Римский корсаков сочинил симфоническую сюиту шехерезада по мотивам известных сказок

Фредерик Ризен Магле (датское произношение: [ˈfʁeðˀʁek ˈmɑwlə]; родился 17 апреля 1977 года) — датский композитор, концертный органист и пианист. Он пишет современную классическую музыку, а также слияние классической музыки и других жанров. Его сочинения включают оркестровые произведения, кантаты, камерную музыку и сольные произведения (в основном для органа), в том числе написал несколько композиций по заказу датской королевской семьи. Магле приобрел репутацию органного виртуоза, а также композитора и исполнителя, который не воздерживался от экспериментальных проектов, часто с импровизацией, граничащих с джазом, электронной музыкой и другими неклассическими жанрами.

Среди его наиболее известных произведений-концерт для органа и оркестра «Бесконечная секунда», пьеса для духового квинтета «Lys på din vej» («свет на твоем пути»), написанная к крестинам принца Николая, «Надежда»(англ. The Hope (дат: Håbet) для духового оркестра и хора, симфоническая сюита «Кантабиле» (англ. Cantabile) и сборник импровизаций для органа под названием «Как пламя» (англ. Like a Flame).

Биография

Фредерик Магле родился в Стуббекёбинге, в семье актрисы и писательницы Мими Генрих и органиста, художника и скульптора Кристиана Ризена Магле (1925—1996). Он является внучатым племянником композитора Эмиля Ризена. Признанный вундеркиндом, он появился на телевидении и в средствах массовой информации в возрасте 9 лет.

Магле получил образование в качестве частного ученика у Лейфа Тибо. С шести лет его обучали игре на фортепиано, чтению партитур и теории музыки. В возрасте 16 лет он был принят в Королевскую Датскую консерваторию, где преподавал теорию музыки Ингве Ян Треде, но через полтора года решил покинуть музыкальную академию, объяснив это тем, что «не может одновременно учиться в консерватории и самостоятельно работать композитором. Позже он заявил, что это решение «было трудным, и нужно было многое обдумать», но он не жалел об этом.

В 1993 году он получил стипендию графини Эрны Гамильтон. В 1994 году в качестве органиста он выиграл датские отборочные туры и национальный финал конкурса молодых музыкантов «Евровидение». Он был одним из восьми победителей 24-го национального конкурса 1994 года, которые были отобраны для участия в Европейском финале, проходившем в Концертном зале филармонии в Варшаве, Польша, 14 июня 1994 года. Он исполнил органный концерт Франсиса Пуленка, но не попал в тройку призёров. Польские организаторы изначально планировали провести отборочный тур в другом месте, но перенесли его в филармонический зал (где находится орган), чтобы Магле мог принять участие.

Отец Магла умер в 1996 году, незадолго до первого исполнения рождественской кантаты Фредерика Магле «Новорожденный ребёнок, перед вечностью, Боже!» (англ. A newborn child, before eternity, God!), которая посвящена ему. Магл был удостоен премии Freemason’s Arts Prize в 2001 году. В 2006 году он стал владельцем интернет-форума классической музыки «Talk Classic».

Та же Фредерик рассказал, что часто вдохновения приходит к нему во сне и он всегда держит блокнот рядом с собой, на случай, если ночью у него появится идея для . Этот часто встречается среди великих умов.

Музыка

1985—1999

Первое публичное исполнение одной из композиций Фредерика Магле, состоялось пасхальным утром 7 апреля 1985 года в церкви в родном городе Стуббекёбинге, где детский хор исполнил сочиненный им Пасхальную хвалебную песню. Два года спустя, в 1987 году, шесть его гимнов с текстами его матери Мими Генрих, были исполнены актрисой и певицей Энни Биргит Гард на концерте в церкви Люнгби, и в том же году он впервые выступил по телевидению. В 1988 году в церкви Грундтвига в Копенгагене состоялась премьера двух его крупных произведений — кантаты «мы боимся» и мини-мюзикла «Рождественский ребёнок « — перед аудиторией в 2000 человек. Он начал сотрудничать со скрипачом Николаем Цнайдером в 1990 году, и они вместе исполнили ряд концертов. Позже Цнайдер дал первый концерт вариаций Магле для скрипки и фортепиано в Концертгебау, Амстердам, с пианистом Даниэлем Гортлером: «Путешествие во времени», описывает «своеобразные сцены или музыкальные образы» с использованием резких диссонансов, сложных ритмов и драматических переходов и тематических образований.

В 1993 году, Фредерик написал музыку для экспериментального театрального спектакля Der Die Das театральной группы Hotel Pro Forma под руководством Кирстеана Дехльхольма. Этот спектакль был исполнен на 4-м международном танцевальном фестивале в Мюнхене. Также в этой постановке участвовали: архитектор Томас Визнер, скульпторы Андерс Крюгер и Франс Якоби, художник Томас Лахода и художник по костюмам Аннет Мейер; он был представлен как современный «Гезамткунстверк», включающий архитектуру, искусство, музыку и перформанс.

Концерт магле для органа и оркестра «Бесконечная секунда» был впервые исполнен и записан в 1994 году, на 3-м Международном музыкальном фестивале в Домском соборе, оркестром латвийской филармонии под управлением Дзинтара Йостса и с самим Фредериком Магле в качестве солиста органа. Рецензент журнала Berlingske Tidende, Стин Стинсен описал органный концерт как «долгий процесс от тьмы к свету», тонально «основанный во французской школе органной музыки». Запись была выпущена на CD в 1996 году, вместе с его второй симфонией для органа Let there be light (да будет свет), премьера которой состоялась также в Домском соборе в 1993 году. Культурный журналист Якоб Левинсен писал:

…в то время как его музыка кажется вполне условной с точки зрения традиционных музыкальных правил, таких как предпочтение арочных форм и относительно консервативное использование свободной тональности с точки зрения мелодии и гармонии, то, что можно было бы назвать драматическими персонажами его музыки, очень определенно развивается из специфических возможностей самого церковного органа. Это касается часто встречающегося контраста между очень яркими и очень темными тембрами, между четко очерченными мелодическими линиями и тесно сплетенными звуковыми полями, между огромными колоннами аккордов и энергично движущимися узорами ритма. И это касается также двух доминирующих способов структурирования его музыки (…) постепенное нарастание динамических напряжений путем добавления все новых и новых слоев звука, резкие изменения между светом и тьмой, силой и спокойствием, ясностью и завуалированностью. В том числе смелость расширить некоторые параметры до крайностей – например, когда ритмический рисунок становится настолько плотным, что почти размывает контуры фигур, участвующих в нем, и остается только контур движения…

— Якоб Левинсен

Рождественская кантата «Новорожденное дитя, перед вечностью, Боже!» первый спектакль был показан в 1996 году по заказу «Культуры 96» (Kulturby 96) — Культурная столица Европы 1996 года. В 1997 году она была выпущена на CD.

В 1995-96 годах Магле сочинил симфоническую Lego Fantasia в трех частях для фортепиано и симфонического оркестра по заказу Lego Group. Премьера состоялась 24 августа 1997 года на концерте в часовне Святого Георгия лондонским филармоническим оркестром под управлением Дэвида Парри и самого Фредкрика на фортепиано. В 1998 году, те же исполнители записали эту работу для компакт-диска, выпущенного Lego Group. Также в 1998 году Маглу было поручено написать работу для Amnesty International: он сочинил Flammer for Frihed (пламя за свободу) для соло-фортепиано. В книге была напечатана статья с тем же названием, содержащей эссе 24 датчан (включая премьер-министра Поуля Нюрупа Расмуссена, бывшего премьер-министра Поуля Шлютера, и других). Под редакцией Моники Риттербанд книга была издана к 50-летию всеобщей декларации прав человека.

22 ноября 1998 года кантата Магле «К Святой Цецилии» для солистов, хора, детского хора и камерного оркестра была впервые исполнена в новой глиптотеке Карлсберга в Копенгагене. В следующем году она была записана и выпущена на альбоме cæciliemusik (Музыка для Святой Цецилии) датским Cæciliekoret (хор Цецилии) под управлением Гуннара Свенссона с солистами Биргитте Эверлоф (сопрано), Тувы Семмингсен (альт) и Йоргена Дитлевсена (бас). Текст кантаты принадлежит автору Ибену Крогсдалу; основанный на истории Святой Цецилии, умершей ужасным образом за свою христианскую веру, она была описана как «умеренный модернизм» с особым «датским тоном» и прозрачным камерным музыкальным инструментарием.

2000-настоящее время

В 2001 году его работа «Надежда» (The Hope) для духового оркестра, хора, органа и ударных инструментов, была впервые исполнена во время празднования 200-летия Копенгагенского сражения. Композиция была заказана Адмиралом датского флота совместно с Реформатской Церковью в Копенгагене, где 1 апреля состоялась премьера. «Надежда» впоследствии была записана и выпущена Королевским датским военно-морским флотом на альбоме: Søværnet Ønsker God Vind (The Royal Danish Navy Wishes Godspeed) (Королевский датский военно-морской флот желает счастливого пути) в 2005 году.

Датские органные строители Фробениус заказали новую работу Магле к своему столетнему юбилею в 2009 году. Премьера произведения Фредерика, рапсодии для органа Viva Voce, состоялась на двух гала-концертах 12-14 мая 2009 года в соборе Орхуса и церкви Вангеде в сотрудничестве с Джиллиан Вейр.

В октябре того же года в церкви Йорлунде был торжественно открыт новый трубный орган. Магле создал его технические характеристики и тональный дизайн после того, как старый орган был потерян в огне пять лет назад, находясь на складе, и дал торжественный концерт 8 ноября. В 2010 году он выпустил двойной альбом свободных импровизаций Jørlunde-organ, Like a Flame. Отзывы об альбоме были преимущественно благоприятными, MusicWeb International описал его работу как: «очень творческие, иногда дальновидные, удивительно несложные», но язвительная рецензия в датском органном журнале ORGLET утверждала, что это традиционные хоровые формы вместо свободной импровизации. Один критик пожаловался на то, что альбом слишком длинный-больше двух часов. Органист, джазовый пианист и композитор Хенрик Серенсен защищал свободную импровизационную форму Магле в статье в датском органном журнале Orgelforum.

В 2011 году Магле сочинил Allehelgenmesse (All Hallows Mass)(Все Святые Мессы), предназначенную для исполнения на службе всех Святых в первое воскресенье ноября, где люди приходят помянуть родственников, умерших в прошлом году. Текст был написан автором гимнов Ибеном Крогсдалом и пастором Мортеном Сковстедом. Эта месса, финансируемая датским Министерством по делам церкви, была размещена в свободном доступе в интернете. После выступления в церкви святого Николая, музыкальный критик назвал эту музыку «интимной» и «завершенной».

