыкновенно красивые большие карие глаза, видно, что он умён и благороден, я думаю, что его ждёт счастливое светлое будущее.
Позади мальчика художник изобразил крупными мазками растительный орнамент, но он нисколько не переключает на себя внимание от внешности главного героя картины.
На картине изображён подросший мальчик, в его облике одновременно присутствует наивность, присущая исключительно детям, и взрослость, помогающая объективно оценивать окружающий мир. Мне очень понравилась эта картина, как и все работы Петрова-Водкина, она очень интересная и имеет глубокий смысл.

На написанной в 1913 году картине художника Петрова-Водкина «Портрет мальчика» мы можем наблюдать подростка примерно тринадцати-четырнадцати лет.
Если разглядеть мальчика более подробно, то можно заметить суровые черты его лица, скорее всего у него не слишком уж беззаботное детство, которое должно быть в его возрасте. Можно предположить, что ему приходится чрезмерно работать.
Несмотря на совсем юный возраст, мальчик уже давно вырос в психологическом плане, жестокая и суровая крестьянская жизнь в те времена, когда писалось это полотно, довольно рано закаляла юношеский характер и переделывала простодушных мальчиков в суровых мужчин. Нередко юношам приходилось выживать в самых суровых обстоятельствах, выполнять работу, с которой и взрослый мужчина не всегда справлялся.
Невзирая на то, что вид у мальчика довольно строгий и серьёзный, на его лице всё-таки можно рассмотреть очаровательные детские черты. У мальчика большие карие глаза, милые пухлые губы, красивый прямой нос, короткие каштановые волосы, тонкие брови и синяя футболка. Складывается чувство, что мальчик очень эрудирован и у него непоколебимое чувство благородности и моральных принципов. Он обязательно улучшит жизнь своей семьи к лучшему.
В данном портрете превосходно подобраны цвета. При написании картины художник пользовался такими цветами как: темно-зелёный, светло-зелёный, голубой, тёмно-голубой, коричневый, светло-коричневый, тёмно-персиковый, коричневая сепия, чёрный и тёмно-бирюзовый.
Позади мальчика на заднем плане можно увидеть фон, написанный большими мазками кисти, это растительный орнамент. Но замечаешь его только тогда, когда полностью рассмотришь изображение юноши. Иначе говоря, фон нисколько не переключает на себя внимание от внешности главного героя этого портрета.
Мне очень понравилось это произведение искусства художника Петрова-Водкина. Картина по-своему уникальная, интересная и приковывает взгляд художественных ценителей искусства. В облике подростка можно рассмотреть одновременно суровость, сосредоточенность, взрослость и юношескую лёгкую наивность. Именно поэтому, я считаю, картина сыскала такую большую популярность среди ценителей искусства.

Известно, что К. Петров-Водкин любил писать портреты. Мастерство художника проявлялось не только в умении передать черты лица человека так, что его можно было легко узнать на полотне, но и в психологически точном изображении характера натурщиков разных возрастов. К сожалению, не сохранилось для потомков имя того подростка, с которого мастер кисти писал портрет, но когда внимательно смотришь на это лицо, создаётся впечатление, что ты давно знаком с этим мальчиком, несмотря на то, что картине Козьмы Сергеевича больше ста лет.
Спокойное и по-мужски сдержанное лицо подростка, почти ребёнка, упрямо сдвинутые брови, немного настороженное выражение лица, но при этом какая-то скрытая мягкость и детская незащищённость настолько реалистично переданы автором портрета, что у зрителя не остаётся сомнений: перед нами молодой человек, который хоть и совсем недавно распрощался с детством, но сможет себя отстоять и в словесном поединке, и в кулачном бою. Мальчику лет тринадцать-четырнадц­ать. Он собран и ответственен. Его недоверчивость, которая улавливается во взгляде тёмных, слегка раскосых глаз, – не постоянная черта характера. Это реакция на изменение статуса вступающего во взрослую жизнь юноши – будущего мужчины.
Художнику портрет удался. Используя цвет и точные линии, он сумел создать произведение живописного искусства, в котором через внешние черты человека передал его внутренние качества и состояние.

Описани е картины Кузьмы Петрова-Водкина : Портрет мальчика.
После оглушительной славы, что обрушилась на художника с написанием картины «Купание красного коня», Петров-Водкин ищет новые темы для творчества. Он всегда был известен как отличный портретист, но тема детского портрета стала для художника новой. К ней он будет возвращаться неоднократно, изображая детей разных национальностей и возрастов.
На картине «Портрет мальчика» 1913 года изображен юноша лет тринадцати. Он уже не совсем ребенок, но до полного взросления ему предстоит пройти долгий путь. Этот контраст возрастов и попытался отобразить автор.
Строгие черты лица свидетельствуют , что мальчик уже вышел из нежного детского возраста. Он стоит на пороге юности, где придется нести ответственность за свои поступки. Простота и суровость лица говорят об осознанности мальчиком своего перехода.
Но детство еще не отступило безвозвратно. Мягкий и проникновенный взгляд карих глаз приковывает все внимание зрителя именно к ним. Оттенок топленого шоколада придает шелковистости и прозрачности, от чего глаза кажутся глубокими. Глубина взгляда символизирует будущее мальчика: оно придет, но неизвестно, каким будет.
Отдельно следует высказаться о фоне. Чтобы не отвлекать внимание зрителя от лица мальчика Петров-Водкин использовал мягкие и приглушенные тона зеленого. Этот цвет известен своей способностью умиротворять. А ассоциация с весной и зеленью трав подчеркивает мысль, что мальчик только начинает взрослеть, и жизнь для него еще полна прекрасного. Этот ребенок столь же свежий и чистый, как первая весенняя зелень и полон энергии и чувств. Об этом легко судить по насыщенности оттенков.
Разные мазки фона можно воспринимать как трактовку мыслей мальчика. Они похожи на волны, что постоянно находятся в движении, поглощая друг друга.
Все полотно полно веры в человечество и любви к самым маленьким членам общества, которые и составят его будущее.

После оглушительной славы, что обрушилась на художника с написанием картины «Купание красного коня», Петров-Водкин ищет новые темы для творчества. Он всегда был известен как отличный портретист, но тема детского портрета стала для художника новой. К ней он будет возвращаться неоднократно, изображая детей разных национальностей и возрастов.
На картине «Портрет мальчика» 1913 года изображен юноша лет тринадцати. Он уже не совсем ребенок, но до полного взросления ему предстоит пройти долгий путь. Этот контраст возрастов и попытался отобразить автор.
Строгие черты лица свидетельствуют, что мальчик уже вышел из нежного детского возраста. Он стоит на пороге юности, где придется нести ответственность за свои поступки. Простота и суровость лица говорят об осознанности мальчиком своего перехода.
Но детство еще не отступило безвозвратно. Мягкий и проникновенный взгляд карих глаз приковывает все внимание зрителя именно к ним. Оттенок топленого шоколада придает шелковистости и прозрачности, от чего глаза кажутся глубокими. Глубина взгляда символизирует будущее мальчика: оно придет, но неизвестно, каким будет.
Отдельно следует высказаться о фоне. Чтобы не отвлекать внимание зрителя от лица мальчика Петров-Водкин использовал мягкие и приглушенные тона зеленого. Этот цвет известен своей способностью умиротворять. А ассоциация с весной и зеленью трав подчеркивает мысль, что мальчик только начинает взрослеть, и жизнь для него еще полна прекрасного. Этот ребенок столь же свежий и чистый, как первая весенняя зелень и полон энергии и чувств. Об этом легко судить по насыщенности оттенков.
Разные мазки фона можно воспринимать как трактовку мыслей мальчика. Они похожи на волны, что постоянно находятся в движении, поглощая друг друга.
Все полотно полно веры в человечество и любви к самым маленьким членам общества, которые и составят его будущее.

После оглушительной славы, что обрушилась на художника с написанием картины «Купание красного коня», Петров-Водкин ищет новые темы для творчества. Он всегда был известен как отличный портретист, но тема детского портрета стала для художника новой. К ней он будет возвращаться неоднократно, изображая детей разных национальностей и возрастов.
На картине «Портрет мальчика» 1913 года изображен юноша лет тринадцати. Он уже не совсем ребенок, но до полного взросления ему предстоит пройти долгий путь. Этот контраст возрастов и попытался отобразить автор.
Строгие черты лица свидетельствуют, что мальчик уже вышел из нежного детского возраста. Он стоит на пороге юности, где придется нести ответственность за свои поступки. Простота и суровость лица говорят об осознанности мальчиком своего перехода.
Но детство еще не отступило безвозвратно. Мягкий и проникновенный взгляд карих глаз приковывает все внимание зрителя именно к ним. Оттенок топленого шоколада придает шелковистости и прозрачности, от чего глаза кажутся глубокими. Глубина взгляда символизирует будущее мальчика: оно придет, но неизвестно, каким будет.
Отдельно следует высказаться о фоне. Чтобы не отвлекать внимание зрителя от лица мальчика Петров-Водкин использовал мягкие и приглушенные тона зеленого. Этот цвет известен своей способностью умиротворять. А ассоциация с весной и зеленью трав подчеркивает мысль, что мальчик только начинает взрослеть, и жизнь для него еще полна прекрасного. Этот ребенок столь же свежий и чистый, как первая весенняя зелень и полон энергии и чувств. Об этом легко судить по насыщенности оттенков.
Разные мазки фона можно воспринимать как трактовку мыслей мальчика. Они похожи на волны, что постоянно находятся в движении, поглощая друг друга.
Все полотно полно веры в человечество и любви к самым маленьким членам общества, которые и составят его будущее.

Теперь стоит перейти к сюжету картины, к тому, что на ней изображено. Используя вид сверху, художник разместил на переднем плане стол оранжевого цвета. Однако поверхность стола не пуста, на ней находится блестящий чайник на ножках(а рядом лежит крышка от него), два яйца, сиротливо лежащих посредине, прозрачный стакан с чаем, стоящий на блюде. Там же лежит и ложка.
Стоит обратить внимание на бросающийся в глаза букет полевых цветов, которые стоят в небольшой прозрачной вазе. Рядом с ними небрежно валяется закрытый коробок спичек. Подле стола, с левой стороны картины видно голову сидящей собаки, которая завситливо посматривает на два яйца.
Какие же выводы по изображённому на картине мы можем сделать? Кто хозяин этой собаки и этого дома? Во-первых, можно предположить, что это жилище находится в сельской местности, поскольку букет цветов совершенно не похож на купленный в магазине. Скорее всего он собран собственноручно для украшения стола. Простая посуда и грубый стол только подтверждают это предположение.
Исходя из увиденного, можно догадаться, что хозяином дома является мужчина. Об этом свидетельствует минимум декора и аксессуаров, простота в посуде и в еде. Также вполне вероятно, что этот мужчина одинок и живёт вместе с собакой. Этот факт подтверждают два яйца. Скорее всего, одно из них предназначено хозяину, а другое – его любимому питомцу. Посуды для других жильцов на столе также не имеется.
Лёгкий завтрак хозяина свидетельствует о том, что, скорее всего, он отправляется на работу, возможно, связанную с физическим трудом, ведь с полным желудком работать физически довольно непросто. Соответственно, его возраст составляет 25-40 лет. Не исключено, что он работает в поле, где и нарвал цветов по пути домой, чтобы порадовать свой взор и взор своего любимца.
Конечно, смотря на эту картину, можно сделать множество далеко идущих выводов, не каждый из которых будет правилен, но основной вывод таков: “Утренний натюрморт” изображает типичный завтрак мужчины(каа молодого, так и старого), который проживает в деревне со своим верным другой – собакой, и, возможно, работает в поле.

2 вариант сочинения для 6 и 5 класса

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – известный русский художник. Он написал множество замечательных картин, интересны и выразительны его натюрморты. Один из выдающихся – “Утренний натюрморт”, написанный в тяжелое голодное время, в 1918 году.
Художник изобразил простой деревенский завтрак. На улице раннее утро, комната залита солнечным светом. В центре картины стол. Он далеко не новый, его рыжеватого цвета поверхность покрыта царапинами. На обычном деревянном столе, даже не застеленном скатертью, стоит чудесный букет. Нежно-голубые и желтые полевые цветы в прозрачной стеклянной вазе очаровывают своей красотой. Кажется, что стоит наклониться и почувствуешь их тонкий аромат. Стебли и листья светло-зеленого цвета прописаны с особой тщательностью. Из съестного только пара неочищенных вареных яиц и стакан свежезаваренного чая.
Стакан стоит в блюдце, в нем же чайная ложка, она видна сквозь чай. Художник четко прорисовал граненый стакан, в трех гранях виднеется ложка. Рядом находится никелированный чайник, который идеально начищен и блестит на солнце. В нем, как в зеркале, отражается все, что находится на столе, и даже рыжий кот, которого нет на полотне. С чайника снята маленькая крышка, она находится неподалеку. И это неслучайно, автор подчеркивает реальность происходящего, чай заварили совсем недавно, забыли накрыть крышкой. Слева изображен спичечный коробок, он имеет четкую форму. Никелированная трубка, находящаяся рядом, источник блеска. Вообще, художник играет бликами, они на большинстве поверхностей.
На заднем плане изображена собака. Она ярко-коричневого цвета. Глаза собаки грустные, усталые, ее взгляд устремлен на хозяина. На картине нет человека, но он находится рядом, его окружают домашние любимцы. Когда смотришь на полотно, кажется, что находишься на месте хозяина стола. Полотно наполнено светом, чистотой. Художник использовал только светлые и яркие краски, от картины веет свежестью. Петров-Водкин создал очень приятную картину. Она проста, но оставляет очень радостное впечатление.
покойствие и покой овладевают зрителем во время просмотра этого натюрморта. В голодное время такой завтрак был желанным, художник запечатлел прекрасное утро и реальную жизнь, без прикрас. Возможно, что автор выразил в ней свой взгляд на жизнь, веру в лучшее будущее.

Интересные сочинения по картинам

Картина русского художника и графа Федора Толстого «Цветы, фрукты, птица» по жанру является натюрмортом. Известный художник написал свое произведение в Санкт-Петербурге
О картине «Дубовая роща» можно сказать многое. Великолепное исполнение автором лесного пейзажа вызывает восхищение и заставляет задуматься о красоте нашей природы.
Мальчику предстоит написать письмо дедушке. На картине он ещё не пишет его, а только рассуждает, как начать и с чего. Первое, что я вижу на картине – это фотография дедушки, он выглядит строго, одет в костюм и шляпу.
Сочинения, басни, анализ стихов, раскраски
Внимание, только СЕГОДНЯ!

7 вариантов

1. Мне очень нравится изучать картины художников, в которых скрыт какой-то потайной смысл. На первый взгляд, они совершенно обычные и даже без идейные. Но, если проявить интерес, можно увидеть много деталей, из которых и состоит полотно. К таким работам относятся картины Кузьмы Петровича Петрова–Водкина.
   В 1918 году он создал полотно «Утренний натюрморт», который имеет свои особенности. Картина невероятно реалистична и проста. Перед нами бедный завтрак обычного крестьянина, который живет в трудные годы России. Это всего на всего чай и два яйца. Но, обратите внимание, как интересно сервирован стол, какие яркие, горячие краски преобладают на картине. Такие оттенки вызывают приятнее, светлые, и даже радостные эмоции.
   На деревянном столе, кроме завтрака, стоит прозрачный кувшин. В нем изображен букетик полевых цветов, который совсем недавно был собран хозяином дома. На нем видны голубенькие полевые цветочки, которые в один миг превращают обычный завтрак в праздничное застолье. И не важно, что еды на нем практически нет. Самое главное – это настроение и расположение духа.
   Возле букета стоит небольшое блюдце с граненым стаканом. В нем налит чай. Обратите внимание, это не чашка и блюдце. А невзрачная тарелочка и стакан. Насколько все просто и бедно. Но, букетик свеже сорванных цветов отрицает наши домыслы. Этот завтрак отличатся от иных хорошим настроением и душевной гармонией его хозяина или хозяйки.
   С другой стороны стола стоит металлический чайник, который просто сверкает от чистоты. В его отражении виднеется рыженький котик, который живет в этом доме. Из-под стола выглядывает рыжий пес, который смотрит преданным взглядом. Думаю, домашние любимцы ожидают завтрак. Но, что же может предложить им хозяин? Скорее всего, одно яйцо, которое приготовлено для завтрака, человек отдаст своим питомцам.
   Эта картина наполнена любовью и добротой. Несмотря на жизненные трудности, люди человечны и заботливы. Они делятся последним со своими домашними любимцами. Ведь в этом и заключается смысл настоящей дружбы.

3. Картина «Утренний натюрморт» была написана в 1918 году. И так же, как остальные работы Петрова-Водкина, она отличается своей «криволинейностью». «Утренний натюрморт» дышит свежестью. С первого взгляда на картину становится ясно, что за окном утро. Освещение мягкое, как бы рассеянное. Перед нами стол. На его розоватых досках видна капелька воды. Можно предположить, что вода только что упала с листьев и лепестков свежих полевых цветов, которые стоят в вазе на столе. Справа от вазы стоит стакан с чаем. На блюдце мы видим ложечку. Петров-Водкин удивительно правдоподобно передал, как выглядит ложечка, если на неё смотреть сквозь гранёный стакан, наполненный чаем. Не менее точно он изобразил отражение одного из двух варёных яиц, лежащих на столе, в никелированном чайничке. На столе также лежат спички и трубка. Рядом со столом на полу сидит лохматый рыжий пёс. Его взгляд очевидно обращён на хозяина. Изобразив на натюрморте собаку, Петров-Водкин как бы противопоставляет её неживым вещам на столе. Выходит, что предметы отражают, а собака смотрит.
   «Утренний натюрморт», на мой взгляд, удивительное произведение. Глядя на эту картину можно ощутить запах утреннего воздуха, почувствовать аромат свежих цветов, взять в руку объемный стакан с теплым чаем. После знакомства с этим полотном возникает желание больше узнать и о других работах Кузьмы Сергеевича.

5. Посмотрев на картину один раз и невнимательно сочинения не напишешь. Предлагаю вам рассмотреть ее получше, уделив внимание каждому предмету.
   Итак, картина “Утренний натюрморт” художника К. С. Петрова-Водкина.
   Сочинение-описание картины.
   Художник изобразил стол со стороны сидящего за ним человека. То есть зритель картины будто сам оказывается за столом перед стаканом чая.
   На картине также мы видим букет полевых цветов, состоящий из колокольчиков и одуванчиков. Значит время года – весна (одуванчики цветут преимущественно (обильное цветение) весной). Затем стакан с чаем и ложечкой на блюдечке, два яйца, металлический чаник, коробок спичек и, похоже, фонарик. Возле стола видим и собаку.
   Если все же внимательно рассмотреть картину, то увидим много интересного.
   В стакане видно тройное отражение ложечки, в вазочке видим отражение одуванчика (желтое пятнышко на дне). На чайнике отражение яйца и в нем же видим отражение рыжего кота (или кошки). Может быть кот лежит напротив чайника,возле сидящего за столом человека.
   Взгляд собаки направлен также на человека за столом. Она, может быть, надеется получить от хозяина кусочек съестного.
   По бликам на деревянном столе можно заметить, что это утро. Да и “меню”, что на столе, больше походе на завтрак.
   Картина светла и проста, но вместе с тем интересна.

7. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – мощный, самобытный, необычный живописец со своим оригинальным видением цвета, перспективы, формы, композиции. Его полотна выразительны до предела, в них всегда немного деталей, но много чувства и глубокого смысла. В творчестве Петрова-Водкина отразилась переломная эпоха, свидетелем которой он был: первая мировая война, революция, гражданская война. В трудный 1918 год он жил в Петербурге и работал преподавателем художественного училища. Именно тогда он создал несколько выдающихся натюрмортов и мы постараемся повнимательнее рассмотреть два из них – “Утренний натюрморт” и “Селедка”. Всем известно, что время было довольно голодным, питание – скудным и однообразным и, видимо, неслучайно, на обеих картинах присутствует еда. Эта примитивная обычная пища тем не менее изображена с долей торжественности, радостным и светлым чувством.
   Натюрморт “Селёдка”.
   Перед нами поверхность стола, застеленная мятой розовой бумагой. Под бумагой виднеется полотно, в котором узнается более ранняя картина художника и в перевернутом углу ее различается подпись самого Петрова-Водкина. Скорее всего, это даже не стол, а готовая картина, которую положили на пару табуреток – подобие стола. И, чтобы не испортить поверхность, – накрыли бумагой.
   Перспектива нарочито-несуразная, как будто бы горизонтальная поверхность стола наклонена в сторону зрителя – того и гляди с нее скатятся предметы, которые на ней лежат. Предметов этих немного: две картофелины, краюха ржаного хлеба и немного порыжевшая селедка на темной бумаге. На блестящем боку селедки играют блики. Скорее всего, это какой-то паек, который автор получил как профессор и с радостью принес в свою мастерскую, где собирается разделить нехитрый обед с парой друзей.
   Многие свидетели тех лет рассказывают, что селедка была тогда единственным доступным лакомством и очень всем надоела. А все же, когда подкатывало чувство голода, то люди радовались и селедке. Так с помощью всего лишь нескольких предметов художник изобразил то суровое время – правдиво, честно и оптимистично.

9. В творчестве К.С. Петрова–Водкина значительное место отведено натюрмортам. В своих работах он очень любил изображать стеклянные и блестящие предметы. Рассматривая картину Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина «Утренний натюрморт», мы погружаемся в атмосферу летнего утра. В картине преобладают теплые оттенки, она как бы пронизана золотистыми лучами солнца.
   Крупным планом изображен деревянный стол. Скорее всего, он стоит на веранде деревенского дома около окна, потому что солнечные лучи окрашивают его в розовато-золотистый оттенок. У стола сидит верный друг хозяина дома – рыжий пес. Он смотрит такими грустными глазами, словно хочет сказать: «Хозяин, угости меня чем-нибудь». На столе нет ничего лишнего. Все предметы на картине расположены гармонично и несут определённую смысловую нагрузку. Первым делом наш взгляд приковывает начищенный до блеска чайник с изящными изогнутыми ножками и золотистой ручкой. В его гранях отражается любимец хозяина дома – рыжий кот. Рядом с чайником лежат два яйца, одно из которых тоже отражается в нем. На переднем плане мы видим блюдечко, на котором стоит граненый стакан со свежезаваренным чаем. За стаканом находится чайная ложка, которая трижды преломляется в его гранях. Слева мы видим коробок спичек и фонарик. Ярким пятном выделяется букет цветов. Синие колокольчики и желтые одуванчики собрали совсем недавно и поставили в простую стеклянную вазу. Художник не случайно изобразил на картине два предмета, которые имеют грани. Они как бы увеличивают пространство.
   От этой картины веет теплотой и домашним уютом. Кажется, стоит вздохнуть поглубже, и ты ощутишь запах полевых цветов, крепкого чая и свежесть летнего утра.
   Данная картина была написана в 1918 году. Это были трудные времена, поэтому на столе нет скатерти, и имеется такой скудный набор продуктов. Хозяина дома на картине не видно, но судя по недопитому чаю и оставленному коробку спичек, он где-то рядом. Также об этом можно судить и по присутствию около стола домашних питомцев. Вполне очевидно, что на долю их хозяина выпало немало трудностей. Но, несмотря на это, он не разучился радоваться жизни и видеть красоту в окружающей действительности.
   Вместе со статьёй «Сочинение по картине Петрова-Водкина «Утренний натюрморт», 7 класс» читают:
   Сочинение по картине Петрова-Водкина «Портрет мальчика», 6 класс
   Сочинение по картине Григорьева «Вратарь», 7 класс
   Сочинение по картине «Друзья», Е.Широков, 7 класс

11. Эту небольшую картину известного художника начала ХХ века Кузьмы Петрова-Водкина сегодня можно увидеть в Русском музее Санкт-Петербурга. В «Утреннем натюрморте» сразу привлекает внимание позитивный настрой, который художник сумел передать при помощи радостной игры цвета.
    Казалось бы, ничего особенного в этой картине нет. Утреннее солнце освещает первыми теплыми лучами деревянный стол на веранде. Видны перила и зеленая трава. Очевидно, это дачный дом. Однако художник изображает на полотне плоскость стола под наклоном, так, что зрителю хорошо виден каждый находящийся там предмет.
    Собака у столаВидимо, человек, отдыхающий на даче, только что вернулся с утренней прогулки со своей собакой. В прозрачной баночке стоит букет недавно собранных полевых цветов – чудесных синих колокольчиков и ярких желтых одуванчиков, на которых застыли капельки росы. Вероятно, собрал букет тот, кто обладает романтичной душой. Это явно интеллигентный и хорошо воспитанный человек.
    На столе сияет начищенный никелированный самовар, видимо, он недавно закипел.
    Рядом лежит крышечка от самовара, ее хозяин дачного дома еще не успел вернуть на место. Рядом с букетом можно увидеть никелированную трубку от самовара, она создает тягу, и коробок спичек, которым воспользовался дачник для растопки, а щепочки и шишки для этого он мог собрать во время прогулки.
    Несмотря на то, что стол без скатерти, чувствуется, что сидящий за ним человек очень аккуратен и даже в условиях дачной жизни не отступает от правил хорошего тона. Граненый стакан с только что заваренным чаем он вместо блюдца поставил в небольшую металлическую мисочку. Наверное, размешал сахар и рядом положил чайную ложку, которая необычно преломляется сквозь грани стакана. Завтрак дачного жителя очень скромный, к стакану чая есть всего два яйца. Это не удивляет, ведь картина написана в 1918 году, когда в стране происходят тревожные события, люди не могут позволить себе ничего лишнего.
    Но как удивительно Петров-Водкин написал этот скудный завтрак! Яйца жемчужного цвета, они, как и самовар, чайная ложечка, стеклянная баночка и металлические предметы на столе отражают солнечный свет. Даже розоватые от солнечных лучей доски стола выглядят нарядно.
    И хотя художник не показал зрителю главного героя этой картины, зато передал отношение к нему его четвероногого друга. Рыжий пес явно смотрит на своего хозяина умными и добрыми карими глазами, он терпеливо ждет, что после прогулки хозяин угостит его чем-то вкусным. Выражение собачьей мордочки говорит о преданности и любви к человеку. Пес не единственное животное, изображенное в натюрморте. В блестящем самоваре отражается яйцо, а за ним можно рассмотреть силуэт рыжего кота, который уютно примостился напротив.
    «Утренний натюрморт» вызывает чувство покоя и радости от того, что начался новый день. Художник тонко передает гармонию единения человека с природой. А это делает мир добрее и прекраснее.

13. На картине художника К.С. Петрова-Водкина «Утренний натюрморт» изображён довольно скромный завтрак в деревне. Автор нарисовал простенький деревянный стол без скатерти, на котором в небольшой стеклянной баночке стоит букетик полевых цветов. Голубые васильки и жёлтые одуванчики очень красиво и гармонично смотрятся на фоне коричневой мебели и выделяются ярким пятном на картине, привлекая к себе внимание зрителя. Я думаю, что сорваны они совсем недавно.
    Рядом с букетиком мы видим блюдце с серебряной ложкой и стакан с чаем. Немного подальше расположились два сваренных яйца и чайник, в котором отражается солнечный свет из окна. Чайник начищен до блеска так, что заменяет собой зеркало. Если внимательно приглядеться, то в его отражении можно даже заметить рыжего кота, который на первый взгляд совсем незаметен.
    На столе немного предметов, но каждый из них очень тщательно прорисован. В глаза бросается тёмно-синий коробок спичек и фонарик. С левой стороны стола сидит красивый породистый пёс коричнево-рыжего окраса с немного грустным взглядом. В целом натюрморт получился довольно незатейливым, но очень тёплым и приятным.
    На картине нет людей, но чувствуется, что где-то неподалёку находится хозяин пса, его домашние питомцы с нетерпением ждут его появления. На меня картина произвела очень приятное впечатление. Она пропитана спокойствием, умиротворенностью и чистотой.
    Вместе со статьёй «Сочинение по картине Петрова-Водкина «Утренний натюрморт», 5 класс» читают:
    Сочинение по картине Кончаловского «Сирень в корзине», 5 класс
    Сочинение по картине Куинджи «Берёзовая роща», 5 класс
    Сочинение по картине Нисского «Февраль. Подмосковье», 5 класс
    Поделиться:

900 Картин самых известных русских художников 900 Classic russian paintings  

Русская живопись. Русские художники

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы.
Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном.
Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров.

Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления.

Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи.
В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина.
Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь.
Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард.

Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма.
Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Русский цветочный натюрморт на рубеже XIX–XX веков

Миллиоти Н.Д. (1874–1962). Полевые цветы. 1927. Холст, масло. 70,0 х50,0. «Акварель», Москва

При всей привлекательности и удобстве такого устройства рынка существуют серьезные недостатки, один из которых — сложности, связанные с поиском конкретных вещей. В России нет галерей, обладающих хорошей коллекцией цветочных натюрмортов, зато во многих антикварных салонах можно увидеть одну-две подобные работы. Картины с изображением цветов относятся к числу хорошо продаваемых, хотя уступают в популярности пейзажу и марине.

Русские художники стали всерьез относиться к изображению цветов только на рубеже XIX–XX веков. Если мы проанализируем слово «натюрморт», выбранное для обозначения этого жанра, то увидим, что интересовало наших предков. «Натюрморт» в переводе с французского означает «мертвая природа». «Мертвую природу» и рисовали русские художники в XVIII веке. Наибольшей популярностью пользовались «обманки» — картинки, которые создавали иллюзию прикрепленного к стене листа бумаги, вбитого гвоздя и т.д. Одна из причин пренебрежения к натюрморту заключается в том, что профессиональная живопись появилась в России только в XVIII веке. К этому времени период расцвета жанра натюрморта уже прошел. Почтительное отношение к нему сохранилось в английском и голландском вариантах названия. Вместо слова «натюрморт» англичане используют словосочетание «still life» (спокойная жизнь), а голландцы — «Stilleven» (остановившаяся или замерзшая жизнь).

О большой популярности цветочного натюрморта в Голландии свидетельствует множество работ, сохранившихся с той поры, которые восхищают нас и сегодня. Картины старых мастеров хороши не только умелым построением композиции или удивительной способностью художников видеть и передавать на холсте самые незначительные детали. Каждое полотно содержит множество «оживляющих» подробностей — по кожице плодов ползают насекомые, листья растений проедены гусеницами, на гусениц охотятся лягушки, — но главное в другом: картины пропитаны особым духом, объединены некой идеей, которая и создает ощущение абсолютной гармонии.

Тихов В.Г. (1876–1939). Натюрморт с кувшинками. 1930-е. Холст, масло. 80,0 х 64,5. Антикварная галерея, Канал Грибоедова д. 23, С.-Петербург

В упрощенной форме это можно было бы назвать теорией теизма — сознанием того, что весь мир пронизан божественной энергией. Все отражается во всем: малое в большом, а большое в малом. Окружающие нас вещи, существа и растения сами по себе и в сочетании с другими могут рассказать о многом. В окружающих предметах голландцы видели отражение извечного противостояния добра и зла, уродства и красоты, любви и ненависти. Эразм Роттердамский писал: «Любая вещь имеет два лица… и лица эти отнюдь не схожи одно с другим.Снаружи как будто смерть, а посмотри внутрь — увидишь жизнь, и, наоборот, под жизнью скрывается смерть, под красотой — безобразие, под изобилием — жалкая бедность, под позором — слава, под ученостью — невежество, под мощью — убожество, под благородством — низость, под весельем — печаль, под преуспеванием — неудача, под дружбой — вражда, под пользой — вред». Все это было поводом для создания натюрмортов с цветами, которые, благодаря разработанной символике цветов, плодов и предметов, превращались в увлекательные повествования.

Эмблематические сборники, издававшиеся на протяжении всего XVII века, являлись хорошим пособием в расшифровке картин. Те, кто был знаком с подобной литературой, не испытывали больших проблем в толковании картин, поскольку знали, что изображение часов ассоциировалось с понятием времени, музыкальной трубы или горна — со славой, античной скульптуры — с искусством.

Драгоценные серебряные сосуды олицетворяли богатство. Белая лилия говорила о непорочности. Белая роза свидетельствовала о платонической любви, а красная — о плотской. Тюльпаны были символом быстро уходящей красоты, разведение этих цветов считалось одним из самых суетных и тщетных занятий. Увядший цветок намекал на исчезновение чувства, а чертополох связывали с понятием зла. Очень часто на полотнах встречается виноградная кисть, которая одновременно напоминала об искупительной жертве Спасителя за грехи человечества и свидетельствовала о наступлении осени; порхающая бабочка символизировала бессмертие души. Заморские экзотические раковины, предмет коллекционирования, намекали на неразумную трату денег.

Гончарова Н.С. (1881–1962). Цветы. 1951. Холст, масло. 63,2 х 45,6. «Антиквар-Метрополь», Москва

В XVIII веке в Европе утверждаются идеи Просвещения, и староголландское понимание жанра натюрморта теряет свою актуальность. На смену сложным символико-аллегорическим повествованиям пришли эмблематические трактовки изображений цветов.

Работы выпускников класса «цветов и плодов» Петербургской Академии художеств середины XVIII века являются хорошей иллюстрацией происходивших перемен. Известны изображения цветов и фруктов, выполненные Алексеем Бельским и Иваном Фирсовым. Большой популярностью пользовались десюдепорты (монументально-декоративные панно над дверью). Эти произведения рассматривались как эмблемы, например, «великий букет, или связка цветов» обозначал «Токмо отечество мое мне нравится». Изображение разнообразных цветов — от бутонов до пышно распустившихся — показывало течение человеческой жизни, а символика цвета намекала на различные характеры и темпераменты людей. Однако в 1795 году класс «цветов и плодов» прекратил свое существование, в стенах Академии не осталось места для цветочных натюрмортов.

Тем не менее, коллекционеры живописи продолжали покупать картины старых «голландцев». Значительное количество этих работ хранилось и в эрмитажном собрании, которое часто посещали ученики Академии художеств. В их обязанности входило копирование произведений знаменитых мастеров прошлого, в том числе голландских. С 1830-х годов ученики и выпускники Академии начинают самостоятельно создавать полотна в стиле «старых мастеров». Первым и самым известным из этих художников был И. Хруцкий — академик живописи цветов и фруктов. Его натюрморты имели у петербургской публики большой успех. Чтобы удовлетворить запросы столичных любителей живописи, Хруцкий вынужден был писать копии со своих же работ, иногда внося «новые» детали: подсвечник с горящей свечой, тлеющую сигару, спички в бумажной обертке, обрывок расходного счета с лежащей на нем мелочью. Однако сам художник довольно низко ценил эту работу. Через некоторое время он перестал писать эффектные натюрморты, перейдя к религиозной живописи и портретам.

Удальцова Н.А. (1886–1961). Натюрморт с цветами и фруктами. 1940-е. Холст, масло. 100,4 х 80,2. «Бельведер», Москва

Пример Хруцкого показателен для России XIX века. Цветочные натюрморты «под голландцев» создавали многие художники, особенно в годы ученичества. Но никто из них не относился к этому жанру живописи всерьез. С одной стороны, это был один из этапов становления мастерства художника, подобно тому, как на более ранней стадии все обучались рисованию голов античных статуй, с другой — способ «легко» заработать.

В этом отношении показательна работа Федорова 2-го из антикварного салона «Русская усадьба». О символическом подтексте здесь не может идти и речи. Все усилия художника направлены исключительно на решение живописно-художественных задач. Предметы, составившие натюрморт — виноград, тыква, букет цветов, ананас, недоеденный персик, античная ваза и бюст Наполеона — свидетельствуют о желании сочетать модные, экзотические и живописные вещи, дабы поразить зрителя изобилием и игрой красок. Это эффектная картина, но не более.

«Натюрморт» В.Д. Сверчкова проще и отличается более правильной композицией, хотя этот художник приобрел известность благодаря изготовлению живописных витражей, а не созданию натюрмортов.

В начале XX века, когда натюрморт вошел в число самых популярных жанров живописи, сохранились художники, которые продолжали писать изображения цветов, придерживаясь традиций живописного языка «старых голландских мастеров». Один из них — А.А. Харламов — известный русский портретист, с 1869 года проживавший во Франции. Его «Цветы» из антикварного салона «Александр-Арт» — образец совершенного владения техникой мастеров прошлого, при абсолютном отсутствии каких-либо подтекстов, пример салонной эстетской живописи. Еще один подобный вариант — «Натюрморт с цветами» эстонского живописца А.АГирва. Этот ученик Клевера расположил фужер, вазу для фруктов, кувшин, горшок, цветы и фрукты в соответствии с голландскими традициями построения композиции. Использованные в натюрморте предметы были созданы в начале XX века. Сочетание старых живописных приемов и современных предметов привело не столько к смешению стилей, сколько придало произведению аромат вневременности, что и было одной из задач живописцев, подражавших «старым мастерам». Они никогда не стремились сотворить нечто новое или воссоздать реальность. Куда больше их увлекали стилизации в духе живописи мастеров прежних времен (в данном случае голландских).

Клевер Ю. Ю. Хризантемы и виноград. 1917. Холст, масло. 48,0 х 57,0. «Кентавр», Москва

В русской живописи XIX века красивые цветы и растения часто использовали в качестве изящного дополнения. Цветы — обязательный атрибут аллегории весны, белые лилии — символ чистоты и непорочности. Цветами украшали шляпку или платье дамы, они могли оказаться в руках у юной красавицы. В целом же отношение к цветам, как оживляющему полотно живописному пятну, было типичным для русских художников, долгое время проживших в Италии. Они писали пейзажи с изображением цветущих растений или украшали унылые покои вазой с красивыми цветами, как на картине С. Бакаловича «Помпеянка». После окончания Академии художествБакалович уехал в Италию, где и остался навсегда. Его любимая тема — вариации на античные мотивы, выдержанные в соответствии с современными вкусами. Яркий букет цветов на сером фоне был типичным приемов для салонной живописи второй половины XIX века. Большие и малые букеты кочуют с картины на картину, в одних случаях они тщательно прописаны, в других — едва намечены быстрыми штрихами.

Во второй половине XVIII века возник повсеместный научный интерес к изучению, классификации флоры и фауны. Во многих странах Европы начали издавать атласы с раскрашенными гравюрами местных цветов, плодов и растений. Вскоре сложилась школа художников, специализировавшихся на совершенном (фотографическом) изображении растений. Большое развитие это направление получило среди германских народов. Там до сих пор проявляют большой интерес к изучению цветов и растений на примерах европейской живописи. В частности, в берлинской картинной галерее проводится специальная экскурсия по цветочным натюрмортам, популярностью пользуется серия книг, посвященная изображению разных видов цветов в искусстве. Увлечение созданием точных изображений не обошло и Россию. Лучшие работы в этом стиле были созданы Федором Толстым. Его акварели с цветами, ягодами, бабочками и птицами сочетают научную достоверность с поэтической любовью к красоте природы. Они — свидетельство большого художественного таланта художника. К сожалению, работы Толстого на антикварном рынке встречаются редко и стоят недешево.

