Сочинение по картине дубовского родина 11 класс

$Родина в творчестве Лермонтова

Москва, Москва!

Люблю тебя как сын!

Как русский, — сильно, пламенно и нежно.

И.Ю. Лермонтов

$ С именем Лермонтова открывается новая страница русской литературы. Жизнь и творчество этого замечательного поэта протекали в самое тяжелое и мрачное для России время, время засилия «голубых мундиров» и жесточайшей реакции. Поэтому его стремление к прекрасному оправдывает$ся огромным желанием воспеть Родину, какой бы жалкой она ни была. Именно из-за этого тема Родины является одной из ведущих тем в творчестве Лермонтова. Еще в 16 лет поэт записал в своем дневнике: «Я Родину люблю. И больше многих». Но еще более важную мысль Лермонтов высказывает уже$ в позднем возрасте: «Люблю Отчизну я, но странною любовью» В чем же заключалась эта странность? Почему любовь к своей родной стране носила у поэта столь противоречивый характер? Прежде всего, с одной стороны, для него Россия — его Родина, где он родился и вырос. Такую Россию Лермонтов любил и прославлял. С другой стороны, он видел Россию как страну, в которой правит грубая, жестокая власть, подавляющая все человеческие стремления, а главное, народную волю. Это двоякое понимание России и отразилось в стихотворениях Лермонтова.

Тема Родины прозвучала в стихотворениях «Родина», «Дума», «Прощай, немытая Россия», «Бородино», «Русская мелодия» и многих других. Стихи этого цикла лишний раз доказывают, что Лермонтов был глубоко национальным поэтом, потому что такие произведения мог написать только человек большого и глубокого ума, патриот своей Родины. «Люблю Отчизн$у я, но странною любовью. Не победит ее рассудок мой, ни слава$, купленная кровью, ни полный гордого доверия покой», — писал Лермонтов в стихотворении «Родина». «Поэт понимает любовь к отечеству истинно, свято, разумно», — писал Добролюбов. А Белинский восклицал: «Что за вещь! Пушкинская, то есть одна из лучших пушкинских!»

Литература всегда стремилась исправить жизнь, в которой многое выглядит уродливо, кажется пошлым и жалким. А для этого необходимо писать искренне и достоверно, так, как это делал Лермонтов. Его все$гда волновала судьба России, поэтому поэту было больно осознавать, что его Родина погрязла в бесчеловечности, жестокости и непонимании. «Иди в огонь за честь Отчизны, за убежденья, за любовь!» — призывает поэт. Счастье и слава Отчизны, вера в ее освобождение — вот о чем мечтал М.Ю. Лермонтов. И осуществлению своих мечтаний поэт$ отдал всю свою жизнь. Его знаменитое «Бородино» воспело силу русского духа, оно известно всем. По-моему, главная мысль этого произведения заключена в том, что ру$сский народ достоин луч шей участи, лучшей Родины, которая должна быть не мачехой, а матерью. Чем питаются лучшие русские характеры, откуда столько силы, откуда этот поразительный дух русского народа? Я думаю, страдание дает силы и закаляет дух. «Да, были люди в наше время, могучее, лихое племя: богатыри — не вы», — бросает Лер$монтов упрек современному поколению. Куда же делось это «могучее, лихое племя», почему мельчает герой и его время, на что тратятся его силы? На все эти вопросы, поставленные в «Бородине», Лермонтов дает ответ в «Думе», «Поэте», в «Герое нашего времени». Поэт не просто любил и уважал русский народ, он понимал, что именно простые русские мужики спасли Россию во время войны 181$2 года. Они всегда были готовы умереть за Родину: Ребята! Не Москва ль за нами» Умремте ж под Москвой, Как наши братья умирали!

Поэт явно разделяет патриотическое чувство героя своего стихотворения. «Бородино» было написано через четверть века после великой битвы. Но, к сожалению, поэта окружают люди, не способные отстоять даже собственное «я». И все же Лермонтов умеет разглядеть зд$оровые силы нации, увидеть в народном характере такие элементы, которые свидетельствуют о жизнеспособности России.

Стихотворение «Родина» (1841 год) стало одним из шедевров не только лирики Лермонтова, но и всей русской поэзии. Ощущение тупика, в который зашла жизнь, породило трагическое мироощущение. Родина оказывается целительнице$й этой тяжелой болезни духа. Ничто, кажется, не дает такого умиротворения, такого ощущения покоя, даже радости, как это общение с деревенской Россией. Именно здесь отступает чувство одиночества. Если стихотворение «Бородино» наполнено чувством патриотизма, разбуженным эпизодами в$оенной истории России, то в «Родине» появляется иной, до той поры, может быть, не встречавшийся в русской поэзии оттенок. Лирическое переживание вызвано простым пейзажем, неброским, но по-своему живописным, способным затронуть самые тонкие струны ду$ши. Поэт с первых же строк говорит о «странной» любви к отчизне. У Лермонтова несколько иное патриотическое сознание. Он сразу же отличает чуждые ему формы патриотизма. Поэт равнод$ушен к славе, купленной кровью, к заветным преданиям. Лермонтов выдвигает нечто настолько по тем временам необычное, что приходится несколько раз подчеркнуть эту необычность: «Люблю Отчизну я, но странною любовью», «но я люблю — за что, не знаю сам», «с отрадой, многим незнакомой». Это какая-то исключительная любовь к России, до конца как будто не понятая и самим поэтом. Ясно, однако, что любовь эта к России народной,$ крестьянской, к ее просторам и природе. Патриотическая тема в этом стихотворении приобрела уже лирический характер. Поэт все больше переходит от обобщенной мысли к конкретной. На мой взгляд, это стихотворение — предвестник тютчевской и блоковской России. Можно, наверное, говорить и о России некрасовской, впервые здесь заявившей о себе: соломенные кр$ыши, печальные деревни, проселок, говор пьяных мужиков. Любовь поэта к России настоящая, взыскательная, глубокая. Он далек от умиления, он не прощает ей недостатков. Его позиция сродни позиции Чаадаева, которую он высказал в «Апологии» сумасшедшего»: «Я не научился любить свою родину с закрытыми глазами, с преклоненной головой, с запертыми устами. Я нахожу, что человек может быть поле$зен своей стране только в том случае, есл$и ясно видит ее… Я люблю мое отечество, как Петр Великий научил меня любить его. Мне чужд… этот блаженный патриотизм, этот патриотизм лени, который приспосабливается, все видит в розовом свете и носится со своими иллюзиями…»

В стихотворении «Прощай, немытая Россия» слышится горький упрек в адрес терпеливого народа, покорившегося «мундирам голубым».

$ Лермонтов называет Россию «страной рабов, страной господ». Однако таким образом он не хотел выразить свое презрение к Родине, наоборот, автор стремился показать свою горечь и обиду за такое глупое бездействие народа. Позже, такое же ощущение появится и у Некрасова: «Ты проснешься ль, исполненный сил?» Чернышевский скажет еще более резко: «Нация рабов. Сверху до низу все рабы». Такую же безрадостную картину рисует поэт и в стихотворении «Монолог», созданном в 1929 году.$ Здесь автор воспроизводит гнетущую атмосферу, царящую в России в конце 20-х годов XIX века, где одаренный человек не может развивать свои дар$ования, поскольку в атмосфере страха, подозрения, доносительства хорошо живут лишь ничтожества, а умный, сильный человек чувствует пустоту и бесцельность своего существования: И душно кажется на Родине, И сердцу тяжко, и душа. тоскует…, Не зная ни любви, ни дружбы сладкой…

Лермонтов по праву ста$л преемником А.С. Пушкина, великого национального поэта. К великому сожалению, жизни таких выдающихся людей были слишком короткими. Как мало времени было отпущено М.Ю. Лермонтову, но сколько он успел сделать! Гордится, поистине гордится Родина такими сынами. Дни идут, месяцы сменяют годы, годы превращаются в столетия, а имя Лермонтова помнят все. И как бы ни развивалась наша культура, в каком бы духовном вакууме ни находилось наше общество сейчас, имя Лермонтова никогда нс будет забыто. Целая плеяда талантливых п$оэтов и писателей подхватила прогрессивные мысли этого поэта$ и приняла эстафету борца. Маяковский навек запечатлел Лермонтова в своей звонкой, четкой, бронзовой поэзии ритма: «К нам Лермонтов входит, презрев времена». Он писал для нас, открывая глубины иной жизни, где дух личности выше обстоятельств, потому что впереди вечность. Лермонтов это знал.

Источник

Сочинения
По литературе
Гоголь
По повести Тарас Бульба

Повесть Гоголя «Тарас Бульба» — это произведение о любви к своей земле, о воинском братстве и мужестве.

Тарас Бульба, опытный, закалённый в ратных боях полковник, всей душой болеющий за родину и посвятивший жизнь Запорожской Сечи, в своих мечтах видит сыновей смелыми воинами. Он готовит их к бранному подвигу, считая, что они, как он сам и его товарищи, должны биться за отечество.

Старший сын Остап ещё в бурсе проявляет качества, свойственные сильному и мужественному человеку. Он не избегал возмездия за юношеские проступки, не пытался увильнуть от розг, как, к примеру, его младший брат. Смело и безропотно он переносил все тяготы бурсацкой жизни. Остап готовил себя к воинству и, хотя наука давалась ему тяжело, ради Запорожья он одолел учёбу, став лучшим среди бурсаков.

Настойчивость и целеустремлённость сделали Остапа настоящим героем. Автор повести рассказывает, как Бульба любуется старшим сыном, видя его способности в военном деле. Отец гордится тем, что Остап не только похож на него, но и даже превосходит старого вояку. Глядя на него, он с гордостью восклицает: «О! да этот будет… добрый полковник…»

Нa поле брани Остап был лучшим из лучших. Хладнокровие и расчётливость выделяли его среди товарищей. Он был молод, но крепость его тела и уверенные движения помогали Остапу выигрывать схватки с врагом. Если Андрию битва была сродни с какой-то игрой, с пиршеством, то для Остапа главным был исход боя, который мог зависеть исключительно от военной тактики. Храбрый воин был озабочен тем, как избежать опасности и преодолеть её.

Однако нельзя говорить об Остапе только лишь как о военном человеке. Если вспомнить, как трепетно думал он о своей матери, в слезах провожавшей сыновей в Запорожскую Сечь, можно с уверенностью заявить, что этот мужественный и сильный мужчина был способен на нежные чувства. Гоголь так писал об этом: «Он душевно был тронут слезами доброй матери». Ему также было жаль брата, принявшего смерть от отца, Остап хочет предать земле его тело. Это не просто смелый воин, это достойный восхищения добрый человек, верный товарищ и настоящий сын своего отца.

Самые лучшие свои качества Остап проявил перед казнью. Стоя на эшафоте, он думал лишь о том, чтобы ему и его товарищам хватило мужества выдержать адские муки. И он вынес «все терзания и пытки, как исполин». Тарас Бульба смотрел на то, как Остап стоически принимает смерть, и сердце его переполнялось великой гордостью за сына.

Образ Остапа в повести Гоголя – это пример мужества и смелости. Во все времена этот литературный герой будет являться героическим образцом для подражания.

Вариант 2

Повесть Николая Васильевича Гоголя «Тарас Бульба» пропитана любовью к малой родине, воинским братством, мужеством, а также преданность и предательством. Автор прекрасно показал все эти проблемы, описав их в литературном произведении.

Сюжет повести крутиться вокруг атамана Запорожской сечи Тараса и его двоих сыновей Остапа и Андрия. Сам Тарас в повести представлен как бравый воин с опытом и мудростью, который мечтает, что его сыновья будут такие же, как он. Старший сын Остап полностью перенял характер отца и в свои молодые годы уже прославился как сильный духом воин,чем заслужил доверие и признание у старших товарищей. Отец не знал предела гордости своим старшим сыном Остапом. Ему также свойственны были и нежные чувства, особенно это проявилось в тот момент, когда мать провожала его в бой, тогда даже такой воин как Остап уронил свою мужскую слезу. Чего не скажешь про младшего сына Андрия. Он не похож характером ни на отца, ни на старшего брата, абсолютно другой. Вся его беда была в том, что он влюбился в полячку, которая была дочерью их врага. Да только вот любовь её к нему была не самая чистая и искренняя. Она настолько сильно имела на него влияние, что он даже решился на предательство Родины, товарищей казаков и самое главное предал брата и отца. Этот поступок было самое главное разочарование в жизни Тараса Бульбы.

Это произведение ещё раз доказывает, что каждый человек уникален, и нет ни одного человека похоже друг на друга, даже если это самые близкие люди, например как отец Тарас со своими сыновьями. Каждый из них родился и вырос в разное время, каждый был воспитан по-разному и каждый имеет свои ценности жизни и взгляды на неё. Поэтому каждый из героев на протяжении повести придерживался своих взглядов на жизнь, некоторые были очень даже жесткие, и от этого повесть имеет некий контраст. Например, попав в плен, Остап до самого конца своей жизни не выдал своих товарищей даже под сильными пытками. Или другой пример из повести, принципы Тараса были настолько жесткие и стойкие, что он не смог простить Андрия и собственными руками убил его за его ужасный поступок.

В некоторых местах эта повесть может показаться читателям очень жестокой, особенно в конце, но автор лишь своим умением красиво описал реальность того времени. Да и для истории нашей страны такие моменты предательства и гибели уже известны, но произведение Тарас Бульба до сих пор остается уникальным в русской литературе.

Сочинение на тему «Тарас Бульба», 7 класс

Тарас Бульба – очень смелый, уверенный в себе и мужественный казак. Он – настоящий патриот. Всю свою жизнь он защищал любимое отечество, и ему было неважно, кто находится у власти. Православие для него было основой всего, он считал, что всех людей должна объединять вера во всевышнего. Ведь именно вера толкает армию на подвиги, которые совершались изо дня в день.

В своих сыновьях Тарас хотел видеть таких же людей, как он – порядочных и честных перед отчизной. Однако после первого же совместного боя один из сыновей пошёл на предательство ради любви. Андрий полюбил девушку с вражеской стороны, за что заплатил собственной жизнью. Тарас убил своего сына, он не смог его простить за такое предательство, ведь долг Родине – для него самое главное. Поступок сына опозорил его честь и имя. Тарасу было тяжело убить свою кровинушку, но по-другому он поступить не мог.

Второй сын оправдал надежды Тараса Бульбы. Он был таким же мужественным, как отец, и всегда был готов идти в бой. А сколько отваги в поведении любящего отца, на глазах которого Остап подвергся смертельному испытанию. Но Тарас отомстил за смерть любимого сына. Сам Тарас умер страшной, мучительной, но героической смертью. Даже в последние минуты он думал не о муках, которые ждут его, а переживал за судьбу казаков.

Когда читаешь это произведение, понимаешь, как тяжело жить в войну. Ведь ты не знаешь, что ждёт тебя дальше, как сложится твоя судьба. Тарас прожил жизнь достойно, таких героев, как он, немного. Когда читаешь произведение, кажется, что этот человек непобедим. Даже не верится, что он всё-таки погибает.

Вместе со статьёй «Сочинение на тему «Тарас Бульба», 7 класс» читают:

Сочинение на тему «Мужество»

Сочинение на тему «Нужны ли в жизни сочувствие и сострадание?», 7 класс

Сочинение по произведению Тарас Бульба

Одной из самых лучших работ Гоголя можно назвать повесть «Тарас Бульба». В данной повести автор рассказывает читателю, как храбрые украинцы вели борьбу за свою свободу и независимость. Основные действия повести проходят в самом святом месте для украинского казака – Запорожской Сечи. Это отдельная республика со своими правилами, на Сечи живут храбрые казаки. Для запорожцев самое главное это народ, а именно его свобода и независимость. Главным героем повести является Тарас Бульбу, мужественные казак, который давно не видел сыновей, уехавших учиться. И вот они приехали, и Бульба сразу на следующий день собирается вместе с ними в Сечь.

Тарас Бульба является воплощением храбрости, мужества и безграничной силы украинского казака. Главный герой любил жить просто, любил находится среди казаков в Запорожской Сечи. Этот человек с чистой душой, он живет правильно и благородно и самое главное для него — это свобода и независимость украинского народа. Тарас Бульба — это человек за которым пойдут в бою и самое страшное для него это предательство, в сторону которого он всегда негативно высказывается. Одно из важнейших качеств, которое ценил в людях Тарас это преданность и смелость, если нет этого у человека, то это вовсе не казак перед ним стоит.

Стоит отметить наполненные драматизмом сцены, в которых Тарас Бульба встречается с сыновьями, после того как те уже стали казаками и прошли с отцом не мало. Андрий предал родину, казачество, семью. Он был влюблен в полячку, которая, по сути, счастливым его не сделала, и перешел на сторону врага. Во время битвы Бульба попросил заманить Андрия для него. Тарас был человеком бескомпромиссным для которого предательство не простительно даже со стороны сына. Бульбу убивает Андрия за предательство. Но, во время этой битвы в плен был схвачен его старший сын Остап, который оставался верным казачеству и очень храбро сражался. Остапка должны были казнить.