Работа на датскую королевскую семью

Кантабиле (симфоническая сюита)

Магле играл на органе во время крестин принца Николая в замке Фреденсборг в 1999 году и впервые исполнил свою композицию Lys på din vej (свет на вашем пути) для органа и духового квинтета с духовым ансамблем Королевской датской гвардии в качестве постлюдии. Lys på din vej был выпущен на альбоме с тем же названием в следующем году, который получил смешанные отзывы, особенно критикуемый газетой Politiken за то, что онj состоялf из «бесконечных повторений одного и того же мелодического материала без развития». Эта пьеса была перезаписана в 2013 году духовым ансамблем Королевской датской гвардии в новой версии на их альбоме Nordisk Musik (Nordic Music). На крестинах принца Феликса, в церкви Møgeltønder в 2002 году состоялась премьера еще одного произведения Фредерика Магле в качестве постлюдии.

Фредерик сочинил симфоническую сюиту «Кантабиле», на стихи принца Хенрика Датского (принц-консорт).

Кроссоверы и совместные работы

Первый диск Фредерика, Sangen er et eventyr-Sange over H. C. Andersens eventyr (песня – сказка, песни, основанные на сказках Ганса Христиана Андерсена) 1994, года был записан с джазовым контрабасистом Нильсом-Хеннингом Эрстедом Педерсеном, джазовым пианистом Нильсом Лан Доки, перкуссионистом Алексом Риелем, трио Рококо и вокалистом Томасом Эйе. Он также участвовал в работе над авангардным альбомом Hymn to Sophia 2005 года джазового саксофониста Джона Чикаи, где он импровизировал на органе с Чикаи и перкуссионистом Петером Оле Йоргенсеном.

В 2011 году Магле сочинил симфоническую музыку для альбома Elektra датской хип-хоп группы Suspekt. Эмиль Симонсен из Suspekt охарактеризовал вклад Магле как: «существенный для разработки нового альбома» и охарактеризовал Фредерика Магле как: «один из величайших музыкальных источников вдохновения», с которым группа работала. Сотрудничество получило положительные отзывы в датской прессе, причем газета Jyllands-Posten назвала трек «Nyt Pas» от Elektra: «светящимся оркестровым хип-хопом со зрелыми амбициями», а музыкальный журнал Gaffa, описал контрасты между классическими композициями Фредерика Магле и хип-хопом Suspekt как: «крайние противоположности, которые помогли сделать вечер особенным» в своем обзоре. Оркестровая музыка была записана в Концертном зале Рудольфинум в Праге.

Фьюжн-произведение «Полифония» Фредерика, сочетающая рок-музыку с современной классической музыкой, была опубликована в австралийском учебнике музыки In Tune With Music, написанном Яном Доррикоттом и Алланом Бернисом в 2013 году.

Перечень работ

Это выборочный список основных работ Магле, включая все, что было записано по состоянию на 2014 год.

Оркестр

• Концерт для органа с оркестром The infinite second (1994)
• Lego Fantasia для фортепиано и оркестра, по заказу Lego (1995-96)
• Восход нового дня (1998) Rising of a new day (1998)
• Lys på din vej (Light on your path) — оркестровая версия (1999-2000)
• Кантабиле, симфоническая сюита, состоящая из трех симфонических стихотворений для оркестра, хора и солистов (2004-2009)

Хор

• We Are Afraid (Мы боимся) кантата для хора, флейты, кларнета, перкуссии, струнных, фортепиано и органа (1988)
• Der Die Das, опера для 2 солистов и хора (1993)
• A newborn child, before eternity, God! (Новорожденный ребенок, перед вечностью, Боже!). Рождественская кантата, для духового оркестра, хора, солистов, органа и ударных инструментов (1996)
• Cantata to Saint Cecilia (Кантата к светой Цецилии) для солистов, хора, детского хора и камерного оркестра (1998)
• The Hope (Надежда) для духового оркестра, хора, органа и ударных инструментов, написанная в память о битве при Копенгагене (2001)
• Phoenix (Феникс) для смешанного хора и органа или фортепиано в четыре руки (2003)
• Allehelgenmesse (All Hallows Mass) для сопрано, хора, виолончели и органа (2011)

Песни и гимны

• 30 гимнов (1985)
• 20 песен по мотивам сказок Ганса Христиана Андерсена (1986-92)

Орган

• Симфония для органа № 1 (1990)
• Симфония для органа № 2 Let there be light (Да будет свет) (1993)
• Фантазия для органа Forårssol (1999)
• Cantilena (Кантилена) (2003)

• Viva Voce (2008)

• В Blive (To Become) (2009)

• Like a Flame (Как пламя), 22 пьесы для органа (2009-2010)

Пианино

• Flammer for Frihed (Огонь свободы) (1998)

Камерная музыка

• Lys på din vej (Light on your path) (свет на пути) для органа и брасс-квинтета, написанных для крещения принца Дании Николая (1999)
• Вариации на тему Rejse i Tid (Journey in Time) (путешествие во времени) для скрипки и фортепиано (1999)
• Decet Dage og Nætter (Days and Nights) (дни и ночи) (1999)
• Интермеццо для духового квинтета (2001)
• Dåbens Pagt (пакт о крещении) для духового квинтета, написанного для крестин принца Феликса датского (2002)
• Самая прекрасная из роз (Den Yndigste Rose), фанфары для двух труб и органа (2017)
• «Lament» (Плач) для скрипки и органа (2017)

Опубликовано: 03.01.2022

Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков ( 6 (18) марта 1844 ( 18440318 ) , Тихвин — 8 (21) июня 1908, усадьба Любенск, близ Луги, Санкт-Петербургская губерния) — русский композитор, педагог, дирижёр, общественный деятель, музыкальный критик; представитель «Могучей кучки», возглавлял Беляевский кружок, автор 15 опер, 3 симфоний, симфонических произведений, инструментальных концертов, кантат, камерно-инструментальной, вокальной и духовной музыки.

Содержание

Детство и юность

Римский-Корсаков родился в небольшом городе Тихвине. Отец композитора — Андрей Петрович Римский-Корсаков (1784—1862) — служил некоторое время новгородским вице-губернатором, а затем губернатором на Волыни, мать — Софья Васильевна — дочь крепостной крестьянки и богатого орловского помещика Скарятина, женщина достаточно образованная. Сильное влияние на будущего композитора оказал и его старший брат Воин Андреевич — контр-адмирал, реорганизатор системы военно-морского образования. Семейный дом Римских-Корсаковых находился на берегу реки Тихвинки, напротив Тихвинского Большого Богородицкого мужского монастыря.

Игре на фортепиано композитор обучался дома, а потом в пансионе, где уроки музыки были в числе прочих общеобразовательных дисциплин. Известно, что с отрочества композитор был увлечён музыкой, познакомился с сочинениями Россини, Бетховена, Мейербера, Мендельсона, однако наибольшее впечатление на него произвела музыка М. И. Глинки — его «Камаринская», «Испанские увертюры», оперы «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». В 1859—1869, чувствуя необходимость получения более профессиональных музыкальных навыков, Римский-Корсаков брал уроки у пианиста Ф. А. Канилле.

В 1856 году отец отвёз юного Николая в Морской кадетский корпус, который он окончил с отличием весной 1862 года (в то время учебное заведение сменило своё название на Морское училище). К тому времени умер отец композитора (в 1861 году) и семья Римских-Корсаковых перебралась в Санкт-Петербург.

Знакомство с Балакиревым и плавание на клипере «Алмаз»

В 1861 году Канилле познакомил Н. А. Римского-Корсакова с М. А. Балакиревым. Юный композитор сразу стал членом Балакиревского кружка («Могучая кучка»), оказавшего решающее воздействие на формирование его личности и эстетических взглядов композитора. В то время в кружок, помимо его главы — Балакирева — и самого Римского-Корсакова входили Цезарь Кюи и Модест Мусоргский. Руководивший работой более молодых коллег Балакирев не только подсказывал верные композиторские решения для создаваемых ими сочинений, но и помогал товарищам с инструментовкой.

Под влиянием и руководством Балакирева было начато первое крупное сочинение Римского-Корсакова — Первая симфония ор. 1. По словам самого Н. А. Римского-Корсакова, эскизы начала симфонии существовали ещё в году обучения у Канилле, [1] однако серьёзная работа над сочинением развернулась лишь в 1861—1862 годах — и «к маю 1862 года первая часть, скерцо и финал симфонии были мною сочинены и кое-как оркестрованы». [2]

В 1862—1865 годах Римский-Корсаков был назначен на морскую службу на клипере «Алмаз», благодаря чему посетил ряд стран — Англию, Норвегию, Польшу, Францию, Италию, Испанию, США, Бразилию. Впечатления от морской жизни воплотились через некоторое время в изумительных морских пейзажах, которые ему удалось запечатлеть в своих произведениях средствами оркестровых красок. Работа на клипере не оставляла много времени для совершенствования музыкальных навыков, так что единственное сочинение, появившееся в этот период из-под пера композитора — вторая часть (Andante) Первой симфонии (конец 1862 года), после которой Римский-Корсаков надолго забросил сочинительство. [3]

Возвратившись из морского путешествия, Римский-Корсаков снова попадает в общество членов Могучей кучки, в том числе подружился и с новым участником кружка — начинающим композитором и профессиональным химиком Александром Бородиным. Балакирев познакомил молодого композитора с кумиром участников кружка Александром Даргомыжским, с Людмилой Шестаковой (сестрой Михаила Глинки) и с Петром Чайковским.

По настоянию Балакирева Римский-Корсаков вновь принимается за Первую симфонию — сочиняет недостающие трио для скерцо и полностью переоркестровывает. Получившаяся партитура (известная как первая редакция симфонии) была исполнена в 1865 году под управлением самого Балакирева — неизменного исполнителя всех ранних симфонических партитур Римского-Корсакова.

Найденный в Первой симфонии музыкальный язык успешно развит в таких сочинениях, как Увертюра на три русские темы (первая редакция — 1866) и «Сербская фантазия» (1867). Обратившись под влиянием Балакирева к подлинным славянским народным мелодиям, Римский-Корсаков придерживается в музыке национального колорита, который и в дальнейшем будет характеризовать большую часть его творчества.

Музыкальная картина «Садко» (1867, позже её музыка частично использована в одноимённой опере) стала этапным произведением Римского-Корсакова. Во-первых, это самое раннее из программных сочинений композитора. В данном случае он выступает как продолжатель традиций европейского программного симфонизма — и прежде всего Гектора Берлиоза и Ференца Листа, творчество которых очень повлияло на композитора. В дальнейшем большая часть произведений Римского Корсакова также будет связана с определённой литературной программой. Во-вторых, именно в этом сочинении он впервые соприкоснулся с миром сказки (позже Римского-Корсакова так и будут называть — «Сказочником»). В-третьих, в музыке этого сочинения он попытался оркестровыми красками изобразить море, что позже неоднократно делал в дальнейших своих сочинениях (сюите «Шехеразада», прелюдии-кантате «Из Гомера», операх «Садко» и «Сказка о царе Салтане»). Ещё одно важное открытие, сделанное в музыкальной картине, — придуманный самим композитором симметричный лад — так называемая «Гамма Римского-Корсакова», применявшаяся в дальнейших его произведениях для характеристики фантастического мира.

Программно-сказочное начало было развито во Второй симфонии «Антар» (1868, позже названа симфонической сюитой), написанной на сюжет восточной сказки Осипа Сенковского.