Щекотихина-Потоцкая А.В. (1892–1967). Натюрморт. Холст, масло. «Грибоедовский», С.-Петербург

Атласы с изображением растений и цветов Европы заинтересовали и художников по фарфору. Новаторами в этой области стали мастераМейсенской мануфактуры. Нововведение пришлось по вкусу. До сих пор на Мейсене выпускают предметы с изображением «цветов Саксонии», которые впервые появились на мейсенской посуде в середине XVIII века. В конце XVIII века в Копенгагене был создан знаменитый сервиз «Флора Даника», насчитывавший более 1500 предметов. Он расписан изображениями дикорастущих цветов Дании, за основу взяты иллюстрации из труда о ботанике «Флора Даника». В России подобных опытов не было: художники копировали изображения цветов не с гравюр, а непосредственно с мейсенской посуды. Уже в Екатерининское время мейсенские букеты стали основным мотивом посудной росписи. Цветы «прижились», но русские художники отказались от точной передачи анатомического строения растений. Они отдали предпочтение красочной стилизации, созданию ярких, сочных, фантастических букетов. К началу XX века красочно-цветочная феерия стала столь привычной, что сами фарфоровые предметы стали частью цветочных натюрмортов Кустодиева, Головина, Судейкина, Петровичева, Клевера (сына). Для художников, занимавшихся росписью фарфора, стало обычным делом пробовать свои силы в создании натюрмортов, как это видно на примере работЩекотихиной-Потоцкой.

На рубеже XIX–XX веков новое понимание цветочного натюрморта предложили Левитан, Грабарь, Коровин, Жуковский. В своих работах они мастерски объединяли особенности пейзажного жанра с натюрмортом, располагая цветы на подоконнике, террасе, столе, стоящем среди сада или парка. Человеческий быт и природа сливались в гармоническое единство. «Цветок» В.Э. Борисова-Мусатова из «Русского модерна» не выделяется из окружающей среды, это всего лишь часть огромного сада…

Художники оценили достоинства и возможности натюрморта как самостоятельного жанра. Эволюцию можно проследить по картинам Коровина, который сначала изображал пышные букеты цветов на фоне ночного Парижа или моря в Гурзуфе, но потом отказался от построения сложных композиций, сосредоточив внимание на красоте самого букета. Великолепным примером в данном случае может служить картина «Натюрморт. Охотино» из антикварного салона «Александр-Арт».

Гирв А.А. (1880–1918). Натюрморт с цветами. Перв. четв. XX. Холст, масло. 95,5 х80,3. «Золотое Руно», Москва

Нельзя не отметить, что интерес к натюрморту на рубеже XIX и XX веков был связан с популярностью картин французских импрессионистов и постимпрессионистов — Мане, Сезанна, Ван Гога, Гогена. В России было много их последователей. Один из них — Николай Тархов. Он принадлежал к когорте пионеров русского импрессионизма, участвовал в дягилевской выставке русского искусства в Париже 1906 года. С той поры Тархов жил и работал в Париже. Его работы высоко ценили Бенуа, Малевич и Маковский. После революции наступил период забвения, и только несколько лет назад в России возродился интерес к его работам. Влияние Сезанна, Ван Гога ощущается в картине Николая Тархова «Натюрморт. Цветы, овощи, фрукты».

Самые последовательные русские сезаннисты — художники объединения «Бубновый валет»: Кончаловский, Машков, Лентулов, Фальк, Гончарова, Осмеркин. Они исповедовали здоровый материализм, влюбленность в яркую плоть вещей, грубоватую, почти лубочную выразительность. В их творчестве натюрморт занимал значительное место. Они смогли воссоздать самую плоть вещей, сделали физически ощутимым то, что импрессионисты только видели. Художники сумели зафиксировать материальную крепость вещи, уменьшить дистанцию между предметом и зрителем. Они динамически сместили и уравновесили живописные массы, в угоду художественной целостности деформировали, но не разрушили сами вещи. К сожалению, на антикварном рынке ранние работы этих художников встречаются нечасто. Зато цветочные натюрморты 30–50-х годов — не редкость, более того, они составляют основную часть современного рынка качественного русского натюрморта.

30-е–50-е годы XX века характеризуются большим интересом к цветочному натюрморту не только со стороны русских сезаннистов, но и лидеров авангарда и беспредметной живописи. Классические натюрморты создает Удальцова, пишет красочные натюрморты на фоне пейзажей отец русского футуризма Давид Бурлюк.

Фальк Р.Р. (1886–1958). Букет ромашек на фоне сада. 1940-е. Холст, масло. 73,0 х 90,0. «Золотое Руно», Москва

Вплоть до 60-х годов натюрморт был «отдушиной» для художников, которые не служили новой идеологии. Они всецело отдались творчеству в своих маленьких мастерских, не имея возможности ни идеологически влиять на современное искусство, ни показывать свои работы на выставках. Натюрморт стал способом выражения лирических переживаний этих людей. Он — летопись мирной жизни изгоев советского художественного мира.

И все же последнее слово в развитии натюрморта как жанра принадлежит не им. В 20-е–30-е годы в натюрморт начинает приобретать формы абстрактной живописи. Цветочные композиции образуют единую узорчатую поверхность с фоном: стол, цветы, рисунки, предметы превращаются в декоративный орнамент, подобный узорам на персидском ковре. Натюрморты Минчина, Ланского, Исаева созданы на грани между предметной и беспредметной живописью.

В заключение хочется отметить, что сегодня ситуация для собирания русского натюрморта очень благоприятна. Конечно, трудно найти хорошие натюрморты русских художников XVIII и XIX веков. Редко встречаются и дорого стоят картины художников первого порядка, написанные до 1917 года. Но не расстраивайтесь: вы можете встретить поздние картины этих же мастеров, и стоят они почти в два раза дешевле ранних работ, а в антикварных салонах появились качественные натюрморты русских эмигрантов и художников второго ряда.

В начало раздела «Живопись и графика»>>>

Натюрморты русских художников

Значительность художника измеряется количеством новых знаков,
которые он введет в пластический язык.
Анри Матисс

Наталья Гончарова

Н. Гончарова «Пионы»

Н.Гончарова «Натюрморт с магнолиями»

 Казимир Малевич «натюрморт»

  М. Ларионов «Груши»

 Михаил Ларионов «Натюрморт с кувшином и иконкой»

Михаил Ларионов «Три рыбы»

 Б.М. Кустодиев «Сладости»

 Б.М. Кустодиев «Яблоко и сторублевка»

А.Лентулов «Астры»

Аристарх Лентулов «Самовар»

Петр Кончаловский «Татарский натюрморт»

П.Кончаловскй «Натюрморт с фруктами и арбузом»

 П. Кончаловский «Натюрморт»

 Давид Бурлюк

 И. Левитан «Одуванчики»

Исаак Левитан «Васильки»

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин «Черемуха в стакане»

К.С. Петров-Водкин «Утренний натюрморт»

 Роберт Фальк «Натюрморт»

 Р. Фальк «Кувшин и фрукты»

  Александр Яковлевич Головин

Давид Петрович Штеренберг «Цветы и гипс»

 Давид Петрович Штеренберг  «Колокольчики»

 Давид Петрович Штеренберг «Натюрморт с лампой»

Вступите в группу, и вы сможете просматривать изображения в полном размере

Русский натюрморт конца XIX — начала XX века

КУЛЬТУРА И ИССКУСТВО. ЖИВОПИСЬ, СКУЛЬПТУРА, ХУДОЖНИКИ                                           

Натюрморт конца XIX — начала XX века явил собой инте­реснейшую и существеннейшую страницу в истории русской живописи своего времени.  Он исключительно разнообразен по своему характеру. Натюрморту этого времени мы обязаны необычайным расширением границ его как изобразительного жанра. Человеческая личность той сложной эпохи раскрывается в нем очень многосторонне. Глубинная сущность явлений окружающего мира раскрывается теперь полнее.

Тугие, блестящие белые головки молодого лука, пышная зелень капусты, баранья туша, сочащаяся кровью на кирпичном полу кухни, красноречиво повествуют о неисчерпаемой щедрости и мощи матери-природы. Кисти и краски на столе в мастер­ской, картон с неоконченным наброском, гипсовый слепок античной скульптуры пе­реносят нас в атмосферу труда живописца. Букет полевых цветов рядом с недопитой чашкой чая и раскрытой книгой позволяют заглянуть в душевный мир человека.  Все это, воплощенное художником на холсте или бумаге, носит название натюр­морта.

В буквальном смысле последнее слово означает „мертвую натуру” , то есть нечто неодушевленное. Иными словами, речь идет об изображении предметов, сопутствую­щих человеку в его ежедневной жизни, будь то вещи, сделанные им самим, или то, что берет он у природы.

В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени.

Как определенный вид или жанр живописи натюрморт знает в истории искусства свои расцветы. Широко известен, например, голландский натюрморт XVII столетия. Не менее ярким для этого жанра был в европейской живописи период конца девятнадцатого и начала двадцатого века. В истории русского искусства натюрморт появляется в XVIII веке. Обычно в станковом натюрморте того времени целью является иллюзио­нистически точное изображение предмета, дающее зрителю своеобразную радость узнавания знакомой вещи. Декоративные натюрморты, помещенные где-нибудь над дверями парадной дворцовой анфилады, составленные из цветов и фруктов, напротив, были призваны создавать общее впечатление чего-то нарядного, праздничного.

Очень интересны натюрморты, исполненные в 20 — 40-х годах XIX века. В каче­стве примера можно привести прелестные маленькие акварели и гуаши Ф. П. Толстого. С большой теплотой, с ювелирной тщательностью изображены им срезанные цветы в прозрачном стекле, окруженные птичками, бабочками и мушками, с непременной капелькой росы где-нибудь на лепестке, сделанной с целью вызвать оптическую иллю­зию реальности. Не менее типичны для этого периода и полотна И. Т. Хруцкого с букетами пышных садовых цветов, с корзинами прозрачного винограда и желтых персиков. Они исполнены чрезвычайно тщательно и почти всегда, как и работы Тол­стого, украшены какой-либо забавной иллюзионистической деталью. Однако и работы Хруцкого и миниатюры Толстого при всем их художественном обаянии имели еще весьма ограниченное значение для развития этого искусства.

В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюр­морт был явлением сравнительно редким. И только на рубеже девятнадцатого  и двадцатого  веков он вырос в художественное явление мирового значения.  

Особенный интерес к натюрморту в русской живописи начинает пробуждаться в 80-х годах ХIХ века. Одно из главных мест принадлежит здесь работам И. И. Леви­тана (1860-1900). Они не велики по размеру, скромны по замыслу и, как правило, представляют букеты полевых или каких-либо обычных садовых цветов. В „Лес­ных фиалках и незабудках” (1889, Третьяковская галерея) превосходно передана хрупкость бледно-желтых ночных фиалок и воздушность мелких голубых незабудок, прекрасно гармонирующих с простой деревенской кринкой. Очень хороши „Одуван­чики” (Чувашская художественная галерея), близкие первому натюрморту по своему мотиву. Они выдержаны в теплой зеленовато-коричневой красочной гамме, в которой так органично звучат и поливная глина простой молочной кринки и желтые головки цветов. Сходный характер имеет и „Белая сирень” из Омского музея изобразитель­ных искусств.

Эти работы Левитана, в сущности, еще традиционны: букеты взяты изолированно от окружающего их пространства комнаты, на нейтральном фоне. Задача здесь ясна и проста: возможно более убедительно передать неповторимую прелесть выбранной натуры. Однако в эти же годы в творчестве К. А. Коровина (1861 — 1939) и В. А. Серова (1865-1911) можно ощутить новые веяния.

Характер новых тенденций можно определить как стремление художников свя­зать натюрморт — и сюжетно и живописно — с окружающей средой. „Мертвую натуру” выносят в пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте хотят увидеть отражение мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада, наконец — его настроения.

Одно из ранних полотен Коровина прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Речь идет об изображении дружеского общества на даче художника В. Д. Поленова — „За чайным столом” (1888, музей-усадьба В. Д. Поленова). Картина написана почти в пленэре — на террасе загородного дома. За столом сидит жена художника, рядом мирно беседуют ее сестра и сестра самого Поленова — обе молодые талантливые художницы. Целью живописца было передать ощущение теплого летнего дня, прелесть непринужденной дружеской беседы. Бодрящая свежесть, исходящая от солнечной зелени, от молодых лиц, в большой мере создается и натюрмортом — этим зрелищем красных спелых ягод в белой тарелке, белизной свежей скатерти, молоком, налитым в высокие прозрачные стаканы.

Внутреннее, эмоциональное единство, в котором нахо­дится все изображенное в картине, достигается прежде всего чисто живописным реше­нием полотна. И фигуры людей, и пространство природы, и предметы сервировки накрытого стола — все написано с учетом той световоздушной среды, которая их окру­жает. Пронизанная солнцем зелень сада отбрасывает зеленоватый свет на лица людей. Зеленоватыми и золотыми бликами искрится самовар в центре стола. Мягко поблескивает стекло стаканов, отражая и вместе с тем пропуская свет. Легкие холодные тени лежат на скатерти, на белой, тщательно отглаженной блузе молодой женщины; в свою очередь, свет, отраженный от блузы, от скатерти, еще более высветляет те немногие легкие тени, которые есть в картине.

В известнейшем полотне Серова „Девочка с персиками” (1887, Третьяковская галерея) фрукты на переднем плане картины лишь аксессуар, то есть нечто дополняющее созданный здесь образ. Внимание художника устремлено главным обра­зом на юную В. Мамонтову. Вместе с тем изображение персиков составляет самостоя­тельную художественную задачу. Серов определяет чисто живописными средствами их место в пространстве картины. Он „находит” собственный желтый цвет плодов, сопоставляя их с белой скатертью, с желто-зеленым листом клена, с зеленоватым све­том, льющимся в окно из сада. Он различает зеленые, лимонно-желтые и золотисто-желтые тона на их неодинаково освещенных неровных боках. Ощущение бархатистости фактуры персиков достигается сопоставлением их с гладким полотном скатерти и полированной поверхностью серебряного фруктового ножа, на котором играют яркие блики света. Персики, столь внимательно рассмотренные художником, служат как бы ключом ко всему колористическому построению картины, к ее замыслу. Ведь именно этот рассеянный дневной свет летнего дня, „формирующий” персики, является опре­деляющим для всего эмоционального и живописного строя картины, подчеркивая детскую свежесть модели. Так открывается новая страница в истории русской реали­стической живописи.

В этих работах Коровин и Серов положили начало дальнейшему развитию натюр­морта. Аналитический характер последнего был принципиально отличен от той, по существу, антихудожественной продукции, которая наводняла буржуазные салоны того времени. Главным в салонном натюрморте было натуралистически понятое сход­ство изображения с предметом. Особенно тут ценилась этюдная легкость манеры или, напротив, ювелирная отделка живописной поверхности. Во всех случаях непременными были внешняя красивость композиции, „роскошь” общего впечатления. Идеальным воплощением подобных принципов может служить огромное мастерски выполненное полотно К. Е. Маковского (1839-1915) „В мастерской художника” (1881, Третьяков­ская галерея). Картина поражает истинно „натюрмортным” нагромождением богатых тканей, экзотических фруктов, антикварных редкостей. Маленький золотоволосый кукольно-красивый мальчик и огромная породистая собака кажутся простыми экспо­натами этой буржуазной выставки предметов роскоши.

Стремление худож­ников расширить границы натюрморта, теснее связать его с человеком, с окружающим миром приводит во многих случаях к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. Изображение „мертвой натуры” стано­вится здесь более многозначительным, превращается в активное средство раскрытия образа.

В более поздние годы любопытнейшие примеры активного вторжения натюрморта в бытовой жанр дает творчество Б. М. Кустодиева (1878-1927).  Своеобразным апогеем кустодиевского понимания натюрморта служит „Купчиха за чаем” (1918, Русский музей). Замечательная по своей декоративной целостности, вещь эта дает собирательный образ того купеческого раздолья, о котором так смачно повествует Кустодиев во множестве своих более ранних работ.

В роскошной белотелой красавице, окруженной ореолом розовых облаков на вечернем небе, во всей декоративной пышности „купеческого” пейзажа с церквами, торговыми рядами и глухими крашеными заборами — во всем этом есть тонкая ирония и в то же время восхищение яркой, почти лубочной выразительностью удачно найденного типа. Суще­ственнейшую роль играет в ансамбле картины и натюрморт. Зелено-красный арбуз, золоченый фарфор, желтая, маслянистая сдоба с коричневой корочкой, плотные, глянцевитые, ярко-красные яблоки — все написано отчетливо, просто и заманчиво, как вывеска бакалейной лавки. Демонстративное изобилие натюрморта звучит почти иро­нически. И в то же время в нем есть искреннее восхищение натурой во всей ее кон­кретности, чувствуется любование формой, цветом, фактурой предмета, умение расска­зать простым и ясным, хотя отнюдь не натуралистическим языком.

В рисунках и акварелях тех лет можно встретить оригинальные решения проблемы изображения „мертвой натуры”. В качестве примера можно привести отдельные работы М. А. Врубеля (1856-1910). Они очень своеобразны по чувству материала, чувству фактуры предмета. Букет цветов, брошенное на стул бальное платье, одинокий цве­ток розового шиповника в майоликовом кувшинчике на фоне переливов чеканного серебра старинного блюда — во всем мы чувствуем то восприятие предмета как комп­лекса богатейших зрительных впечатлений, которое есть, например, в портрете девочки на фоне персидского ковра (Музей русского искусства, Киев). В натюрмортах Врубеля можно наблюдать, как рождается характерная для художника „мозаичная” манера лепки изображения короткими мазками краски, отчего живописное построение формы начинает походить на гранение драгоценного камня.

Искания нового в натюрморте были чрезвычайно разнообразны. В это время в полную силу работают Грабарь и Коровин с их методом, в известной мере близким импрессионизму. Однако характерно, что именно теперь Грабарь ищет крепкие формы, определенность цвета, декоративность целого, в противовес той сугубо импрессиони­стической живописности, которая была свойственна его более ранним работам. Инте­ресный пример — „Груши на синей скатерти” (1915, Русский музей). Прежде всего останавливает внимание необычная (а для Грабаря этого времени характерная) точка зре­ния на натуру — сверху вниз.

Синяя скатерть с ритмически повторяющимися звеньями узора изображена совершенно плоскостно, как некий условный декоративный фон. Красные и зелено-желтые груши, синий чайник, белая с синим рисунком чашка разбро­саны по нему в определенном цветовом ритме, сохраняющем ощущение плоскости холста. Цвет, декоративное начало выступают тут как главные моменты, определяющие построение композиции, создание художественного образа. В сущности, именно в твор­честве Грабаря мы имеем дело с одним из первых образчиков аналитического, „проб­лемного” натюрморта; характерно, что декоративность композиции отнюдь не идет в ущерб реалистической убедительности изображения в целом.

Чрезвычайно интересно то понимание задач натюрморта, которое было выдвинуто художниками, связанными с театрально-декорационным искусством. Их работы отли­чались ярко выраженной декоративностью, цветностью. Чаще всего в них отсутствует то, что делает натюрморт прямым отражением быта. Разнообразие и красота форм, декоративность красочных сочетаний — характерные признаки таких полотен. Типичны в этом отношении превосходные натюрморты А. Я. Головина (1863-1930) и Н. Н. Сапу­нова (1880-1912).

Натюрморты Головина исполнены по большей части темперой, акварелью, клеевыми красками. Таков натюрморт „Фарфор и цветы” (Третьяковская галерея). Большая рокайльная ваза со скульптурными украшениями, с пестрыми букетами цветов на белых глянцевитых боках; строгая ампирная синяя с золотом вазочка, украшенная живописью; розовые, полосатые, золоченые чашечки и коробочки разнообразной формы; чай­ник с розами и чайник с пастушеской сценкой в медальоне; ткани пестрые, поло­сатые, затканные цветами и, наконец, живые цветы: тяжелые пышные розы в зеленых листьях, розовые и белые флоксы, анютины глазки. Ликующее сочетание розового, зе­леного, синего, теплого желтого производит ощущение чего-то радостного, празднично-нарядного. Это общее впечатление действительно каким-то образом выражает художе­ственные особенности фарфора, более всего занимающего живописца. Все сплетается в веселый, пестрый ковер, где нарисованные на фарфоре цветы сливаются воедино с живыми цветами, где краски тканей спорят с красками цветов.

Для Сапунова типичен большой, написанный темперой натюрморт „Пионы” (1908, Третьяковская галерея). Цветы как бы выплывают из волшебного красоч­ного марева, которое окутывает картины, пейзажи и интерьеры его театральных эски­зов.