Бульба, переодевшись пришел на казнь сына, невозможно представить, как сложно смотреть отцу на то, как убивают его сына, как убивают казака. Тарас Бульба не мог выдать себя и молча наблюдал за ужасной казню любимого сына. Остап же со своей стороны очень мужественно проходит через боль и другим казакам дает напутствие храбро принять смерть, без криков.

Вскоре погибает и сам Бульба, причем он мог и не погибнуть, но виной характер. Тарас уронил «люльку» во время сражения и пришлось за ней вернуться, но там его схватили. Бульбу сожгли на костре и даже во время страшных мучений он выкрикивал слова напутствия казакам. Необходимо всегда бороться за свою независимость и свободу.

Данная повесть входит в число лучших работ данного автору, а также «Тарас Бульба» остается актуальным произведение во все времена, ведь проблемы, которые освещены в повести присутствуют во все времена.

Все сочинения по литературе за 7 классКоллектив авторов

1. Образ главного героя в повести Н. В. Гоголя «Тарас Бульба»

Повесть «Тарас Бульба» — это одно из самых совершенных творений Николая Васильевича Гоголя. Произведение посвящено героической борьбе украинского народа за национальное освобождение, свободу и равенство. Большое внимание в повести уделяется Запорожской Сечи. Это вольная республика, где все свободны и равны, где интересы народа, свобода и независимость выше всего на свете, где воспитываются сильные и мужественные характеры.

Замечателен образ главного героя — Тараса Бульбы. Суровый и непреклонный Тарас ведет жизнь, полную опасностей и невзгод, он не создан для семейного очага. Гоголь о нем пишет: «Весь он был создан для бранной тревоги и отличался грубой прямотой своего нрава».

Тарас Бульба — один из представителей командного состава казачества. Он прекрасно управляет войском, наделен огромной силой воли и умом, относится с любовью к товарищам, уважает обычаи Запорожской Сечи. Его душа проникнута стремлением к свободе и независимости своего народа. Герой карает польских магнатов и защищает угнетенных и обездоленных. Тарас Бульба беспощаден к изменникам и трусам, вот почему он с огромной ненавистью говорит о предателях: «Знаю, подло завелось теперь на земле нашей: перенимают черт знает какие басурманские обычаи; гнушаются языком своим; свой народ продают…»

Гордость Тараса Бульбы — это его сыновья Остап и Андрий, которые приехали с учебы. По его мнению, духовное образование — это лишь малая часть того, что необходимо молодому человеку для жизни, а самое главное — это боевая учеба в условиях Запорожской Сечи.

Остап — это настоящий молодец, из которого впоследствии вырастает добрый запорожец, Андрий обладает более мягким характером, но тоже обещает стать хорошим воином. Однако мечты Тараса Бульбы не сбываются. Остап погибает героем, а Андрий предает Родину и переходит на сторону врага.

Тарасу свойственно проявление отваги, например когда он пробирается на территорию врага, чтобы увидеть Остапа. Сцена встречи отца и сына потрясает своим драматизмом. Затерявшись в толпе чужих людей, Тарас смотрел, как выводят на лобное место его сына. Что почувствовал старый Тарас, когда увидел своего Остапа? «Что было тогда в его сердце?» — вопрошает Гоголь. Но Тарас ничем не выдал напряжения. Он смотрел на сына и говорил: «Добре, сынку, добре!»

Выразительно раскрывается характер Тараса Бульбы в трагическом конфликте с Андрием. Любовь не принесла Андрию ничего хорошего, напротив, она отгородила его от отца, друзей и Отчизны. Предательство не прощается даже самому храброму казаку. На предателя ложится печать проклятия: «Пропал, пропал бесславно, как подлая собака…» Измену Родине нельзя оправдать и искупить, жизнь предателя бесславна, а смерть позорна. Тарас — человек суровый, он не может простить сына и не чувствует к нему никакой жалости. Тарас приводит в исполнение свой приговор: «Я тебя породил, я тебя убью!» Побеждая собственную любовь к сыну, Бульба убивает Андрия. Теперь его никто не может обвинить в пренебрежении идеалами Запорожской Сечи.

Очень трогательна сцена гибели главного героя. Погибая на костре, Тарас произносит речь, проникнутую любовью к Русской земле, гневом и презрением к врагам: «Да разве найдутся на свете такие огни, муки и такая сила, которая бы пересилила русскую силу». Он спокойно следит за тем, как уплывают его запорожцы. Здесь проявляется могучая сила характера Бульбы.

Николай Васильевич Гоголь был патриотом родной Малороссии. Все его творчество пришлось на эпоху Николая I. Это было время жестокого подавления свободомыслия и проявлений народного духа. Тарас Бульбы на многие десятилетия стал воплощением образа борца за независимость и справедливость, верного запорожским традициям, уверенного в победе над врагом, а повесть стала гимном свободолюбию.

В образе Тараса и его сыновей выражаются характеры всех слоев общества. Старый Тарас — это воплощение идеалов рыцарства, Андрий проявляет черты неустойчивой части казачества, которая склонна к предательству и измене, а Остап — воплощение молодой запорожской силы, зреющей в украинском народе.

Вариант 4

Тема защиты отчизны будет всегда востребована в русском творчестве. Говоря более общими категориями, то будет и была востребована историческая тематика. Почему так? Да все просто, наша страна прошла богатый исторический путь, который создавали наши предки на полях сражений, на грандиозных стройках, в лабораториях и заводах. Если затронуть смежную категорию кинематографа, то прекрасно можно увидеть тенденцию, что наиболее успешные фильмы, так или иначе, описывали исторические события: «Легенда 17», «9 рота», «Т-34». Это яркий показатель того, что и у современной аудитории история была в фаворе. То же самое относится и ко временам Гоголя, который и написал «Тарасу Бульбу».

О чем повесть? О патриотизме, о любви к родине и к вере. Тарас Бульба — яркий сторонник, того, что ничего не может быть важнее Родины. Ни семья, ни другие отвлекающие факторы ничего не значат перед важностью ее обороны от внешних угроз. Шутка ли? Двоих сыновей он безжалостно взял с собой на бойню. Потому что он и не думал, что может быть по-другому. Его сыновья должны подавать пример того, как бороться с противником. В советские времена была продолжена эта традиция, когда сыновья известных людей наравне со всеми шли погибать на войну. Вспомним Якова Джугашвили, сына Сталина, погибшего в концлагере, вспомним сына командующего ВДВ Маргелова, который выбросил на парашюте в боевой машине собственного сына.

Что касается предательства Андрия? Чем он руководствовался? Человек просто поставил частное во главе угла. Свою любовь к женщине он противопоставил любви к отчизне. Бог с ним, но зачем нужно было выходить против людей, взрастивших его. Такой поступок нельзя оправдать, это проявление эгоизма в чистом виде. Такие Андрии были и будут в истории, главное, чтобы он вредили своей Родине, а приносили пользу, как человечеству, так и новой отчизне.

Вопрос веры. Повесть дает яркое представление о том, что религия служила поводом для истребления других людей. Возможно, религия была просто поводом, чтобы лишить другие народы ресурсов. Из этого можно извлечь урок того, что религию всегда нужно направлять в нужное русло, не связанное с насилием.

7 класс

Сочинение по картине Васильева Мокрый луг 5, 8 класс (описание)

Васильев – Мокрый луг, 8 и 5 классы

Фёдор Александрович Васильев — известный российский пейзажист. Полотна этого мастера отличаются своей проникновенностью и гармонией красок. Картины Васильева занимают достойную нишу в коллекциях Трестовской галереи.

На мой взгляд, самая удивительная картина Федора Александровича — это «Мокрый луг». Ведь это полотно появилось на свет, благодаря воспоминаниям о родине. В 1871 году находясь в Крыму, Васильев тоскуя по Родине, создает пейзаж луга после грозы.

Это полотно занимает второе место на конкурсе.

Автор запечатлел для нас миг изменения погоды. Тучи начали уходить в даль, а спереди уже появляется солнце. Мокрый луг передает нам всю свежесть после дождевой погоды — такой эффект художник достиг с помощью многочисленных зеленых оттенков.

Васильев разделил небо на две части. Слева начинает проглядывать солнце, а справа мы видим темные, почти черное грозовое небо. Гроза уходит, а мы продолжаем чувствовать тяжесть природы. Чтобы показать угнетающую, тяжелую обстановку художник отдает небу большую часть полотна, а пространство поля немного уменьшает. Для нагнетания атмосферы Васильев использует белые и серые тона.

С хмурым небом на контрасте идет остальная картина. Мазки мягкие и теплые, линии плавные и гладкие.

На заднем плане мы видим несколько деревьев. Они придают полотну некую трагичность. Деревья выглядят таким поникшими и одинокими.

Кажется, что время остановилась, но картина не статична. Грозовые тучи плывут за горизонт. Чувствуется, что где-то вдаль слышны глухие раскаты грома.

Полотно Васильева наполнено своей реалистичностью. Автор смог передать всю непредсказуемость природы. Смотришь на картину, и сразу чувствуешь, такой неповторимый запах дождевой погоды. Ощущаешь будто ты один на один с природой, а на душе так легко-легко.

Сочинение по картине Мокрый луг Васильева

На картине мы видим достаточно традиционный русский пейзаж, изображенный Васильевым, как и многими пейзажистами до него. Но что-то в ней есть такое необычное и неподдающееся объяснению при первом беглом взгляде. Художник изображает Крымские просторы после дождя. Его присутствие мы ощущаем по уходящей густой и мрачноватой туче.

Как мы понимаем, что опасность миновала? Большая часть уже успела посветлеть и вот-вот появится яркое солнце. Картина четко делится на два плана: будто показывает события “до” и “после”. Можно даже мысленно провести вертикальную линию по центру.

Слева – все уже успело посветлеть и встрепенуться, даже лужица, оставшаяся в ложбинке после дождя, будто выражает готовность вот-вот исчезнуть, испариться.

Пейзажист изображает луг, похожий на блюдце – местность ровная и плоская, практически равнинная, однако, вдалеке есть намек на небольшую холмистость. Это некая контрастность ближнего и дальнего планов.

Также их противопоставление заключается в ощущаемой прозрачности воздуха – там, вдалеке еще чувствуется, что идет дождь непроходимой стеной, такой, от которой даже образовался туман. Но контраст не только в этих двух планах: левая и правая части резко различаются изображением форм. Так, слева небольшая возвышенность.

Она дает ощущение, что вот-вот появится нечто чудесное и загадочное, дает надежду не только на изменение погодных условий, но и на перемену внутреннего настроя, душевного состояния.

Художник не ограничивается изображением только перемены погодных условий.

Мы видим еще два действующих “лица” на полотне, которых объединяет одиночество – тропка, некогда проторенная, видимо, деревенскими мальчишками, пересекающая наискосок полянку, и дерево – раскидистое, широкое, стоящее поодаль. Оно, будто отстав от остальных, стремится поскорее выйти из неуютной зоны, накрытой тучей и окропленной дождем.

Туча – безусловно, главное действующее “лицо” картины. От нее зависит настроение, состояние окружающей действительности, она – “вершитель судеб”. Но, как известно, природа ее переменчива. Только что была и уже нет, уступает место яркому, жизнеутверждающему солнышку, которое своими лучами заняло намного большее пространство…

8 класс. 5 класс.

Сочинение по картине Мокрый луг Васильева 5, 8 класс

С первого момента картина “Мокрый луг”, приковывает взгляд своей завораживающей красотой. В дали безграничного пространства, виднеются два одиноких дерева, стоящих окутанными грозными тучами, в предвкушении солнечного света. Честно борясь один на один с нашедшей грозовой бурей.

Небо на картине играет немаловажную свою роль. Кажется, что небольшой просвет лучика солнца, становится как символом, по освобождению от больших и темных туч. Все темное и холодное уходит вместе с тучами, куда-то в неизвестность.

Около углубления просматривается косогор, устеленный зеленой и мокрой травой, который неумолимо пересекается с пушистыми тучами. На фасадной части картины, отображаются болотные воды, в которых пытается отблескивать солнышко. Темные тучи нависшие над землей понемногу успокаиваются.

Гроза – отступает, хоть до сих пор наблюдаются тучи: грозные и волнистые, вперемешку с солнечными лучами. Где – то отдалёно, наверное слышны еще отголоски могучей грозы. Которая упорно не хочет покидать местность.

Но все же умиротворение наступает, и с каждым отблеском света, становится теплее и уютнее. С надеждой на солнышко, мягко расстеленная трава, извивается под напором ветра.

Одиноко стоящие деревья в самом уголку, стойко выдержали порывы неумолимой грозы.

Картина полна жизни и движения. Художник превосходно отобразил всю глубину настроения. На картине отлично отображается весь объем пространства, в том числе и деревья на заднем плане, были выделены не просто так. А впереди ярко и выразительно прописана зеленая трава, делая этот луг еще привлекательнее, и обворожительный.

Так же, в центре внимания, выделен маленький пруд, который стал дополнением в этой картине. Невообразимый восторг, вызывает еще тот факт, что данная картина была написана художником не с натуры, а по памяти.

Это говорит о том, что автора очень впечатлило увиденное, и он все четко, сумел донести до нас свое невероятное впечатление.

Сочинение-описание картины Васильева Мокрый луг

Изучая русскую живопись, я столкнулась с большим количеством талантливых художников. У каждого судьба складывалась по-разному, кто-то прожил довольно длинный жизненный путь, а кто-то прошел его совсем мало.

В этот раз я наткнулась на превосходного художника Федора Александровича Васильева. Знакомясь с его биографией, я узнала, что он прожил всего лишь 23 года. К большему сожалению болезнь одолела его.

Но даже за такой короткий промежуток времени, он успел сотворить превосходные шедевры искусства.

Картина «Мокрый луг», одно из наилучших произведений Васильева. В 1871 году, художник находился в Крыму на лечение. Федор Александрович очень тосковал о родных краях. В тот момент он решает написать данную картину.

На холсте изображен момент смены погоды. Переход от грозы к солнечным лучам. Картина визуально разделяется на две части. С левой стороны небо более светлое, но все еще мрачное, а с правой, небо темное, местами темное синее. Это грозовые тучи, которые уходят вдаль. Небольшие полосы по небу, это дождь. Автор уделил именно ей большую часть картины.

Чуть ниже Васильев изобразил широкий зеленый луг. Дождь только прошел, трава и земля впитала в себя всю воду. Вспомните, какой прекрасный и свежий воздух после летнего дождя. А какой чистый и легкий воздух в том месте, которое изобразил художник. Хочется в этот момент разуться и пробежаться босыми ногами по траве, собираю капли росы. Но, к сожалению, это картина, а не реальность.

На самом горизонте изображены высокие пушистые деревья. Они темно-зеленого цвета. Деревья только по правую сторону картины. В самом центре раскинулось не большое озеро. Оно как зеркало, отражает в себе лучи солнца, которые пробиваются сквозь тучи.

Присмотритесь, как автор играет с тенями. У самого края картины, трава и луговые цветы одаренные солнцем, а чуть дальше тучи не дают ему пробраться.

Сама картина напомнила мне моменты из моего прекрасного детства, которое я провела в деревни.

Я видела такие луга, и знаю, как прекрасно очутится в тот момент, когда только-только прошел дождь, и ты полной грудью вдыхаешь эти ароматы. Ароматы свежего воздуха и луговых цветов.

Где-то вдалеке слышны раскаты грома и даже можно увидеть грозу. Это незабываемые воспоминания из детства, которые уже не вернуть.

8 класс, 5 класс

Описание настроения картины Васильев – Мокрый луг

Описание 2

Федор Александрович Васильев создавал картины посвященные красоте природы, благодаря которым он и прославился.

Картина «Мокрый луг» написана художником в Крыму. Он туда приехал лечиться. Очень скучал по родным краям, вот и получилась эта картина – настроение.

На картине застыло мгновение, во время которого меняется окружающий мир после грозы. Кажется, что основным акцентом является небо. Оно вскипело, нахмурилось. Показало свою ни с чем, не сравнимые величие, мощь. Но вот начинает приближаться солнце. Какое бы не было небо устрашающее и грозное, все равно оно уступает солнцу. Мягкие и теплые солнечные лучи настойчиво пробиваются сквозь тучи. Они рвут и рассеивают темные грозовые облака.

Рваные нити дождя над горизонтом на заднем плане с одной стороны и легкие светлые кучевые облака, с другой. Делят картину на две противоположности – ясная положительная погода слева и темная зловещая справа.

Если присмотреться более внимательно, то приходит осознание того, что не тучи главные герои картины, а сам луг. На переднем плане он показан тщательно, до отдельной травинки, отдельного цветочка. Омытый дождем и не испугавшийся пролетевшей над ним грозы он ожил после непогоды и опять жизнерадостный, светлый играющий обновленными после дождя красками. В оживших красках чувствуется желание жить и радость от жизни.

Хотя одиноко стоящее дерево печально, может от одиночества, а может оно просто притихло во время грозы и еще не встрепенулось после уходящих раскатов грома.