В конце 1860-х годов Римский-Корсаков работает над инструментовкой чужих произведений: помогает Кюи с оркестровкой оперы «Вильям Радклиф» и заканчивает, согласно завещанию умершего Даргомыжского, партитуру его оперы «Каменный гость».

Творчество 1870—1880 годов

И когда Римский-Корсаков был приглашён профессором в Санкт-Петербургскую консерваторию (1871), он совершенствует свои музыкальные познания и навыки.

В эти же годы он обратился к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве (в 1872 окончена опера «Псковитянка», по драме Л. А. Мея).

С 70-х гг. расширились границы музыкальной деятельности Римского-Корсакова: он был профессором Петербургской консерватории (с 1871, классы практического сочинения, инструментовки, оркестровый), инспектором духовых оркестров Морского ведомства (1873—84), директором Бесплатной музыкальной школы (1874—81), дирижёром симфонических концертов (с 1874), а позже и оперных спектаклей, помощником управляющего Придворной певческой капеллой (1883—94), возглавлял Беляевский кружок (с 1882). В середине 70-х гг. работал над совершенствованием своей композиторской техники. Именно в этот период — в 1871 г. его приглашают для преподавания в Санкт-Петербургскую Консерваторию, с присвоением учёного звания — профессор; и начав преподавание в Консерватории Римский-Корсаков обнаруживает серьёзные недостатки в своём музыкальном образовании, и сам начинает увлечённо изучать дисциплины преподаваемые в Консерватории. Итогом совершенствования композиторской техники Римского-Корсакова стала Симфония № 3 C-dur. В 80-х гг. большое внимание уделял симфоническим жанрам, именно в этот период создаёт своё крупнейшее эпическое симфоническое полотно — симфоническую сюиту «Шехеразада».

Творчество 1890—1900 годов

В начале 90-х гг. наблюдался некоторый спад творческой деятельности (в этот период изучал философию, писал статьи, пересмотрел и отредактировал некоторые из своих прежних сочинений). Во 2-й половине 90-х гг. творчество приобрело исключительную интенсивность: появились оперы «Садко» (1896), «Царская невеста» (по Мею, 1898). Во время Революции 1905—07 Римский-Корсаков выступил с активной поддержкой требований бастующих студентов, открыто осудил действия реакционной администрации Петербургской консерватории (был уволен из консерватории, вернулся лишь после предоставления консерватории частичных автономных прав и смены руководства).

Педагогическая деятельность

Семья

Сын Римского-Корсакова музыковед Андрей Николаевич Римский-Корсаков (1878, Санкт-Петербург — 1940, Ленинград) был женат на ученице отца, композиторе Юлии Лазаревне Вейсберг (1879, Оренбург — 1 марта 1943, Ленинград), погибшей вместе с сыном, Всеволодом Андреевичем Римским-Корсаковым (25 апреля 1915, Санкт-Петербург — 1943, Ленинград) в блокадном Ленинграде. [5]

Младший сын — композитор Георгий Николаевич Римский-Корсаков (1901, Санкт-Петербург — 1965, Ленинград).

Зять — композитор Максимилиан Осеевич Штейнберг, с 4 июня 1908 года — муж Надежды Николаевны Римской-Корсаковой. Их дочь — филолог Надежда Максимилиановна Штейнберг (1914—1987).

Шедевры легендарного Римского-Корсакова стали символом России и прославили имя музыканта на весь мир. Он писал великолепные романсы, оперы, симфонии, которые считаются достоянием золотого фонда классической музыки.

Юность и детство

Родился великий композитор в маленьком городе Тихвин. Его родители были дворянами из старинной династии. Один из предков юного Коли работал при императрице Елизавете. Отец будущего музыканта был высокопоставленным чиновником и даже несколько лет занимал губернаторскую должность. Хотя мать также относилась к древнему и славному роду, бабушкой Николая по материнской линии была простая крестьянка. У мальчика был старший брат по имени Воин. Разница между ними составляла более 20 лет. Для маленького Коли старший брат выполнял роль наставника и всегда был авторитетом.

С ранних лет родители планировали, что Николай будет служить на флоте. Отец будущего композитора любил музыку и сам блестяще владел игрой на фортепиано. Вначале мальчик занимался пением в хоре, а потом увлекся фольклором. Коля обожал слушать церковные песнопения и народные напевки, частушки и песни. Увлечение фольклором в будущем определит направление творчества молодого музыканта и подарит ему множество тем для новых композиций. Уже в девятилетнем возрасте Коля сочиняет свое первое музыкальное произведение.

В подростковом возрасте Николая отдают в кадетский корпус, в котором обучались будущие моряки. Юноша переезжает в Петербург и приходит в восторг от культурной жизни столицы царской России. Он с удовольствием ходит в оперный театр, знакомится с произведениями самых знаменитых композиторов классической музыки.

Музыка настолько увлекает молодого человека, что он начинает учиться играть на виолончели, а потом и осваивает игру на фортепиано. В середине 19-го века Николай заканчивает обучение в училище. В это же время умирает отец семейства, что стало для будущего маэстро настоящей трагедией. Воин вместе с матерью приезжают в Петербург.

Музыкальная карьера

В 61 году XIX века состоялось знаковое событие в жизни композитора – он знакомится с Милием Балакиревым. Последний в свое время основал организацию молодых композиторов, из которой вышли великие музыканты. Дружба двух талантливых людей во многом определила будущее творчество юноши. В кружок входили и Бородин, и Мусоргский, которые также во многом направляли будущего мастера в его музыкальной биографии.

Балакирев вдохновляет Николая на написание первого масштабного музыкального произведения. Композиция вышла под названием «Первая симфония ор. 1». У юного музыканта уже были приготовлены эскизы – нужно было только набраться смелости и объединить наброски в единое произведение. Перед окончанием училища у Николая уже были закончены почти все части будущей симфонии. Однако завершающую часть композиции музыканту пришлось дописывать в открытом море – он отправился в кругосветное плаванье в качестве первоклассного моряка.

Через несколько лет Римский-Корсаков возвращается в Петербург. Теперь ему уже ничто не будет мешать создавать шедевры. Композитор полностью погружается в музыкальное творчество. Через несколько месяцев состоится премьера его первой симфонии. Оркестром управлял старый друг композитора, Милий Балакирев.

Николая все больше и больше начинает интересовать фольклор. Под влиянием опытного наставника, он постигает русские народные мотивы, старается переложить их на классическую музыку. Вскоре он создает красочную музыкальную зарисовку, которую называет «Садко». Позже музыкальные материалы будут использованы для создания легендарной оперы, которая тут же прославит своего автора. Публика приходит в восторг, а критики отмечают новаторство Николая в звучании.

Композитор был известен своими экспериментами с классическим звучанием, он импровизировал и достигал невероятных результатов. Классическая музыка при его обработке приобрела фантастическое звучание. Николай старался наделить мелодию цветом, создать гармоничную картину, которую зритель мог бы услышать, а не увидеть. Отмечается, что у самого композитора от рождения был цветной слух, каждая нота для него слышалась в определенном цвете. Некоторые тональности он «ощущал» желтыми или белыми, а какие-то ноты у него ассоциировались с морем или синим ночным небом.

После создания первой симфонии молодой музыкант не мог остановиться – он начинает творить. Вскоре выходит его сюита («Антар»). Композитор пишет оперы, внимательно изучая жанр и занимаясь разработкой оркестровок для композиций других авторов. Однако первая опера юного музыканта выходит только 1872 году, называлась она «Псковитянка». Сюжетной основой для композиции стало драматическое произведение знаменитого на тот момент Льва Мея. Спустя год постановка «гремела» в театре.

В 70-х годах Николай становится профессором консерватории по специальному приглашению ректора. Хотя у композитора не было завершенного образования в области музыки, в историю он вошел как великий педагог. Практически 35 лет Николай обучал талантливых студентов, которые в будущем станут знаменитыми музыкантами.

Несмотря на звание педагога, музыкант старался совершенствоваться вместе со своими студентами. Он постоянно изучал что-то новое, стремился улучшить свое мастерство и чувство музыки. В первые годы преподавательской деятельности композитор напишет вокальные и полифонические партии, а также концерты для различных инструментов. В 73 году 19-го века он пишет свою третью симфонию.

Через год маэстро пробует себя в качестве дирижера. Через шесть лет гениальный музыкант дает концерты в царской Москве, в Брюсселе и на выставке в Париже.

Мужчина был очарован фольклорными мотивами, именно они и сделали его имя знаменитым. Композитор создает свои самые известные шедевры – оперы «Снегурочка», «Майская ночь», «Млада», сюиту «Шехеразада» и многие другие.

Не забывал Николай и об общественной деятельности, налаживает сотрудничество с Придворной певческой капеллой. Также композитор управлял знаменитой концертной группой, которая была как никогда популярна в Северной столице.

В 1890-е годы в творческой биографии композитора случается новая эпоха – его начинают интересовать философские композиции. Также он активно занимается теорией музыки, редактирует собственные шедевры прошлых лет. Николай пишет новые успешные произведения – оперу «Ночь перед Рождеством», «Моцарт и Сальери», «Садко» и другие.

Первые годы наступившего двадцатого столетия композитор встречает настоящим творческим прорывом, который выразился в написании целого ряда музыкальных шедевров. Он в который раз вдохновляется фольклором и пишет сказочные оперы, которые в будущем будут ассоциироваться у поклонников с русской культурой – «Золотой петушок», «Кащей бессмертный». Одной из самых знаменитых стала интермедия, написанная специально для оперы по сказке Пушкина «Сказка о царе Салтане». Впоследствии композиция была названа «Полет шмеля».

Интересно, что именно эта интермедия впоследствии будет чаще всего исполняться уже в 21 веке. Композиция имеет множество вариантов. Существуют версии с народными инструментами, а также для гитары и фортепиано. Не так давно появились обработки в разнообразных музыкальных стилях – хард рок, джаз и другие.

Революция поставила точку в творческой биографии композитора. В 1905 году Николай принял участие в поддержке бастующих, среди которых были его многочисленные студенты. Консерваторское руководство не оценило такое решение и впоследствии уволило композитора. Постановки великого маэстро запрещаются, а уже этого музыкант никак не мог вынести.

Личная жизнь

В личной жизни, равно как и в музыке, Римский-Корсаков был крайне удачлив. На одном из музыкальных вечеров он увидел юную пианистку по имени Надежда. Отношения будущих супругов начались с рабочего сотрудничества. Юный Коля как раз подыскивал помощницу для инструментовки, поскольку работал над новой оперой. С предложением о совместной работе юноша обращается к Надежде, которая ответила согласием. Молодые музыканты начинают работать вместе и хорошо узнают друг друга.

Вскоре рабочие отношения перерастают в любовные, в 1872 году Коля и Надя сочетались браком. Первый сын родился у четы уже через год. В будущем Михаил Николаевич станет прославленным лесоведом и зоологом. Вскоре рождается второй ребенок – дочка София. Девушка станет популярной оперной дивой и будет исполнять самые известные произведения.

Третьего сына назвали Андреем. Мальчика также ждала замечательная судьба – он найдет себя в исследовании истории музыки и в философии, получив звание профессора. Четвертый сын получил имя Владимир, он будет работать в качестве альтиста в Мариинском театре. Младшенькой любимицей родителей станет дочь Надежда, которую назвали в честь матери. Родится в семействе еще два ребенка, но они умрут в младенчестве.