Всецело новаторским предстает перед нами „Натюрморт с синими сливами” Машкова (1910, Третьяковская галерея). В полотне отчетливо раскрывается новое понимание натюрморта, как изобра­зительного жанра. Художника не занимает передача средствами живописи той свето-воздушной среды, в которую погружены предметы. Точно так же далек Машков и от свойственной Коровину и Грабарю тенденции рассматривать натюрморт как простое отражение человеческого быта. Все внимание живописца направлено на то, чтобы выявить как можно острее и ярче цвет и форму предмета.

Свободное, творческое отношение к натюрморту, как изобразительному жанру, привело к тому, что он сблизился с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. Это позволило живописцам раскрывать явления окружающей действитель­ности с большей полнотой, многограннее.

Искусство этого времени знает множество примеров, где почти невозможно определить, к какому „жанру” относится картина. Еще в 1880-х годах Серов сомневался, можно ли назвать портретом его „Девочку с персиками”. Крымские полотна Коровина, „Радостный май” Жуковского, „Купчиха за чаем” Кустодиева столь же относительно определимы в своей принадлежности к ка­кому либо определенному жанру. Понятие классификации отходит на второй план перед многообразием открытия мира в живописи конца XIX — начала XX века.  Лучшее, что было сделано в натюрморте этого периода, органически вошло в искусство того времени и продолжает оставаться для него неисчерпаемым источником художественного опыта.

Источники: http://www.smirnova.net/articles/rus_naturmort/277/

Натюрморт в ХХ веке – HiSoUR История культуры

Первые четыре десятилетия XX века стали исключительным периодом художественного брожения и революции. Движения авангарда быстро эволюционировали и пересекались в марше к нефигуративной, полной абстракции. Натюрморт, как и другое изобразительное искусство, продолжал развиваться и корректироваться до середины века, когда полная абстракция, примером которой являются капельные картины Джексона Поллока, устранила все узнаваемое содержание.

Анри Матисс, Натюрморт с герани (1910), Пинакотека современности, Мюнхен, Германия

Столетие началось с нескольких тенденций, проявляющихся в искусстве. В 1901 году Пол Гоген написал «Натюрморт с подсолнухами», его дань уважения его другу Ван Гогу, который умер одиннадцатью годами ранее. Группа, известная как Les Nabis, включая Пьера Боннара и Эдуарда Вуйярда, приняла гармонические теории Гогена и добавила элементы, вдохновленные японскими гравюрами на дереве, на их натюрмортные картины. Французский художник Одилон Редон также нарисовал заметный натюрморт в этот период, особенно цветы.

Анри Матисс уменьшил рендеринг объектов натюрморта еще больше до не более смелых, плоских контуров, наполненных яркими цветами. Он также упростил перспективы и представил многоцветный фон. В некоторых из его картин натюрморта, таких как Натюрморт с баклажанами, его столик предметов почти потерян среди других красочных узоров, заполняющих остальную часть комнаты. Другие экспоненты фовизма, такие как Морис де Вламинк и Андре Дерен, далее изучали чистый цвет и абстракцию в их натюрморт.

Жан Метцингер, Фрукты и кувшин на столе (1916), холст, масло и песок, 115,9 х 81 см, Музей изящных искусств, Бостон

Пол Сезанн нашел в натюрморт совершенным средством для своих революционных исследований в геометрической пространственной организации. Для Сезанна натюрморт был основным средством отвлечения живописи от иллюстративной или миметической функции к тому, чтобы продемонстрировать независимо элементы цвета, формы и линии, важный шаг к абстрактному искусству.  Кроме того, эксперименты Сезанна можно рассматривать как ведущие непосредственно к развитию кубистического натюрморта в начале 20-го века.

Адаптируя смещение Сезанна плоскостей и топоров, кубисты подчинили цветовую палитру Фови и сосредоточились вместо этого на деконструировании объектов в чистые геометрические формы и плоскости. Между 1910 и 1920 годами кубистские художники, такие как Пабло Пикассо, Жорж Брак и Хуан Грис, рисовали много натюрмортных композиций, часто включающих в себя музыкальные инструменты, которые принесли на первый план авангард художественных инноваций почти в первый раз. Натюрморт также был предметом первых работ по синтетическому кубистскому коллажу, таких как овальная «Натюрморт с пинцетами Пикассо» (1912). В этих работах объекты натюрмортов перекрываются и смешиваются, едва сохраняя идентифицируемые двумерные формы, теряя индивидуальную текстуру поверхности и сливаясь с фоном, достигая целей, почти противоположных целям традиционного натюрморта. Натюрморт Фернан Леже представил использование обильного белого пространства и цветных, четко определенных, перекрывающихся геометрических форм, чтобы произвести более механический эффект.

Джорджио Моранди (1890-1964), Натура Морта (1956), холст, масло, частная коллекция

Отклонение уплощения пространства кубистами, Марселем Дюшаном и другими членами движения «Дада» пошло в совершенно другом направлении, создав трехмерные «готовые» скульптуры натюрморта. В рамках восстановления символического смысла натюрморта футуристы и сюрреалисты размещали узнаваемые объекты натюрмортов в своих мечтах. В картинах натюрморта Джоан Миро, объекты кажутся невесомыми и плавают в слегка предложенном двумерном пространстве, и даже горы рисуются как простые линии. В Италии в это время Джорджио Моранди был главным художником натюрморта, исследуя самые разнообразные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. Голландский художник MC Escher, наиболее известный своей детальной, но неоднозначной графикой, создал Still Life and Street (1937), свою обновленную версию традиционного голландского настольного натюрморта. В Англии Элиот Ходжкин использовал темперамент для своих очень подробных картин натюрмортов.

Когда американские художники 20-го века осознали европейский модернизм, они стали интерпретировать предметы натюрморта с сочетанием американского реализма и абстракции кубизма. Типичными для американских натюрмортов этого периода являются картины Грузии О’Киффе, Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли и фотографии Эдварда Уэстона. Ультра-макрофотография О’Киффа раскрывает как физическую структуру, так и эмоциональный подтекст лепестков и листьев беспрецедентным образом.

В Мексике, начиная с 1930-х годов, Фрида Кало и другие художники создали собственный бренд сюрреализма, в котором изображены натуральные продукты и культурные мотивы в их натюрмортах.

Начиная с 1930-х годов абстрактный экспрессионизм сильно уменьшал натюрморты до необработанных изображений формы и цвета, и до 1950-х годов абсолютная абстракция доминировала в мире искусства. Однако поп-арт в 1960-х и 1970-х годах изменил тенденцию и создал новую форму натюрморта.Многое поп-арт (например, «Суп-банки» Кэмпбелла Энди Уорхола) основано на натюрморт, но его истинным субъектом чаще всего является товарный образ коммерческого продукта, а не сам объект физического натюрморта.  Натюрморт Роя Лихтенштейна с золотой чашей (1972) сочетает в себе чистые цвета Матисса с поп-иконографией Уорхола. В обеденном столе Уэйн Тьебо (1964) изображен не один семейный обед, а сборочная линия стандартизированных американских продуктов.

Движение Неодада, в том числе Джаспер Джонс, вернулось к трехмерному представлению Дюшана повседневных предметов быта, чтобы создать собственный бренд натюрморта, как в «Окрашенной бронзе Джона» (1960) и «Дурак-хаус» (1962). Авигдор Ариха, который начинал как абстракционист, интегрировал уроки Пита Мондриана в свои натюрморты, как в свою другую работу; воссоединившись со старыми традициями мастера, он достиг модернистского формализма, работая на одной сессии и в естественном свете, благодаря чему предмет часто возникал в удивительной перспективе.

Значительный вклад в развитие живописи натюрмортов в XX веке внесли российские художники, в том числе Сергей Оципов, Виктор Тетерин, Евгения Антипова, Геворк Котянц, Сергей Захаров, Таисия Афонина, Майя Копицева и другие.

Напротив, рост фотореализма в 1970-х годах подтвердил иллюзорное представление, сохранив при этом некоторые из сообщений Поп о слиянии объекта, изображения и коммерческого продукта. Типичными в этом отношении являются картины Дона Эдди и Ральфа Гойнса.

Картины XX века

Анри Матисс (1869-1954), блюда и фрукты (1901 г.), Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия	Одилон Редон (1840-1916), Цветы (1903)	Жорж Брак (1882-1963), скрипка и подсвечник (1910), Музей современного искусства Сан-Франциско	Хуан Грис (1887-1927),Природная могила (1913), Музей Тиссен Борнемиса
Марсден Хартли (1877-1943), «Красивые напитки» (около 1916 года), Бруклинский музей	Фернан Леже (1881-1955), Натюрморт с пивной кружкой (1921), Тейт	Пабло Пикассо, фруктовые сосиски, виолончель и вино (1912 г. )

Натюрморт (множественное число: натюрморты) представляет собой произведение искусства, изображающее преимущественно неодушевленный предмет, обычно обычные предметы, которые являются либо естественными (еда, цветы, мертвые животные, растения, скалы, ракушки и т. Д.), Так и искусственные (пьющие очки, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубы и т. д.).

С истоками средневековья и древним греко-римским искусством живопись натюрмортов возникла как особый жанр и профессиональная специализация в западной живописи к концу XVI века и с тех пор осталась значительной. Форма натюрморта дает художнику больше свободы в расположении элементов внутри композиции, чем картины других предметов, таких как пейзаж или портреты. Натюрморт, как особый жанр, начинался с нидерландской живописи XVI и XVII веков, а английский термин «натюрморт» происходит от голландского слова stilleven. Ранние картины натюрморта, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными объектами.  Некоторые современные натюрморты ломают двумерный барьер и используют трехмерные смешанные среды и используют найденные объекты, фотографии, компьютерную графику, а также видео и звук.

Термин включает в себя живопись мертвых животных, особенно игру. Живые считаются животным искусством, хотя на практике их часто рисуют из мертвых моделей. Категория натюрморта также разделяет общие черты с зоологической и особенно ботанической иллюстрацией, где между художниками наблюдается значительное совпадение. Как правило, натюрморт включает в себя полностью изображенный фон и ставит эстетические, а не иллюстративные проблемы как первичные.

Натюрморт занял самую низкую ступень иерархии жанров, но был чрезвычайно популярен среди покупателей. Помимо самостоятельного предмета натюрморта, живопись натюрморта включает в себя другие виды живописи с видными элементами натюрморта, обычно символическими, и «изображениями, которые полагаются на множество элементов натюрморта, якобы для воспроизведения« кусочка жизни » «».  Картина тромпе-л’иля, которая намеревается обмануть зрителя, считая реальную сцену, является специализированным типом натюрморта, обычно показывающим неодушевленные и относительно плоские объекты.

Русский натюрморт XIX века

Русская культура на рубеже веков имеет самое непосредственное отношение к истории импрессионизма. А Москва, наряду с Парижем и Нью-Йорком, является третьим городом мира, где перед первой мировой войной была сосредоточена лучшая часть импрессионистического наследия. Это заслуга представителей двух старинных купеческих фамилий – Щукиных и Морозовых, обогативших нашу столицу в начале века уникальными коллекциями новейшей французской живописи, от Моне до Пикассо.

В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюрморт был явлением сравнительно редким. И только на рубеже прошлого  и нынешнего веков он вырос в художественное явление мирового значения.

Особенный интерес к натюрморту в русской живописи начинает пробуждаться в 80- х годах прошлого века. Одно из главных мест принадлежит здесь работам И. И. Левитана (1860 — 1900). Они не велики по размеру, скромны по замыслу. Эти работы Левитана, в сущности, еще традиционны: букеты взяты изолированно от окружающего их  пространства комнаты, на нейтральном фоне. Задача здесь ясна и проста: по возможности более убедительно передать неповторимую прелесть выбранной натуры. Однако в эти годы в творчестве К. К. Коровина (1861 — 1939) и В. А. Серова (1865 — 1911) можно ощутить новые веяния.

Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт — сюжетно и живописно — с окружающей средой. «Мертвую натуру» выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте хотят увидеть отражение мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада, наконец — его настроения.

Одно из ранних полотен Коровина прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Речь идет об изображении дружеского общества на даче художника В. Д. Поленова — «За чайным столом» (1888, музей-усадьба В, Д, Поленова). Картина написана почти в пленэре — на террасе загородного дома. За столом сидит жена художника, рядом мирно беседуют ее сестра и сестра самого Поленова — обе молодые талантливые художницы. Целью живописца было передать ощущение теплого летнего дня, прелесть непринужденной дружеской беседы. Бодрящая свежесть, исходящая от солнечной зелени, от молодых лиц, в большей мере создается и натюрмортом — этим зрелищем красных спелых  ягод в белой тарелке, белизной свежей скатерти, молоком, налитым в высокие прозрачные стаканы. Внутреннее, эмоциональное единство, в котором  находится  все изображенное на картине, достигается, прежде всего, чисто живописным решением полотна. И фигуры людей, и пространство природы, и предметы сервировки накрытого стола — все написано с учетом той световоздушной среды, которая их окружает. Пронизана солнцем зелень сада, отбрасывает зеленоватый свет на лица людей. Зеленоватыми и золотыми бликами искрится самовар в центре стола. Мягко поблескивает стекло стаканов, отражая и вместе с тем пропуская свет. Легкие холодные тени лежат на скатерти, на белой, тщательно отглаженной блузе молодой женщины; в свою очередь, свет, отраженный  от блузы, от скатерти, еще более высветляет те немногие легкие тени, которые есть в картине.

В этой работе Коровин положил начало дальнейшему развитию натюрморта. Стремление художника расширить границы натюрморта, теснее связать его с человеком, с окружающим миром приводит во многих случаях к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. Изображение «мертвой натуры» становиться здесь более многозначительным, превращается в активное средство раскрытия образа. И это характерно не только для начальных этапов, но и для всего периода развития натюрморта конца XIX- начала XX веков. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К. А. Коровина и Э. Грабаря.

И. Э. Грабарь – художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем К. Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма.

Но К. Коровина и Грабаря можно объединять, лишь слишком широко и общо понимая импрессионизм как искусство впечатления и, так сказать, оптического восприятия и трактовки природы. Но за этим общим начинается существенное различие и в самом конкретном восприятии.

Именно в творчестве этих художников много работ, которые можно назвать натюрмортом в чистом виде. Именно в их искусстве новые тенденции нашли свое наиболее отчетливое выражение: натюрморт становиться выразителем настроения человека, он органически соединяется — и по содержанию и чисто живописно — с той жизненной средой, в которой существует этот человек.

В работах Грабаря всегда ощущаешь отражение чьей-то жизни. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти целиком «увидено» им в реальной бытовой обстановке, в загородном имении его друга художника Н. В. Мещерина, где очень любили цветы, и где разнообразнейшие букеты ставились круглый год. Там были созданы «Цветы и фрукты на рояле» (1904, Русский музей), «Сирени и незабудки» (1904, Русский музей). Они потребовали, по свидетельству самого художника, совсем незначительной компоновке, подсказанной к тому же натурой.

Как позволяют судить воспроизведения, очень интересна одна из ранних работ этой группы — полотно «Утренний чай» (1904, Национальная галерея, Рим). «Стояло дивное лето, — пишет художник. — Для утреннего чая стол с самоваром накрывался в примыкавшей к дому аллее из молодых лип… на ближнем конце длинного, накрытого скатертью стола стоял пузатый медный самовар в окружении стаканов, чашек, вазочек с вареньем и всякой снедью… Весь стол был залит солнечными зайчиками, игравшими на самоваре, посуде, скатерти, цветах и песочной дорожки аллеи». Сходная тема развита в картине  «За самоваром» (1905, ГТГ), этой по выражению художника, «полунатюрмортной» вещи. Здесь, по-видимому, изображена одна из племянниц Мещерина, позднее ставшая женой Грабаря. Ощущение домашней теплоты и тихого уюта сумерек создается мерцанием тлеющих углей в самоваре, мягким, приглушенным поблескиванием хрусталя. Его грани отражают холодный свет гаснущего дня. Притихшая за чаем девочка, кажется, всем существом ощущает наступившую тишину. «Меня занимала главным образом игра хрусталя в вечереющий час, когда всюду играют голубоватые рефлексы», — писал позже художник.

Тесное соединение специфически натюрмортных задач с задачами пленэрной живописи, наметившееся, как нечто новое, еще в коровинском полотне «За чайным столом», находит место в «Дельфиниуме» (1908, Русский музей). Ваза с высокими синими цветами написана на садовом столе под деревьями. И ваза и скатерть — все в световых бликах, в скользящих тенях от ветвей берез, окружающих стол. Характерно, что даже созданное в закрытом помещении большое полотно «Неприбранный стол » (1907, ГТГ) кажется написанным в саду — так много в нем света и воздуха.

Один из наиболее значительных натюрмортов Грабаря — «Хризантемы» (1905, ГТГ). Здесь внутренняя объединенность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с блестящим мастерством. В центре накрытого стола — большие букеты пушистых желтых цветов. Сумеречный свет, щарящий в комнате, где окна заставлены цветами, лишает предметы четкости форм и контуров. Он превращает фарфор и хрусталь на столе в сгустки голубых, зеленых, бирюзовых и лимонно-желтых бликов. В прозрачных сумерках лимонно-желтые хризантемы кажутся излучающими своеобразное свечение. Отблески этого света лежат на скатерти и хрустале, им вторят желтые тона, проскальзывающие в зелени у окон, на крышке рояля. Густой синий, почти лиловый цвет вазы по контрасту сообщает этому желтому свечению особенную остроту: он тоже дробиться в бесчисленных гранях хрусталя, сливается с общим тоном голубоватых сумерек. Сложная, построенная на контрастах и все же единая цветовая симфония придает чисто бытовому, даже несколько банальному мотиву приподнятое звучание, окрашивая его в романтические тона.

Сам художник считал свои натюрморты 1900-х годов созданными под влиянием импрессионизма. «Сирень и незабудки» он определял как «чистокровный импрессионизм «. Именно тогда Грабарь увлекался живописным методом Клода Моне. «Хризантемы» в этом отношении чрезвычайно типичны. Цветовой анализ вибрирующей световоздушной среды близок некоторым исканиям французских живописцев этого направления. Однако уже в «Хризантемах» чувствуется стремление преодолеть рыхлость формы, неустойчивость, «таяние» цвета. Художник ищет выхода в подчинении форм и красок определенному декоративному ритму.

Очень скоро это преодоление известной ограниченности импрессионистического метода становиться у Грабаря последовательным. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы «На синей скатерти», «На голубом узоре» (обе 1907). Натюрморты этого года вообще отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в развитии русского натюрморта. В атмосфере борьбы за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.

В работах И. Грабаря можно заметить некоторую декоративность.

Картинное изображение, теряя пространственность, становилось, по сути дела, плоскостным. Плоскостность живописи мелкими мазками, которые выглядят расположенными на одной плоскости,  моменты декоративности появляются и в работах К.Коровина начиная с 1900 года.   Но эта декоративность не выходит за пределы импрессионистической манеры его живописи  с широким и динамичным мазком и  построениями изображения цветными пятнами. Они лишь интенсифицируются, цвет становится ярким и напряженным.  Но сравнение черт декоративности у позднего Коровина и у Грабаря выявляет различие между этими художниками. Выявляет, что творчество Грабаря – это нечто иное, чем импрессионизм. Импрессионизм К. Коровина был естественным выводом из той «правды видения», той эмоциональности, которая развилась в живописи 80-90-х годов.  К импрессионистическим решениям он пришел самостоятельно, еще до знакомства с импрессионизмом и постимпрессионизмом. Иными были истоки творчества Грабаря и его становления. Еще в школе у Ашбэ и в первых поездках в Париж он познакомился с импрессионизмом и постимпрессионизмом. Если творчество Коровина развивалось в большей степени стихийно, то расцвету творчества Грабаря предшествовали долгие годы учения и самых разнообразных опытов. Это, разумеется, не лишало искусство Грабаря ни национального характера, ни самостоятельности и оригинальности, но стимулировало его в своих поисках идти дальше импрессионизма, искать и разрабатывать новую систему живописи.