Небольшой водоем казалось съехавший в ложбину с обрыва, что по краю оврага, уже просветлел ликом своим. Умытый и спокойный он упирается в узенькую тропинку. Тропинка протоптана босыми ногами мальчишек прибегающих сюда поплескаться, в нагревшейся за день, теплой воде. К вечеру вся окрестность этого небольшого луга и прудика, наверное, оглашается радостными криками, плеском воды и хохотом ребятишек.

Чем больше вглядываться в картину Васильева «Мокрый луг» тем сильнее меняется настроение зрителя. С настороженного, вызванного прошумевшей над лугом грозой, оно постепенно переходит в умиротворенное, потом приходит возбуждение, желание жить, бежать босыми ногами по мокрой траве к воде. Вдыхать полной грудью живительно – чистый после грозы воздух.

Эта картина много рассказывает о самом авторе. Ведь мы видим все его взглядом. И задумываемся, о чем он тогда думал? Чего хотел?

Возникает вопрос, а что видим мы, чего хотим? Что оставим после себя.

Сочинение по картине Васильева «Мокрый луг»

Большую часть картины занимает небо. Одна его часть затянута лохматыми тёмными тучами, которые ещё совсем недавно извергали на луг водяные потоки дождя.

Но порывы ветра отгоняют их все дальше, и уже первые несмелые солнечные лучи пробиваются сквозь посветлевшее небо к мокрой земле.

Гроза уходит все дальше к горизонту, оставляя после себя залитый водой луг, насыщенный водой воздух да гулкие раскаты грома вдалеке.

Поверхность заводи покрыта рябью, и кажется, что она дрожит от холода. В воде светлым пятном отражается кусочек неба, освободившийся от зловещих туч. Дождь не истратил свои силы, он серой пеленой закрывает лес, виднеющийся вдалеке. Последние его капли ещё совсем недавно падали и на одинокие деревца, мужественно противостоящие стихии.

Природе свойственно постоянное движение и обновление. И не успели солнечные лучи добраться до земли, как она тут же отозвалась на теплое прикосновение. Поникшие, прибитые к земле ливнем тонкие стебельки травы поднимаются, тянутся вверх, как бы отряхиваясь от пережитых невзгод.

Ещё ползут по мокрой земле темные тени от лохматых туч, ещё не утих злой ветер, пригибающий деревца к земле, но гроза уже позади. Совсем скоро солнышко согреет этот луг, высушит намокшую траву, последние капли застывшего на листьях дождя упадут, и обновлённый луг заиграет новыми, яркими красками.

Зазвенит в высоком небе весёлая песня жаворонка, нежные луговые цветы поднимут к солнцу свои головки, превращая луг в изумрудный расписной ковёр.

Картина «Мокрый луг» подобна живому организму. В ней нет никаких случайных или лишних элементов. Кажется, присмотришься внимательно — и увидишь беспорядочное движение туч в потемневшем холодном небе.

Особое внимание художник уделил изображению неба. Его контрастность является символом борьбы тьмы и света.

И как в сказках добро всегда побеждает зло, так и на этом полотне солнечный свет и чистое небо обязательно окажутся сильнее мрачных туч.

После самых тяжёлых бед и несчастий всё равно наступит период обновления и рассвета. Как противовес бурлящему беспокойному небу луг изображен спокойным и тихим.

Учитель проверяет на плагиат? Закажи уникальную работу у нас за 250 рублей! Более 400 выполненных заказов!

Заказать сочинение

Бросив на картину мимолётный взгляд, можно подумать, что ничего особенного в ней нет. Обычный пейзаж, каких встретишь немало. Никаких выдающихся рельефных форм, никакой особенной растительности, никакого буйства красок.

Но именно этот намокший от ливня луг является олицетворением всей прелести и свежести природы.

И пусть знакомые с детства места не блещут яркими южными красками, голубыми водами тёплого моря, высокими пальмами и кипарисами, но от этого они никогда не станут чужими и далёкими.

Написанный молодым художником в последний год его недолгой жизни, «Мокрый луг» стал гимном любви человека к своей Родине, к природе родного края.

Русский пейзаж Васильева

Прекрасный дар достался Фёдору — он с детства любил рисовать, и у него это хорошо получалось. Художник от бога, не получивший классического образования, он оставил прекрасное наследие. Более ста полотен и эскизов заняли достойные места в музеях и галереях разных стран. Картина «Мокрый луг», как и многие другие полотна Фёдора Васильева, находится сейчас в Третьяковской галерее.

Милая сердцу Гатчина

При первом взгляде на картину она просто очаровывает. Казалось бы, на полотне изображён обычный для русской равнины пейзаж:

Луг освещён тёплыми солнечными лучами, пробивающимися сквозь поредевшие облака. Ещё недавно он был щедро полит грозовым дождём. Влажная земля парит, и оттого предметы отчётливо видны лишь на переднем плане, где каждая травинка выписана с любовью и почти фотографической точностью.
Этот луг — заливной, и воды на нём, бывает, скапливается и побольше. Об этом говорит прилегающая к водоёму лощина с пожелтевшей растительностью. Скорее всего, она уже вымокла и погибла после ещё более сильного ливня. Левее высится косогор, поросший редкими кустарниками да зелёной травой.
От правого нижнего угла картины к водоёму пролегла тропка. Она как граница между светлой лощиной с её травянистой растительностью и более выраженной зеленью разрозненных деревьев и виднеющегося на горизонте справа тёмного леса.
Взгляд останавливается на обособленной группке: это два дерева с раскидистыми кронами. Их стволы слегка наклонены влево под влиянием частых и сильных ветров, но они крепко стоят, держатся корнями за родную землю. Эта особенность и размещение центрального изображения в правой стороне картины придаёт изображению ощущение динамичности.
Бо́льшую часть всего полотна, как и на многих работах Фёдора Васильева, занимает мастерски, неповторимо выписанное небо. Чёрные зловещие тучи уже уходят дальше, они клубятся в правой части картины, над темнеющим краем леса. Но уже и там кое-где проглядывают кусочки небесной сини.

Тоска по родному краю

Художник — не писатель, в его распоряжении только карандаш, кисти и краски. Но стоит взглянуть на полотна Фёдора Васильева, и появляется ощущение, что природа, как зеркало, отразила чувства и переживания самого́ автора.

Если переводить взгляд слева направо, как будто читая «Мокрый луг» Васильева, описание превращается в рассказ о настоящем, воспоминаниях и надеждах:

Слева пейзажист изобразил возвышенность, освещённую тёплым солнечным светом. Можно провести аналогию с недавним прошлым, когда молодой художник стал знаменитым, а его произведениями интересовался даже престолонаследник.
В описании картины «Мокрый луг» есть и вторая часть, она касается надежд на будущее. Правая сторона картины более тёмная и холодная, над нею клубятся мрачные грозовые тучи. Лишь изредка проглядывает небесная синь да солнечный лучик пробивается — напрашивается аналогия со слабой надеждой на выздоровление.

И вспоминаются строки из письма к Крамскому. В них Васильев говорит, как мучительна сама мысль, что, возможно, больше не удастся увидеть любимые степи и родные болота.

Сочинение по картине Васильева Мокрый луг 8 класс

Эта картина написана знаменитым художником-пейзажистом 19-го века. В 1970 году художник сильно заболел, врачи обнаружили у него туберкулёз, ему было рекомендовано ехать в южные края. Художник принял решение поехать в Крым, но ему там особо не понравилось, он очень скучал по России. И тогда художник-пейзажист решил написать новую картину.

На холсте художник рисует природу южной России, которая не сильно поражает своей пышностью. На картине был изображён луг, после прошедшего дождя. Картину назвал «Мокрый Луг».

Картина была написана 1872 году, и она заняла 2-е место на конкурсе, которое устроило Общество поощрения художников.

И самое главное, что художник писал полотно не с натуры, а по памяти, он ранее делал эскизы совершенно с разных мест.

На полотне автор не нарисовал ни чего лишнего, ни чего яркого и масштабного. На нём просто изображен луг, по которому прошёл дождь. С правой стороны деревья, которые гнутся от ветра. С левой стороны виднеется возвышенность, уходящая вдаль и по центру картины оставшаяся вода после ливня, на ней просматривается рябь, показывающая непрерывное движение природы.

ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Субэкваториальный климатический пояс

С первого взгляда картина притягивает к себе чарующей и прекрасной природой, ведь многим этот пейзаж кажется родным и до боли знакомым. На холсте изображён луг после дождя, уходящие вдаль грозовые тучи указывают на то, что совсем недавно шёл дождь и оставшаяся лужа после него, отражает солнечные лучи, пробивающие сквозь облака и картина, тем самым, приобретает целостность всего пейзажа.

По картине можно чётко определить время года – это весна. Потому что художник отчётливо передал зрителю всю прелесть, свежесть и живость листвы. Автор тем самым хотел показать, что начало весны – это как новая жизнь, то есть её начало. Только весной природа прекрасная, чарующая и освежающе захватывающая.

Смотря на картину, можно отчётливо заметить, как небо разделено на две половины, на светлую и тёмную часть. Это как добро и зло, борющееся между собой. И, конечно, добро побеждает зло, тучи постепенно уходят вдаль и сквозь светлые облака пробиваются лучи солнца.

Если долго всматриваться в картину, то создаётся впечатление того, что листва на деревьях и трава на земле начнёт шевелиться, и по небу поплывут облака.

Современники очень сильно оценили работу художника и считали, что его картина «Мокрый луг» достойна 1-й премии. Когда художник написал картину, ему тогда было 22 года, но ему было не судьба прожить долго и счастливо. Все его работы стали такими известными, как и работы Репина, Шишкина и многих других мастеров.

5, 8 класс

Васильев – Мокрый луг

Сочинение-рассуждение Роль знаний в жизни человека 9 классСовременное общество прогрессирует и развивается. Теперь каждый его член должен обладать определенными, немалыми познаниями в разных областях науки и жизни. Наши знания должны быть не только глубокими,
Сочинения Про войну
Сочинение Птицы – наши друзья 2 классЧто мы знаем о птицах – это в первую очередь наши друзья. Если взглянуть с другой стороны, они приносят пользу, выходит они – помощники. Благодаря птицам, на огородах намного меньше вредоносных насекомых.
Пейзаж и его роль в романе Обломов сочинениеОдно из знаменитых произведений русского писателя Гончарова «Обломов» является своего рода романом, который носит исключительно социально-психологический смысл. Но, стоит справедливо заметить, что каждый читатель по своему воспринимает именно этот
История создания романа Мастер и Маргарита сочинениеДанный роман имеет мировую известность. По его сюжету поставлено множество спектаклей и снято кинокартин. Произведение является культовым и вызывает многочисленные споры и обсуждения и по сегодняшний день. История его создания
Сочинение Если бы я был волшебником 5, 6 классЧто бы я делал и как бы прожил свою жизнь, если бы я был волшебником? Вопрос очень интересный и ответ можно дать не сразу, так как необходимо очень хорошо подумать. Многие захотят иметь большие деньги, роскошные машины и апартаменты, но к удивлению,

ActionTeaser.ru – тизерная реклама

Феномен “художественного происхождения” пейзажиста Федора Александровича Васильева всегда удивляет всякого, кто так или иначе соприкасается с его творчеством. Искусствовед Л.И.

Иовлева отмечает, что на горизонте русского искусства 1860-х годов он возник лет в восемнадцать, почти мальчиком-самоучкой. Но как-то неожиданно, почти внезапно вошел на равных в число ведущих художников того времени.

На “равных” участвовал с ними на выставках, на “равных” побеждал в конкурсах и в два-три года достиг таких профессиональных успехов, на завоевание которых у других уходили годы, а порой и целая жизнь.

Веселый, остроумный и темпераментный юноша, Васильев был болен чахоткой – неизлечимой в то время болезнью. Он уехал в Крым и последние два года прожил в Ялте.

На ялтинских улочках осыпался миндаль, распускались розы, “иудино дерево” одевалось в пышный густо-розовый наряд, цвели магнолии, крупные кисти глициний свисали с гибких плетей-ветвей. Но художником владела неодолимая тяга к родным краям, к неброской прелести русской природы.

В Ялте Васильев долго еще изображал старые, знакомые и до боли сердечной дорогие ему северные мотивы. Среди альбомных рисунков, где он делал карандашные зарисовки новой для него крымской природы, есть зарисованные по оспоминаниям пейзажи средней полосы России.

В Крыму Васильевым была написана и картина “Мокрый луг”, один шедевров русской пейзажной живописи. На ней не будет ни могучих гор, ни кипарисов, ни пышных южных цветов, ни лазурного моря – всего лишь омытый дождем мокрый луг под огромным небом, несколько деревьев вдали да бегущие по влажной траве тени гонимых ветром туч.

Уходит гроза, но небо еще кипит и бурлит.

С грозной торопливостью несутся и сталкиваются косматые тучи, еще слышны раскаты грома – все в картине полно движения, все живет и дышит: и гнущиеся под порывами ветра деревья, и подернутая рябью вода, и небо.

Даже особенно небо, проникнутое типично Васильевским настроением, которое противопоставлено на полотне зловещим тучам, еще низвергающим потоки дождя на виднеющийся вдали лес.

Небо в полотнах Васильева всегда играет значительную роль, а в “Мокром луге” оно является едва ли не главным средством выражения поэтической мысли художника.

Сверкающий теплый просвет в облаках, отраженный в воде и поддержанный отсветами на земле, ведет борьбу с огромными темными и холодными тучами и бегущими по земле тенями.Как бы в противоположность напряженности неба вся остальная часть пейзажа предельно проста и линии рисунка ее мягче, спокойнее.

Каждая деталь картины (а их на этом полотне много) – это вариация основной темы, но все детали так растворены в целом, что их познаешь только при очень внимательном рассмотрении.С первого взгляда “Мокрый луг” располагает к себе зрителя простотой и привычностью мотива.

В глубине широкой низины высятся два развесистых дерева. Далеко за ними, в сизой дымке леса, проступает полоска неба. Вдоль низины тянется обрывистый косогор, а впереди – почти в центре – блестит болотистая заводь с топкими берегами.

Вот, собственно, и все, что изображено на полотне Федора Васильева.

Но современники его видели в этой картине больше, чем даже обобщенный образ родной художнику северной природы. Картина захватывает зрителя необычайной глубиной одухотворенного пейзажа, непосредственностью чувств и настроений, вложенных в нее.

Природа у Васильева никогда не представляется “холодной, вечной и равнодушной”. Он непрестанно искал в ней гармонию, чистоту. Выраженные в “Мокром луге” настроения борьбы и сопротивления – с одной стороны, а с другой – грусть и меланхолия покоряют и невольно заставляют возвращаться к печальной биографии ее 22-летнего автора.

Композиция “Мокрого луга”, как уже говорилось, предельно проста и непринужденна, и в то же время трудно представить себе более продуманное и монументальное произведение.

В картине легко различить композиционный центр, к которому сходятся основные линии пейзажа – очертания косогора, берега заводи, тропинки, границы света и тени на лугу, полоса леса. Зрительным центром, организующим всю картину, является темный силуэт двух могучих деревьев.

Васильев сместил его вправо от геометрического центра, и именно поэтому картина не выглядит статичной.Удивительно плавно и рельефно разворачивается в “Мокром луге” пространство, особенно небо с его кипением и бурлением, с его игрой света и с его космической бесконечностью.

И вместе с тем каждый кустик травы на переднем плане с ботанической точностью воспроизводит растительность средней полосы России.”Мокрый луг” был представлен на конкурс Общества поощрения художников в Петербурге в 1872 году и получил вторую премию (первая была присуждена картине И. Шишкина “Сосновый бор”).

Когда глава передвижников Крамской увидел “Мокрый луг” Федора Васильева, он был потрясен. И весенняя чистая зелень, и летучий свет, и неслышный ветерок, зарябивший воду в зарастающем русле реки, и невидные капли дождя на влажной листве деревьев – все говорило о художнике необыкновенном и чутком к “шуму и музыке природы”.

ActionTeaser.ru – тизерная реклама

Описание картины «Мокрый луг» Ф.Васильева

Художник: Фёдор Александрович Васильев Название картины: «Мокрый луг» Картина написана: 1872 г. Холст, масло. Размер: 70 × 114 см

Жизнь этого мальчишки, прожившего на свете 22 года, поражает и поистине феноменальна. Но стоит ли называть мальчишкой Ф. Васильева, сбежавшего с тепленького местечка в почтовой службы в Петербург, где начал учится в Рисовальной школе, попутно подрабатывая реставратором? Сказать, что он «с детства проявлял интерес» к рисованию – ничего не сказать. Он появился на художественном Олимпе России внезапно. Восемнадцатилетнего самоучку выставляли наравне с Крамским, Шишкиным и Репиными, называли «чудо-мальчиком», весельчаком и насмешником, говорили о том, что он родился в рубашке. Поразительно? Еще больше поражает то, что за пару лет он стал находиться на том профессиональном уровне, которого многие достигали годами. Начали ходить различные мистические слухи о его таланте, но они не подкреплялись фактами. Среди родственников молодого художника позже появился и сам Шишкин, за которого вышла замуж его сестра.