У великого деятеля музыки и педагогики был счастливый брак, который внезапно оборвался смертью супруги. Женщина умерла от оспы, Николай переживет дорогую Надю на целых 11 лет. Любимой супруге композитор посвятит пронзительный романс под названием «Колыбельная песня».

В 70-х годах XX века квартира великого композитора превратится в его музей. Будет с тщательностью восстановлена обстановка, которая царила в комнатах во время жизни музыканта и его семьи. В импровизированном доме-музее будут размещены рукописные тексты самых популярных произведений маэстро и его личные фотографии.

Римский-Корсаков – выдающийся русский музыкант, который известен по всему миру. Он написал многочисленные симфонические и лирические произведения, а также 15 опер. Его вклад в развитие музыки сложно недооценить. 18 марта – это день рождения великого композитора. В честь знаменательной даты хочется рассказать побольше о выдающемся музыканте.

Детские годы

Появился на свет Николай Андреевич в семье потомственных дворян в Новгородской губернии. Его отец хорошо играл на фортепиано. Маленький Николай подыгрывал отцу на барабане в три года. Мама мальчика была из рода помещиков, но рождена от крестьянки. Отец же носил звание статского советника.

Когда Николаю исполнилось шесть лет, ему наняли учителя музыки. Но занимался мальчик очень неохотно. Музыка ему не нравилась. Ему удалось выучить лишь музыкальную грамоту. Ни история, ни композиторы его не интересовали. С ранних лет Николая начали готовить к службе на флоте. В семье был еще старший сын, который стал в дальнейшем контр-адмиралом.

Первое вокальное произведение мальчик сочинил в девять лет. В подростковом возрасте его отправили в кадетский корпус. Переехав в Санкт-Петербург, Николай полностью погрузился в культурную жизнь города. Он стал активно посещать оперный театр. Здесь состоялось его знакомство с произведениями великих композиторов. Вскоре юноша начал брать уроки у педагога Улиха, чтобы научиться играть на виолончели. Не обошел он вниманием и занятия с пианистом Канилле.

В 1862 году Николай закончил морское училище. В том же году случилось несчастье в семье, умер отец. После этого старший брат и мама перебрались тоже в Санкт-Петербург.

Музыка

Римский-Корсаков должен был стать моряком. К этому его готовили с детства, чтобы он смог продолжить династию. Но знакомство с известными музыкантами изменило его жизнь. В 1961 году Николай впервые встретился с Балакиревым, который основал содружество «Могучая кучка». Дружба с музыкантами сильно повлияла на жизнь будущего композитора. В содружество входил Мусоргский и Кюи, позднее присоединился Бородин.

Николай под влиянием друзей создал Первую симфонию. К моменту окончания училища были завершены три части произведения. После этого композитор отплыл в кругосветное путешествие. На борту корабля он не переставал работать. Домой он вернулся через три года. Вскоре состоялась премьера его Первой русской симфонии.

Творчество

Римский-Корсаков в дальнейшем увлекся изучением фольклора, после чего он создал симфоническую картину «Садко». Кстати, его музыкальный материал позднее был использован для создания одноименной оперы. Талантливый композитор использовал свои новаторские подходы, благодаря чему музыка звучала фантастически.

Современники считают, что от природы композитор был наделен цветным слухом, что позволило ему создавать потрясающие произведения. Из-под пера талантливого музыканта появилась сюита «Антар». Постепенно Николай начинает осваивать оперный жанр. Первая полноценная опера была написана им в 1872 году. Она получила название «Псковитянка». Премьера произведения состоялась в Мариинском театре.

Преподавательская деятельность

В начале семидесятых годов Николаю Андреевичу пришло приглашение от ректора консерватории в Санкт-Петербурге. Римский-Корсаков становится преподавателем, а точнее профессором вуза, несмотря на то, что не имел законченного музыкального образования. За 35 лет своей преподавательской деятельности он воспитал множество талантливых музыкантов. Среди них был Антон Аренский, Михаил Гнесин, Александр Глазунов, Анатолий Лядов и другие.

Вместе со своими учениками композитор совершенствовал свое профессиональное мастерство. В первые годы преподавания музыкант занимался написанием вокальных и полифонических произведений. Он создал концерты для кларнета, фортепиано, тромбона. В 1873 году в свет вышла Третья симфония автора. А еще через год Андрей Николаевич сам встал за дирижерский пульт. Через шесть лет он выступал в Москве и в Париже с оркестром. А далее был Брюссель.

Новые произведения

В восьмидесятые годы вышли симфонические произведения, благодаря которым композитор снискал мировую славу: увертюра «Светлый праздник», оркестровая сюита «Испанское каприччио» и «Шахерезада», а также оперы «Снегурочка», «Майская ночь» и «Млада». В эти годы Римский-Корсаков стал активно сотрудничать с Придворной певческой капеллой. Он также продолжал руководить кружком Беляева и «Русскими Симфоническими Концертами».

В девяностых годах наметился спад в творчестве композитора. В это время он работал над философскими трудами. А уже в середине девяностых появился сразу целый ряд новых опер: «Садко», «Ночь перед Рождеством», «Царская невеста», «Моцарт и Сальери».

А в начале двадцатого века композитор сочинил свои последние сказки-оперы: «Золотой петушок», «Кащей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже…». Очень популярной стала «Сказка о царе Салтане».

С приходом революции Римский-Корсаков поддерживал бастующих студентов, из-за чего был уволен из консерватории. Но вскоре он вновь вернулся в нее.

Личная жизнь

Семейная жизнь композитора сложилась очень удачно. На одном из творческих вечеров он познакомился с Надеждой Пургольд. В то время ему нужен был помощник для работы над оперой «Псковитянка». Он предложил сотрудничать Надежде Николаевне. Их совместное творчество постепенно переросло в нечто большее. В 1872 году пара поженилась. Через три года родилась дочь София, которой было суждено стать оперной певицей. Позднее в семье родился сын Андрей, который стал музыковедом, и дочь Надежда. У пары было еще двое детей, но они умерли в раннем возрасте.

Супруга Андрея Николаевича пережила его на 11 лет. Она умерла от оспы. После революции квартира Римских-Корсаковых была заселена чужими людьми. И только в 1971 году в доме был основан музей великого композитора. В доме были оставлены те интерьеры, которые были при жизни Николая Андреевича.

Композитор умер в 1908 году от инфаркта. Его поразило известие о том, что его оперу запретили ставить. Это настолько поразило Андрея Николаевича, что он не выдержал удара. Похоронили выдающегося человека в загородном имении в Любенске.

Николай Андреевич Римский-Корсаков

Самый народный из всех русских композиторов, создатель композиторской школы, востребованной и сегодня, профессор консерватории без консерваторского образования, патриот исконной культуры своей страны — Николай Андреевич Римский-Корсаков. В век технического прогресса и грандиозных государственных преобразований, на сломе эпох его вдохновение черпало свои силы не в индустриальной цивилизации или человеческих страстях, а в русской природе, напевах родной земли, простых, известных с детства сюжетах былин, легенд и сказок. Его творческое наследие воистину бесценно, так как и через сто лет оно продолжает восхищать слушателей не только в нашей стране, но и за её рубежами.

Краткую биографию Николая Андреевича Римского-Корсакова и множество интересных фактов о композиторе читайте на нашей странице.

Краткая биография Римского-Корсакова

Город Тихвин известен за пределами Ленинградской области, пожалуй, двумя событиями: в 14 веке здесь явилась икона Тихвинской Божией Матери, а 18 марта 1844 года в семье 60-летнего отставного чиновника Андрея Петровича Римского-Корсакова и его 41-летней супруги Софьи Васильевны родился сын, которого назвали Николаем. Обучаться музыке мальчик начал с раннего детства, но мечтал не о ней, а о море: старший брат был офицером флота, и Нике, как звали его дома, хотелось походить на него. Поэтому в 12 лет он поступает в столичный Морской кадетский корпус. В Петербурге юноша знакомится с М.А. Балакиревым и становится членом его композиторского кружка « Могучая кучка », наравне с Ц.А. Кюи, А.П. Бородиным и М.П. Мусоргским . А ведь ему едва минуло 17!

В 1862 гардемарин Римский-Корсаков начинает служить во флоте. Обойдя на корабле за три года несколько континентов, он продолжает службу на берегу и параллельно занимается сочинением музыки – своим истинным призванием. Согласно биографии Римского-Корсакова в 1871 году композитора-самоучку приглашают преподавать в Санкт-Петербургскую консерваторию. Он соглашается, признавая, что, несмотря на достаточный практический опыт, не имеет должной теоретической подготовки. И садится за парту наравне со своими студентами изучать академические основы музыки. В 1872 году Николай Андреевич женится на пианистке Надежде Николаевне Пургольд. В браке родилось 7 детей.

Общественная деятельность композитора становится все более интенсивной: он руководит Бесплатной музыкальной школой, на одном из концертов которой встает за дирижерский пульт, в течение 12 лет трудится в Придворной певческой капелле, возглавляет кружок Беляева. События 1905 года нашли отклик и в консерваторских кругах: студенты требовали отставки руководства консерватории, ведущий преподавательский состав, включая Римского-Корсакова, покинул учебное заведение. Только к концу года, когда директором был назначен ученик композитора А.К. Глазунов , он вернулся в родные стены.

Уже на закате жизни Римский-Корсаков получил международное признание, выступив как композитор и дирижер на «Русских исторических концертах» в парижской Гранд-опера. Концерты организовал его ученик, С.П. Дягилев . Как профессор композиции он стал наставником многих вдающихся музыкантов, включая И.Ф. Стравинского и С.С. Прокофьева . Весной 1908 года у Николая Андреевича резко обострилось заболевание сердца. И все же он ни на день не оставлял работу. Последнее лето он встречал в собственной усадьбе на псковщине. 8 июня 1908 года композитора не стало.

Интересные факты о Николае Андреевиче Римском-Корсакове

• Во время обучения Николая в Морском кадетском корпусе директором учебного заведения назначили Воина Андреевича, его брата.
• Римский-Корсаков мог писать музыку без инструмента. Так, большая часть оперы «Сервилия» была написана во время зарубежного путешествия композитора с супругой, когда рояль ему был недоступен.
• «Могучая кучка» распалась к 1874 году. Более того, пути ее членов разошлись и творчески, и личностно: Римский-Корсаков перестал тесно общаться с Мусоргским, а с Кюи и Балакиревым отношения охладились вплоть до полной неприязни.

• В 1898 году чета Римских-Корсаковых была приглашена в московскую квартиру Л.Н. Толстого. Между писателем и композитором возник ожесточенный спор об искусстве. Толстой доказывал, что вся музыка вредна и позорна, а Николай Андреевич не менее жестко ему оппонировал.
• Римский-Корсаков – 26-й по частоте исполнения оперный композитор в мире. В прошлом сезоне постановки его опер были показаны более 650 раз. Самая исполняемое произведение – «Царская невеста», она входит в сотню самых популярных опер мира.
• Санкт-Петербургская консерватория, в которой более 35 лет преподавал Н.А. Римский-Корсаков, сейчас носит его имя.