Возвращаясь к Коровину, следует заметить, что его живописный метод также в известной мере близок к импрессионизму. Его натюрморты 1900-1910-х  годов развивают ту же живописную проблематику, которая была поставлена им еще в 1880-х годах в картине «За чайным столом». Чувственная прелесть предметного мира — вот, в сущности, содержание его работ. Радость бытия — вот их главная тема. В духе традиций конца 1880 — 1890-х годов Коровин сближает натюрморт с пейзажем, объединяя их приемами пленэрной живописи.

Одно из превосходных полотен этих лет — «Розы и фрукты» (Костромская картинная галерея). Весь розово-голубой натюрморт пронизан взрывающимся через открытое окно летним солнцем. Великолепен стеклянный графин, «сотканный» по всем правилам импрессионистской живописи из одних рефлексов. Ощущение объемной формы дается здесь только цветом, мазками краски, передающими отражение солнечного света на поверхности стекла, отмечающими рефлексы, бросаемые соседними предметами. В этой типичной исполнены «Розы» начала 1910-х годов (частное собрание, Киев), изображенные на фоне моря, на столе, рядом с яркими ягодами на тарелке; все предметы здесь окутаны воздухом, над ними чувствуется небо. Подобных работ у Коровина много. В большинстве своем они написаны в Крыму, на даче в Гурзуфе. В них необычайно убедительно передано ощущение южного теплого воздуха, влажных морских испарений, яркого солнца, всей нежащей атмосферы юга. Очень хорошо и в тоже время типично в этом отношении полотно «Розы» (1912, Омский музей изобразительных искусств). Натюрморт здесь органически соединен с пейзажем. На столе, покрытом белой скатертью, —  огромный, залитый солнцем букет бледно-розовых цветов. Вокруг — панорама гурзуфской бухты, с синим морем, маленькой пристанью, с фигурками людей, со скалами на горизонте.  Определяющим моментом в решении колорита служит яркий, прямой солнечный свет, щедро заливающий и прибрежные скалы, и море, и крупные тугие цветы, бросающие дрожащую тень на белую скатерть. Все дышит зноем. Лучи солнца как бы съедают цвет предмета, окутывая все слепящим маревом. В этих лучах скалы приобретают розовато — пепельный оттенок, на лепестки цветов ложатся голубовато-белые блики, а стеклянный стакан на столе как бы исчезает вовсе, оставаясь заметным лишь по легкой тени, отбрасываемой им на скатерти. И только в глубине террасы, в тени, сгущаются темные, теплые тона.

Коровинское жизнерадостно — чувственное восприятие мира очень убедительно в написанной  несколько позже работе «Рыбы, вино и фрукты » (1916, ГТГ). Маслянистый блеск чешуи в связке вяленой рыбы, насыщенный, глубокий тон красного вина в бутылке, бросающего кругом золотые и кровавые рефлексы, — во всем ощущается как бы аромат приморской лавчонки с ее простой,  но смачной снедью. Все многообразие формы, цвета и фактуры предметов дано чисто живописными приемами. Вяленая рыба написана по теплому коричнево-охристому подмалевку свободными ритмичными мазками красок холодной гаммы: розовыми, голубыми, бирюзовыми, сиреневыми. Это и создает впечатление переливов  серебристой чешуи. Тень от бутылки вина, определяющая пространственное соотношение предметов переднего плана, — как бы и не тень вовсе: она цветная и состоит из золотых отсветов, которые рождает солнечный луч, проходя сквозь вино. Эти золотые тона замечательно гармонируют с желтыми и красными яблоками, рассыпанными на переднем плане. Ликующее ощущение радости жизни, исходящее от этого полотна (как и от других работ художника), есть и в самой манере Коровина, свободной и легкой. Она артистически передает то чувство радостного восхищения, которое охватывает зрителя в первый момент при виде всех этих цветов, залитых солнцем и пронизанных воздухом моря, или многоцветного мерцания рыбьей чешуи в лучах солнца, проникшим сквозь закрытые ставни. Однако при кажущейся небрежности мазок художника необычайно точен в передаче цвета, оттенка, тона.

Иные эмоции вызывают натюрморты, написанные в Париже: «розы и фиалки» (1912, ГТГ) или «Гвоздики и фиалки в белой вазе» (1912, ГТГ). Изысканность сервировки, блеск серебра, возбуждающие красно — лиловые тона цветов прекрасно сочетаются с мерцающими огнями ночного города. «Узел» цветового решения первого натюрморта — густой вишневый тон роз, холодная лиловизна фиалок в темно-бирюзовых листьях и золотое, яркое пятно апельсина, источающее теплое сияние. Все окрашено теплым, неярким светом, льющимся из глубины комнаты, от переднего края картины. И здесь Коровин отнюдь не ограничивается передачей внешнего вида группы предметов. Он стремиться раскрыть  то настроение, которое вызывает в нас созерцание этих предметов, те ассоциации, которые они пробуждают. Он пишет здесь огни за окном не просто как источники света, но стремиться передать их мерцающую, манящую трепетность, говорящую о романтике большого, немного таинственного города, о романтике ночного Парижа. Пряное сочетание лилового, вишнево-красного и холодно зеленого вторит этому ощущению. Неровные блики света на столовом серебре перекликаются с мерцающими уличными огнями за окном. Какая — то особенная пламенеющая насыщенность желтого пятна апельсина усиливает общее ощущение затаенного беспокойства, передающего атмосферу вечера в далеком, «чужом» городе. Пусть в самой идее картины нет большой глубины, эмоциональная убедительность раскрытия этой идеи несомненна.

Однако следует оговориться. Отнюдь не все работы Коровина, особенно 1910-х годов, столь интересны. В некоторых из них проскальзывают нотки салонности, чего-то поверхностного. Свобода его манеры порой звучит как нечто самодовлеющее. Живописный метод Коровина, который несколько условно можно было бы назвать импрессионистическим, доведен в натюрмортах этих годов до виртуозности. Однако в последующие годы развитие натюрморта как жанра пошло иными путями. Да и в работах Коровина такой метод иногда давал срывы, обнаруживая свои слабые стороны. Форма порой слишком раздроблялась, цвет погасал. Иногда, желая преодолеть этот кризис, художник впадал в пестроту.

То понимание натюрморта, которое мы находим у Грабаря и Коровина, отнюдь не было единственным для конца  XIX — первых лет XX  века. Расцвет натюрморта, который наступил в 1910-х годах, подготовлялся порой исподволь в исканиях художников, часто не занимающихся этим жанром специально. Одни художники, открывая истину в процессе анализа, неуклонно идут к реализму, отказываясь оттого, что в их опытах было случайного и ложного. У других искания превращаются в экспериментаторство, как самоцель, иногда перерастая в сознательную спекуляцию на вкусах легковерной, малоподготовленной буржуазной публике, осаждавшей модные выставки.

Искания нового в натюрморте были чрезвычайно разнообразны.

Русские живописцы первой половины XIX века по-своему решали стоящие перед ними задачи натюрморта. Живая достоверность, изображения, влюбленное внимание ко всему, что выражает потаенную жизнь природы, отмечает лучшие произведения той поры.

Вглядываясь в натюрморты русских художников, мы замечаем, как различно подходили они к своей задаче, и это ощутимо даже в характере изображения отдельных предметов.

Кризис натюрморта начала XX столетия.

Западноевропейское искусство второй половины XIX века неизбежно шло по пути специализации, обособления и выделения из всей совокупности художественных задач лишь некоторых, наиболее острых живописных проблем. Такие мастера, как Сезанн или Матисс, рассказывая о вещах, показывали не всю полноту присущих природе особенностей, но избирали один из возможных аспектов, подчиняя свое произведение сознательно ограниченной образной системе.

Импрессионисты, в своем творческом методе следуя мгновенности зрительного восприятия и придавая самодовлеющее значение световоздушной среде, изменчивости красочных сочетаний и зыбкой пространственности, отказывались от плоти вещей, от качеств постоянных и неизменных — веса, формы, объема. Постимпрессионисты, которые появились в конце XIX века, пытались восстановить утраченное живописью импрессионистов качество, вернуть материи ее предметность. Это можно увидеть в натюрмортах Поля Сезанна и Анри Матисса.

Однако, говоря об искусстве конца XIX — начала XX века, признавая достоинства некоторых выдающихся произведений, созданных в это время, нельзя не видеть, что жанр натюрморта разделил общую судьбу искусства и культуры эпохи. Так полнокровно и гармонически развившийся в XVII и XVIII веках, получивший ряд интересных и новых направлений в середине XIX века, на рубеже нашего столетия натюрморт приобрел специфику тех тенденций, которыми отмечена вся живопись этой поры. Отказавшись от полноты изображения, художники этого времени подчас искали и в натюрморте не целостного постижения жизни предметного мира — они передавали лишь отдельные его стороны, обособляя и превращая их в самодовлеющую ценность.

Но, если в некоторых произведениях, несмотря на ограниченность самого подхода к изображению природы, еще не нарушалось единство художественного образа, не искажалась действительность, то дальнейшее развитие этой тенденции неизбежно приводило к отходу от реализма, к утрате жизненности. Живопись переставала быть живым отражением мира. Надуманная, условная конструкция заменяла некогда полнокровное и трепетное искусство натюрморта. В середине XX века процесс разложения художественного образа в творчестве ряда художников привел в некоторых случаях к прямому отказу от изобразительности, к формализму и абстракционизму.

В конце XIX века в натюрморте наступает кризис западноевропейских реалистических традиций. В произведениях Гогена он обнаруживает себя с наибольшей силой. Творчество Сезанна и Ван-Гога развивается еще целиком в русле западноевропейского искусства, хотя Ван-Гог и использует иногда опыт японского эстампа в своих натюрмортах с «опрокинутой перспективой».

XIX век оставил противоречивое художественное наследие, но судьбы искусства XX столетия зависели не только от наследия, но и от наследников. В искусстве импрессионистов, Сезанна, Ван-Гога и даже Гогена, наряду с формалистическими исканиями, имелся значительный положительный опыт выражения темы натюрморта. Однако  наследник — одряхлевшее, разлагающееся буржуазное общество кануна первой империалистической войны с его разнузданным культом индивидуализма, гедонистической эстетикой и культивированием болезненных форм сознания взяло от художников конца XIX века только их формалистические искания. Оно исказило и обескровило их искусство: сделало из Сезанна предшественника кубистов, из Ван-Гога — духовного отца экспрессионистов, а из Гогена — предтечу фовистов и символистов. В рамках этих течений и развивался натюрморт начала XX века.

В своих главных чертах натюрморт XX века развивался в направлении последовательного отрицания импрессионистов. И в самом деле, лишь очень немногие мастера этого времени пытались отстаивать достижения импрессионизма. В числе немногих, прежде всего, следует назвать П. Боннара, творчество которого времени 1900-х годов можно рассматривать как заключительную фазу импрессионистического видения предметного мира. На очень близких к нему позициях стоял и французский живописец Ж. д’ Эспанья. К представителям позднего импрессионизма обычно относятся также бельгиец А.Саверейс и итальянец Фю де Пизис. Как импрессионист начинал свой путь в натюрморте и другой итальянский художник П. Маруссиг.

Однако эта линия развития западноевропейского натюрморта не обладала даже подобием того единства, какое имел импрессионизм. П. Боннар эволюционирует в своем позднем творчестве в сторону фовизма, правда,  так и не сближаясь с ним непосредственно. Ж. д’Эспенья увлекается поиском  чисто декоративных  эффектов, в искусстве    А. Саверейса дает себя знать, хотя зачастую и внешне, влияние экспрессионизма, а П. Маруссиг стремится обрести в натюрморте утраченные импрессионистами качества — вещественность и четкую обозримость. Любопытный и единственный в своем роде эксперимент был предпринят Ф. де Пизисом, который в своих изображениях цветов внешне удачно сочетал уроки французского импрессионизма с национальными венецианскими традициями цветочного жанра XVIII века. Но подлинно прогрессивные национальные традиции появляются в западноевропейском натюрморте лишь у художников следующего поколения, которые нашли в себе силы возвратиться на путь реалистического мастерства.

Осенние натюрморты известных художников. Известные натюрморты

Какая это странная живопись — натюрморт: она
заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.

Блез Паскаль

И правда, задерживал ли
Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда
был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным
букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия
натюрморта.

В переводе с
французского языка натюрморт означает «мертвая природа»
(nature morte).
Однако это лишь дословный перевод.

На самом деле натюрморт

— это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов,
мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней
Греции и Древнего Рима.

Натюрморт (фреска из
Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.

Когда в гости к
римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома
показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт
из гробницы Вестория Приска в Помпеях.

В центре композиции —
сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По
обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для
вина.

Однако натюрморт — это
не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный
отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт
сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.

Выдающийся пример —
аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды
, где
рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений,
стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней
хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в
которой едва теплятся угли, значит ее угасание.

Суета сует. Ванитас,
1628, Виллем Клас Хеда.

Виллема Хеду по праву
называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи,
посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал
настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких
поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых
современников художника.

Невероятно, насколько
точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности
формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность,
поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.

Натюрморты известных художников

Натюрмортом часто
увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных
произведениях я расскажу Тебе дальше.

Пабло Пикассо — самый дорогой
художник мира

Уникальный и
неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в.
Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и
гениальности.

Натюрморт с букетом
цветов, 1908 г.

Натюрморт с
луковицами, 1908 г.

Кроме традиционно совершенных
реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в
голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом
. Художник
раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.

И хотя искусствоведы
не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат
самым богатым коллекционерам мира.

Гитара и ноты, 1918 г.

Эксцентричный Винсент Ван Гог

Наряду со знаменитой
«Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом
творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле
к приезду друга Поля Гогена.

«Небеса — восхитительного
голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание
небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать
что-то столь прекрасное…»
— обреченно говорил Ван Гог.
Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество
раз.

Ваза с 12
подсолнухами, 1889 г.

Несчастная любовь,
бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и
изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже
если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».

Натюрморт с красными
маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г
.

Ирисы. Сен-Реми, май
1890 г.

Всеохватывающие натюрморты Поля
Сезанна

«Я хочу вернуть
природе вечность»,
— любил повторять великий французский
художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не
меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.

Стремясь показать
предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом,
словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку,
ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.

Персики и груши, 1895
г.

Натюрморт с вишнями и
персиками, 1883-1887 гг.

Натюрморты современных художников

Палитра цветов и самых
разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь
невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими
картинами талантливых современников?

Британец Сесил Кеннеди

От картин этого художника
невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется,
я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?

Сесила Кеннеди по
праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель
нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все
же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.

Бельгийский художник Джулиан
Стапперс

Сведения о жизни
бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его
картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых
людей мира.

Грегори Ван Раальте

Современный
американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру
света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес,
листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.

Талантливый художник
живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.

Иранский художник Али Акбар Садехи

Ali Akbar Sadeghi — один
из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает
композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с
иконописью и искусством витража.

Натюрморты современных украинских
художников

Что ни говори, а в
украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта.
И сейчас я Тебе это докажу.

Сергей Шаповалов

Картины Сергея
Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом,
добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка
Новгородковского района Кировоградской области.

Сергей Шаповалов –
заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.

Игорь Деркачев

Украинский художник
Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас.
Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю.
Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.

Картины художника пронзены
теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через
картины автора передается и всем поклонникам его творчества.

Виктор Довбенко

По словам автора, его
натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях
васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний
аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт возник в XVII веке в работах фламандских и голландских художников. До этого времени признавалась лишь его утилитарная, декоративная функция и исключалась возможность придания изображению более глубокого, философского смысла.

Для ранних натюрмортов характерна аллегория, главным композиционным элементом которой нередко становился человеческий череп – символ быстротечной и бренной жизни, неизбежно сменяющейся смертью. Изображенное на картине стекло являлось воплощением мыслей о хрупкости бытия, а курительная трубка напоминала о сиюминутности и неуловимости земных наслаждений. Но и в этот период внимание художников к живописной «мертвой природе»: цветам, фруктам, предметам быта — не ослабевало.

* * *

В начале XVIII века натюрморт как самостоятельный, но «низший» жанр возник и в России. И если первоначально он рассматривался в качестве учебной постановки, то уже спустя столетие стал обретать большую смысловую наполненность. Подлинный и живой интерес к нему появляется в конце XIX — начале XX веков, когда натюрморты русских художников становятся воплощением нового видения и понимания жанра. Созданные полотна отражают поиск живописцами неиспользованных ранее возможностей в области сюжета и композиции, формы и цвета.

Одно из главных имен, связанных с жанром русского натюрморта, принадлежит И.И. Левитану, который неоднократно обращался к теме «мертвой природы». Но если его работы еще достаточно традиционны, то натюрморты известных художников К.А. Коровина и В.А. Серова написаны уже под влиянием новых взглядов и становятся средством передачи мироощущения отдельного человека.

Иллюстрацией этого утверждения служит картина К.А. Коровина «За чайным столом», в которой границы жанра практически стираются. Изображение посуды и других предметов трапезы искусно соединяется с пейзажем, портретом, интерьером. Примечателен и натюрморт с фруктами «Девочка с персиками» кисти В.А. Серова. Фрукты на нем, оставаясь по сути аксессуаром, являются определяющим элементом для всего живописного и эмоционального сюжета картины.

Другими яркими представителями жанра в разное время были И.Э Грабарь, К.С. Петров-Водкин, П.П. Кончаловский, И.И. Машков, А.Т. Зверев, Р.Р. Фальк.

И в современном искусстве натюрморт не теряет актуальности, оставляя мастерам простор для творческого вдохновения.

Индивидуальный и предельно личный взгляд на жанр получает воплощение в картинах Г.А. Лемана: гармонически-прекрасных, воздушных, практически невесомых.

Наравне с пейзажами, натюрморт в творчестве художника занимает одно из важных мест. Он рождается как результат пристального и постоянного наблюдения живописцем натуры, внимательного выбора мотивов и смыслов, неутомимой готовности воплощать на полотне ускользающую красоту окружающего мира. Каждая картина художника наполнена свежестью, благоуханностью, воздухом и солнечным светом, отчего в душе поселяется легкое и радостное чувство.

Натюрморты с цветами

Для Г.А. Лемана натюрморты с цветами – совершенно особое и вместе с тем личное направление в творчестве. Картины написаны исключительно на даче мастера в Тарусе в Калужской области, куда он на протяжении многих лет приезжает отдыхать и работать.

Есть у каждого натюрморта и своя маленькая семейная история. Все изображенные на полотнах цветы выращены заботливыми руками супруги художника – Татьяны Георгиевны Леман, вместе с которой Георгий Александрович счастливо прожил более полувека.

Внимание мастера сосредоточено именно на цветах, окружающих человека в течение всей жизни и символизирующих для него что-то значимое, личное.

Для Г.А. Лемана это не просто праздник природных красок и оттенков, но сокровищница дорогих воспоминаний и чувств. Яркие, насыщенные и пастельные, нежные цвета, пышные весенне-летние и осенние букеты воскрешают в памяти счастливые и добрые моменты, которыми полна жизнь каждого человека.

Георгий Леман «Осенний букет» 2005 год.
натюрморт маслом на холсте

Натюрморт Г.А. Лемана «Осенний букет» написан в 2005 году во время одной из поездок художника на дачу в Тарусе. Взгляду зрителя открывается две плоскости картины: теплый оранжево-коричневый фон, на котором выделяются красные и желтые головки цветов, и прохладная бело-голубая поверхность стола с сочными фруктами и стеклянным кувшином для букета.

Ничто не отвлекает внимания зрителя от созерцания уютного осеннего мотива. Букет несколько небрежен, а одно из яблок сорвано вместе с зеленой веточкой, что создает впечатление, будто их всего мгновение назад принесли в комнату. В этой легкой неаккуратности присутствует естественность и особая домашняя прелесть, которой так хочется любоваться.