Если посмотреть на портреты молодого щеголя, никто бы и не сказал, что по ночам он работает в реставраторской мастерской. Руки, обтянутые лимонными перчатками, цилиндр на коротких волосах, постоянное присутствие на гуляниях и выставках, остроты и звонкий заразительный смех привлекали к себе молоденьких барышень всех социальных слоев. Но никто из них не знал, что живет Васильев в убогой комнате, напоминающей клетку, и рисует пейзажи, которые могут отогреть даже самое черствое сердце, ведь наполнены искренним чувством, простотой и поэзией.

Зимой 1870 года живописец заболел воспалением легких, которое впоследствии обострилось до туберкулеза. Врачи единогласно рекомендовали Васильеву морской воздух, и он отправился в Ялту. Там и появилось полотно «Мокрый луг», написанное по памяти. На конкурсе картина завоевала 2 место, а художник признался, что основой стали эскизы, сделанные ранее в разных местах.

Здесь нет монументальных изображений, насыщенных красок – васильевская концепция живописи состоит как раз в освобождении ее от условностей и приемов. Все это нашло все воплощение в мокром лугу, только-только омытом дождем, небольших деревьях в правой части картины, гладкой заводи, с берегов которой виден косогор.

Казалось, время на картине остановилось, но она не статична. Тучи убегают вдаль, а деревья гнутся от ветра. Вода, на первый взгляд кажется гладкой, но если присмотреться, то по ней бежит легкая рябь. Это противостояние стихий не агрессивное, но довольно четко прослеживается в небе, которое становится самостоятельным персонажем холста.

Пусть гроза уже минула, но небо уже живет своей жизнью. На нем неторопливо ползут облака, и, кажется, что вдалеке слышатся громовые раскаты. Если вы увидите это полотно в Третьяковке, то непременно увидите, что оно живет в своем мире. Его голубые и белые чистые облака будто вступают в борьбу со зловещими тучами вдалеке, отправляющими потоки дождя на землю.

О небе на картинах Васильева можно говорить много, ведь чаще всего таким способом выражается мировоззрение художника. Вода отражает просвет облаков, который играет бликами и по траве, уничтожая мрачные тени от грозы.

Небо с грозовыми тучами напоминает северное, настолько низко оно расположено по отношению к земле. Художник пишет его по памяти – поэтому переплелись суровые темные краски и жизнерадостность средней полосы России. Небеса разделяются на две части, два мира. Один из них светлый, который ждет солнце, вступающее в свои права. Второй – мрачный, с господствующими черными тучами. Насыщенно-голубые краски переплетаются с черными таким образом, что довольно сложно понять, где начинается один мир и заканчивается другой.

«Мирской» мокрый луг прост. Его зеленые краски нарисованы мягкими линиями, а умытый цвет изумрудной травы завораживает своей жизненной силой. На картине очень много деталей: коряги возле заводи, травы, холмы, деревья, покрытые дымкой, тропинка, которую практически не видно. Все эти непостижимые, на первый взгляд, мелочи, переплетены друг с другом и вы можете лишь увидеть только при очень внимательном рассмотрении холста.

Эта картина потрясает своей простотой, которая кажется самым прекрасным из всего, что вы когда-либо видели. Мотивы «Мокрого луга» привычны для каждого человека, ведь в родной местности найдется такой же уголок.

Пара деревьев с развесистыми ветвями на фоне низины, сизая дымка леса, скрытая за горизонтом, навеивают ощущение чего-то близкого и родного. Вдоль низины изображен косогор, а в центре картины – заводь с зелено-голубой водой и тонкими берегами табачно-коричневого оттенка. Это вся композиция полотна. Она простая и непринужденная, но произведение называют монументальным и продуманным до мельчайших подробностей. К центру композиции стекаются очертания косогора, заводь, тропинки. Зрительный центр, на который сразу обращается внимание – это два дерева в правой стороне. Такое смещение смягчает статичность картины и делает ее похожей за замедленный кадр видеосъемки.

Тем не менее, каждый, кто увидел этот пейзаж, непременно почувствует, сколько эмоций и сил вложил в него художник, искавший гармоничность и чистоту природы, которую вспоминал в Ялте.

В этой картине мы почти слышим грустный лирический мотив приближающейся смерти. Кажется, что борьба грозовых туч символизирует желание молодого человека жить, а вот умиротворенный «нижний» мир, наоборот, отсылает нас к грустному успокоению, или даже, умиротворению.

Посмотрите на «Мокрый луг» еще раз – вы увидите объем и пространство почти космического уровня, услышите чистые и свежие ароматы умытого грозой мира, а кроме этого вдохнете полной грудью влагу, живительную и необходимую.

Эту картину критики и современники Васильева не зря назвали «лебединой песнью» молодого художника. Пусть при жизни тратил гонорары на безделушки для матери и сестер, вел довольно праздный образ жизни и был обласканным «Морнинг пост» и российской богемой, мы никогда не узнаем, что творилось у него в душе.

…Васильеву, как известно, на выставке в Академии искусств присудили вторую премию, первую отдали признанному мэтру Шишкину, но именно «чудо-мальчик» был первым художником, который показал нам небо.

Сочинение по картине Ф. А. Васильева «Мокрый луг»

Сочинение по картине Ф. А. Васильева «Мокрый луг»

Фёдор Александрович Васильев — выдающийся русский пейзажист. Его талант был поистине удивителен, несмотря на то, что у Васильева практически не было художественного образования. Но этот художник-самоучка быстро вошёл в число самых известных художников того времени. Он неоднократно побеждал в конкурсах, что свидетельствует о его незаурядных способностях.

Картина «Мокрый луг» была написана Ф. А. Васильевым в 1872 году. Картина находится в Государственной Третьяковской галерее.

На полотне изображён особый момент. На небе видны тучи. Но, несмотря на это, небо начинает светлеть. Погода неуловимо меняется.

В центре картины мы видим луг, который омыт дождём. Свежесть и яркость этого луга создаёт особое ощущение. Нельзя не восхититься красотой и гармонией природы. На заднем плане изображены деревья.

Каждая деталь на картине имеет своё значение, которое нельзя недооценить. Только благодаря их совокупности создаётся ощущение реальности, многократно усиленное многочисленными цветовыми оттенками.

Очень интересна история создания этой картины. Летом 1871 года художник был в Крыму. Именно там он начал писать картину «Мокрый луг». При этом писал не с натуры, а опирался на прошлые впечатления и использовал собственные зарисовки.

Картина была завершена только в следующем году. Тогда же, в 1872 году картина получила почётную вторую премию на конкурсной выставке Общества поощрения художников. Сначала картину «Мокрый луг» хотел купить великий князь Николай Константинович. Но его опередил Павел Третьяков.

Картина «Мокрый луг» по праву считается шедевром русской пейзажной живописи. Художник смог выразить свои чувства, свою любовь к родной природе. На первый взгляд, в картине нет ничего грандиозного и величественного. Здесь изображён самый обычный луг после дождя. Но этот луг на самом деле необычен. Он олицетворяет собой всю красоту, свежесть и обаяние русской природы.

Только что прошла гроза. И небо всё ещё не успокоилось — на нём мы видим огромные тучи. В картине нет статичности. Всё живёт и двигается, и это отчётливо ощущает зритель. Деревья гнутся под яростными порывами ветра, на воде видна рябь. Вдали находится лес. И там ещё идёт дождь, как будто тучи никак не хотят отказаться от своей власти над миром.

Небо на картине «Мокрый луг» имеет особое значение. Среди облаков заметен просвет. Он отражается в воде и кажется символом освобождения от огромных и зловещих туч. Просвет в небе олицетворяет победу света над тьмой. Жизнь продолжается. Всё тёмное, мрачное, холодное уходит вместе с тучами, оставляя мир чистым и обновлённым.

Небо на картине обладает своим характером — очень и очень непростым, противоречивым. А остальная часть картины, напротив, очень проста. Зритель видит привычный незатейливый пейзаж. Развесистые деревья стоят в низине. Полоска неба видна среди леса.

Обрывистый косогор проходит вдоль низине. В центре видно болото, которое блестит, когда на него падает свет. Это самый обычный российский пейзаж. На первый взгляд, он вряд ли может поразить воображение зрителя.

Но, оказывается, современники художника смогли разглядеть истинный характер произведения. Пейзаж на этой картине выглядит одухотворённым. Здесь ощущается искренность чувств и особые проявления эмоций. Ф. Васильев никогда не изображал природу равнодушной, бесстрастной, холодной.

Он видел в ней душу и гармонию, поэтизировал её. И поэтому на картинах его пейзаж выглядит живым, искренним и неповторимым.

Композиция картины «Мокрый луг» проста и продуманна одновременно. В картине есть центр композиции. К нему сходятся главные пейзажные линии, это очертания косогора, берега, тропинки, полосы леса. Два дерева являются зрительным центром, на который опирается картина.

Пространство показано рельефно и реалистично. На небе происходит движение туч. Игра света и бесконечность неба показаны точно и достоверно. Но в то же время художник заметно идеализирует всё, что изображает. Каждая травинка и кустик олицетворяют богатство растительности средней полосы России.

Картина «Мокрый луг» произвела неизгладимое впечатление на главу передвижников И. Крамского. И это неудивительно. Ведь Ф. Васильев смог передать те неуловимые оттенки человеческих чувств, которые возникают при взгляде на природу.

На этой странице искали :

сочинение по картине васильева мокрый луг
сочинение по картине ф а васильев мокрый луг
сочинение мокрый луг
сочинение по картине мокрый луг васильев
сочинение по картине васильева мокрый луг 8 класс

Сочинение Мокрый луг Васильева

Перед собой я вижу картину автора Фёдора Васильева «Мокрый луг». Эта картина изображает природу русской души. Настроение этой картины напряжённое, грубое и слегка вызывающее. Об этом нам говорят тона и оттенки, использованные автором. Все они являются тяжёлыми к восприятию глаза. В них нет лёгкости. Возникает ощущение, что картина массивна.

Пейзаж представляется нашей природой, заключённой в обширные поля и большую территорию. Может быть это и есть подтекст художника, что Россия – территория, как бы с заглавной буквы. Мы видим действительно далеко простирающуюся землю, которая покрыта достаточно ярко-зелёной, свежей травой. Из этого можно сделать вывод, что на картине изображено лето.

В левой части виднеются холмы, в правой же наоборот, близлежащие деревья, за которыми, наверняка, то же целые поля таких деревьев. Они имеют широкую, царскую крону, выглядящей массивно, даже издалека.

Прямо по центру пейзажа мы можем разглядеть водоём, возможно некое озеро, которое на мгновение может показаться зеркальным. Оно как бы отражает высоко плывущие облака вперемешку с надвигающимися тучами. Или же, может быть наоборот, уходящими.

Картина называется «Мокрый луг», который совсем и не кажется мокрым, возможно потому, что действие дождя ещё не произошло.

Вернёмся к озеру. Оно всё блистает светло-золотистыми тонами, делающими его ярким. Озеро словно приветствует и оживляет своей красотой. По левому берегу водоём отделён такой же яркой, зелёной травой, постепенно перетекающей в более высокие растения на передний план. Справа, на берегу, простирается как бы высушенная, жухлая трава. А спереди можно заметить много интересных растений, среди которых встречаются цветы и просто листья. От озера в боковую сторону простирается тропинка, вытоптанная людьми, не раз проходящими по этому пути. Ну а как не ходить к такому прекрасному виду природы?

Эта картина несёт на первый взгляд тяжёлые эмоции, но чем больше смотришь на неё, тем больше понимаешь, что величественная природа может оставлять только хорошее впечатление.

На этом лугу наверняка живут его обитатели. И если бы они могли, то гордились бы таким домом.

Другие темы: ← Мокрый луг↑ Васильев

Источник

9 Б класс

Химия

21 декабря п. 23. 22 декабря оформить практическую работу, сформулировать вывод.

Русский язык

16.12. -параграф215, стр. 100 изучить опорную запись,

упражнение № 168 20.12. – параграф 215, упражнения №162, 172. 21.12. – параграфы 213-215, упражнение №173 задания 1-2.

Геометрия

пункт 101,102,103 прочитать, № 1041,1042, задания на прикреплённом файле.

Иностранный язык Абдусаламова П. А.

17.12.2021г- упражнение 7 страница 47(выполнить письменно) 20.12.2021г- упражнение 7 страница 49(написать письмо другу о новостях из своей жизни, используя план из раздела Train your brain) 22.12.2021г.- прислать аудисообщение с чтением одного из текстов на выбор с прикреплённого фото в группе класса в вайбере.

Биология

§26,27,конспект, термины

Литература

16.12. — М.Ю.Лермонтов. Чтение и анализ стихотворений «Нет, я не Байрон, я другой…», «Молитва», «Парус», «И скучно, и грустно…» 17.12 — М.Ю.Лермонтов. Чтение и анализ стихотворений «Смерть поэта», «Поэт», «Пророк», «Я жить хочу! Хочу печали…», «Есть речи – значенье…» Литература22.12. -Адресаты любовной лирики М.Ю.Лермонтова и послания к ним. «Нет, не тебя так пылко я люблю…», «Расстались мы, но твой портрет…», «Нищий».

История

16 12 – Параграф 24 страница 206 вопрос 2, страница 209 вопросы 1 и 2 20 12 – параграф 25 видеорассказ

География

Параграф 25. Европейский Север: освоение территории..Составить в тетради краткий конспект Параграф 25, отметить города на карте , вопросы устно

Информатика
Тема: Сортировка массива ДЗ параграф 2.2.6 стр 71-76 видео https://resh.edu.ru/subject/lesson/3047/start/ выполнить тренировочное задание скрин выслать на почту
Иностранный язык Украинцева Г. В.

Стр.40, тексты А, Б, С Пролушать видеозапись и письменно ответить на вопросы написать письмо ( текст письма в группе класса)

Физика: повторить §27-29, стр. 340 №46, §30,31,упр. 29 №2, упр. 30 №3, §32, вопросы

ОБЖ: стр.196-200

Физическая культура

Тема «Первоначальное освоение техники приёмов закаливания.»

Д.З. Правила проведения массажа.

Алгебра: выполните тест: https://edu.skysmart.ru/student/faxisivazo, Решите неравенства (фото в группе класса), № 290 г, д

10 класс

Химия

21 декабря повторить функциональные группы производных углеводородов.

История

параграф 17 видеорассказ

Обществознание

параграф 17 вопросы для самопроверки

Математика (геометрия)

пункт19,20,21 прочитать, теоремы и № 144,153 оформить в тетрадь, №143, 165, задания на прикреплённом файле

Биология

§ 23,24,25, конспект, термины

География

Изучить параграф16, вопросы устно

Русский язык упр.35 задание 16 ( приблизительно 100- 150 слов)

Родной русский язык — упр.37 задание 2,3; упр. 39 задание 3,9

Физическая культура

Девушки: Повторить все изученные элементы на гимнастическом бревне и составить упражнение.

Юноши: Выполнить упражнения для развития силовых способностей:

1.упор лежа на согнутых руках-30-45 сек.

2.упор лежа на локтях 30-60 сек.

3.Сгибание и разгибание рук в упоре лежа (Отжиминия): 4-5 подходов по 8-10 отжиманий.

4.Подъем туловища и ног 90⁰ из положения лежа.15-20 раз.

Проект
Тема: структура индивидуального проекта ДЗ создать структуру будущего проекта
Информатика
Тема: Арифметические операции в позиционных системах счисления ДЗ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5423/conspect/35984/ выполнить тренировочные задания. Скрин выслать на почту

Иностранный язык Еремина Н. П. Учебник стр 60 упражнение 18 (аудирование) файл прикреплён дневник.ру Упражнение 19 ( письменно) стр 63 упражнение 30

ОБЖ: §14, вопросы

Иностранный язык Насырова В. И.

1.Учебник стр. 72 упр. 73 (письменно)

11 класс

Химия п. 16

Литература16.12. — А.А. Блок. «Стихи о Прекрасной Даме».

Литература, литература (злектив)17.12 — Сдача сочинений по творчеству Горького. Тема страшного мира в лирике А. Блока: «Ночь, улица,фонарь, аптека» и другие стихи.

Русский язык, родной русский язык20.12. и 21.12.– Сочинение по варианту 4.

Литература 22.12- Тема Родины в лирике А. Блока. «Россия» и другие стихи.

История – Личность и деятельность Петра 1.

Обществознание – 20 12 параграф 12 вопросы для самопроверки 22 12 параграф 12 учим устно для опроса. Для тех кто сдает ЕГЭ страница 142 письменно

Биология — § 65, конспект, термины

География Параграф 13изучить .Выполнить Практическую работу№ 1 «Сравнительная характеристика двух стран Западной Европы (по выбору)»

Физическая культура

Девушки: Повторить все изученные элементы на гимнастическом бревне и составить упражнение.