• Постановка « Царской невесты » фактически спасла Московскую частную оперу от полного разорения и краха. С.И. Мамонтов на тот момент находился под арестом и был объявлен банкротом.
• В 1910 году в рамках «Русских сезонов» Михаил Фокин поставил в парижской Гранд-Опера балет « Шехеразада » на музыку сюиты Римского-Корсакова. В 1993 году балет был возобновлен в России, с 1994 года – в репертуаре Мариинского театра.
• С большой любовью и абсолютной удовлетворенностью композитор относился только к двум своим операм – « Снегурочке » и «Царской невесте».
• Два самых вдающихся ученика Римского-Корсакова, Стравинский и Прокофьев, неоднозначно отзывались о его занятиях. Игорь Федорович по-человечески любил своего учителя, но не находил в его музыке глубины и не разделял его атеистических убеждений. Сергей Сергеевич считал занятия с мастером поверхностными, ему недоставало взаимного общения. Именно поэтому Прокофьев не называл себя учеником Римского-Корсакова. Вместе с тем музыка «Сказания. » и «Снегурочки» потрясли и творчески вдохновили молодого композитора.

• Мариинский театр чтит исторические связи с произведениями Римского-Корсакова: в его текущем репертуаре 8 опер композитора и балет «Шехеразада».
• Из 10 представителей шестого поколения потомков композитора только двое – Андрей Владимирович и Александр Владимирович носят его фамилию. Они – праправнуки Владимира Николаевича, его третьего сына. Среди праправнуков самого Н.А. Римского-Корсакова – Ольга Фаворская, певица и композитор.

Творчество Николая Андреевича Римского-Корсакова

Одной из самых ярких особенностей Н.А. Римского-Корсакова была невероятная способность к восприятию опыта. Принято считать, что в основе его творчества – народная культура. Это так, но разве не слышны в его Первой симфонии идеи Балакирева, в раннем творчестве – влияние Листа и Шуберта? Разве не называют « Сказание о невидимом граде Китеже …» русским «Парсифалем»?

В современном представлении Римский-Корсаков – прежде всего автор многих популярных опер. Но с момента образования «Могучей кучки» и до конца 80-х годов 19 века современники видели в нем прежде всего симфониста. Это справедливо с той точки зрения, что после 80-х годов композитор полностью сосредоточился на оперном жанре. А до того – создал несколько крупных симфонических произведений. Первую симфонию (1862-1865) он написал раньше всех своих соратников-кучкистов. Она стала второй из написанных русскими композиторами симфоний. Но, по выражению Ц. Кюи, первой истинно русской. В ней прослеживается гармония национальной музыки, а одна из ее частей написана на тему народной песни. В следующих симфонических произведениях композитор продолжил разработку славянских мелодий.

В 1867 Римский-Корсаков впервые обратился к сюжету древнерусской былины «Садко» — была написана одноименная симфоническая картина. После чего началась работа над Второй симфонией. Сюжетом послужила сказка – еще один творческий символ композитора. Спустя годы он переименует свое детище в симфоническую сюиту «Антар». В начале 1870-х была написана Третья симфония, которая получилась не слишком удачной, а в середине 80-х была полностью переработана.

В 1873 состоялась премьера первой оперы композитора – «Псковитянка». Однако он остался не вполне доволен результатом своей работы и без малого еще 20 лет возвращался к ней, переписывая отдельные фрагменты. А в 1897 году создал «Боярыню Веру Шелога», пролог к «Псковитянке». Примечательно, что либретто этой и многих последующих опер композитор пишет самостоятельно.

«Майская ночь», вышедшая в 1880, открывает новый виток в творчестве Римского-Корсакова. Его консерваторские занятия не прошли даром – он овладел контрапунктом, стал лучше понимать принципы оркестровки, расширил знания в области народных песен. Почти сразу за «Майской ночью» появляется «Снегурочка» — опера по одноименной сказке А.Н. Островского. Николай Андреевич лично договорился с драматургом об использовании его сюжета для либретто. Опера писалась летом в деревне Стелево. Композитора вдохновляли и природа, и простой быт, и окружение. Вероятно, именно поэтому «Снегурочка» была написана всего за 2,5 месяца. Уже 10 февраля 1881 года состоялась ее премьера в Мариинском театре, скорее неудачная, хотя и тепло принятая А.Н. Островским.

Последующие десятилетие прошло в работе над симфоническими произведениями, самыми известными из них стали «Испанское каприччио» и «Шехеразада», а также – над последними операми своих друзей: « Хованщиной » М.П. Мусоргского и « Князем Игорем » А.П. Бородина, которые остались незавершенными после их кончины. Мусоргскому и Бородину он посвящает написанную в 1888 году Воскресную увертюру для оркестра. Также композитор занимается переделкой своих ранних произведений. Только через 8 лет после «Снегурочки» на премьерных афишах вновь появляется его имя: выходит опера-балет «Млада».

На рубеже веков Римский-Корсаков создает большую часть своих опер. В 1895 году выходит «Ночь перед Рождеством». Гоголевский сюжет двумя десятилетиями ранее использовал П.И. Чайковский в опере «Кузнец Вакула» (после переработки — «Черевички»), тогда же им заинтересовался и Римский-Корсаков. Сочинение коллеги Николай Андреевич считал слабым, но при жизни Чайковского не решался браться за эту историю, дабы не провоцировать конфликтную ситуацию. После скоропостижной кончины Петра Ильича он немедленно принялся за работу. Современники сравнивали «Ночь перед Рождеством» с его предыдущими операми и, увы, не в пользу последней.

Несмотря на неудачу, композитор берет уже знакомый ему былинный сюжет – «Садко». Создание либретто в этот раз доверено В.И. Бельскому, с которым они работали над предыдущей оперой. Этот творческий дуэт продолжится и в дальнейшем. « Садко » писался вдохновенно, он был начат в Вечаше – усадьбе на псковщине, которую Римские-Корсаковы снимали на лето. Красота этих мест исключительно располагала к творчеству. Осенью 1896 года опера была закончена и издана. Но Мариинский театр ставить ее отказался – таково было решение самого императора Николая II. Однако композитор познакомился с крупным промышленником и меценатом С.И. Мамонтовым, имевшим собственную оперу в Москве. Мамонтов оказался поклонником его искусства и поставил «Садко» в начале 1898 года. Премьеру ждал большой успех. Художником спектакля выступил К.А. Коровин, а партию Варяжского гостя исполнил Ф.И. Шаляпин .

Найдя поддержку в лице Мамонтова, Римский-Корсаков создает одноактную оперу «Моцарт и Сальери» на пушкинский сюжет и приступает к воплощению своей давней задумки – «Царской невесте» по драме Л.А. Мея. Это одна из немногих его опер, основанных на реалистическом сюжете. Она была написана за 10 месяцев и менее чем через год, в конце 1899, поставлена Московской частной русской оперой в декорациях М.А. Врубеля. Новое произведение мастера настолько отличалось от остальных, что его обвинили в отходе от принципов «Могучей кучки» и возврату к традиционной оперной форме – с кантиленой и ариями. Однако Николай Андреевич именно такой и хотел видеть эту историю – с певучими монологами и законченными голосовыми ансамблями. Среди непримиримых критиков оперы оказалась даже его супруга. Тем не менее публика приняла «Царскую невесту» лучше, чем все предыдущие его работы. А красота лирических мелодий обеспечила их популярность и узнаваемость.

К столетию со дня рождения А.С. Пушкина композитор приурочил « Сказку о царе Салтане », написанную в соавторстве с Бельским и продолжающую ряд сказочных сюжетов, начатых «Снегурочкой». Опера получилась светлой и радостной, хорошо принималась публикой, была в числе любимых и у автора. Поставлена московской частной оперой в 1900 году. Последующие работы – «Сервилия» и «Пан Воевода» были, по выражению самого Римского-Корсакова, весьма средними. А судьба «Кащея Бессмертного» — поистине драматичной. Московская премьера оперы на столь нехарактерный для композитора сюжет, в котором зло побеждает добро, была тепло встречена публикой. Петербургская же постановка силами студентов консерватории состоялась 27 марта 1905 года и превратилась в политический манифест против действий властей 9 января. После этого большинство произведений композитора были запрещены к исполнению.

Несмотря на сочинение трех опер, период начала 1900-х годов ознаменовался главным событием – подготовкой к написанию « Сказания о невидимом граде Китеже и деве Февронии ». Либретто было закончено к 1903 году. Еще чуть более года заняли написание музыки и оркестровка. 7 февраля 1907 состоялась премьера в Мариинском театре. Разные исторические источники дают противоположные мнения о реакции публики — от грандиозного приема до недоумения по поводу излишней серьезности и неспешных темпов развития сюжета. Единогласно отмечалось то, что либретто В.И. Бельского – уникальный для музыкального театра образец самостоятельного литературного произведения. Многие критики называют его лучшим в русской музыке. «Сказание…» по праву считается вершиной творчества композитора и одной из самых выдающихся опер 20 века.

Последнюю свою оперу, « Золотой петушок », Николай Андреевич так никогда и не увидел на сцене. Слишком острая политическая сатира в либретто не дала ей возможности преодолеть запрет цензуры. За два дня до смерти композитор получил официальное письмо дирекции императорских театров об отказе в постановке. Только в 1909 году эта редкая по красоте сатирическая опера была показана в Москве с купюрами, на которые Римский-Корсаков никогда бы не дал согласия. Творческое наследие великого композитора, помимо произведений больших форм, включает вокальные сочинения, сборники русских песен и книги.

Музыка Римского-Корсакова в кино

Основные мелодии Н.А. Римского-Корсакова, востребованные кинематографом – «Полет шмеля» из оперы «Сказка о царе Салтане» и «Ария индийского гостя» из «Садко». Музыка композитора звучит более чем в полутора сотнях фильмов, наиболее заметные из которых:

• Да здравствует Цезарь! (2016)
• 1+1 (2011)
• Горбатая гора (2005)
• Блеск (1996)
• Казино (1995)
• Женщины на грани нервного срыва (1988)
• Заводной апельсин (1971)

Сериалы

• Теория большого взрыва (2007-н.в.)
• Как я встретил вашу маму (2005-2014)
• Мастер и Маргарита (2005)
• Коломбо (1971-2003)
• Маппет шоу (1976-1981)

Советский фильм 1953 года «Римский-Корсаков» — единственный байопик о жизни великого композитора. Он был снят на киностудии «Ленфильм» Геннадием Казанским и Григорием Рошалем по биографии Римского-Корсакого. Заглавную роль сыграл Григорий Белов, в остальных ролях снялись выдающиеся артисты своего времени – Н. Черкасов, А. Борисов, Л. Гриценко, Л. Сухаревская. Картина рассказывает о второй половине жизни композитора, много экранного времени в ней отведено музыке – показаны сцены из крупнейших опер. К сожалению, сценарий не избежал политической конъюнктуры – большое внимание уделено революционным настроениям и событиям 1905 года, а предприниматели Мамонтов и Дягилев изображены в негативном свете.