Натюрморт
(фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Нидерландский натюрморт XVII века

Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».

Натюрморт в русской живописи 18-20 веков

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

Русские натюрмористы

• Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
• Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
• Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
• Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
• Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
• Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
• Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
• Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
• Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
• Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
• Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
• Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
• Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
• Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
• Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
• Шаманов Борис Иванович (1931-2008)

Натюрморт в живописи — изображения статичных неживых предметов, объединенных в единый ансамбль. Натюрморт может быть представлен как независимое полотно, но иногда становится частью композиции жанровой сцены или целой картины.

Что такое натюрморт?

Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.

Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.

Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.

История

Как старый и почитаемый жанр натюрморт в живописи знавал взлеты и головокружительные падения. Суровый, аскетичный и минималистичный помогал создавать бессмертные монументальные обобщенные возвышенно-героические образы. Скульпторы с необычайной выразительностью наслаждались изображением отдельных объектов. Виды натюрморта в живописи и всевозможные классификации зародились в период становления искусствоведения, хотя полотна существовали задолго до написания первого учебника.

Иконописные традиции и натюрморты

В древней русской иконописи большую роль играли те немногие вещи, которые художник осмеливался внести в строгий лаконизм канонических произведений. Они способствуют проявлению всего непосредственного и демонстрируют выражение чувств в работе, посвященной абстрактному или мифологическому сюжету.

Виды натюрморта в живописи существуют отдельно от иконописных произведений, хотя строгий канон и не запрещает изображение некоторых предметов, присущих жанру.

Ренессанс натюрморта

Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества.

Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.

Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.

Переломный момент

Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.

Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.

Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.

Фламандский ренессанс

Живопись гуашью, натюрморт как жанр люди приняли не сразу. История появления, развития и повсеместного внедрения различных идей и принципов служит напоминанием о постоянном развитии мысли. Натюрморт стал известен и вошел в моду в середине 17-го столетия. жанра началась в Нидерландах, яркой и праздничной Фландрии, где сама природа располагает к красоте и веселью.

Живопись гуашью, натюрморты пышным цветом расцвели во времена грандиозных перемен, полнейшей смены политических, общественных и религиозных институтов.

Фландрское течение

Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре — открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.

Натюрморт как стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.

Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни — повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.

Свойства жанра

Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.

Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.

Задачи и проблемы натюрморта

Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи — уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.

Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.

Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.

Современные полотна

Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.

Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.

Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.

Влияние импрессионизма

Следующей вехой истории натюрмортов стал импрессионизм. Вся эволюция направления отразилась на композициях через цвета, технику и понимание пространства. Последние романтики тысячелетия переносили на холст жизнь, как она есть — быстрые, яркие штрихи и выразительные детали стали краеугольными камнями стиля.

Живопись, натюрморты современных художников непременно несут в себе отпечаток вдохновителей-импрессионистов посредством цвета, способов и техник изображения.

Отход от стандартных канонов классицизма — трех планов, центральной композиции и исторических героев — позволил художникам развить собственное восприятие цвета и света, а также доступно и наглядно продемонстрировать свободный полет эмоций зрителям.

Основные задачи импрессионистов — изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно найти правильный ответ на вопрос о том, почему импрессионистские пейзажи, такие же радостные и бесхитростные, как стихи, вызывали резкое неприятие и грубые насмешки переборчивых критиков и просвещенной публики.

Импрессионистская живопись не вписалась в рамки общепринятого, поэтому натюрморты и пейзажи воспринимались как что-то вульгарное, недостойное признания наряду с прочими отбросами высокого искусства.

Художественная выставка, ставшая своеобразной миссионерской деятельностью для известных художников того времени, смогла достучаться до сердец и продемонстрировать красоту и изящество Изображения предметов и объектов всеми доступными средствами стали привычным делом даже в стенах грозных заведений, исповедующих одни лишь принципы классического искусства. Триумфальное шествие натюрмортов не прекращается с конца 19-го века, а разнообразие жанров и техник сегодня позволяет не бояться любых экспериментов с цветом, фактурами и материалами.

Натюрморт с сиренью: замечательная картина Петрова-Водкина

Кузьма Петров-Водкин (1878–1939) был одним из деятелей русского искусства начала ХХ века. Сегодня он наиболее известен своей дерзкой палитрой основных цветов, нетрадиционными видами под большим углом и мастерством оптических иллюзий. Натюрморт с сиренью , написанный на пике его карьеры в 1928 году и проданный за мировой рекорд 9 286 250 фунтов стерлингов на аукционе Christie’s Russian Art в Лондоне 3 июня, является ярким примером его фирменного стиля.Благодаря инфракрасной технологии он также предлагает захватывающий взгляд на то, как художник адаптировал свой стиль к постреволюционному советскому режиму.

То, что это недавнее открытие, совершенно недавно появившееся на рынке, с захватывающим происхождением, раскрывающим историю культурного обмена между Советской Россией и Италией, делает его еще более захватывающим, говорит специалист по русскому искусству Александра Бабенко. «Можно буквально по пальцам пересчитать, сколько работ Петрова-Водкина такого калибра появилось на рынке», — говорит она.

В композиции преобладает свежесрезанная сирень в стакане с водой, она включает в себя хрустальную чернильницу, копию номера L’Art Vivant за январь 1925 г. интервью о его творческих нововведениях — опавшие листья, спичечный коробок и письмо, разложенные на темно-синей скатерти.

Картина поразительно напоминает более позднюю, известную картину того же художника Ветка черемухи в стакане (1932), находящуюся в собрании Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге.

Как объясняет Бабенко, Ветка черемухи в стакане — не только одно из самых узнаваемых произведений Петрова-Водкина, это также очень знакомый образ в русском искусстве (во многом благодаря его использованию в качестве открытки). До недавнего времени единственным вариантом этой композиции считалась петербургская живопись.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал Christie’s каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов

Подписаться

Однако появление этой важной, более ранней картины по прошествии стольких лет — не единственное, что в ней примечательно.Наличие перевернутой надписи со ссылкой на более раннюю дату в правом нижнем углу вместе с монограммами художника на конверте и в левом нижнем углу убедило наших специалистов продолжить расследование.

«Из любопытной перевернутой надписи на полотне мы предположили, что Петров-Водкин сначала использовал полотно осенью 1927 года во время отпуска в крымском Коктебеле, а затем перекрашивал его по возвращении в Детское Село под Ленинградом, следующие год », — поясняет Бабенко.«Но теперь мы знаем, что это правда».

Инфракрасный анализ холста показал Мадонну с младенцем под самым верхним слоем краски. Оригинальная композиция, как поясняет специалист, вероятно, относится к рисунку аналогичной формы 1925 года, который сегодня находится в частной коллекции.

Тема «Мадонна с младенцем» занимала важное место в раннем творчестве Петрова-Водкина. Однако с приходом советской власти художник переключился на светские темы.Это также может объяснить его решение переработать настоящее полотно в натюрморт. «Это невероятное открытие», — констатирует Бабенко. «На одном полотне — два фирменных петровско-водкинских сюжета: Мадонна с младенцем и натюрморт».

Примерно в 1932 году картину передал советский историк искусства Борис Терновец (1884–1941) влиятельному миланскому искусствоведу и издателю Джованни Шейвиллеру (1889–1965), родившемуся в Швейцарии. Терновец был директором Государственного музея нового западного искусства, ныне известного как Государственный музей изобразительных искусств имени Пушкина, и предложил холст, чтобы поблагодарить Шейвиллера за его помощь в формировании музейной коллекции современного итальянского искусства.В качестве напоминания о вкладе Шейвиллера его портрет работы Ахилла Фуни (1890-1972) до сих пор висит на выставке.

До этого картина S till Life with Lilac экспонировалась на 27-й передвижной международной выставке картин, организованной Институтом Карнеги в США, и на XVIII Венецианской биеннале в 1932 году. публично, оставаясь частью частной коллекции Шейвиллера почти 90 лет.

Когда Петров-Водкин умер в 1939 году, его жена позаботилась о том, чтобы большинство его работ было размещено в государственных музеях по всей России, поэтому его картины попадали на рынок крайне редко. По словам Бабенко, это была «уникальная возможность».

Русские художники

А

Иван Айвазовский (1817-1900)
Маринист и пейзажист, портретист
• Буря , 1886

Федор Алексеев (1753-1824)
Городской пейзажист
• Красная площадь в Москве , 1801

Натан Альтман (1889-1970)
Художник, скульптор
• Портрет Анны Ахматовой , 1914

Михаил Аникушин (1917-1997)
Памятник скульптору
• Памятник героическим защитникам Ленинграда, Санкт-Петербург

Николай Анохин (1966-)
Натюрморт и пейзажист
• В старинном доме Ракитиных , 1998

Марк Антокольский (1843–1902)
Скульптор
• Иван Грозный , 1871

Алексей Антропов (1716-95)
Художник, портретист
• Екатерина II (1764)

Иван Аргунов (1729-1802)
Художник, портретист
• Калмыкка Аннушка , 1767

Александр
Архипенко (1887-1964)
Скульптор-кубист
• Идущая женщина , 1912

Абрам
Архипов (1862-1930)
Живописец
• В гостях , 1915

Б

Василий Бакшеев (1862-1958)
Художник-пейзажист
• Голубая весна , 1930

Леон
Бакст (1866-1924)
Художник по декорациям / костюмам для балетов Дягилева
Русы ; портретист, историк
• Портрет Зинаиды Гиппиус , 1906

Мария Башкирцева (1858-84)
Художник
• Мастерская , 1881

Александр
Бенуа (1870-1960)
Исторический пейзажист
• Версаль: у статуи Курция , 1896

Иван Билибин (1876-1942)
Художник, иллюстратор, сценограф
• Набор для Золотого петушка, 1909

Николай Богданов-Бельский (1868-1945)
Художник-реалист
• Читает письмо , 1892

Боголюбов Алексей (1824-1896)
Пейзажист
• Берега Волги , 1864

Ксения Богуславская (1892-1972)
Русский футурист, художник-супрематист, оформитель интерьеров.
• Портрет дамы в розовом, сестра художника (1911) Государство
Русский музей.

Виктор Борисов-Мусатов (1870–1905)
Художник-символист
• Дафнис и Хлоя , 1901

Владимир Боровиковский (1757-1825)
Художник, портретист
• Екатерина II в Царском Селе , 1794

Александр Брюллов (1798-1877)
Неоклассический архитектор и живописец, портретист
• Портрет Натальи Пушкиной , 1831

Карл Брюллов (1799-1852)
Художник-неоклассик
• Последний день Помпеи , 1830-33

Федор Бруни (1799-1875)
Художник-неоклассик
• Менада напоила Амур , 1828

Давид
Бурлюк (1882-1967)
Русский авангардист, книжный иллюстратор, Отец русского футуризма
Организовал группу Бубновый валет и выставку Ослиный хвост
группа.
• Женщина-футурист , 1911.

К-Д

Марк
Шагал (1887–1985)
Художник, иллюстратор, витражист, дизайнер керамики и гобеленов
(см. Также Еврейское искусство)
• Скрипач , 1912
• Вид из окна , 1914

Павел Чистяков (1832-1919)
Художник, учитель искусств
• София Литовская на венчании Василия Слепого ,
1861

Петр Клодт (1805-1867)
Скульптор
• Николай I на Исаакиевской площади, Санкт-Петербург

Василий Демут-Малиновский (1779-1846)
Неоклассический скульптор
• Колесница Победы на Триумфальной арке Главного штаба,
Санкт-Петербург

Александр Дейнека (1899-1969)
Художник-соцреалист, график, скульптор
• Мозаика на потолке на Маяковской, Московское метро

Сергей
Дягилев (1872-1929)
Наиболее известен как импресарио Les Ballets Russes , балет
компания, штурмовавшая Париж в 1909 году.

Дионисий
(Дионисий Мудрый, Дионисий или Дионисий) (ок. 1440–1502)
Иконописец в традициях византийского искусства;
член новгородской и московской школ.
• Фрески (ок. 1480) в церкви Ферапонтова монастыря

Николай Дубовской (1859-1918)
Пейзажист
• Затишье перед бурей , 1890

E-F

Александра Александровна Экстер
(1882-1949)
Русско-французский художник (кубофутурист, супрематист) и дизайнер.
• Эскиз костюма для Саломеи (1917) Московский музей современного искусства, Москва.

Михаил Евстафьев (1963-)
Художник-авангардист, писатель, фотограф
• Небо над городом, где мы были счастливы , 2006

Питер Карл Фаберже (1846-1920)
Ювелир, ювелир, художник-декоратор (см. Также Декоративный
art)
• Пасхальное яйцо «Великая Сибирская железная дорога» , 1913 г.
Подробнее см .: Пасха Фаберже.
Яйца.

Владимир Фаворский (1886-1964)
Графический художник, иллюстратор ксилографии, сценограф, художник
• Федор Достоевский , ксилография, 1929 г.

Константин Флавицкий (1830-66)
Художник-неоклассик
• Дети Иакова продают своего брата Иосифа , 1855

Павел Федотов (1815-52)
Художник-реалист
• Молодая вдова , 1851

Павел Филонов (1883-1941)
Художник-экспрессионист-символист
• Пир королей , 1913

Иван Фирсов (1733-85)
• Портрет маленькой девочки , ок.1777

г

Наум
Габо (1890-1977)
Скульптор-конструктивист, занимается кинетическим искусством
(брат Антуана Певзнера)
• Фонтан у больницы Святого Томаса, Лондон

Князь Григорий Гагарин (1810-93)
Сюжетный художник
• Штаб Нижегородского драгунского полка (1841)

Николай Гей (1831-94)
Исторический художник, реалист, портретист
• Лев Толстой , 1882

Нина Генке (Генке-Меллер) (1893-1954)
Украинско-российский супрематический дизайнер, график и сценограф.
• Супрематическая композиция (1910) Русский музей, Санкт-Петербург.

Михаил Герасимов (1907-70)
Археолог, антрополог, судебный скульптор
• Реконструкция Ярослава I Мудрого, 1938

Александр Головин (1863-1930)
Портретист и сценограф
• Портрет Федора Шаляпина в роли Бориса Годунова , 1912

Наталья
Гончарова (1881-1962)
Районист
• Районник , 1914

Игорь Грабарь (1871-1960)
Рисователь, пейзажист
• Мартовский снег (1904)

Феофан Грек (он же Феофан
Греческий) (1340-1410)
Средневековая фреска и иконописец — см. Рус.
Средневековая живопись
• Преображение Иисуса , 1408

H-J

Алексей Харламов (1840–1925)
Художник, портретист
• Литературные увлечения барышни , 1870

Виктор Хартманн (1834–1873)
Художник, орнаменталист, архитектор, художник в стиле русского возрождения
• Павильон «Морская Россия» на Всемирной выставке 1973 года, дизайн

Александр Иванов (1806–1858)
Неоклассический художник
• Явление Христа народу , 1836–57

Сергей Иванов (1864–1910)
Художник-историк, реалист, график, иллюстратор
• Княжеский съезд Мономаха в Уветичах

Антон Иванов-Голубой (1818–1863)
Неоклассический пейзажист
• Рыболовные суда у пристани, Кострома , 1839

Валерий Якоби (1834–1902)
Художник-реалист и неоклассик
• Шуты при дворе императрицы Анны , 1872

Александр Яковлев (1887–1938)
Неоклассический художник, рисовальщик, дизайнер, гравер
• Федор Шаляпин в роли Дон Кихота , 1916

Алексей
фон Явленский (1864-1941)
Художник-экспрессионист (см. Экспрессионист
художники)
• Голова женщины , 1911

К

Илья Кабаков (1933–)
Художник-концептуалист, художник, иллюстратор
• Бессловесный, на немецко-голландской границе

Василий
Кандинский (1866–1944)
Экспрессионист (группа Der Blaue Reiter)
и художник-абстракционист
(см. также Цвет в живописи)
• Der Blaue Reiter , 1903

Николай Касаткин (1859–1930)
Художник-реалист
• Шахтерка , 1894

Иван Хруцкий (1810–1885)
Натюрморт и жанрист, портретист
• Натюрморт , 1839

Орест Кипренский (1782–1836)
Художник-романтик, портретист
• Александр Пушкин , 1827

Иван Клюн (1873-1943)
Супрематист, конструктивист, живописец, график, скульптор.
• Женский портрет (1917) Коллекция Лили Брошетэн.

Вячеслав Клыков (1939–2006)
Памятник скульптору
• Колокольня в Прохоровке, памятник Курской битве (1943)

Пётр Кончаловский (1876–1956)
Натюрморт художник
• Натюрморт: Сундук (героический) , 1919

Сергей Коненков (1874–1971)
Скульптор
• Бедные, 1917

Павел Корин (1892–1967)
Художник-историк, портретист, реставратор
• Картина на станции Комсомольская Московского метрополитена, 1952 год

Константин Коровин (1861–1932)
Художник-импрессионист
• Две дамы на террасе , 1911

Михаил Козловский (1753–1802)
Неоклассический скульптор
• Александр Суворов в роли Марса, Санкт-Петербург, 1799–1801

Иван
Крамской (1837–1887)
Живописец, портретист, жанрист.Один из лучших странствующих художников.
• Христос в пустыне , 1872
• Насмешник над Христом. «Славься, царь иудейский» 1877-82
• Портрет неизвестной , 1883

Николай Крымов (1884–1958)
Художник-примитивист
• Ветреный день , 1908

Архип Куинджи (1842–1910)
Пейзажист
• Березовая роща , 1879

Александр Куприн (1880-1960)
Натюрморт-импрессионист
• Натюрморт, кактус и фрукты (1918, частная коллекция).

Борис Кустодиев (1878–1927)
Художник, сценограф
• Большевик , 1920

Павел Кузнецов (1878-1968)
Народный художник
• Женщина, спящая в овчарне , 1911

л

Евгений Лансере (1875–1946)
Исторический пейзажист
• Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе , 1905

Михаил
Ларионов (1881–1964)
Художник-авангардист-лучник (см. Лучизм).
Ларионов вместе со своей партнершей по жизни Натальей Гончаровой (см. Выше)
были важными фигурами авангарда в России перед Первой мировой войной, которые
помог организовать несколько групп, включая Валета
алмазов (1910-17) и Осла
Хвост (1911-12), а также Целевая выставка (1913).
• Красный лучизм , 1913

Клавдий Лебедев (1852–1916)
Исторический художник
• Встреча Святослава с императором Иоанном , 1890

Аристарх Лентулов (1882–1943)
Художник-авангардист
• Собор Василия Блаженного , 1913

Исаак
Левитан (1860–1900)
Пейзажист
• Березовый лес , 1885-1889
• Уединенный монастырь , 1890
• Владимирка (Дорога во Владимир), 1892

Дмитрий Левицкий (1735–1822)
Живописец, портретист, мастер русского языка.
живопись 18 века.
• Портрет Прокофия Демидова , 1773
• Портрет Урсулы Мнишех , 1782

Жак
Липшиц (1891–1973)
Скульптор-кубист
• Пара ( Крик ), 1928-9

Эл
Лисицкий (1890–1941)
Художник-авангардист, фотограф, типограф
• Бей белых красным клином , 1919

Антон Лосенко (1737–1773)
Художник-неоклассик, портретист
• Федор Волков , 1763

М

Константин Маковский (1839–1915)
Исторический художник, портретист
• Прокламация Кузьмы Минина , 1896

Казимир
Малевич (1878–1935)
Супрематический художник-авангардист (см. Супрематизм)
Один из величайших художников ХХ века.
художники из России.
• Черный квадрат , 1915

Сергей Малютин (1859–1937)
Художник, народный художник, архитектор, портретист
• Первая русская матрешка, 1890 г.

Савва
Мамонтов (1841-1918)
Скульптор, музыкант, меценат. Сделал свое имение в Абрамцево
доступны такие художники, как Репин, Серв и Врубель.