Юноши: Выполнить упражнения для развития силовых способностей:

1.упор лежа на согнутых руках-30-45 сек.

2.упор лежа на локтях 30-60 сек.

3.Сгибание и разгибание рук в упоре лежа (Отжиминия): 4-5 подходов по 8-10 отжиманий.

4.Подъем туловища и ног 90⁰ из положения лежа.15-20 раз.

Проект
Тема: Оценка учебного проекта (исследования) ДЗ Проверка проекта на наличие ошибок структуры и содержания.
Информатика
Тема: Исследование химических и биологических моделей ДЗ создание модели биоритмов в приложенном файле
Математика №,525,526,527,528, №529,530,531, №535,539,540 п.55 Конус №547,548

Иностранный язык Абдусаламова П. А.
16.12.2021г-упражнение 64 страница 63(выполнить письменно)

20.12.2021г- упражнение 68 страница 65

21.12.2021г- упражнение 74 страница 66

ОБЖ: §14, вопросы

Источник

В каталоге 21 лот: двенадцать живописных работ, четыре листа оригинальной и один — печатной графики, две работы в смешанной технике, одна скульптура и одна икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 410 и 96-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 410-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 17 декабря, в 12:00.

Начинаем наш рассказ с иконы «Святитель Николай Чудотворец», созданной в середине — третьей четверти XVII века в Москве.

Икона «Святитель Николай Чудотворец». Середина — третья четверть XVII века. Москва
Дерево, левкас, темпера. 32,5 × 26,5 × 5

Молитвенник за тех, кто в беде, святитель Николай горячо и искренне любим людьми на всех континентах, и вряд ли на свете найдется хоть один православный храм, где нет его икон или фрески с его изображением.

Святитель Николай Чудотворец, архиепископ Мир Ликийских, прославился как великий угодник Божий. Дни памяти Николая Чудотворца:

6 (19) декабря — день праведной кончины;
9 (22) мая — день прибытия мощей в город Бари;
29 июля (11 августа) — рождество святого Николая;
каждый будничный четверг.

Святитель является защитником всех, кто путешествует по суше и по морю; он покровительствует воинам, мореплавателям, земледельцам и детям; его считают своим покровителем торговцы, банкиры, студенты, парфюмеры, а также все оклеветанные и невинно осужденные.

Никола Заступник защитит каждого по вере его. Многочисленные чудеса, явленные иконой и молитвой Николай Чудотворцу, исцеляют не только от болезней, но и от неправедного навета, примиряют враждующих. Святитель помогает обрести семейное благополучие и счастье материнства, вырастить здорового ребенка, найти выход из, казалось бы, безвыходного положения (по материалам: pravoslavie.ru, pravmir.ru, kurer-sreda.ru).

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

СВЕРЧКОВ Николай Егорович (1817–1898) Вороной жеребец конного завода Н. Н. Богданова (?). 1887
Холст, масло. 57,8 × 71

Холст «Вороной жеребец конного завода Н. Н. Богданова (?)» (1887) создан кистью Николая Егоровича Сверчкова — живописца, рисовальщика, литографа, скульптора, одного из крупнейших художников-анималистов второй половины XIX века, автора жанровых работ, портретов, композиций на сюжеты из российской истории.

Н. Е. Сверчков родился в 1817 в Санкт-Петербурге. Его отец служил старшим конюхом в придворных конюшнях, мальчик с детства полюбил лошадей, разбирался в них, знал их повадки. Не удивительно, что в будущем основными темами его произведений стали изображения лошадей — портреты, лошади в тройках, охотничьих, жанровых и батальных сценах.

С 1827 по 1829 учился в Воспитательной школе при ИАХ у баталиста и анималиста А. И. Зауервейда. Окончил Петропавловское училище, с 1833 служил в хозяйственном департаменте Министерства внутренних дел. В 1839 за экспонированные на академической выставке картины удостоен звания «свободного художника портретной живописи».

В 1842 ушел в отставку в чине коллежского секретаря, чтобы всецело посвятить себя живописи (избрав, по его собственным словам, «… русский быт, наши охоты и путешествия по России»).

С 1840-х — художник Хреновского и Чесменского государственных конных заводов (ряд работ этого периода был объединен в цикл иллюстраций для «Альбома коннозаводчиков с портретами заводских жеребцов и маток лучших заводов в России, писанных с натуры и литографированных художником Сверчковым»», выпущенного издательством Фельтена (1846–1850).

В 1852 за картину «Помещичья тройка, пересекающая на всем скаку цепь обоза, тянущегося по большой дороге» удостоен звания академика «по живописи народных сцен», а в 1855 за картину «Дорожные» — звания профессора живописи.

В конце 1850-х — начале 1860-х жил и работал в Париже, Лондоне, Брюсселе.

В историю русского искусства Н. Е. Сверчков вошел как выдающийся иппический живописец, непревзойденный мастер конного и коннозаводского портретов, крестьянского жанра, изображений русской псовой охоты и ямских троек.

Работы мастера представлены в ГТГ, ГРМ, Пермской художественной галерее и т.д. Значительной коллекцией работ Н. Е. Сверчкова обладает Государственный научно-художественный музей коневодства в Москве (созданный на базе бывшего собрания коннозаводчика Я. Бутовича).

«Изображения чистокровных лошадей занимают особое место в творчестве Сверчкова, составляя значительную часть его живописного наследия, — отмечает эксперт. — Принадлежащие кисти художника портреты лучших представителей орловской породы, победителей рысистых бегов и иных спортивных состязаний, почти на протяжении полувека пользовались неослабевающей популярностью у российской публики и снискали Сверчкову славу непревзойденного коннозаводского портретиста.

Заказчиками мастера в разные годы были императрица Мария Федоровна, великие князья Александр (будущий император Александр II) и Константин Николаевичи; князья Гагарины, А. С. Голицын, С. Г. Строганов; известные отечественные коннозаводчики и владельцы скаковых конюшен.

Год создания исследуемой картины и инициалы владельца лошади (“Н.Б.”), украшающие попону, позволяют с достаточной долей вероятности предположить, что на портрете запечатлен один из жеребцов конного завода Николая Николаевича Богданова. (У Богданова, в имении Михайловка Ардатовского уезда Симбирской губернии, Сверчков работал именно в 1887–1888 годах, выполнив ряд портретов лучших жеребцов.)».

ДУБОВСКОЙ Николай Никанорович (1859–1918) Закат на берегу залива (Из поездки в Бретань). 1899
Холст, масло. 53,5 × 71,5

Николай Никанорович Дубовской — одна из крупнейших фигур в искусстве русского «пейзажа настроения». На протяжении фактически двадцати лет Дубовской был главным идейным вдохновителем Товарищества передвижных художественных выставок, оберегая его ценности в непростое для объединения время. Художник был глубоко убежден, что искусство должно быть неотделимо от этических принципов, которые в него вкладывали близкие Дубовскому народнические круги общества. Он говорил: «В искусстве много сторон, и чисто красочные разрешения нам тоже нужны, но что дороже: внешний лоск, который завтра же будет побит еще более нарядной живописью, или внутреннее, духовное содержание вещи, которое навсегда останется ценным? Форма есть средство для воплощения идеи, а не главная цель».

Николай Дубовской родился в 1859 году в семье потомственного казака. В 1877 году в качестве пенсионера войска Донского поступил в класс пейзажной живописи ИАХ, учился у М. К. Клодта, удостоен нескольких поощрительных серебряных медалей. В 1882-м оставил Академию, не окончив курса.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже занимался портретом. В 1890-х — 1900-х неоднократно совершал поездки на Дон, Азовское море, Волгу, на Кавказ. Летние месяцы часто проводил на этюдах в Силламяэ на Балтийском побережье. Много путешествовал по европейским странам, побывал в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии.

В 1898 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. С 1911 — профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1910 — действительный член Общества художников им. А. И. Куинджи. Один из организаторов Союза деятелей искусств Петрограда. Коллекционировал живопись и графику русских художников, свою большую коллекцию завещал родному городу Новочеркасску. Оставил большое творческое наследие.

Еще в 1890-е годы Дубовского ставили в один ряд со знаменитейшими пейзажистами его эпохи: И. К. Айвазовским, И. И. Шишкиным, В. Д. Поленовым, И. И. Левитаном. В 1900 году три произведения Николая Никаноровича («Штиль», «Вид монастыря», «К вечеру») участвовали в экспозиции Всемирной выставки в Париже и удостоились малой серебряной медали. А об успехе картины «Родина» (1900–1905), представленной на Всемирной выставке 1911 года в Риме, автору писал из столицы Италии восхищенный И. Е. Репин: «Ах, какая это вещь! Лучший пейзаж всей выставки, всемирной, римской! Вас, Николай Никанорович, я особенно поздравляю! Еще никогда Вы не были так великолепны и могущественны. Оригинальная, живая и красивейшая картина!!!» (artinvestment.ru).

П. М. Третьяков не раз приобретал произведения Дубовского в свое собрание, а картину «Притихло» в 1890 году прямо с XVIII Передвижной выставки приобрел император Александр III (теперь картина в Русском музее), а П. М. Третьяков попросил художника написать для его коллекции ее второй вариант.

В 1890-х — 1900-х годах Дубовской много ездил по России и часто бывал за границей, в частности в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии. Эксперт отмечает, что «характер изобразительного мотива и основополагающие особенности его художественного воплощения» сближают «Закат на берегу залива (Из поездки в Бретань)» (1899) «с рядом эталонных пейзажей, созданных Николаем Никаноровичем Дубовским в 1898–1899 годах по материалам из путешествия по Атлантическому побережью Бретани. Во время путешествия мастером была исполнена большая серия натурных этюдов (всего — около тридцати работ), часть которых впоследствии легла в основу нескольких завершенных полотен».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Николай Дубовской».

ЛАРИОНОВ Михаил Фёдорович (1881–1964) Пейзаж с цветущими деревьями. Конец 1890-х — начало 1900-х
Холст, масло. 20 × 23

К концу 1890-х — началу 1900-х годов, относит эксперт холст «Пейзаж с цветущими деревьями» Михаила Федоровича Ларионова, одного из ведущих мастеров русского авангарда начала ХХ века. О М. Ларионове мы, как правило, рассказываем в разделе произведений художников Русского Зарубежья, поэтому особенно интересно обратиться к его доэмиграционному творчеству.

В 1898–1910 (с перерывами) Ларионов учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова, И. И. Левитана. Именно временем «обучения в МУЖВиЗ и создания натурных “серых” этюдов, сдержанных по колориту, часто с вкраплением зеленого цвета и пастозных по фактуре» эксперт датирует работу. «Многие из подобных пейзажей, — отмечает эксперт, — были выполнены в родном городе М. Ларионова — Тирасполе на границе с Бессарабией, где родился Ларионов и куда часто приезжал. И в последующие годы мастер черпал вдохновение из детства — улочек Тирасполя; бабушкиного сада; военной крепости Бендер, где служил отец будущего художника; колоритной многоязычной и многонациональной Одессы с ее теплым морем.

Ларионов вспоминал о своем детстве: “Прогулки, начинавшиеся до восхода солнца и длившиеся до самого позднего вечера. Это главное и основное воспитание моего духа и чувства”. “Природная среда — а это не только степь, окружавшая крепость, но и огромный бабушкин сад с абрикосовыми деревьями и кустами роз — стала основой и его склонности к пейзажу (шире — пейзажного мышления), и той светлой, поэтической составляющей ларионовского искусства, которую отмечают все его исследователи. Много позже художник напишет, что образ счастья связан для него на с «физическим благополучием… или успехом (успех еще модно подумать), и даже не особенно с любовью — но, как-то странно, всегда… — с поздним солнечным утром… и временем поближе к осени», проведенном на Днестре или Лонжероне”».

Как отмечает специалист по творчеству художника Г. Поспелов, живописные произведения Ларионова начала 1900-х годов отличаются этюдностью наложения красок, равно как и «акцентом на живописном слое работы, приобретавшем в ту эпоху все большую самостоятельность» (Поспелов, Г.Г., Илюхина, Е.А. Михаил Ларионов: живопись, графика, театр / под ред. А. Сарабьянова. М.: Русский авангард; Галарт, 2005. С. 34).

Михаил Ларионов и Наталья Гончарова покинули Россию в 1915 году. Большое собрание их картин и личных вещей по распоряжению архитектора Н. Д. Виноградова, основавшего в 1918 году МХПСИ (Московское хранилище произведений современного искусства), было перенесено в хранилище из старой квартиры художников в Трехпрудном переулке.

«Исходя из надписи на обороте, — пишет эксперт, — можно сделать вывод, что экспертируемое произведение происходит из собрания Л. Ф. Жегина (Шехтеля) (1892–1969), русского живописца и графика, близкого друга М. Ларионова и Н. Гончаровой. В середине 1920-х Жегин по просьбе Ларионова стал разыскивать работы творческой пары, оставшиеся в Москве и хранившиеся в МХПСИ. Найденные произведения были предложены на закупку в музеи. Основной пласт работ Ларионова и Гончаровой Л. Жегин и сотрудник ГТГ Ю. Соколов смогли переправить в Париж. Некоторые картины, обычно небольшие ранние пейзажи и жанровые композиции, остались у Жегина, с которым М. Ларионов в течение продолжительного времени продолжал поддерживать дружеские отношения».

Искусство художников Русского Зарубежья

АЛЬТМАН Александр (1878–1932) Осень в провинции. 1920–30-е
Холст, масло. 92 × 73

1920–30-ми годами датирует эксперт среднеразмерный холст «Осень в провинции» Александра Альтмана.

Александр Альтман родился 28 февраля 1878 в деревне Соболевка Киевской губернии в бедной еврейской семье. Учился в хедере, в 11 лет убежал из дома и пешком добрался до Одессы. Служил в бакалейной лавке, работал портным, сапожником, слесарем. В 20 лет нанялся слугой к художнику Дорошевичу, который обратил внимание на его способности к рисованию и посоветовал учиться. Около 1905 приехал в Вену, затем перебрался в Париж. Жил случайными заработками, днем писал в Лувре. После голодного обморока на улице попал в больницу Ротшильда. Там исполнил портрет больного старика, который был куплен попечителем больницы. На вырученные деньги поступил в академию Р. Жюльена, учился у А.-В. Бугро и скульптора Ж.-М. Боше (artrz.ru).

Работал в ателье La Ruche. Писал преимущественно импрессионистические пейзажи Парижа и пригородов, Бискайского залива, Биаррица, Сен-Жан-де-Люса; живописная манера художника практически не менялась с течением времени.

В 1908 при финансовой поддержке ряда парижских еврейских банкиров, в частности барона Э. Ротшильда, провел персональную выставку в Париже, которая имела успех. Экспонировался в салонах Независимых (1908–1920), Осеннем (1909–1924), Тюильри (1923). В 1909/1910 участвовал в передвижном Салоне В. А. Издебского по южным российским губерниям; часть экспозиции была показана в Одессе. Намеревался приехать для устройства выставки в Петербург, но этому помешал закон о черте оседлости. В июне 1912 вместе с Д. О. Видгофом и Н. Л. Аронсоном устроил выставку русских художников в галерее Devambez.

В 1920 и 1922 его персональные выставки прошли в галерее Marcel Bernheim. Со второй выставки картины «Снег в Медоне» и «Снег в Шавиле» были приобретены Люксембургским музеем Парижа, «Чаепитие в саду» — Министерством изящных искусств, пейзаж «Окрестности Сен-Жан-де-Люса» — Министерством иностранных дел Франции. В 1927 подарил 27 картин городу Креси-ан-Бри, близ Парижа, для организации музея. Награжден орденом Почетного легиона (artrz.ru).

Скончался 14 сентября 1932 (по другим данным, в 1950 году) в Креси-ан-Бри, близ Парижа. Похоронен 17 сентября 1932 в церкви Св. Жоржа в Креси-ан-Бри (ныне Креси-ла-Шапель), речь на церемонии прощания в церкви произнес мэр Креси-ан-Бри. В честь художника в городе была названа улица.

Ретроспективные выставки были устроены в Париже в 1933 (в рамках Осеннего салона) и 1969 (в рамках салона Независимых). В 1974 был представлен на выставке «Русский взгляд» в Гейдельберге.

ПОЖИДАЕВ Григорий Анатольевич (1894–1977) Эскиз костюма. 1938
Бумага, акварель, белила, графитный карандаш. 60,8 × 45,3 (в свету)

«Эскиз костюма» Григория Анатольевича Пожидаева выполнен в 1938 году.

Театральная деятельность художника началась еще в период его обучения в МУЖВиЗ, в 1915 году. «13 августа 1916 года Пожидаев подал прошение в Совет императорского русского театрального общества о своем зачислении в действительные члены ИТО; в разделе “профессиональная деятельность” указал, что в сезон 1915–1916 он работал в двух театрах — Интимный театр, Народный дом, проживал в Москве (РГАЛИ. РТО Ф. 641, оп. 1, ед. хр. 886)» (artinvestment.ru).