Экранизаций опер композитора также почти нет. В 1950-е были созданы анимационные фильмы «Ночь перед Рождеством» и «Снегурочка», а также художественный фильм А. Птушко «Садко», в которых звучала музыка одноименных опер. В 1960-е режиссер Владимир Гориккер выпустил два фильма-оперы: «Моцарт и Сальери» и «Царская невеста». Также существуют несколько DVD-версий театральных постановок: «Садко» Мариинского и Большого театров, «Царская невеста» Немецкой государственной оперы и других.

Н.А. Римский-Корсаков был не только самобытным творцом, но и мастером оркестровки, без которого мы не знали бы ни «Князя Игоря», ни части произведений Мусоргского и Даргомыжского . Он до конца дней оставался верен своему пониманию отечественной музыки и стал одним из последних представителей великой русской музыкальной культуры 19 века.

Понравилась страница? Поделитесь с друзьями:

Фильм о Римском-Корсакове

Николай Андреевич Римский-Корсаков – русский композитор, педагог, теоретик, дирижер, участник музыкального творческого содружества «Могучая кучка». Автор пятнадцати опер, трех симфоний, ряда симфонических произведений, сборников «100 русских народных песен» и «40 народных песен», а также 80 романсов.

Детство и юность

Николай Андреевич родился в городе Тихвин Новгородской губернии в семье потомственных дворян. Прапрадед будущего композитора занимал пост контр-адмирала флота при Елизавете Петровне. Отец Андрей Петрович Римский-Корсаков носил титул действительного статского советника, служил Новгородским вице-губернатором, четыре года занимал пост Волынского губернатора. Мать Софья Васильевна принадлежала к роду помещиков Скарятиных, но была рождена от крепостной крестьянки.

В семье воспитывалось двое сыновей – Воин и Николай. Старший сын Воин Андреевич стал впоследствии морским контр-адмиралом. Разница в возрасте между братьями составляла 22 года, поэтому младший брат находился под сильным влиянием авторитета старшего.

Николая с ранних лет готовили к службе на флоте, но отец, сам владеющий игрой на фортепиано, с шести лет привил любовь младшему сыну к музыке. Первоначально Николай увлекался только церковным пением и русским фольклором. В 9 лет мальчик сочинил первое вокальное произведение.

В 1856 году подростка определили в Морской кадетский корпус. Переехав в северную столицу, Римский-Корсаков погрузился в культурную жизнь города и стал посещать оперный театр. Николай познакомился с музыкальными произведениями Джоаккино Россини, Джакомо Мейербера, Михаила Глинки, Людвига ван Бетховена, Амадея Моцарта и Феликса Мендельсона.

Юноша стал брать уроки игры на виолончели у педагога Улиха, затем занимался у пианиста Федора Канилле. В1862 году Николай Римский-Корсаков окончил морское училище. В этом же году юношу постигла тяжелая утрата – умер отец будущего композитора. Мать и старший брат перебрались в Санкт-Петербург.

Музыка

В 1861 году состоялось знакомство Римского-Корсакова и Милия Балакирева, основателя содружества «Могучая кучка». Дружба с талантливым музыкантом повлияла на развитие творческой биографии Николая Андреевича. Членами кружка также стали Ц. А. Кюи и М. П. Мусоргский. Позднее к содружеству присоединился А. П. Бородин. Идеологом «Могучей кучки» стал музыкальный критик В. В.Стасов.

Милий Алексеевич вдохновил молодого композитора на создание крупного произведения – Первой симфонии оp. 1, эскизы к которой уже были созданы. К концу обучения в морском училище Николай завершил три части произведения и отправился в кругосветное плавание на клипере «Алмаз». Медленная часть симфонического цикла была написана спустя полгода после отплытия.

Вернувшись через три года в Санкт-Петербург, Николай Андреевич погружается в творчество. В первые же месяцы состоялась премьера Первой русской симфонии автора в исполнении оркестра под управлением Милия Балакирева на концерте Бесплатной музыкальной школы.

Под влиянием наставника Римский-Корсаков углубляется в изучение фольклора и создает симфоническую картину «Садко», музыкальный материал которой позднее был использован в одноименной опере. Новаторство композитора проявилось в использовании программности, а также в изобретении симметричного лада, который придавал музыке фантастическое звучание.

Римскому-Корсакову доставляло удовольствие экспериментировать с системами лада, так как сам композитор от природы был наделен цветным слухом. Тональность до мажор композитор воспринимал в белом цвете, ре мажор – в желтом. Ми мажор стал для Николая Андреевича символом морской стихии, ассоциируясь с оттенками синего цвета.

Позднее из-под пера музыканта появляется сюита «Антар» (Вторая симфония ор. 9). Оперный жанр композитор начинает осваивать с создания оркестровок произведений Александра Даргомыжского и Цезаря Кюи. Первая опера Римского-Корсакова появилась только в 1872 году и получила название «Псковитянка». В основу либретто легла одноименная драма Льва Мея. Премьера оперы состоялась через год в Мариинском театре.

В начале 70-х годов Николай Андреевич получает приглашение от ректората Санкт-Петербургской консерватории и становится профессором учебного заведения, не обладая при этом законченным музыкальным образованием. За 35-летнюю преподавательскую деятельность композитор воспитал плеяду музыкантов с мировыми именами, в число которых вошли Антон Аренский, Александр Глазунов, Михаил Гнесин, Александр Гречанинов, Михаил Ипполитов-Иванов, Анатолий Лядов, Николай Мясковский, Сергей Прокофьев, Игорь Стравинский.

Вместе со студентами, которым Николай Андреевич преподает композицию, инструментовку и оркестровку, композитор сам совершенствует профессиональное мастерство. Музыкант посвящает первые годы преподавания написанию полифонических, вокальных произведений, создает концерты для фортепиано, кларнета, тромбона, квинтет и секстет для инструментального ансамбля. В 1873 году выходит Третья симфония автора (op. 32).

В 1874 году Римский-Корсаков встает за дирижерский пульт. Спустя шесть лет талантливый музыкант уже выступал с оркестром в Москве, на «Всемирной выставке» в Париже, на «Concerts populaires» в Брюсселе. В середине 70-х композитор готовит к выпуску партитуры опер Михаила Глинки.

В 80-е годы появляются симфонические произведения Римского-Корсакова, которые снискали композитору мировую славу: оркестровая сюита «Шехеразада», «Испанское каприччио», увертюра «Светлый праздник», а также оперы «Майская ночь», «Снегурочка», «Млада».

В эти годы Николай Андреевич сотрудничает с Придворной певческой капеллой, руководит Беляевским кружком, управляет «Русскими Симфоническими концертами» в Санкт-Петербурге.

Начало 90-х годов ознаменовалось спадом творческой деятельности композитора. В это время появляются философские и теоретические труды мастера, Николай Андреевич создает новые редакции ряда прежних произведений. В середине 90-х годов начинается новый этап оперного творчества Римского-Корсакова: появляются оперы «Ночь перед Рождеством» (1895), «Садко» (1896), «Моцарт и Сальери» (1897), «Царская невеста» (1898).

В начале XX столетия Римский-Корсаков сочиняет последние сказочные оперы: «Кащей бессмертный» (1902), «Сказание о невидимом граде Китеже…» (1904), «Золотой петушок» (1907). Популярность снискала тема интермедии для оперы «Сказка о царе Салтане» (1900), которая получила название «Полет шмеля».

Номер неоднократно перекладывался для сольного исполнения струнными народными инструментами, а также создавались редакции для фортепиано и гитары. В XX веке появились аранжировки произведения в стиле джаз, рок, хеви-метал.

С началом революционного движения в России в 1905 году Римский-Корсаков выступил в поддержку бастующих студентов вуза, в результате чего был уволен из консерватории, куда вернулся спустя время.

Личная жизнь

Личная жизнь Николая Римского-Корсакова сложилась благополучно. Будучи вхож в дом старшего коллеги А. С. Даргомыжского, на одном из творческих вечеров Николай обратил внимание на пианистку Надежду Николаевну Пургольд. В тот момент молодой музыкант как раз начинал работу над оперой «Псковитянка». Николаю Андреевичу требовался помощник для инструментовки нескольких оперных номеров, и он обратился к Надежде Николаевне.

Совместное творчество повлияло на отношения молодых людей, в 1872 году состоялась свадьба. Через год в семье родился первенец – Михаил, который впоследствии стал зоологом и лесоведом. В 1875 году супруга подарила Николаю Андреевичу дочь Софию, будущую оперную певицу.

Спустя три года на свет появился сын Андрей, который позднее освоил профессию музыковеда, стал доктором философских наук. Владимир, младший сын Римского-Корсакова 1882 года рождения, работал альтистом в оркестре Мариинского театра. В 1884 году появилась на свет младшая дочь Надежда. У четы Римских-Корсаковых было еще два ребенка – Святослав и Мария, умерших в младенчестве.

Супруга пережила Николая Андреевича на 11 лет и скончалась от оспы. Квартира на Загородном проспекте Санкт-Петербурга, где жили Римские-Корсаковы в последние годы, после революции была заселена приезжими. Только в 1971 году там разместился музей композитора, где была восстановлена обстановка времен жизни Николая Андреевича. В квартире размещены рукописи знаменитых опер и фото из семейного архива музыканта.

Смерть

Композитор скончался 8 июня 1908 года по ст.ст. от инфаркта, который получил после известия о том, что опера «Золотой петушок» запрещена к постановке. В это время Николай Андреевич находился в загородной усадьбе в Любенске.

Могила музыканта первоначально находилась в Санкт-Петербурге на Новодевичьем кладбище, потом останки перезахоронили в Некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.