Иван Мартос (1754–1835)
Неоклассический скульптор
• Александр I, Таганрог, 1830

Андрей Мартынов (1768-1826)
Художник, офорт, литограф
• Виды России и Монголии , 1805

Илья Машков (1881–1944)
Сюжет и натюрморт
• Натюрморт художника , 1920

Андрей Матвеев (1702-1739)
Портретист, авторство Петра Великого в петровскую эпоху
Изобразительное искусство.
• Портрет княгини А.П. Голицыной , 1728

Василий Максимов (1844–1911)
Жанровщик
• Приезд чародея на крестьянскую свадьбу , 1875

Владимир Маяковский (1878–1930)
Художник-авангардист, художник-футурист, драматург и пропагандист
(см. Также Русский футуризм)
• Эскиз костюмов для Mystery Buff, 1919

Григорий Мясоедов (1834–1911)
Художник-жанрист
• Земство столовое , 1872

Михаил Микешин (1835–1896)
Неоклассический скульптор
• Богдан Хмельницкий в Киеве, 1888

Иван
Морозов (1871-1921)
Один из величайших коллекционеров русского искусства.

Вера Мухина (1889–1953)
Скульптура, соцреалист
• Рабочий и колхозница, 1937

N-O

Эрнст Неизвестный (1925–)
Скульптор
• Могила Хрущева на Новодевичьем кладбище, 1971 г.

Михаил Нестеров (1862–1942)
Художник-религиозный символист, портретист
• Философы Павел Флоренский и Сергей Булгаков , 1917

Луиза
Невельсон (р.Луиза Берлявски) (1899–1988)
Художник-монтажник, скульптор-абстракционист.
• Небесный собор , 1958 (Музей современного искусства, Нью-Йорк)

Николай Неврев (1830–1904)
Художник-жанрист
• Торговля: повседневная сцена в эпоху крепостничества , 1866

Гурий Никитин (1620-25 — 1691)
Фресковый и иконописец, иллюстратор
• Голова Иоанна Крестителя , 1680

Иван Никитин (1690–1742)
Художник, портретист
• Петр Великий на смертном одре , 1725

Александр Опекушин (1838–1923)
Скульптор памятника, художник-оформитель
• Александр Пушкин, Москва, 1880

Борис Орловский (1793–1837)
Неоклассический памятник скульптор
• Михаил Кутузов перед Казанским собором, Санкт-Петербург

Анна Остроумова-Лебедева (1871-1955)
Художник, гравер, акварелист
• Санкт-Петербург.Петербург (1908-10) (гравюры)

P-Q

Андрей Павловский (1962–)
Художник-экспрессионист, графический дизайнер
• Деревья у реки , 2001

Василий
Перов (1834–1882)
Художник-реалист. Один из лучших странствующих художников.
• Пасхальное шествие в деревне , 1861
• Портрет Федора Достоевского , 1872
• Охотники на отдыхе , 1871

Кузьма Петров-Водкин (1878–1939)
Художник-символист
• Петроградская Мадонна , 1918

Антуан Певзнер (1886-1962)
Скульптор и художник (брат Наума Габо)
• Портрет Марселя Дюшана , 1926

Аркадий Пластов (1893–1972)
Пейзажист, жанрист
• Сенокос , 1945

Василий
Поленов (1844–1927)
Пейзажист
• Подворье в Москве , 1878
• Христос и женщина в прелюбодеянии , 1887

Любовь
Попова (1889–1924)
Художник-абстракционист-кубист
• Живописная архитектура , 1918

Илларион Прянишников (1840–1894)
Художник-жанрист, портретист
• Насмешники: у ТЦ Гостиного двора в Москве , 1865

Василий Пукирев (1832–1890)
Художник-реалист
• Неравный брак , 1862

Иван Пуни (1894-1956)
Русский авангардный художник-кубофутурист, участник группы Supremus.
• Портрет жены художника (1914) Государственный Русский музей.

R

Чарльз Радофф (1894–1986)
Пейзажист, неоимпрессионист
• Россия-мать , 1968

Илья
Репин (1844–1930)
Исторический художник, реалист, портретист
(см. Также: Передвижники:
Русские пейзажи)
• Бурлаки на Волге , 1870-73
• Крестный ход в Курской губернии , 1883

Александр Родченко (1891–1956)
Художник-конструктивист-авангардист, скульптор, фотограф, график
• Плакат броненосца «Потемкин», 1926 г.

Николай Рерих (1874–1947)
Художник
• Победа , 1942

Федор Рокотов (1736–1809)
Художник, портретист
• Портрет Екатерины Великой , 1763
• Портрет неизвестной дамы в розовом платье , 1774

Ольга Владимировна Розанова (1886-1918)
Русский супрематист, неопримитивист, художник-кубофутурист.
• Кузница (1912) Государственный Русский музей.

Андрей
Рублев (1360–1430)
Средневековая фреска и иконописец в традициях византийского искусства
• Святая Троица.
Икона , 1411, ГТГ

Андрей Рябушкин (1861–1904)
Исторический художник
• Царь Михаил Федорович и Боярская Дума , 1893

S

Василий Садовников (1800-1879)
Пейзажист, жанрист
• Панорамный вид на Невский проспект , 1830-50

Богдан Салтанов (1626–1686)
Иконописец, иллюстратор, портретист
• Россиянин Федор III , 1685

Николай Сапунов (1880–1912)
Пейзажист.Один из лучших странствующих художников.
• Затишье перед бурей , 1890

Мартирос Сарьян (1880–1972)
Художник-пейзажист и натюрморт
• Константинополь Улица: полдень , 1910

Константин
Савицкий (1844–1905)
Живописец жанра критический реалист; Голубая роза Натюрморт
• Ремонт железной дороги , 1874
• Пионы , 1908

Алексей Саврасов (1830–1897)
Романтик-пейзажист
• Распутица , 1894

Зинаида Серебрякова (1884–1967)
Художник, соцреалист
• Урожай , 1915

Валентин
Серов (1865–1911)
Художник-импрессионист, портретист.Один из самых больших и универсальных
талантов в русской живописи
19 века.
• Девушка с персиками , 1887
• Портрет Исаака Левитана , 1893

Иван Шадр (1887–1941)
Скульптор
• Надгробие Надежды Аллилуевой, 1933 г.

Семен Щедрин (1745-1804)
Пленэрный пейзажист
• Вид на Подворье в Царском Селе , 1777

Сильвестр Щедрин (1791–1830)
Неоклассический пейзажист
• Терраса на берегу моря , 1828

Сергей
Щукин (1854-1936)
Один из крупнейших российских коллекционеров современного искусства.

Михаил Шибанов (1749–1790)
Сюжетно-жанровый художник
• Крестьянская трапеза , 1774

Иван
Шишкин (1832–1898)
Пейзажист. Один из лучших странствующих художников.
• Утро в сосновом лесу , 1886
• Дубовая роща , 1887

Федот Шубин (1740–1805)
Скульптор неоклассицизма — ключевой пионер русского языка.
скульптура.
• Михаил Ломоносов, 1792

Константин Сомов (1869–1939)
Живописец, график, иллюстратор, портретист
• Сергей Рахманинов , 1925

Григорий Сорока (1823–1864)
Живописец, портретист
• Плотина в Спасском, Тамбовская губерния , 1840

Хаим
Сутин (1893–1953)
Художник-экспрессионист
• Портрет мужчины с красным шарфом , 1921
• Говяжья туша , 1925
• Портрет Оскара Мистчанинова , 1923

Георгий Стенберг (1900-33)
Художник-конструктивист, скульптор, сценограф
• Цвет Конструкция № 7 , 1920

Владимир Стенберг (1899-1982)
Художник-авангардист, скульптор, графический дизайнер
• Color Construction , 1923

Варвара Степанова (1894-1958)
Художник-абстракционист-конструктивист
Жена Александра Родченко

Сергей Судейкин (1882–1946)
Художник-натюрморт, художник-постановщик театральных постановок, испытал влияние фолка.
арт
• Натюрморт с фигурками порселин и розами , 1909

Василий
Суриков (1848–1916)
Исторический художник.Один из величайших странствующих художников.
• Утро стрелецкой казни , 1881
• Марш Суворова через Альпы , 1899

т

Владимир
Татлин (1885-1953)
Художник-конструктивист, скульптор, дизайнер (см. Русский конструктивизм)
• Памятник Третьему Интернационалу , 1919

Павел Челищев (1898-1957)
Художник-сюрреалист, сценограф и художник по костюмам.
• Театральные декорации для Ode (Париж, 1928), L’Errante (Париж,
1933), Ondine (Париж, 1939).

Павел Чистяков (1832-1919)
Живописец, мозаичист (см. Мозаичное искусство)
• Великая княгиня Софья Витовна , 1861

Феофан
греческий (ок. 1340-1410)
Средневековый иконописец; основатель Новгорода
школа иконописи.
• Фрески Московского Кремля в церкви Рождества Богородицы (1395)

Федор Толстой (1783–1873)
Художник-неоклассик, иллюстратор
• Семейный портрет , 1830

Николай Томский (1900–1984)
Памятник скульптору
• Николай Гоголь, Москва, 1952
Надгробие Иосифа Сталина у Кремлевской стены, Москва, 1970

Василий Тропинин (1776–1857)
Художник-романтик, портретист
• Женщина в окне , 1841

Алексей Тыранов (1808-1859)
Пейзажист
• Вид на Большую церковь Зимнего дворца , 1829

Зураб Церетели (1934–)
Художник, скульптор, архитектор
• Санкт-Петербург.Статуя Георгия, Тбилиси, 2006

U-V

Надежда Андреева Удальцова (1886-1961)
Художник-кубофутурист, участник группы Малевича «Супремус».
• Композиция с желтым треугольником (1916) Государственный Русский
Музей.

Григорий Угрюмов (1764–1823)
Неоклассический историк
• Взятие Казани Иваном Грозным , 1795

Симон Ушаков (1626–1686)
Иконописец, член Московской
школа живописи, вместе с братьями Строгановыми, Никифором
Савин и Прокопий Чирин.
• Архангел Михаил, топчущий дьявола ногами , 1676

Федор Васильев (1850–1873)
Романтик-пейзажист
• Мокрый луг , 1872

Аполлинарий Васнецов (1856–1933)
Исторический художник, сценограф
• Московский Кремль , 1897

Виктор Васнецов (1848–1926)
Художник-историк, художник в стиле русского возрождения, сценограф.
• Царевна-лягушка , 1918

Алексей Венецианов (1780–1847)
Пейзажист, жанрист
• Гадание , 1842

Василий Верещагин (1842–1904)
Военный художник
• Апофеоз войны , 1871

Александр Веснин (1883-1959)
Архитектор-конструктивист, театральный художник и художник.
• Абстрактная композиция (1915) M.T. Фонд Авраама.

Иван Вишняков (1699-1761)
Портретист
• Портрет Сары Элеоноры Фермор , 1751

Максим Воробьев (1787-1855)
Пейзаж, художник городского пейзажа
• Набережная Невы Санкт-Петербург возле Академии художеств ,
1830

Михаил Врубель (1856–1910)
Художник и скульптор-символист и импрессионист
• Сидящий демон , 1890
• Девушка на персидском ковре , 1886
• Надежда Забела-Врубель в роли царевны-лебедя , 1900

Евгений Вучетич (1908–1974)
Скульптор памятника (см. Также Двадцат.
Скульпторы века)
• Родина-мать зовет на Мамаевом кургане, Сталинград, 1963-67

З-З

Марианна фон Верефкин (1860–1938)
Художница-экспрессионистка в авангарде
• Красный город , 1909

Борис Яковлев (1890–1972)
Пейзажи и городские пейзажи
• Транспорт возвращается в норму , 1923 — см. Социалистический
Реализм

Константин Юон (1875–1958)
Художник, сценограф
• Парад на Красной площади 7 ноября 1941 г., роспись 1949 г.

Осип
Задкин (1890-1967)
Скульптор, гуашист, литограф
• Разрушенный город , 1953

Петр Захаров-Чеченец (1816–1846)
Художник, портретист
• Алексей Петрович Ермолов , 1842

Сергей Зарянко (1818-1871)
Портретист
• Петропавловская церковь изнутри , 1843

Алексей Зубов (1682-1750)
Офорт
• Вид на Екатерингоф , 1716

Для получения подробной информации о европейских коллекциях, содержащих
важные фонды работ русских художников и скульпторов, пожалуйста
см .: Художественные музеи Европы.

Книжный магазин русского искусства в LP Cline Gallery

Мы являемся прямыми импортерами русского искусства советской эпохи, предлагая лучшее из советского реализма, импрессионизма и современного искусства 1898 года.

Посмотрите эти прекрасные книги по русскому искусству.

Добро пожаловать, , в книжный магазин L.P. Cline Russian Art Bookstore, нашу страницу обзора русского искусства. Перечисленные избранные книги представляют собой прекрасную библиотеку ресурсов по русской культуре и искусству. Мы постоянно говорили: «Я этого не знал!» Выделите достаточно времени, прежде чем начать читать.Вы не сможете отложить «Казино Москва», пока не закончите. Мы не смогли!

Есть ли какие-нибудь ВЕЛИКИЕ книги о России и искусстве, которые мы пропустили? Отправьте нам письмо по адресу [email protected], и мы проверим его и поделимся им прямо здесь, на нашем веб-сайте. БЛАГОДАРНОСТЬ!

Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Желтый фургон: Очерки моего путешествия в поисках русского искусства

М. Дайан Клайн

Эта книга написана Л.Дайан Клайн, принадлежащая P. Cline Gallery, рассказывает о своих приключениях в России, когда она охотится за коллекционными картинами. Автор говорит: «Я надеюсь, что чтение множества историй, которые произошли со мной во время охоты за русским искусством, вызовет у вас желание сделать шаг и пойти по новому пути, который приведет вас в жизнь, полную приключений. Линии или просто пересечь город, в котором вы живете, и найти новое направление или дружбу, которая откроет ваше сердце, расширит ваш разум и принесет невероятное счастье в вашу жизнь, возможно, сделав этот первый захватывающий шаг.»
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Фешин Николай

Николай Фешин

Артбук является продолжением серии «Русские художники». Николай Фешин (1881-1955) — выдающийся мастер русского искусства начала ХХ века. Благодаря вынужденной эмиграции работы Фешина также стали частью американского искусства. Блестящий художник многофигурных жанровых композиций и виртуозный мастер портретной живописи, он был не менее интересен как пейзажист, отличился как живописец обнаженной натуры и натюрморты.Николай Фешин был одним из самых ярких мастеров рисования с натуры своего времени. Он также упивался своим разносторонним талантом в области архитектуры, скульптуры, резьбы по дереву, театрального дизайна и преподавания. В книге 270 листов объемом 479 страниц, изданных на русском и английском языках.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Мастера русского импрессионизма:
Сергей Петрович Ткачев и Алексей Петрович Ткачев

Александр Сидоров

В течение почти 60 лет два известных брата-художника писали вместе, часто на одном холсте, и описывали один из самых драматических периодов истории глазами жителей русских деревень.Импрессионисты Сергей и Алексей Ткачевы были удостоены самых желанных премий в мире искусства бывшего СССР и Российской Федерации, рассказывая истории своей нации, как они жили при коммунизме, перестройке и нынешней системе, когда она борется за демократию. Эта книга — первая книга на английском языке, посвященная этим замечательным братьям, и она включает 178 цветных табличек, отражающих их собственный жизненный опыт и жизненный опыт их сельских соседей.
Доступен по цене
L.П. Клайн
и
на Amazon

Картина соцреализма

Мэтью Каллерн Баун

Эта книга, первый всеобъемлющий обзор живописи соцреализма, прослеживает этот стиль от его художественного и интеллектуального истока в России девятнадцатого века до его расцвета в середине двадцатого века до его упадка в конце советского периода. Мэтью Каллерн Баун анализирует формальное и стилистическое развитие искусства и обсуждает лежащую в его основе теорию.Он описывает творчество таких ключевых фигур, как Александр Дейнека, Аркадий Пластов и Гели Коржев, а также работы сотен других менее известных художников на протяжении столетия. Он рассматривает работы художников Москвы и Санкт-Петербурга, а также художников, работающих в российских провинциях и советских республиках, кроме России. По своему географическому и хронологическому размаху, богатым иллюстрациям и богатству первоисточников книга является незаменимым исследованием крупного художественного движения двадцатого века.Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Жизнь и творчество Юрия Внодченко

После трех лет трудностей в подготовке книги о жизни и творчестве этого выдающегося человека, заслуженного художника Воронежа, Россия, мы очень рады, что наконец-то представили ее миру. Это не только книга красивых картин, но и дань уважения некоторым из тех, кто помогал нам на этом пути. Вы найдете проникновенную историю жизни Внодченко с его дней в приюте на протяжении всей его жизни, когда он следовал своей мечте, зная, что он жил ради определенной цели, когда другие умерли.Исторический текст Владимира Добромирова, директора Воронежского областного художественного музея, И. Крамского, вдохновляет. Это начало других публикаций, запланированных для воронежских художников. Ваша поддержка в покупке этой книги сделает эти планы реальностью для тех, кто думал, что их работа никогда не будет известна внешнему миру. Эта книга доступна в галерее L.P. Cline и скоро будет доступна на сайте Amazon.
Доступен по номеру
L.P. Cline

Лица нации: взлет и падение Советского Союза, 1917-1991 годы

За более чем пятидесятилетнюю карьеру Дмитрий Бальтерманц был ведущим фотографом Советского Союза.Официальный фотограф Кремля и фоторедактор популярного новостного журнала Огонек , Бальтерманц визуально задокументировал историю этой великой нации в двадцатом веке, запечатлев все уровни советского общества — от рабочего класса до высших политических лидеров. — и показывая, как никогда прежде, Советы как истинный «человеческий» народ. Теперь, благодаря потрясающим фотографиям и пробному тексту, «Лица нации» запечатлели Советский Союз так, как это видели немногие жители Запада.От своих художественных образов ужасов и героев войны до своих личных фотографий советских лидеров и обычных граждан, Бальтерманц помог сформировать взгляд советских людей на свой мир.
Доступен по номеру
L.P. Cline

Неизвестный соцреализм

у Ленинградской школы

Альбом представляет собой солидное собрание произведений большого коллектива художников Ленинградской школы живописи. Эта книга — первое инклюзивное издание по истории ленинградской школы, одного из самых ярких и значительных явлений в советском искусстве 1930-1980-х годов, сильно повлиявшего на его содержание и развитие.В книге очерчены основные периоды развития школы от периода, предшествовавшего ее становлению в начале 1930-х годов до начала 1990-х годов. Воспроизведенные в издании картины принадлежат крупным российским и частным коллекциям, некоторые работы публикуются впервые. Это позволяет по-новому и всесторонне оценить художественное наследие отдельных художников и эпохи в целом. Публикация содержит исторический очерк, биографии и фотографии художников, а также обширный справочный раздел, который помогает ориентироваться в материалах книги и дает читателю важные исторические ориентиры.Тексты публикуются на русском и английском языках.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Русская

Эдвард Резерферд

Моя хорошая подруга, которая купила экземпляры «Казино Москва» для всей своей семьи и друзей после прочтения моего экземпляра, теперь сделала то же самое с этой удивительной книгой. Это рассказ о четырех семьях, разделенных, но объединенных в судьбе своей земли. The Houston Chronicle пишет: «Пример того, как искусный исторический романист может осветить настоящее, драматически воссоздав прошлое.«Я обнаружил, что это книга, в которой вы можете потеряться. Эдвард Резерферд родился в Солсбери, Англия, и наиболее известен своим романом« Сарум », основанным на истории Солсбери и Стоунхенджа. Это отличный подарок для вас. или кто-то из близких.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Танец Наташи