Пожидаев работал в театрах, с 1916 сотрудничал с балетмейстером К. Я. Голейзовским, оформил ряд его постановок (часть из них не была осуществлена), в 1921 вместе с Голейзовским разработал проект организации «самостоятельного балетного дела», который должен был быть осуществлен при Советском театре — бывшем театре С. И. Зимина (тоже, увы, оставшийся на бумаге).

Из России Пожидаев уехал не ранее 1921 года.

В 1922 году в № 12–13 журнала «Театр», посвященном пропаганде русского сценического искусства за границей, в небольшой заметке о «нарождающемся в Берлине новом “Русском театре”» (речь идет о «Русском романтическом театре» Б. Г. Романова) мелькает фамилия Пожидаева. Вместе с Г. Лукомским и П. Челищевым Пожидаев приступил к работе над декорациями и эскизами для новых постановок театра. Декорации и костюмы к «Пиру Гудала» (на музыку А. Г. Рубинштейна из оперы «Демон») не остались незамеченными и вызвали резкую критику («Театр», 1922, № 15).

До 1924 года Пожидаев жил в Берлине, оформлял спектакли и концертные номера в кабаре «Синяя птица», «Русском романтическом театре» Б. Г. Романова. После «Пира Гудала» вместе с Г. Лукомским и П. Челищевым работал над оформлением других постановок этого театра. В 1922 в Берлине работал декоратором в театре-кабаре «Карусель»; в театре миниатюр «Маски», созданном режиссером Б. С. Неволиным по образцу Интимного театра. Сотрудничал с режиссером М. Рейнгардтом. В 1922 состоялась персональная выставка Пожидаева в галерее «Der Sturm». В 1924 работал декоратором русско-немецкого театра-кабаре «Бабочка» в Берлине.

В 1924 году он перебрался в Вену, руководил постановочной частью и был сценографом венского театра-кабаре «Москауер Кунст-Шпиле», провел персональную выставку декораций и костюмов в Neue Galerie.

В 1925 году художник обосновался в Париже. Работал для театра «Летучая мышь» Н. Ф. Балиева, оформлял спектакли русского репертуара в Мадриде и Барселоне. В 1927 создал эскизы костюмов и написал 62 портрета для съемочных интерьеров фильма «Страсти Жанны д’Арк» (режиссер К.-Т. Дрейер), часть этих живописных работ была выставлена на персональной выставке художника в галерее Шарпантье в Париже. «Чудесны его перевоплощения в переходах от рейнгардтовских эскизов к иезуитам и солдатам к Орлеанской Деве, и от них — к боярщине русского средневековья», — писала об этих портретах эмигрантская газета «Русское время» 16 ноября 1927 года. Сотрудничал с кинорежиссером Абелем Гансом — в частности, в 1928 году был художником его фильма «Конец мира» (artinvestment.ru).

В конце 1930-х Пожидаев оставил сценографию, «сказав, что отношение к ней становится каторжным, потому что надо лишь выполнять указания режиссера, ограничивая собственную свободу творчества» (spbvedomosti.ru). И наш эскиз, вероятно, представляет собой одну из последних театральных работ художника.

По-видимому, самую полную и выверенную биографию Григория Анатольевича Пожидаева, содержащую архивные материалы о доэмиграционном периоде его жизни (в отношении которого существует огромное количество недостоверной информации и вообще большая путаница), можно прочитать на AI: «Художник недели: Григорий Пожидаев».

БОГДАНОВ-БЕЛЬСКИЙ Николай Петрович (1868–1945) Мальчики на лошади. 1930-е — начало 1940-х
Холст, масло. 72 × 61,5

Автор холста «Мальчики на лошади» (1930-е — начало 1940-х) Николай Петрович Богданов-Бельский — русский художник-передвижник. Писал жанровые картины, создал сотни образов крестьянских детей, пейзажи, портреты. Его работы хранятся в крупных музейных собраниях, но видимо, большая часть творческого наследия художника находится в частных коллекциях по всему миру.

Родился будущий художник в деревне Смоленской губернии. «Поскольку он был внебрачным сыном крестьянки, то выбрал себе фамилию-псевдоним Богданов, а вторая часть фамилии — по названию родного уезда — добавится в 1905 году, при получении художником звания академика. Впоследствии живописец так вспоминал об этом: “Мою простонародную фамилию как бы облагородил сам государь, вписав ее собственноручно в диплом через дефис — Бельский”» (pravoslavie.ru).

Учился в двухклассном училище, затем в народной школе. По инициативе и на средства профессора Московского университета С. А. Рачинского, заметившего способности мальчика к рисованию, был определен в ученики к иконописцу Троице-Сергиевой лавры иеромонаху Симеону.

Сделаем небольшое отступление… Образование, известность, признание, поездки, заказы, встречи, выставки по всему миру — всего этого не было бы в жизни художника, если бы мальчишку, незаконного сына крестьянки, не заметил и не поддерживал много лет совершенно посторонний человек — Сергей Александрович Рачинский (1833–1902). «В своих воспоминаниях Н.П. Богданов-Бельский писал: “…на дорогу меня вывел Рачинский. Учитель жизни. Я всем, всем ему обязан”» (pravoslavie.ru).

Учился в МУЖВиЗ у В. Д. Поленова, В. Е. Маковского и И. М. Прянишникова; в 1889 был удостоен серебряной медали и получил звание классного художника. В 1894–1895 продолжил образование в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ в мастерской И. Е. Репина. В 1895 уехал в Париж, два года занимался живописью в студии Ф. Кормона и рисунком в Школе Ф. Коларосси.

Жил в Петербурге, совершил поездки в Константинополь, на Афон, в Крым. Путешествуя по Европе, посетил Мюнхен, Берлин, Рим, Милан, Флоренцию, Венецию, Вену. Регулярно выезжал для работы в село Татево Смоленской губернии, где имел собственную мастерскую.

Активно экспонировался. В 1905 был удостоен звания академика. В 1910 вступил в общество А. И. Куинджи, позднее председательствовал в нем. В 1914 избран действительным членом Академии художеств.

После революции 1917 года принял решение эмигрировать из большевистской России и по приглашению своего друга, известного живописца Сергея Виноградова, в 1921 году переехал жить в Ригу. С этого времени началась новая глава его творчества длиною в двадцать лет (1921–1941). Богданов-Бельский продолжил активно участвовать в выставках русского изобразительного искусства за границей. В эмиграции тематика его работ не претерпела значительных изменений и он продолжал писать идиллические во многом сцены с крестьянскими детьми на фоне тихой русской природы.

Полотно «Мальчики на лошади» создано в рижский период творчества художника и датируется, согласно экспертному заключению, 1930-ми — началом 1940-х годов. Светлая и яркая палитра работы передает атмосферу спокойствия и тихой радости. Герои работ Богданова-Бельского, далекие от городской жизни, привязанные к земле, сохранившие свою непосредственность, гармонично сосуществуют с миром природы. Для художника, находящегося вдали от России в годы ее стремительных преобразований и разрушения патриархального быта, эти произведения были еще и ностальгией о прошлом его родины, безвозвратно утерянном (Мария Беликова).

Прекрасный рассказ о жизни художника и его работах читайте здесь.

ДМИТРИЕВСКАЯ Лидия (1895–1967) Зимний натюрморт. 1950-е
Оргалит, масло. 37,7 × 45,9

Кисти Лидии Дмитриевской принадлежит «Зимний натюрморт» (1950-е).

Лидия Дмитриевская (урожденная Бумагина) родилась в 1895 в Санкт-Петербурге. В юности училась в Москве. В 1921–1922 стажировалась в студии А. П. Архипенко в Берлине. Путешествовала по Италии, часто бывала на юге Франции и в Париже. Изучала древнерусскую и византийскую иконопись. Вышла замуж за советского дипломата-невозвращенца, публициста и историка Сергея Васильевича Дмитриевского (1893–1964), выразителя взглядов национал-коммунизма. Поселилась с мужем в Стокгольме; в 1957 супруги получили шведское гражданство (artrz.ru).

Испытала влияние немецкого и русского экспрессионизма. В дальнейшем работала в русле европейского ар-деко, но смогла сохранить свою художественную индивидуальность. Получила известность как автор портретов и ню, исполненных в духе ар-деко; писала также пейзажи, жанровые композиции и натюрморты с цветами.

В «Зимнем натюрморте» (1950-е) художник оригинальным образом совмещает сразу два живописных жанра. По словам эксперта, натюрморт написан Дмитриевской «в выработанной ею к 1950-м годам характерной, стильной манере, удачно сочетающей в себе натурность и декоративность. В этом небольшом натюрморте чувствуется вкус, настроение, контрастное противопоставление сдержанной, зимней, спящей природы и цветовой игры ярких, насыщенных, недавно срезанных, живых тюльпанов».

ЛАНСКОЙ Андрей Михайлович (1902–1976) Le monde en liesse (Ликующий мир). 1964
Холст, масло. 129,5 × 96,5

Автор большого холста «Le monde en liesse (Ликующий мир)» (1964) Андрей Михайлович (Андре) Ланской известен всему миру своими непревзойденными лирическими абстракциями, которые специалисты относят также к абстрактному экспрессионизму или action painting. Абстракции Ланского оказали решающее влияние на творчество его учеников, например Николя де Сталя, и во многом определили развитие послевоенной абстракции в Европе.

Андрей Михайлович Ланской родился в Москве в семье графов Ланских 31 марта 1902 года. В 1908 году семья художника переехала в Санкт-Петербург, где он недолгое время учился в Пажеском корпусе. Однако с ранних лет истинной страстью молодого графа было искусство. В дореволюционный период страсть эта выражалась в первую очередь в изучении русского фольклора, приобщении к артистической среде столицы, посещении петербургских кабаре с их уникальными интерьерами (в то время Ланской был увлечен оформительскими работами участников «Голубой розы», особенно Сергея Судейкина). В 1918 году, уже вступив в Белую армию, он начал брать первые уроки живописи в киевской мастерской «амазонки авангарда» Александры Экстер.

В 1920-м году Андрей Ланской навсегда покинул страну, отплыв в числе других представителей белого движения в Константинополь. В 1921 году он поселился в Париже, в знаменитом «Улье», общежитии художников-эмигрантов в квартале Монпарнас. <…>

1920-е годы в творчестве Ланского — годы становления и учебы. В начале 1920-х он поступил в Академию Гранд Шомьер и одновременно брал уроки в мастерской Судейкина. Неудивительно, что раннее творчество художника, в том числе работы, показанные на его первой выставке (совместно с творческой группой «Удар»), находились под влиянием эстетики Судейкина и имели общие черты с произведениями тогдашних его соучеников (Сони Делоне, Хаима Сутина, Осипа Цадкина и др.).

К концу 1920-х Ланской увлекся фовизмом, его палитра стала более красочной, воздушной и светлой, а сюжеты приобрели идиллические черты. <…> Период с 1930-х до середины 1940-х — переходное время в творчестве Ланского. Конец 1930-х годов Андре Ланской посвятил переосмыслению творчества таких художников, как Василий Кандинский и Пауль Клее. <…>

В 1945 году Андре Ланской стал одним из идеологов и основателей нового направления в изобразительном искусстве — лирической абстракции. Лирическая абстракция (абстрактный экспрессионизм, ташизм) — послевоенное направление в изобразительном искусстве Европы и Америки, целью которого был разрыв с геометризацией в европейской абстрактной живописи. В отличие от геометрической абстракции, имеющей аналитические корни, лирическая абстракция представляет собой часть направления информализма, в котором эмоциональность и спонтанность художественных произведений важнее их совершенства и разумности. Лирическая абстракция — воплощение субъективных цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, запечатленный в цвете.

Со второй половины 1940-х годов и до середины 1970-х Андре Ланской работал над развитием и популяризацией этого направления в своей уникальной, выработанной многими годами практики изобразительной манере. Прекрасный колорист, в 1950–60-х годах (к которым относится и наша сегодняшняя «Композиция») он достигает максимальной выразительности цвета, умело используя возможности различных художественных материалов и техник. Композиции Ланского своей светоносностью начинают напоминать готические витражи, а творческие горизонты максимально расширяются. В этот период Ланской, достигший пика развития таланта мастер, создает самые значимые, программные работы, и не только в живописи и графике. Он успешно занимается оформительской деятельностью, работает над иллюстрациями к книгам (в том числе к Библии), создает коллажи, мозаики, эскизы ковров. Одним из последних крупных проектов Андре Ланского стал цикл иллюстраций к «Запискам сумасшедшего» Н.В.Гоголя, над которым он работал с конца 1960 по 1976 год.

Работы Андре Ланского, несмотря на всю широту используемых им приемов — от рельефной пастозности масла до тончайших градаций цвета в графике, на очень разный масштаб — от широкоформатных монументальных композиций до маленьких компактных работ, всегда очень созвучны человеку. Ланской не подавляет зрителя, он, скорее, делится с ним своими эмоциями, фантазиями. В его работах нет конкретной формы, но угадывается сюжет и легко считывается настроение (Патриция Семенюк, Денис Белькевич, artinvestment.ru).

Об истории, финансовых и маркетинговых показателях выдающегося представителя Русского Зарубежья, основоположника жанра лирической абстракции Андрея Михайловича (Андре) Ланского читайте на AI: «Художник недели: Андрей Ланской».

МАРЕВНА (Воробьёва-Стебельская Мария Брониславовна, 1892–1984) Танец молодых девушек
Бумага с водяным знаком JOHANNOT ET Cie ANNONAY, акварель, карандаш. 49,6 × 64,6

Не датирован легкий, воздушный, созданный в узнаваемой авторской манере рисунок «Танец молодых девушек» русской художницы Парижской школы Марии Брониславовны Воробьевой Стебельской, Маревны, как ее окрестил М. Горький в 1911 году, и именно с этим псевдонимом она вошла в историю мирового искусства. Возвращение Маревны в русское искусство началось, пожалуй, в 2004 году, когда книга «Моя жизнь с художниками “Улья”» (одна из трех мемуарных книг Маревны) была издана на русском языке и Государственная Третьяковская галерея устроила первую персональную выставку художницы в России. В 2011-м, после исторической выставки мастеров Парижской школы в ГМИИ им. А. С. Пушкина, заслуженный интерес к их творчеству вообще и Маревны в частности в нашей стране взлетел до невиданных доселе высот.

Мария Воробьева-Стебельская родилась 14 февраля 1892 года в Чебоксарах. Ее мать — актриса Мария Розанович (в замужестве Воробьева) довольно рано устранилась от участия в жизни девочки, и с двухлетнего возраста Мария воспитывалась отчимом, выходцем из польской аристократической семьи Брониславом Викентьевичем Стебельским, который удочерил двухлетнюю девочку.

Отец, «служивший по лесному ведомству», как мог, поддерживал рано проявившиеся творческие способности дочери; после переезда по службе на Кавказ, в Тифлис, он в 1907 году отдал ее учиться в местную школу искусств, которую она посещала год. Окончив школу, по воле отца юная художница отправилась в Москву «изучать искусство». В 1910 году она поступила в Строгановское училище, где, к слову, свела знакомство с О. Цадкиным. Однако учеба в Москве вышла недолгой: сырой холодный климат сказался на здоровье художницы, и в 1911 году отец отправил ее в Рим, а затем на остров Капри (Мария Кузнецова, artinvestment.ru).

Полгода Мария Воробьева-Стебельская жила на острове Капри у Максима Горького, предложившего молодой художнице подписывать свои работы псевдонимом Марья Маревна — чуть измененным именем героини народной сказки «Марья Моревна — прекрасная королевна», девы, обладавшей красотой, мудростью и огромной колдовской силой. В 1912 поселилась в Париже, в «Улье». Познакомилась с И. Г. Эренбургом, М. А. Волошиным, а также со многими представителями парижской художественной жизни: М. Шагалом, Ж. Браком, А. Модильяни, Ж. Кокто, Ф. Леже, А. Матиссом, П. Пикассо, Х. Сутиным и другими.

Занималась в Русской Академии М. В. Васильевой (1912) у скульптора С. Ф. Булаковского, посещала Академию Ф. Коларосси (1912). В 1915 познакомилась с Диего Риверой. «Под сильнейшим впечатлением от всего увиденного и услышанного в мастерской Риверы Маревна в 1915 году всерьез увлеклась кубизмом, еще в 1920-х делала стилистически чистые вещи, и даже позже, когда ее интересы расширились и технические приемы стали богаче и разнообразнее, она продолжала придерживаться четко выстроенной схемы композиции» (artinvestment.ru). В 1919 у них родилась дочь Марика (впоследствии — известная мексиканская актриса), в 1921 рассталась с Риверой.

Писала натюрморты, пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции. Пристрастие к кубистическим формам и выраженной геометрической линии она сохранила на протяжении всей творческой жизни, сочетая в стилистике поздних работ элементы кубизма и пуантилизма. В пуантилизме художница видела близость к византийским мозаикам, фрескам и коврам, виденным ею в детстве на Кавказе.

Автор групповых портретов — воспоминаний «Друзей с Монпарнаса» (1950–60-е).