Произведения

1865 – Первая симфония
1872 – «Псковитянка»
1878 – «Майская ночь»
1881 – «Снегурочка»
1883 – Концерт для фортепиано с оркестром
1887 – «Испанское каприччио»
1888 – сюита «Шехеразада»
1895 – «Ночь перед Рождеством»
1896 – «Садко»
1897 – «Моцарт и Сальери»
1898 – «Царская невеста»
1900 – «Сказка о царе Салтане»
1907 – «Золотой петушок»

Читайте также:

  

• Нужна ли в профессии юриста математика

  

• Машинист дорожно транспортных машин кто это по профессии

  

• Когда была учреждена должность главнокомандующего вооруженными силами советской республики

  

• Какие вопросы задать на собеседовании кандидату на должность главного бухгалтера

  

• Какие профессии подходят девушкам с именем алена

ÀËÅÊÑÀÍÄÐ ÏÎÐÔÈÐÜÅÂÈ× ÁÎÐÎÄÈÍ — ÌÎß ËÞÁÎÂÜ
(1833 – 1887)

 òå÷åíèå âñåé æèçíè áîãîòâîðþ åãî ìóçûêó, ñëóøàþ áåç êîíöà. Çíàþ è ëþáëþ ïî÷òè âñå åãî ïðîèçâåäåíèÿ, ïðåæäå âñåãî Áîãàòûðñêóþ ñèìôîíèþ è îïåðó «Êíÿçü Èãîðü». Åùå â ïîäðîñòêîâîì âîçðàñòå ïîëþáèë 1 è 2 ÷àñòè Áîãàòûðñêîé ñèìôîíèè. Îíè ÷àñòî çâó÷àëè ïî ðàäèî. Ïîòîì, êîãäà êóïèë ïðîèãðûâàòåëü, ñòàë ñïåöèàëüíî ñëóøàòü è ýòè ÷àñòè, è 3-4 ÷àñòè. Ñëóøàë ñíà÷àëà â èñïîëíåíèè îðêåñòðà ïîä óïðàâëåíèåì Êîíñòàíòèíà Èâàíîâà, çàòåì ñòàë ñëóøàòü â èñïîëíåíèè îðêåñòðà ïîä óïðàâëåíèåì Íèêîëàÿ Ãîëîâàíîâà. Ïîñëåäíåå èñïîëíåíèå, ñ ìîåé òî÷êè çðåíèÿ, – ëó÷øåå, ýòàëîííîå. Îíî õîðîøî ïåðåäàâàëî áîãàòûðñêèé ðàçìàõ ìóçûêè ñèìôîíèè.  Îñîáåííî âïå÷àòëÿëè 1 è 3 ÷àñòè. Ñëóøàë èõ áåñêîíå÷íîå ÷èñëî ðàç.
Ìíîãî ðàç ñëóøàë òàêæå Ïåðâóþ è Òðåòüþ ñèìôîíèè, ñèìôîíè÷åñêóþ êàðòèíó «Â Ñðåäíåé Àçèè», 2-é êâàðòåò, îñîáåííî íîêòþðí, Ìàëåíüêóþ ñþèòó (îñîáåííî Ãðåçû, Èíòåðìåööî, Ñåðåíàäó). Ñ âíèìàíèåì ñëóøàë ðîìàíñû Áîðîäèíà («Äëÿ áåðåãîâ îò÷èçíû äàëüíîé» è äð.).

À.Ï.Áîðîäèí — áîãàòûðü ðóññêîé ìóçûêè. Îòðàçèë â ñâîåé ìóçûêå ëèðèêî-ýïè÷åñêîå è ãåðîèêî-ðîìàíòè÷åñêîå íà÷àëî ðóññêîé æèçíè, ðóññêîãî íàðîäà. Ïî ìîåìó ìíåíèþ, îí ñàìûé íàöèîíàëüíûé, ñàìûé ðóññêèé êîìïîçèòîð. Êàê íèêòî äðóãîé èç êîìïîçèòîðîâ Áîðîäèí âûðàçèë ýïè÷åñêèé ðàçìàõ è ãëóáèíó ðóññêîé æèçíè, åå èñòîêè, êîðíè, åå áîãàòûðñêóþ ïîñòóïü. Êîíå÷íî, è Ìóñîðãñêèé, è Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ òîæå î÷åíü íàöèîíàëüíûå, î÷åíü ðóññêèå êîìïîçèòîðû. Íî îíè âñ¸ æå íå áûëè òàêèìè ýïèêàìè. Îíè êîìïîçèòîðû äðóãîãî ïëàíà, â èõ ìóçûêå áûëà ñâîÿ ðóññêîñòü.
Ìóñîðãñêèé, Áîðîäèí, Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ ïîòðÿñàþùèì îáðàçîì äîïîëíÿëè äðóã äðóãà êàê ðóññêèå, íàöèîíàëüíî îðèåíòèðîâàííûå êîìïîçèòîðû.  ìóçûêå Áîðîäèíà íàèáîëåå ÿðêî îòîáðàæåíà ýïè÷åñêàÿ, ãåðîèêî-ëåãåíäàðíàÿ ñòîðîíà ðóññêîé æèçíè.  ìóçûêå Ìóñîðãñêîãî — äðàìàòè÷åñêàÿ ñòîðîíà.  ìóçûêå Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà — ëèðèêî-ýïè÷åñêàÿ, ëèðèêî-äðàìàòè÷åñêàÿ è ëèðèêî-ðîìàíòè÷åñêàÿ ñòîðîíû ðóññêîé æèçíè.

                *     *     *

ÏÅÐÂÀß ÑÈÌÔÎÍÈß ÁÎÐÎÄÈÍÀ – ïðåäòå÷à Âòîðîé, Áîãàòûðñêîé. Îíà îðèãèíàëüíà, ñîäåðæàòåëüíà, íàöèîíàëüíà è â íåé ìíîãî òàêèõ íàõîäîê, êîòîðûå ïîòîì Áîðîäèí èñïîëüçîâàë è ðàçâèë â Áîãàòûðñêîé ñèìôîíèè.  Íî, ñ äðóãîé ñòîðîíû, íàöèîíàëüíûé ýëåìåíò â íåé íå òàê ðàçâèò, êàê âî Âòîðîé.  íåé åùå ÷óâñòâóåòñÿ ñèëüíîå âëèÿíèå îáùååâðîïåéñêîé ìóçûêàëüíîé òðàäèöèè.
Âòîðàÿ, Áîãàòûðñêàÿ, ñèìôîíèÿ îò íà÷àëà è äî êîíöà íàöèîíàëüíà, ìîæíî äàæå ñêàçàòü, îáæèãàþùå íàöèîíàëüíà. Èìåííî áëàãîäàðÿ åé (è îïåðå «Êíÿçü Èãîðü») Áîðîäèí âîøåë â èñòîðèþ ìóçûêè êàê âåëèêèé ðóññêèé êîìïîçèòîð, êàê âåëèêèé íîâàòîð â ìóçûêå, êàê íàöèîíàëüíûé ãåíèé.

Ïåðâàÿ ñèìôîíèÿ ïðîñòî âûñîêîòàëàíòëèâà. Âòîðàÿ æå ñèìôîíèÿ ãåíèàëüíà. Áîðîäèí ñîâåðøèë ãèãàíòñêèé ñêà÷îê îò Ïåðâîé êî Âòîðîé ñèìôîíèè. Ñêà÷îê â áåññìåðòèå.
Ïåðâàÿ ñèìôîíèÿ ïîêàçàëà ìèðó, ÷òî ïîÿâèëñÿ õîðîøèé êîìïîçèòîð. Áëàãîäàðÿ åé Áîðîäèí ðîäèëñÿ êàê êîìïîçèòîð, êàê àâòîð áîëüøèõ  ìóçûêàëüíûõ ôîðì. Âòîðàÿ æå ñèìôîíèÿ ïîêàçàëà, ÷òî Áîðîäèí íå ïðîñòî êîìïîçèòîð, à ãåíèé, ðåâîëþöèîíåð â ìóçûêå. Áîãàòûðñêàÿ ñèìôîíèÿ – ãèãàíòñêèé ñêà÷îê â ðàçâèòèè ìóçûêàëüíîé êóëüòóðû.
Èçîáðàçèòåëüíûì àíàëîãîì ïåðâîé ÷àñòè Áîãàòûðñêîé ñèìôîíèè ñòàëà çàìå÷àòåëüíàÿ êàðòèíà Â.Ì.Âàñíåöîâà «Áîãàòûðè» (1899). Êàê áëèçêè äðóã äðóãó ýòè ãåíèàëüíûå òâîðåíèÿ ðóññêîãî äóõà! Ýòî ïîðàçèòåëüíî!

                *     *     *

Àëåêñàíäð Áîðîäèí ðîäèëñÿ â Ñàíêò-Ïåòåðáóðãå 31 îêòÿáðÿ (12 íîÿáðÿ) 1833 ãîäà îò âíåáðà÷íîé ñâÿçè ãðóçèíñêîãî êíÿçÿ èç Èìåðåòèè Ëóêè Ãåäèàíîâà (Ãåäåâàíèøâèëè) (1772—1843) è ïåòåðáóðãñêîé ìåùàíêè Àâäîòüè Àíòîíîâîé (1809—1873). Ïðè ðîæäåíèè çàïèñàí ñûíîì êðåïîñòíîãî ñëóãè êíÿçÿ — Ïîðôèðèÿ Áîðîäèíà è åãî æåíû Òàòüÿíû.
Âîò ïðèìåð ïîëóêðîâêè, íàïîëîâèíó ðóññêîãî, íàïîëîâèíó ãðóçèíà, êîòîðûé ñîòâîðèë ñàìóþ ãåíèàëüíóþ, ñàìóþ íàöèîíàëüíóþ ðóññêóþ ìóçûêó. Ýòî óêîð âñåì ïñåâäîíàöèîíàëèñòàì, êîòîðûå êè÷àòñÿ ÷èñòîòîé ñâîåé êðîâè. ß îáîæàþ Áîãàòûðñêóþ ñèìôîíèþ Áîðîäèíà, åãî «Â Ñðåäíåé Àçèè», åãî ìàëåíüêóþ ñþèòó, åãî 1-óþ è 3-þ ñèìôîíèè, åãî ãåíèàëüíûé 2-é êâàðòåò. À óæ îá îïåðå «Êíÿçü Èãîðü» è ãîâîðèòü íå÷åãî!

                *     *     *

Åâãåíèé Ñîëîâüåâ:
«ÁÎÃÀÒÛÐÑÊÀß» ÑÈÌÔÎÍÈß Áîðîäèíà èäåàëüíî ñîîòâåòñòâóåò ñâîåìó íàçâàíèþ. Ýòà ñèìôîíèÿ ðîæäàëàñü âìåñòå ñ äåëîì æèçíè Àëåêñàíäðà Áîðîäèíà, âìåñòå ñ îïåðîé «Êíÿçü Èãîðü»: îáà ýòèõ ñî÷èíåíèÿ ïîñâÿùåíû îäíîé òåìå – áëàãîðîäñòâó è âåëè÷èþ ðóññêîãî áîãàòûðÿ, õîçÿèíà ðóññêîé çåìëè è åå çàùèòíèêà. Ïåðâàÿ òåìà ñèìôîíèè ìîãëà áû ñòàòü äåâèçîì è òâîð÷åñòâà Áîðîäèíà è âñåé ðóññêîé ìóçûêè. Îíà ïðåäåëüíî àôîðèñòè÷íà: êðàòêèé ïîäúåì-çàìàõ è äâà ïðèòîïûâàþùèõ «øàãà», âîçâðàùàþùèõ òåìó ê íà÷àëüíîìó òîíó. Ýòî òåìà-óòâåðæäåíèå, òåìà-ïðèêàç, àðõàè÷åñêè íåóêëþæèé è ïðåäåëüíî ìîíîëèòíûé. Òàêîå âñòóïëåíèå ìîæåò îòêðûâàòü «Ïîâåñòü âðåìåííûõ ëåò» èëè äðóãèå «äåëà äàâíî ìèíóâøèõ äíåé, ïðåäàíüÿ ñòàðèíû ãëóáîêîé».
Âñÿ ïåðâàÿ ÷àñòü «Áîãàòûðñêîé» – ýòî âàðèàöèè íà ãëàâíóþ òåìó, ðÿäîì ñ êîòîðîé âñå îñòàëüíûå ìîòèâû âûãëÿäÿò îòðûâî÷íî, ôðàãìåíòàðíî, êàê îòòåíÿþùèå èíòåðìåäèè. È ìåëüêíóâøèé áûëî íàèãðûø «ñêîìîðîõîâ», è ìåëîäèÿ «áåëûõ ëåáåäóøåê», äåâè÷èé íàïå⠖ âñå ìåðêíåò ïåðåä òåìîé-äåâèçîì è åå âàðèàíòàìè. Òî ñëûøèòñÿ ñóðîâàÿ ìóæñêàÿ ïëÿñêà, òî òðåâîæíîå îæèäàíèå-«çàñàäà», òî ðåçêèå óäàðû ìå÷åé èëè ñêà÷êà âèòÿçåé â ïîëå. Ïåðâàÿ ÷àñòü ñèìôîíèè âïîëíå ñîîòâåòñòâóåò íàçâàíèþ «ýïè÷åñêàÿ», êîòîðîå ÷àñòî óïîìèíàþò â ñâÿçè ñî âñåìè ïðîèçâåäåíèÿìè Áîðîäèíà. Ýòî íàçâàíèå îçíà÷àåò ìíîãîå: è ñêëîííîñòü ê êàðòèííîñòè, è ïðåîáëàäàíèå èçëîæåíèÿ íàä ðàçâèòèåì, è ãîñïîäñòâî âàðèàöèîííîñòè, è òÿãîòåíèå ê ñîïîñòàâëåíèÿì. È, êîíå÷íî æå, ãðàíäèîçíîñòü, ðàçìàõ, øèðîòó.