Орландо Фигеса

Культурная история России. Орландо Фигес является автором книг Крестьянская Россия, Гражданская война и Народная трагедия: Русская революция, 1891–1924 годы , которая, среди прочих наград, получила Премию Вольфсона в области истории и Книжную премию Los Angeles Times.Я не мог отложить эту книгу. Исследования и фактическое содержание невероятны. Главы «В поисках русской души», «Россия сквозь призму Советского Союза» и «Крестьянский брак» вы должны прочитать, если вы один из тех (как я), которые пропускают мимо 500 страниц.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Кухонный мальчик: Роман о последнем царе

Роберт Александр

Цитата с обложки этого романа «Увлекательная и пугающая история, раскрывающая тайны последних дней Николая и Александры».Это исторический вымысел в лучшем виде, рассказ, основанный на фактах, но со всей атмосферой и неожиданностью невероятного романа. «Более двухсот страниц невероятной истории. Возьмите это с собой в отпуск. Вы не пожалеете об этом!
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Мастера Федоскино: Учитель и его ученики

от Джона Вудса

Красиво иллюстрированная книга, содержащая статью об истории федоскинской лаковой миниатюры и работы выдающихся мастеров, а также более 150 иллюстраций, в том числе лучшие работы как из российских музеев, так и из частных собраний.Воплощение опыта и талантов многих поколений, народные промыслы постоянно развиваются и возрождаются, оставаясь жизнеспособным современным искусством, дающим людям радость и красоту.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Казино Москва

Мэтью Бжезинского

Рассказ о жадности и приключениях на самых диких рубежах капитализма. Эту книгу мне порекомендовал молодой русский человек, зашедший в галерею.Он сказал, что это замечательная книга для «хозяина дома». После прочтения книги (до того, как я отдал ее Линн) я рассказывал об этом всем. Одна из наших клиентов, прочитав книгу, заказала по одной для каждого из своих детей, разбросанных по стране. Они в свою очередь заказали для друзей. Это заразно. Выделите достаточно времени, чтобы прочитать до конца. Вы не сможете оторваться. Ничего более увлекательного вы не прочитаете.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Ивановская война

Кэтрин Мерридейл

Жизнь и смерть в Красной Армии, 1939-1945 гг.Цитата с обложки: «Мощное новаторское повествование об опыте обычного русского солдата в худшей войне в истории». Эта книга была подарена мне и Линн из замечательной семьи, у которой есть прекрасная коллекция русской живописи и которые заинтересовались русским искусством из-за своего интереса к Второй мировой войне. Так много нашего искусства происходит из регионов, которые были так разрушены войной. Мы всегда будем благодарны этой семье за ​​то, что она представила нам эту книгу. Тот же друг, который купил все книги «Казино Москва», также купил «Иванову войну» для тех же членов семьи.Это очень эмоциональное чтение. Не позволяйте этому удерживать вас от чтения. Вы увидите всех людей в ином свете. Спасибо, Дэвид и семья.
Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Икона и топор: интерпретирующая история русской культуры

Джеймс Биллингтон

Цитата: Это иллюстрированная интерпретирующая история современной русской мысли и культуры. Это продукт учености, размышлений и особого интереса одного человека.Нет никаких иллюзий — и, надеюсь, никаких претензий — в предложении энциклопедического перечня русского наследия или какого-либо простого ключа к его пониманию. Это выборочный отчет, который стремится предоставить новую информацию и интерпретацию, а не просто кодифицировать уже установленный консенсус: открыть, а не «покрыть» эту обширную тему. 786 страниц истории и информации, отличная книга для любой библиотеки. Эту книгу порекомендовала нам Лиза Хайден Эспеншад, писатель, редактор, русский переводчик и преподаватель.Доступен по номеру
L.P. Cline
и
на Amazon

Олигархи: богатство и власть в Новой России

Дэвида Э. Хоффмана

Цитата: «Что делает этот отчет одновременно разрушительным и интересным, так это то, как Хоффман собрал его по кусочкам … Он читал повсюду и действовал как частный сыщик». Книжное обозрение New York Times. Трудно отличить то хорошее, что было сделано для российской экономики, и плохое от корыстных людей.Входит в 100 лучших книг года.
Доступен по номеру
L.P. Cline

Словарь русских и советских художников ХХ века

Мэтью Каллерн Баун

Цитата с обложки: «Словарь — это первое справочное издание на любом языке, которое представляет собой исчерпывающий справочник по огромному кругу художников, которые работали в Российской Империи и ее преемнике, Советском Союзе, с 1900 года до последнего десятилетия нашей эры. Советский период.»

Пушкинская галерея — Санта-Фе, NM

Переосмысление России

Эта книга сопровождает первую ретроспективную выставку произведений Бориса Четкова в Великобритании. «Переосмысление России» во время Russian Art Week представляет художника через его пейзажи и жанровые картины. Яркие и красочные картины в этом сборнике познакомят читателей с его энергичным и разносторонним творчеством. Теодора Кларк обсуждает жизнь и творчество художника и помещает Четкова в контекст модернизма и русского искусства после Второй мировой войны.

Теодора Кларк — редактор журнала «Русское искусство и культура» и директор Недели русского искусства в Лондоне. Известный куратор, искусствовед и критик русского искусства, она широко читает лекции о европейском модернизме и художниках-авангардистах начала двадцатого века. Одора училась на степень магистра русского искусства в Институте искусств Курто, а раньше работала на аукционе Christie’s. Дом и музей современного искусства в Нью-Йорке.

100 шедевров

Борис Четков родился для того, чтобы рисовать, со страстью и непоколебимым желанием показать свое искусство миру.Он понимал свое призвание не только разумом, но и сердцем и душой, и он неуклонно шел своим путем. Его карьера привела его из сельской России, через сталинский ГУЛАГ, в музеи Санкт-Петербурга и Москвы, а также в известные частные коллекции. Он боролся против художественного угнетения в советское время, но на закате жизни был вознагражден международными выставками, признанием и успехом.

За свою жизнь Борис Четков написал сотни полотен во многих стилях и жанрах, от пейзажей и натюрмортов до портретов, конных сцен и абстракций.Все это щедро представлено в этом сборнике, содержащем более сотни его шедевров, сопровождаемых произведениями доктора Александра Боровского о художнике.

Борис Четков, Через все преграды

Публикацией «Борис Четков: Через все барьеры» «Пушкинская группа» продолжает пятую серию работ, представляющих выдающихся и неизвестных русских художников второй половины ХХ века.

К счастью, Борис Четков не потерпел почти полного забвения, которое было уделом его предшественников. Сейчас уже на закате, он признан ведущим модернистом конца ХХ века в русском искусстве. Уроженец Санкт-Петербурга, его работы выставлялись в Германии, России и США и находятся в крупнейших коллекциях по всему миру.

С авансом доктора Альберта Костеневича (Хранитель картин импрессионистов в Эрмитаже) и текстом Доктора А.Александр Боровский (руководитель отдела современного искусства Государственного Русского музея). Эта богато иллюстрированная монография, содержащая 242 страницы с 215 цветными пластинами, станет ценным дополнением к вашей коллекции.

Борис Четков, портретист

Портреты являются одними из самых увлекательных сюжетов, которыми занимается художник, и часто дают такое же (или даже большее) понимание художника, как и самого человека, которого он изображает. Портреты Бориса Четкова в этом отношении необычны.Создавая образы этих различных личностей, реальных и воображаемых, Четков безоговорочно и без всяких претензий открывает свое сердце и свой разум.

На следующих страницах наш уважаемый читатель увидит беспрецедентную коллекцию портретов, погрузится в глубокую психологию этих разных персонажей и взглянет на лица человечества глазами Бориса Четкова. Великолепное эссе Александра Боровского, содержащее биографические сведения и отрывки из записанных интервью с Четковым, представляет красочную историю того, как этот недавно обнаруженный гений пришел к своим творческим выводам, явно помещая его в исторический контекст как очень уникальную и значимую фигуру.

Эта богато иллюстрированная монография, содержащая 192 страницы с 168 цветными пластинами, будет представлена ​​с авансом доктора Альберта Костеневича (хранителя картин импрессионистов в Эрмитаже) и текста доктора Александра Боровского (руководителя отдела современного искусства Государственного Русского музея). ценное дополнение к вашей коллекции.

Василий Голубев, мастер русского экспрессионизма

Нападающий: Др.Альберт Костеневич, хранитель картин импрессионистов, Государственный Эрмитаж

Реферат: д-р Александр Дмитриевич Боровский, главный хранитель современного искусства Государственного Русского музея

Этой монографией, посвященной творчеству Василия Голубева, возможно, одного из самых значительных русских экспрессионистов прошлого века, Пушкинская группа продолжает знакомить мир с выдающимися русскими художниками, которые еще не признаны на своей земле.

Записки Четкова: автобиография и интервью

Этот документ представляет собой дословную транскрипцию (с русского и переведенную на английский) интервью, записанного с Борисом Четковым в его доме в Ломоносове (за пределами Санкт-Петербурга).Санкт-Петербург, Россия) в декабре 2009 года. В нем, по словам самого художника, исследуются биографические переживания и уникальная философия, которые сформировали как производство стекла Четкова, так и знаменитые картины, которыми так дорожат сегодня. Богатая история невероятного художника. Текст публикации доступен на русском и английском языках.

Времена года Тимкова

Первая книга на любом языке о жизни и творчестве русского живописца Николая Ефимовича Тимкова представляет более ста его картин маслом и гуашью.

Биографический очерк с фотографиями знакомит с этой важной фигурой русской пейзажной живописи. Тексты д-ра Александра Боровского и д-ра Александра Шедринки разъясняют место Тимкова в мире русского искусства.

Академичка

Книга рассказывает историю Академической дачи глазами Николая Ефимовича Тимкова, одного из крупнейших русских художников-импрессионистов ХХ века.Заняв центральное место в послевоенной жизни Академички, он стал духовным и художественным лидером общины. Родившись в 1912 году в крестьянской семье, он оставался верным своему видению на протяжении всего советского периода. В эссе русских ученых доктора Альберта Костеневича и Александра Боровского представлены ранее неопубликованные исторические и документальные материалы, обращенные к временам и культурной среде, неизвестной большому миру.

Более 150 цветных репродукций прослеживают эволюцию уникальной русской пленэрной живописи через творчество Тимкова и его современников по Академичке.Эта книга помещает в контекст всемирной истории тех преданных художников, которые обогатили и расширили важные аспекты традиции русского импрессионизма.

Натюрморт с луком. Иванов Виктор Иванович

Натюрморт с луком

Иванов Виктор Иванович

1924–

Натюрморт с луком

Картон, масло

54 x 75 см

Подпись

PROVENANCE:

Собрание семьи художника

ВЫСТАВЛЯЕТСЯ:

Музей Виктора Иванова в Рязанском государственном музее

Виктор Иванов со студентами c 1950-х годов

Виктор Иванович Иванов был одним из основоположников послевоенного движения «сурового стиля» в русской живописи вместе с Гели Коржевым.Рязанская область, где родилась его мать и где сейчас находится музей Виктора Иванова при Рязанском государственном музее, стала главным источником его творчества и объектом духовной привязанности. Там он искал вдохновения, и здесь рождались все его самые сильные образы. В деревне с первого до последнего дня была вся человеческая жизнь.

Художник увидел в этом месте истинное слияние человека и природы, своеобразное искупление и приготовление к миру вечности.Он увидел монументальное и вместе с тем романтическое величие деревенской работы и жизни. Простые деревенские предметы в картинах Иванова становятся значимыми символами сельской жизни, размеренными и в то же время как-то вечными. Все это обретает ощущение высшей торжественности и создает атмосферу глубокой значимости, напряженной эмоциональной оболочки. « Наше искусство было великолепным, мы создавали работы, которые нам казалось, никак не искажали действительность », — вспоминает Виктор Иванович. — « Это была Истина нашего времени, и эта Истина всегда была самой важной для моего искусства.Я верю в реализм. Он придает силы, говорит о красоте как физической, так и моральной. Реализм — высшее искусство; история не показывает ничего, что могло бы сравниться с ».

Натюрморт с луком — прекрасный образец одного из знаменитых натюрмортов Иванова. Иванов любил рисовать натюрморты на протяжении всей своей карьеры. Вещи выглядят небрежно, но на самом деле композиция тщательно выстроена и сбалансирована. Ложка балансирует на глиняном кувшине, а синяя ткань придает картине вспышку цвета.

Художник на Оке

Картины Иванова обладают вечностью, в которой время остановлено. Цвета гармоничные и умиротворяющие. Мгновенно узнаваемые работы Иванова, эти картины считаются работами одного из величайших российских художников послевоенного периода, удостоенного всех величайших художественных наград России, таких как звание академика в 1988 году и «Народного художника СССР» в 1976 году. Автопортрет Иванова имеет был принят картинной галереей Уффици во Флоренции и висит в их знаменитой коллекции автопортретов, выставленной во дворце Питти.Иванов провел бесчисленное количество выставок в России, Украине и на Кубе. Как одному из ведущих художников России ему было разрешено выезжать за пределы СССР, и в период с 1959 по 1962 год он посетил Египет, Сирию, Италию, Кубу и Мексику.

Иванов заявил: « Я согласен со знаменитым утверждением Левитана, что настоящим пейзажистом можно быть только в России! Действительно, русский пейзаж духовен и передает то, что действительно важно — идеи и чувства ». Этот очаровательный натюрморт демонстрирует все то мастерство, отточенность и настроение, которым прославился художник.

Назад к русскому искусству

Петр Петрович Кончаловский | Русский художник

Петр Петрович Кончаловский , (родился 9 февраля [21 февраля по новому стилю] 1876 года, Славянск, Украина, Российская Империя [ныне Славянск, Укр.] — умер 2 февраля 1956 года. , Москва, Россия, СССР), русский живописец и график, представитель московской школы.Хотя на него большое влияние оказали работы Поля Сезанна в начале 20-го века, он отвернулся от этого стиля в 1930-х годах и принял социалистический реализм, став классическим образцом советской живописи и лишившись каких-либо дальнейших претензий на инновации в своем искусстве.

Художественное образование Кончаловский получил в рисовальной школе в Харькове, Укр., В Строгановском Центральном художественно-промышленном училище в Москве и в Академии художеств в Санкт-Петербурге (до 1905 г.). Некоторое время он посещал также Школу живописи, ваяния и зодчества в Москве, где преподавал художник Константин Коровин.В результате контакта с Коровиным Кончаловский приобрел опыт Московской школы с ее предрасположенностью к телесности и необузданным подходом к цвету. На Кончаловского также повлиял непродолжительный период учебы в Академии Жюлиана в Париже (1897–98), что пробудило его интерес к французской живописи. Таким образом он соединил две богатые традиции живописи, которые стали ключевой чертой его искусства.

В 1909 году вместе с Аристархом Лентуловым и Ильей Машковым Кончаловский стал соучредителем авангардной группы «Бубновый валет».После поездки в Испанию в 1910 году с Василием Суриковым, известным художником и членом передвижников, Кончаловский должен был жениться на дочери Сурикова. Кончаловский какое-то время занимался искусством, навеянным испанскими мотивами, особенно пейзажами. и сцены корриды. Позже на него повлиял Поль Гоген. Тем не менее, хотя другие оказали влияние на его стиль, Кончаловский больше всего боготворил Сезанна и может считаться основателем русского Сезаннизма.

На протяжении 1910-х годов Сезаннизм Кончаловского сливался с примитивизмом, затем с кубизмом, а в 1920-х годах — с интересом к венецианской живописи.Именно в эти годы он написал свои лучшие работы — Сиена: Piazza dei Signori (1912), Агава (1916) и Автопортрет с женой (1923). В своих более поздних работах Кончаловский больше преуспел в натюрмортах и ​​пейзажах, поскольку они не проявляли излишнего социального пафоса, характерного для социалистического реализма. Исключением из банальности большей части его более поздних работ является великолепный портрет театрального режиссера Всеволода Мейерхольда (1938), который он написал за несколько месяцев до ареста Мейерхольда.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Пять российских артистов, которых стоит посмотреть на Singulart

Россия известна своими великолепными, обширными и дикими пейзажами, своей бурной историей от царского правления через коммунизм до современной России. Россия — это не только страна известных писателей и композиторов, но и художников, которые оставили богатое наследие и вдохновили других по всей Европе и за рубежом. Вокруг мастеров-икон, странников, модерна, русского балета и знаменитого русского авангарда: Как современных русских художников вдохновляет такая богатая культурная история?

Singulart с гордостью представляет пять современных художников, чьи работы отражают загадочную русскую душу в своих оригинальных творениях.

Василий Куракса

Василий Куракса родился в Чернобыле в 1981 году, после катастрофы вместе с семьей переехал в Россию. Эта связь также может частично объяснять его близость с миром природы. Куракса отождествляется с г. традиционной Московской художественной школой, г. идет по пути знаменитых Константина Коровина и Исаака Левитана. Используя традиционные методы, Куракса является мастером масляной живописи , который привносит в свои работы богатую фактуру, такую ​​как эффект чеканной меди на традиционном самоваре, легкое сияние на снегу и золотые купола русских церквей.Куракса инкапсулирует российские традиции и пейзажи для зрителя.

Только через живую природу я нашел кратчайший и единственно верный путь к сердцам людей .

Василий Куракса

Индриков Борис

Борис Индриков — художник-сюрреалист из России. Он родился в Санкт-Петербурге, когда город еще назывался Ленинградом, сейчас живет и работает в Москве. С юных лет окруженный искусством и вдохновленный своей матерью, преподававшей рисование, Борис создал свой собственный визуальный язык .Произведения Бориса, отмеченные великим русским символистом и лидером движения модерн Михаилом Врубелем, содержат поэтических и мистических образов. Его творческий процесс связан с медитацией, в которой художник является творцом параллельных вселенных. Борис с его уникальной техникой и умелой точностью предлагает эмоциональные, гармоничные и поэтические произведения.

Картина — дверь в параллельный мир. Мир, в котором каждый уникален.

Борис Индриков

Ольга Катаева-Рочфорд

Ольга Катаева — воплощение художника-иностранца.Она родилась в России, и ее всегда привлекала Франция, страна, в которой проживала ее семья и чья культура веками вдохновляла многих русских художников. Во Франции Ольга открыла для себя красоту минеральной текстуры Нормандии и Бретани, , хотя ее работы сильно вдохновлены русскими художественными традициями . Ольга в основном работает с темперой: техникой, исторически использовавшейся культовыми художниками, в ее картинах можно найти композицию и цвета, отсылающие к русскому монументальному искусству.Ольга обращается к известным художникам 20-го века, таким как Марк Шагал (который также эмигрировал во Францию ​​и выразил русскую ностальгию в своих картинах) и Никола Рерих в году, богатство красок и символизм, которые перекликаются с ее работами.

Русская культура — это мои корни, она меня питает и навсегда останется со мной.

Ольга Катаева Рохфорт

Белкина Катерина

Катерина Белкинга — российский фотограф, сейчас живет и работает в Германии.Она родилась в Самаре и воспитывалась в творческой среде своей мамой, художником-оформителем. После учебы в Академии живописи Белкина поступила в Самарское фотошколу. Ее опыт работы в качестве художника можно определить по г. сильному влиянию живописи в ее фотоработах г. В работах Белкинга чаще всего используются постановочные портреты, часто использующая себя в качестве модели в своих работах. Создание женской вселенной величественной и вдохновляющей.

Вы можете узнать больше о Катерине из интервью , которое она провела с Singulart: https: // blog.singulart.com/en/2020/08/10/5-minutes-with-katerina-belkina/

Екатерина Чигодаева

Екатерина Чигодаева — русская художница, родившаяся в Сибири, живущая и работающая в Москве. Энергия года и необъятность гор Алтай на ее родине вдохновляют многие ее работы. Работа Чигодаевой изображает сцены природы и цветение цветов, через свои работы она хочет, чтобы « дышал, нюхал момент цветения и увядания цветка, хлопанье птичьего крыла или шелест деревьев ».В ее работах сочетаются абстракция и реализм, чтобы выразить чувственные образы природы. Ее холсты отражают плавность и легкость естественного мира.

Русские художники известны как основоположники авангарда, но Казимир Малевич писал цветы по пути к Черному квадрату .