С 1921 сотрудничала с домами мод: Юсуповых «ИрФе», Поля Пуаре. Занималась изготовлением расписных шалей, ручным ткачеством.

В 1936 переехала на юг Франции, жила в Ницце, Жуан-Ле-Пэн, Каннах. С 1948 жила в Англии, в Педлтауне, с 1955 вместе с дочерью — в собственном доме в районе Иллинг.

С 1912 — участница выставок. Экспонировалась в салонах Тюильри (с 1912), Независимых (с 1913), Осеннем салоне (с 1919), на выставках: русских художников в галерее Whitechapel в Лондоне (1921); в кафе «Ротонда» (1925), Международной выставке художественно-декоративных искусств (1925, показывала сумки, гобелены, пояса, ткани, отделки к платьям и пальто, шали), «Безумные годы Монпарнаса» в Гран-Пале (1979) в Париже; «Неоимпрессионизм» в музее Гугенхайма в Нью-Йорке (1968); «Женщины — художницы Парижской школы» в Женеве (1975) и других. Провела персональные выставки в Париже: в галереях Г. Кана Quotidien (1929), L. Zborovsky (1936), Roux (1942), Claude (1953); Лондоне — в галерее Lefevre (1952), на фестивале Leiceter (1977), в фойе театра Hammersmith (1980); в музее Пти Пале в Женеве (1971).

О жизни и творчестве Марии Воробьевой-Стебельской читайте на AI: «Художник недели: Маревна».

Искусство ХХ века

ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Горный пейзаж). 1930
Бумага, акварель. 9,1 × 15,1

В последний день 1930 года написана и через два дня отослана с кратким новогодним поздравлением некоему Самуилу Ефимовичу маленькая (9,1 × 15,1) акварель «Без названия (Горный пейзаж)» Максимилиана Александровича Волошина — изысканная, поэтичная, легкая, с «волошинским» настроением. Судя по размеру акварели, она, скорее всего, предназначалась для пересылки в конверте — известно много акварелей Волошина, которые он пересылал друзьям почтой.

В 1930 году Максимилиан Волошин написал для каталога выставки акварелей (не осуществленной) небольшое эссе «О самом себе»; предлагаемый фрагмент из него дает очень многое для понимания волшебства волошинских акварелей.

«Акварелью я начал работать с начала войны. Начало войны и ее первые годы застали меня в пограничной полосе — сперва в Крыму, потом в Базеле, где работы с натуры были невозможны по условиям военного времени. Всякий рисовавший с натуры в те годы, естественно, бывал заподозрен в шпионстве и съемке планов.

Это меня освободило от прикованности к натуре и было благодеянием для моей живописи. Акварель непригодна к работам с натуры. Она требует стола, а не мольберта, затененного места, тех удобств, что для масляной техники не требуются.

Я стал писать по памяти, стараясь запомнить основные линии и композицию пейзажа. Что касается красок, это было нетрудно, так как и раньше я, наметив себе линейную схему, часто заканчивал дома этюды, начатые с натуры. В конце концов, я понял, что в натуре надо брать только рисунок и помнить общий тон. А все остальное представляет логическое развитие первоначальных данных, которое идет соответственно понятым ранее законам света и воздушной перспективы. <…>

<…>

Если масляная живопись работает на контрастах, сопоставляя самые яркие и самые противоположные цвета, то акварель работает в одном тоне и светотени. К акварели больше, чем ко всякой иной живописи, применимы слова Гете, которыми он начинает свою «теорию цветов», определяя ее, как трагедию солнечного луча, который проникает через ряд замутненных сфер, дробясь и отражаясь в глубинах вещества. Это есть основная тема всякой живописи, а акварельной по преимуществу.

Ни один пейзаж из составляющих мою выставку не написан с натуры, а представляет собою музыкально-красочную композицию на тему киммерийского пейзажа. Среди выставленных акварелей нет ни одного «вида», который бы совпадал с действительностью, но все они имеют темой Киммерию. Я уже давно рисую с натуры только мысленно.

Я пишу акварелью регулярно, каждое утро по 2–3 акварели, так что они являются как бы моим художественным дневником, в котором повторяются и переплетаются все темы моих уединенных прогулок. В этом смысле акварели заменили и вытеснили совершенно то, что раньше было моей лирикой и моими пешеходными странствованиями по Средиземноморью.

Вообще в художественной самодисциплине полезно всякое самоограничение <:> недостаток краски, плохое качество бумаги, какой-либо дефект материала, который заставляет живописца искать новых обходных путей и сохранить в живописи лишь то, без чего нельзя обойтись. В акварели не должно быть ни одного лишнего прикосновения кисти. Важна не только обработка белой поверхности краской, но и экономия самой краски, как и экономия времени. Недаром, когда японский живописец собирается написать классическую и музейную вещь, за его спиной ассистирует друг с часами в руках, который отсчитывает и отмечает точно количество времени, необходимое для данного творческого пробега. Это описано хорошо в “Дневнике” Гонкуров. Понимать это надо так: вся черновая техническая работа уже проделана раньше, художнику, уже подготовленному, надо исполнить отчетливо и легко свободный танец руки и кисти по полотну. В этой свободе и ритмичности жеста и лежат смысл и пленительность японской живописи, ускользающие для нас — кропотливых и академических европейцев. Главной темой моих акварелей является изображение воздуха, света, воды, расположение их по резонированным и резонирующим планам.

В методе подхода к природе, изучения и передачи ее я стою на точке зрения классических японцев (Хокусаи, Утамаро), по которым я в свое время подробно и тщательно работал в Париже в Национ<альной> Библиотеке, где в Галерее эстампов имеется громадная коллекция японской печатной книги — Теодора Дерюи. Там <у меня> на многое открылись глаза, например, на изображение растений. Там, где европейские художники искали пышных декоративных масс листвы (как у Клода Лоррена), японец чертит линию ствола перпендикулярно к линии горизонта, а вокруг него концентрические спирали веток, в свою очередь окруженных листьями, связанными с ними под известным углом. Он не фиксирует этой геометрической схемы, но он изображает все дефекты ее, оставленные жизнью на живом организме дерева, на котором жизнь отмечает каждое отжитое мгновенье.

<…>

Пейзажист должен изображать землю, по которой можно ходить, и писать небо, по которому можно летать, т. е. в пейзажах должна быть такая грань горизонта, через которую хочется перейти, и должен ощущаться тот воздух, который хочется вдохнуть полной грудью, а в небе те восходящие потоки, по которым можно взлететь на планере.

Вся первая половина моей жизни была посвящена большим пешеходным путешествиям, я обошел пешком все побережья Средиземного моря, и теперь акварели мне заменяют мои прежние прогулки. Это страна, по которой я гуляю ежедневно, видимая естественно сквозь призму Киммерии, которую я знаю наизусть и за изменением лица которой я слежу ежедневно.

С этой точки зрения и следует рассматривать ретроспективную выставку моих акварелей, которую можно характеризовать такими стихами:

Выйди на кровлю. Склонись на четыре
Стороны света, простерши ладонь..
Солнце… Вода… Облака… Огонь… —
Все, что есть прекрасного в мире…

Факел косматый в шафранном тумане…
Влажной парчою расплесканный луч…
К небу из пены простертые длани…
Облачных грамот закатный сургуч…

Гаснут во времени, тонут в пространстве
Мысли, событья, мечты, корабли..
Я ж уношу в свое странствие странствий
Лучшее из наваждений земли…

P. S. Я горжусь тем, что первыми ценителями моих акварелей явились геологи и планеристы, точно так же, как и тем фактом, что мой сонет “Полдень” был в свое время перепечатан в Крымском журнале виноградарства. Это указывает на их т о ч н о с т ь» (Максимилиан Волошин. О самом себе // Путник по вселенным. — М. : Сов. Россия, 1990. С. 166–170. avidreaders.ru).

Акварель «Без названия (Горный пейзаж)» (1930) подписана монограммой, датирована и надписана автором. К сожалению, фамилия адресата нам неизвестна, поэтому новому владельцу акварели предстоит увлекательная и интересная исследовательская работа.

МУРАВЬЁВ Владимир Леонидович (1861–1940) Лось в лесу. 1930-е
Холст, масло. 49,7 × 65

Кисти графа Владимира Леонидовича Муравьева принадлежит небольшая композиция «Лось в лесу», датируемая экспертом 1930-ми годами.

Вольноприходящий ученик Академии, Муравьев учился у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, пользовался советами К. Я. Крыжицкого, был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно выставлялся на академических выставках, а в 1893 году провел персональную экспозицию.

Страстный любитель и знаток охоты, повадок животных, их поведения, живописец граф Владимир Леонидович Муравьев перенес свое глубокое пристрастие на листы и полотна. Наибольшую известность он получил как мастер охотничьих сцен. Его кисти принадлежит ряд зимних пейзажей, изображающих животных и птиц в лесу: художник пишет их в естественной среде, и его картины следует рассматривать не как пейзажи с анималистичным стаффажем, а именно как жанровые сцены, где животные и птицы — главные персонажи.

Граф Муравьев был талантливым пейзажистом, по-настоящему чутко и глубоко понимавшим русскую природу, лес и его обитателей. Находясь под большим влиянием Ю. Ю. Клевера, он так же экспериментировал со световыми эффектами и фактурой красок, создавая эффектные солнечные пейзажи. Композиция с фигуркой лося в зимнем лесу продолжает ряд таких работ.

Картины Владимира Леонидовича Муравьева нравились и были востребованы публикой, активно публиковались в дореволюционной печати.

Сегодня его работы хранятся в музейных художественных собраниях Иркутска, Днепропетровска, Козьмодемьянска, Сыктывкара и других музейных и частных коллекциях.

Картина Владимира Леонидовича Муравьева дает возможность соприкоснуться с работой еще одного прекрасного петербургского мастера и немного рассказать о нем. На оборотной стороне рамы мы обнаружили обрывок выполненной в дореволюционной орфографии бумажной этикетки мастерской Поставщика Императорского двора А. А. Жеселя (Санкт-Петербург), расположенной на Гороховой, 45.

Антон (Антоний) Антонович Жесель (середина XIX — начало XX века) — француз, купец второй гильдии, прибыл из Франции в Россию во второй половине XIX века, жил и работал в Санкт-Петербурге.

В 1879 Жесель открыл на Гороховой улице, в доме № 45 мастерскую, выполнявшую столярно-резчицкие, живописные, малярные и прочие художественно-декоративные работы, а также золочение мебели, иконостасов, реставрацию старых художественных рам. При мастерской был открыт магазин эстампов, картин и зеркал. Технология изготовления рам позволяла в мастерской Жеселя выполнять картинные рамы в разных стилях и направлениях. Лепной орнамент рам мог быть низкого и высокого рельефа, как мелким, детально проработанным, так и крупным, обобщенным. При этом орнамент наносился на деревянную основу различных профилей и силуэтов. Варьировалось и декоративное покрытие: использовалось матовое золочение и золочение на полимент, двойник (позолота на серебре), позже получили распространение поталь (имитация позолоты на основе меди), бронзовый порошок, лаки и краски. Очень часто в одной раме сочетались различные покрытия (золочение и поталь, краска и золочение, поталь и тонированный лак).

В 1874 фирма Жеселя выполнила позолотные работы в Зимнем дворце, в 1877 — в Царскосельских дворцах, в 1895 — в Императорском Большом театре.

Вполне заслуженно в 1893 Антон Жесель стал поставщиком Императорского двора.

На Всемирной выставке 1900 года в Париже мастерская А. Жеселя получила серебряную и бронзовую медали.

В мастерской Жеселя рамы для своих произведений заказывали Константин Маковский, Николай Рерих, Илья Репин, Иван Шишкин и другие известные русские художники.

Известно, что картина «Мадонна Конестабиле» Рафаэля экспонируется в Эрмитаже в витрине (ранее ее тоже называли «рамой»), изготовленной в мастерской А. Жеселя.

На все художественные рамы мастерской Жеселя наклеивалась фирменная бумажная этикетка (на тыльную сторону), иногда на торцевой части рам встречается небольшая мастичная полоска с именем мастера (kolomenskoe.museum-online.moscow).

Судя по адресным книгам «Весь Петербургъ» за 1911 год и «Весь Петроградъ» за 1917-й, Антон Антонович Жесель скончался в период 1910–1916, а мастерская перешла к Павлу Антоновичу Жеселю и переехала с Гороховой улицы, 45, на Малую Конюшенную, 14.

ЛАБАС Александр Аркадьевич (1900–1983) Шарманщик. Из серии «Воспоминания. Смоленск в начале века». 1968
Холст на картоне, масло. 71,5 × 51,5

В творчестве Александра Аркадьевича Лабаса есть тема, где дар его абсолютен: движение — все, что движется на земле, в воде и в воздухе. «…Движение для художника означает прежде всего перемещение в иное пространство, даже если это не аэроплан, а всего лишь лебедка, везущая маляра наверх, но все равно оторвавшая его от земли. Можно сказать, что художник “писал невесомость” задолго до того, как это слово уже в прямом смысле вошло в наш обиход…» (Ю. Молок, labasfond.ru). «…Он вовсе не вырисовывает в деталях дирижабль или паровоз, он пишет ощущение чуда, скорости, полета. Пишет не “машину”, но словно бы ее человеческие последствия. Для этого ему и нужна тончайшая живопись, творящая впечатление полного света и цвета динамического пространства, обнимающего, поднимающего все, что внутри его, — людей, объекты, машины и, кажется, саму землю» (А. Морозов, labasfond.ru).

«Шарманщик» же — холст из серии «Воспоминания. Смоленск в начале века», возможно, для кого-то откроет Лабаса совсем незнакомого или привнесет новые краски в понимание личности художника и истоков его творчества.

«Мне в раннем детстве казалось, — писал художник, — что я живу в каком-то сказочном мире. Таким я воспринимал чудесный древний город Смоленск, и спустя больше полувека я это ощущение вспомнил. Как-то так случилось, что, уехав из Смоленска в 1910 году, я вновь увидел его лишь в 1967-м. Тогда я и написал серию картин о Смоленске сегодня и Смоленске в начале века. Мне вспомнился Смоленск, маленькие дома, как их много и все разноцветные, все в зелени, а наверху стоит Собор, вниз с горы мчится трамвай. Вот он уже у Днепра. А какая крепость из красного кирпича с башнями, и зубчатый верх у стен. По нашей дороге вниз стекает вода, глина скользкая, разных оттенков. Как далеко Днепр уходит, и по нему плывут лодки, едут плоты, а на них люди. Пароход дымит. Я видел человека, который продает мороженое и носит бочонок на голове. Видел шарманщика с обезьянкой и попугаем. Шарманщик слепой, ходит в черных очках, а его ведет за руку маленькая девочка, она весело поет и танцует под музыку. Все мы смеялись, как она ловко под музыку бросает и ловит тарелки, а обезьянка влезала на дерево и оттуда прыгала прямо на плечо шарманщика, протягивала всем руку и снимала шапочку. Стояла толпа, всем было очень весело, только, я заметил, шарманщику было не весело» (Александр Лабас, Личный Лабас. Александр Лабас в частных собраниях. М.: Культурная революция, 2007. С. 160).

ЕГЕЛЬСКИЙ Денис Евгеньевич (1963) Лыжник (Оммаж Дейнеке). 1993
Картон, тушь. 76 × 56,5

В 1993 году создана тушевая композиция «Лыжник (Оммаж Дейнеке)». Ее автор Денис Евгеньевич Егельский родился в 1963 году в Ленинграде. Учился в Хореографической академии им. А. Я. Вагановой в Ленинграде (1973–1977). В 1978 начал заниматься изобразительным искусством в студии Игоря Тюльпанова, редкого профессионала в среде «неофициальных художников», ставших известными после выставки в ДК «Невский». В конце 1980-х вошел в «Клуб друзей Маяковского». Один из основателей Новой Академии Изящных Искусств (len-sovet.ru).

В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В российском искусстве уникальным мастером оммажа был Владимир Николаевич Немухин. Оммаж, если рассматривать его как своеобразную разновидность жанра, — очень интересная и сложная вещь. «Художник для другого художника — зритель неблагодарный, — говорил скульптор Николай Силис. — Через призму своей индивидуальности ему трудно проникнуть в психологию творчества коллеги». В оммаже художник ставит перед собой крайне трудную задачу: своим авторским языком рассказать о том, что вдохновило его в творчестве и личности другого художника. Денис Егельский, ученик И. Тюльпанова и участник «Новых серьезных», адресует свое решение задачи, на первый взгляд простое, зрителю думающему.

Творчество шестидесятников

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) В парке Сокольники. 1959
Бумага, темпера. 60 × 42,3

«Каждое прикосновение его кисти — бесценно», — говорил о нем Роберт Фальк.

Пейзаж «В парке Сокольники» (1959) — «уникальная ранняя работа Анатолия Тимофеевича Зверева, написанная в характерной для этого периода его творчества экспрессивной, ташистской, импровизационной манере, — отмечает эксперт. — Она исполнена спонтанно, мощно и характеризует Анатолия Зверева как великолепного колориста и виртуозного рисовальщика. Надо учитывать, что подобные вещи Зверева конца 1950-х — 1963 годов встречаются в России крайне редко, так как большая часть их была вывезена и находится в зарубежных частных собраниях».

«Зверев был завоевателем и первопроходцем, — писал о художнике арт-критик Сергей Кусков, — и одновременно — это был последний представитель “московско-парижской” пластической традиции, ведущей родословную от начала века.

Во многом наследуя рафинированный колористический вкус московских “парижан”, он сочетал как бы личное вчувствование в это блестяще-меркнущее наследие, с анархией бунтаря, “созидающего” разрушение, стремящегося всегда и все делать иначе, по-своему, и всегда в одиночку.

Воспринятую в культуре начала века утонченность цветосветовых вибраций он решительно очистил от всякого налета эстетизма и, напитав лиризмом и экспрессией, подарил лиризму новую жизнь. Следы былой культуры в его искусстве не исчезли бесследно, но каждый отклик традиции, каждый готовый прием напористо вовлечен в новое качество. “Наследник” не оставил камня на камне от устоявшихся живописных структур, преодолевая соблазн постфальковской “цветности”, и далеко ушел вперед. Диапазон его приемов был чрезвычайно широк: от фовизма до параллелей абстрактному экспрессионизму» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

«В парке Сокольники» (1959), как указывает эксперт, происходит из собрания Г. Д. Костаки, позже находилась в собрании его сына А. Г. Костаки и была подарена последним своему учителю В. И. Гейдору.

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Кукла в деревне. 1972
Холст, масло. 68 × 80

«Кукла в деревне» (1972) Оскара Яковлевича Рабина — «картина московского периода его жизни и творчества, — пишет эксперт. — Она написана в сложной, выработанной Рабиным живописной системе, берущей свое начало в творчестве мастеров “Бубнового валета” и особенно Р. Р. Фалька, но при этом сюжет картины построен на контрасте и явно “заземлен”: новенькая, вероятно, потерянная ребенком кукла валяется на проталине, в грязи, среди серых покосившихся деревенских домов. Сочетание высокой живописной культуры и драматизм мотива делают эту работу Оскара Рабина уникальной. Примечательно, что в 1974 году автор возвращается к этому сюжету и пишет картину “Спящая кукла”, внося в и так странный и абсурдный сюжет элементы эротики, одевая игрушку в кружевные панталоны».

«… Как всякий подлинный художник, Оскар Рабин, используя приемы тех или иных школ, создал собственный, ни на кого не похожий стиль, нашел особый ключ к раскрытию образа России. Этот ключ — бытовая символика, предметы из обихода, из повседневной жизни, вынесенные на передний план холста. Предметы самые разные — рыбы, газеты, рубашки, коты, водочные бутылки, скрипки — и вроде бы самые обычные. Однако всегда, беря тот или иной предмет, Рабин превращал его в предмет-символ, придавал ему второй смысл, вторую функцию, дополнительную к основной обыденной, а порой даже от нее отличную. И оттого эти символы обретали особую силу. И оттого они — обыкновенные (подумаешь, невидаль — рыба на газете “Правда”!) — каждый раз смотрелись наново и неожиданно.

“В России, — говорит он, — зрители чувствовали мою символику и потому безошибочно определяли ее суть. А тут [во Франции] разные люди воспринимают мои символы по-разному, каждый видит свое, во Франции нет такого четкого, как в Союзе, разделения: вот — добро, вот — зло, вот — черное, вот — белое…”» (Александр Глезер, artwork2.com).

Кукла — необычный для Рабина символ. Драматизм сюжета видится не только в настоящем, изображенном на картине, но и в будущем: как бы ни отмывали и не отстирывали ее потом (если ее вообще будут искать и найдут), но прежней — чистенькой, новенькой — она уже не станет, следы останутся. Так и в людях, жителях бараков Лианозова или этой убогой деревни, останется, может, и не видный, но глубокий след.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Оскар Рабин».

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Танцующие. Из серии «Деревня». 1983
Картон, тушь, кисть, белила, коллаж. 79,7 × 90,3

В 1967 году выпускник киевского института Петр Иванович Беленок, успешный и обласканный властями скульптор в украинском городе Ровно, автор памятников вождям и героям и обладатель собственной мастерской и штата помощников, променял радужные перспективы на подвальную московскую мастерскую, снова ненавистные памятники вождям, жизнь впроголодь, неустроенность, депрессии, залитые алкоголем, полную нестабильность и случайные заработки в статусе неофициального художника.

Это уже потом были резонансные выставки в кафе «Синяя птица», павильон «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ, горкомовские выставки «Двадцатки» (в одной группе со Снегуром, Файбисовичем, Харитоновым, Худяковым и др.). Потом — западные музеи, многочисленные зарубежные выставки неофициального русского искусства, в том числе проекты глезеровского передвижного «Музея современного русского искусства в изгнании». И конечно, работы в «Другом искусстве» в Третьяковке и в Русском музее.

Вот, что пишет о Белиноке (через «и», но это в те времена, когда и Кабакова многие знали как Толю, а не Илью) художник-шестидесятник Анатолий Брусиловский в своей знаменитой книге «Студия»:

«Для заработка он ваял “Ильичей”, а для души писал абстракции с включением коллажа — несущиеся в вихре фигурки людей, то ли гибнущие в шквале стихий, то ли спасающиеся бегством. Экспрессивные черно-белые абстракции вызывали сильное ощущение конца света… В подвальной мастерской (очевидно, бывшей котельной) стояли грузные, еще недоделанные идолы “Лениных” — источник заработка, средств для существования для семьи. Среди них — контрастом — Петины почти монохромные большие работы. Он нашел свою запоминающуюся манеру и тему, психологически очень созвучную тогдашнему нашему настроению. Я предложил Пете назвать свое направление — катастрофизмом… Его кумиром был французский художник более старшего поколения Анри Мишо, которого он переименовал на украинский лад: Андрiй Мiшок! Что-то созвучное было у них, какие-то стыки пластического языка. Но, разумеется, Белинок был целиком самобытен… “А как Андрэ Бретон? А Ив Танги! А помнишь у Дельво? Тристан Тцара писал по этому поводу…” А вокруг серые цементные глыбы истуканов вождя немо прислушивались к диковинным именам. Сюрреализм!» (artinvestment.ru).

Один из ключевых неофициальных художников, он умер в 1991-м в бедности и полузабвении. Сегодня работы Беленока продаются на аукционах и в галереях, входят в значимые музейные и частные собрания, пользуются популярностью у знающих и умных коллекционеров. Их увозили на Запад, они есть на аукционах в Лондоне и Нью-Йорке. Они пока еще доступны на рынке, но на фоне роста интереса к нонконформистам вскоре, возможно, останется только сожалеть о сегодняшней недальновидности.

«В альтернативной культура авангарда шестидесятых годов Петру Беленку принадлежит особое место — он является признанным пионером фотореалистических стратегий, — пишет эксперт. — Его открытия появились почти одновременно с рождением европейского фотореализма и гиперреализмом послевоенной американской школы. Собственную художественную систему он шутя именовал “паническим реализмом” — его композиции были наполнены многочисленными убегающими и летящими человеческими фигурами. Они пребывали в космических пространствах, их преследовали фантомы, медузоподобные плазмы, размножающиеся как клоны в фантастическом кинематографе.

В данном случае, в своей композиции “Танцующие” из цикла “Деревня” автор блестяще, с иронией и юмором соединяет две безмятежно танцующие мужские фигуры с нависающей над ними странной, трубовидной, всасывающей субстанцией».

Человечки Беленока, как правило, пребывают в панике, осознавая огромную опасность, исходящую от нависающих над ними космических сгустков энергии, но танцующие, очевидно, не предвидят никаких последствий своей беззаботности. Веселые персонажи у Беленока — очень большая редкость.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Пётр Беленок».

НИКОНОВ Михаил Фёдорович (1928–2010) Версия Х. 1990
Холст, масло. 79,5 × 99,6

Холст «Версия Х» (1990) принадлежит Михаилу Фёдоровичу Никонову, одному из основоположников «сурового стиля».

Михаил Никонов окончил МСХШ, институт Сурикова (мастерскую И. Э. Грабаря), выставляться начал в 1955-м, а через два года вступил в Союз художников.

Был одним из основателей «группы девяти», которая, опираясь на традиции «Бубнового валета», искала новые выразительные средства и символику. В группу входили Н. Андронов, Б. Биргер, Л. Берлин, В. Вейсберг, Н. Егоршина, М. Иванов, К. Мордовин, М. Никонов, М. Фаворская.

В своем творчестве они взяли за образец традиции Кончаловского, Ларионова, Фалька, Гончаровой. Для М. Никонова ближе всего стало творчество Филонова. Яркая, смелая живопись, полностью отошедшая от классических канонов и шаблонов соцреализма, вызвала огромный общественный резонанс. После двух групповых выставок «девятки» 1960 и 1961 годов Никонов одним из первых вышел из состава группы, мотивируя свое решение расхождением во взглядах с некоторыми из участников этих бурных выставок.

Обретя полную творческую самостоятельность, Никонов начал истово искать свой, абсолютно неповторимый стиль, новые краски и образы. В 1960-х работал в экспрессивной, жесткой манере. Особенности творческого почерка Михаила Никонова спустя годы верно определил критик Александр Каменский, который назвал художника «яростным негативистом».

Его образы захватывают природной естественностью, традиции авангарда сплетаются с собственными находками. Живопись М. Никонова состоит из простых и сложных символов и метафор, обращает на себя внимание безудержный напор цветовой гармонии. «Клокочущее море звуков» — так назвал один из русских критиков работы М. Никонова.

После 1992 года, когда СССР распался, Никонов не смог пройти мимо острых, жестких социальных проблем, которые захлестнули страну. На его полотнах появились образы обездоленных людей, нищих странников. Художник подчеркнуто социален даже в натюрмортах и многопредметных композициях. Как правило, это все экспрессивно и жестко написанные работы, в которых «суровость» проявляется не только в выборе персонажей, но и в самых темных глухих красках и резкости их нанесения на холст, что свойственно многим художникам, начинавшим свой путь во второй половине 1950-х. Через всё творчество М. Никонова проходит тема странника. Странник — это во многом автопортрет самого художника, который умом и художественной интуицией проницает то, что открывается ему одному (m-nikonov.ru).

ПРИГОВ Дмитрий Александрович (1940–2007) Динамика бога. Стадия III (The Dynamic Of The God. Stadium III). 1993
Бумага, шелкография. 78,6 × 61,3 (лист)

Единственная в каталоге работа представителя следующего поколения второго русского авангарда — семидесятников — тиражный лист «Динамика бога. Стадия III» (1993) Дмитрия Александровича Пригова.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Не кантовать. 2004
Бумага, акрил, карты, коллаж. 100 × 100

В живописной композиции с элементами коллажа «Не кантовать» (2004) Владимира Николаевича Немухина присутствует целый ряд мотивов, которые интересовали художника на протяжении десятилетий, а некоторые из них стали его магистральными темами.

Первое — карты. «…На переломе от абстракции к оригинальной, предельно отстраненной предметности возникает образ-знак-мотив, ставший для него темой кочующей, сквозной и постоянной. При всех его последующих пластических превращениях сохраняется, словно некий личный знак авторского присутствия, тот предмет, в котором, пожалуй, вещное и знаковое наиболее нерасчленимы — и это всего лишь игральная карта или же их вездесущая колода — плеяда потускневших раскрашенно-разрисованных прямоугольных бумажек.

Какими-то судьбами занесенная в беспредметность живописного пространства, вкрапленная в сочный монохром письма эта колода, крапленная лишь наплывами живописных подтеков, напоминала о судьбе — Фатуме и игре обстоятельств уже самым парадоксальным фактом своего возникновения. Далее она кочует из картины в картину, из цикла в цикл. Так были проложены мосты между мифом житейских реалий и беспредметьем чистой пластики. Вся многозначительность карточного ряда (этого набора плоских бумажек) была введена в поле игры, но в данном случае — игры искусства.

Разрозненная, залежалая колода карт рассеивала на плоскости свои призрачно-прозрачные намеки, отсылая к темам: азарта, случая, судьбы, авантюры, социального дна и мятежного разбоя (бубновый туз метил спину уголовника в старорежимных тюрьмах), а также гадательной магии — дерзкой игры с непрозрачностью Фатума. Аристократическая любовь к Року органично вписалась в карточную тему — от созерцательных манипуляций пасьянса до знаменитых трех карт (тройка, семерка, туз), некогда околдовавших Германна в пушкинской “Пиковой даме”.

Вся эта пестрая смысловая семантика игральной колоды была ассимилирована сдержанно монохромной (часто тяготеющей к аскезе гризайли) живописностью немухинских постабстрактных композиций. Пластическая монолитность этого сложного сплава объединяла, сращивала, увязывала, казалось бы, несоединимое, подчиняя рознь элементов эффекту целого. В этом странном синтезе абстракции и полуосознанно включенной сюда же внешней картежной “фабулы” оказалась очень кстати заведомая условность коллажа как метода.

<…>

Любой фрагмент, клочок, обломок, цитата узнаваемой яви начинает в коллаже свою новую странную жизнь, остраняясь контекстом цитирования, неожиданностью употребления. Так ведут себя у Немухина не только карты, но и пришедшие вслед за ними надписи “Не кантовать!”, заимствованные с ящиков упаковочной тары… Что касается карты, то, пожалуй, именно не изображение, а коллажное наложение их чешуек-оболочек на экспрессивный фактурный фон как раз и обусловливает эффект новизны и магию преображения. Безусловность вещественного присутствия (сырая фактура “вклейки”) как раз акцентирует высшую условность самого искусства, прибегшего к такому ничем не завуалированному вовлечению» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

Тарные ящики — это второй мотив, нередко встречающийся в работах художника («Окраина. Вечер» (1974), «На берегу» (1986), «Брутто — Нетто» (1988), «Композиция с седлом» (1990), «Композиция с машиной» (1994) и др.). Впервые они появились в его композициях как минимум в середине 1970-х — не исключено, что этот мотив родом из Лианозова, где на железной дороге работал Оскар Рабин и часто бывал Немухин. Художник заимствует с тарных ящиков надписи: «Не кантовать», «Брутто — Нетто», «Москва», транспортировочную символику, вписывает их в качестве самостоятельных элементов в пейзаж, разыгрывает на тарных ящиках карточные игры и раскладывает пасьянсы, строит на них двух- и трехмерные композиции, вводя элементы ассамбляжа, и пр.

Художник освоил и задействовал в своих композициях разрезы, отсылающие к творчеству итальянского художника-модерниста и новатора Лючио Фонтана (1899–1968), картины которого с прорезями и разрывами принесли ему широкую известность. В середине 1990-х В. Н. Немухин экспериментировал с порезами на своих картинах, а в нашей работе на бумаге их роль играют уверенные линии.

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Без названия (Новая статуя Свободы)
Бронза, гранит. 44,4 × 13,5 × 13,5 (скульптура); 11,7 × 16 × 16 (основание); 56,5 × 16 × 16 (общий размер)

Не датирована, но, судя по подписи латиницей и сюжету, выполнена уже в период эмиграции бронзовая скульптура «Без названия (Новая статуя Свободы)» Эрнста Иосифовича Неизвестного.

Одновременно с 410-м AI аукционом открыт 96-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Анелии Алиповой, Юрия Бабича, Сергея Базилева, Сергея Бордачева, Галины Быстрицкой, Тимофея Бычкова, Дмитрия Воронина, Даши Делоне, Михаила Дронова, Евгения Зевина, Александра Кацалапа, Игоря Кислицына, Бориса Марковникова.

Дополнительный стринг — 5 работ Pata (Пааты Мерабишвили). Персональная выставка художника «Автопортрет» до 30 января 2022 открыта в залах Галереи ARTinvestment.RU «21-й век», а в виртуальных залах на сайте AI проходит ретроспектива работ художника 1992–2021 годов.

Всем желаем удачи на 410-м AI аукционе и 96-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Источник

Сочинение по картине дубовского родина 11 класс

Вариант 2

Сочинение на тему «Тарас Бульба», 7 класс

Сочинение по произведению Тарас Бульба

Все сочинения по литературе за 7 классКоллектив авторов

Вариант 4

Популярные сочинения

Сочинение по картине Васильева Мокрый луг 5, 8 класс (описание)

Сочинение по картине Мокрый луг Васильева

Популярные сочинения

Сочинение по картине Мокрый луг Васильева 5, 8 класс

Сочинение-описание картины Васильева Мокрый луг

Описание настроения картины Васильев – Мокрый луг

Популярные сегодня темы

Описание 2

Сочинение по картине Васильева «Мокрый луг»

Русский пейзаж Васильева

Милая сердцу Гатчина

Тоска по родному краю

Сочинение по картине Васильева Мокрый луг 8 класс

Описание картины «Мокрый луг» Ф.Васильева

Сочинение по картине Ф. А. Васильева «Мокрый луг»

На этой странице искали :

Сочинение Мокрый луг Васильева