Òðóäíî íàéòè â èñòîðèè ñèìôîíè÷åñêîé ìóçûêè äðóãîå ñî÷èíåíèå, ãäå îñíîâíàÿ òåìà òàê áåçóñëîâíî öàðèëà áû íàä âñåìè äðóãèìè, êàê áû ïîäàâëÿÿ è «îòïóãèâàÿ» èõ; òðóäíî ïðåäñòàâèòü, ÷òî îäíà ìûñëü ìîæåò çàïîëíèòü ñîáîþ âñå ìóçûêàëüíîå ïðîñòðàíñòâî. Êîíå÷íî, ãðîçíûé ãîëîñ è îñîáàÿ ñòàòü ýòîé òåìû ýòîãî òðåáóþò. Îäíàêî ïîñëóøàâ «Áîãàòûðñêóþ» ñèìôîíèþ, ïåññèìèñòû, ïîæàëóé, íàçîâóò åå íå ñòîëüêî áîãàòûðñêîé, ñêîëüêî «àâòîêðàòè÷åñêîé», íàñòîëüêî âåëèêà â íåé öåíòðàëèçàöèÿ è êîíöåíòðàöèÿ «âëàñòè» ãëàâíîé òåìû. Ïîýòîìó ñèìôîíèÿ Áîðîäèíà äàæå íåñêîëüêî «àíòèñèìôîíè÷íà», ñòàòè÷íà: æàíð ñèìôîíèè ïîäðàçóìåâàåò îðãàíè÷åñêîå ñîåäèíåíèå ðàçëè÷íîãî ìàòåðèàëà è åãî äèíàìè÷íîå ðàçâèòèå. Îïòèìèñòû æå, ïîæàëóé, áóäóò ïîä÷åðêèâàòü ÿâíî ÷èòàåìûé â ìóçûêå îáðàç Èëüè Ìóðîìöà, «ñèäíåì ñèäåâøåãî» òðèäöàòü ëåò è íàêîíåö ÿâèâøåãî âñþ ñâîþ ñèëèùó. Òîãäà «Áîãàòûðñêàÿ» – ýòî ëèøü çåðíî áóäóùåãî, ñèìâîë íåðàñêðûòîé áûëèííîé ìîùè, íàáðîñêè è øòðèõè ê ãðàíäèîçíîé ïîýìå î ðóññêîì íàðîäå, ìóçûêàëüíîå âñòóïëåíèå ê åãî ñëàâíîé èñòîðèè, êîòîðîé òîëüêî ïðåäñòîèò ñîâåðøèòüñÿ».

                *     *     *

ÑÐÀÂÍÅÍÈÅ ÁÎÃÀÒÛÐÑÊÎÉ ÑÈÌÔÎÍÈÈ ÁÎÐÎÄÈÍÀ È ÏÅÐÂÎÉ ÑÈÌÔÎÍÈÈ Â.Ñ.ÊÀËÈÍÍÈÊÎÂÀ
Èç äíåâíèêà.
Âå÷åðîì ñëóøàë ïî ðàäèî Ðîññèè ïåðåäà÷ó, â êîòîðîé çâó÷àëà ìóçûêà 1-é ÷àñòè Áîãàòûðñêîé ñèìôîíèè Áîðîäèíà. Âîò êàêèå ìûñëè ó ìåíÿ âîçíèêëè â ñâÿçè ñ ýòèì. Ñîïîñòàâèë ýòó ñèìôîíèþ Áîðîäèíà è Ïåðâóþ ñèìôîíèþ Êàëèííèêîâà. Îíè, ñ ìîåé òî÷êè çðåíèÿ, äîïîëíÿþò äðóã äðóãà. Åñëè Áîãàòûðñêàÿ ñèìôîíèÿ Áîðîäèíà çàìå÷àòåëüíî ïåðåäàåò áîåâîé, áîãàòûðñêèé äóõ ðóññêîãî íàðîäà, åãî áûëèííóþ ìîùü, òî Ïåðâàÿ ñèìôîíèÿ Êàëèííèêîâà õàðàêòåðèçóåò îáðàç Ðîññèè â öåëîì, êàê îí ñëîæèëñÿ íà ïðîòÿæåíèè âåêîâ-òûñÿ÷åëåòèé.

Ñèìôîíèÿ Áîðîäèíà êàê áû îáðàùåíà â ïðîøëîå, â èñòîðèþ, â áûëèííûå âðåìåíà, ê êîðíÿì ðóññêîãî íàðîäà. Ñèìôîíèÿ Êàëèííèêîâà — ëèðèêî-ýïè÷åñêàÿ ïîýìà î Ðîññèè, ðóññêîì íàðîäå.  íèõ âèäåí îáùèé ïî÷åðê, îáùèé íàöèîíàëüíûé êîëîðèò. Íî åñëè â Áîãàòûðñêîé ñèìôîíèè äåëàåòñÿ àêöåíò íà ãåðîèêî-ýïè÷åñêîì íà÷àëå-ñêëàäå ðóññêîãî íàðîäà, òî â ñèìôîíèè Êàëèííèêîâà ÿðêî ïåðåäàåòñÿ êðàñîòà è ñèëà ðóññêîãî íàöèîíàëüíîãî õàðàêòåðà êàê òàêîâûå, áåç âîèíñòâåííîñòè-áîãàòûðñêîñòè. Åñëè â ñèìôîíèè Áîðîäèíà ìû âèäèì íåêèé ìóçûêàëüíûé ñèìâîë ìóæåñòâåííîñòè, ÿðêî âûðàæåííîå ìóæñêîå íà÷àëî ðóññêîãî íàðîäà, òî â ñèìôîíèè Êàëèííèêîâà íåò ýòîãî ïîä÷åðêèâàíèÿ ìóæñêîãî íà÷àëà.  íåé ìóæñêîå è æåíñêîå ñîåäèíåíû, ãàðìîíèðóþò äðóã ñ äðóãîì, óðàâíîâåøåíû.  ïåðâîé ÷àñòè ñèìôîíèè çâó÷àò äâå îñíîâíûå òåìû. Ïåðâàÿ òåìà, óñëîâíî ãîâîðÿ, ìóæñêàÿ, íàñòðàèâàåò íà áîðüáó, íà ïðåîäîëåíèå, íà ãåðîè÷åñêèé ëàä. Âòîðàÿ òåìà — ëèðè÷åñêàÿ, ïëåíèòåëüíî æåíñòâåííàÿ.
               
                *     *     *

«Â ÑÐÅÄÍÅÉ ÀÇÈÈ»
Ìóçûêàëüíàÿ êàðòèíà äëÿ îðêåñòðà (1880)

Èñòîðèÿ ñîçäàíèÿ
Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ â êíèãå «Ëåòîïèñü ìîåé ìóçûêàëüíîé æèçíè» âñïîìèíàåò: «Âåñíîþ 1879 ã. ïîÿâèëèñü â Ïåòåðáóðãå äâå ëè÷íîñòè — íåêòî Òàòèùåâ è Êîðâèí-Êðóêîâñêèé. Îíè ïðèåçæàëè êî ìíå, ê Áîðîäèíó, Ìóñîðãñêîìó, Ëÿäîâó, Íàïðàâíèêó è íåêîòîðûì äðóãèì êîìïîçèòîðàì ñî ñëåäóþùèì ïðåäëîæåíèåì.  1880 ã. ïðåäñòîÿëî 30-ëåòèå öàðñòâîâàíèÿ ãîñóäàðÿ Àëåêñàíäðà Íèêîëàåâè÷à. Ïî ýòîìó ñëó÷àþ èìè áûëî íàïèñàíî áîëüøîå ñöåíè÷åñêîå ïðåäñòàâëåíèå… ñîïðîâîæäàåìîå æèâûìè êàðòèíàìè, äîëæåíñòâîâàâøèìè èçîáðàæàòü ðàçëè÷íûå ìîìåíòû öàðñòâîâàíèÿ. Íà ïðåäïîëàãàâøååñÿ òîðæåñòâåííîå ïðåäñòàâëåíèå ãã. Òàòèùåâ è Êîðâèí-Êðóêîâñêèé èñõîäàòàéñòâîâàëè ðàçðåøåíèå ó êîãî ñëåäóåò è ê íàì îáðàòèëèñü ñ ïðåäëîæåíèåì íàïèñàòü ìóçûêó äëÿ îðêåñòðà, ñîîòâåòñòâóþùóþ ñîäåðæàíèþ æèâûõ êàðòèí. <…> Òàêèì îáðàçîì, áûëè íàïèñàíû, îò÷àñòè â ýòîì, îò÷àñòè â ñëåäóþùåì ñåçîíå, ìíîþ — õîð «Ñëàâà», íà òåìó ïîäáëþäíîé ïåñíè; Áîðîäèíûì — «Â Ñðåäíåé Àçèè» (âåñüìà ïîïóëÿðíàÿ âåùü âïîñëåäñòâèè); Ìóñîðãñêèì — Ìàðø «Âçÿòèå Êàðñà» (…) [Ýòè ïüåñû] èñïîëíÿëèñü âïîñëåäñòâèè â êîíöåðòàõ â Ïåòåðáóðãå, à êàðòèíà «Â Ñðåäíåé Àçèè» äîâîëüíî ÷àñòî è çà ãðàíèöåé. Âåùü ýòà ÷ðåçâû÷àéíî ïîíðàâèëàñü Ëèñòó, êîòîðîìó Áîðîäèí åå ïîêàçûâàë â îäíó èç ñâîèõ çàãðàíè÷íûõ ïîåçäîê».

Ïåðâîå èñïîëíåíèå «Â Ñðåäíåé Àçèè» ñîñòîÿëîñü 8 (20) àïðåëÿ 1880 ãîäà ïîä óïðàâëåíèåì Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà â êîíöåðòå ïåâèöû Ëåîíîâîé, êîòîðàÿ ñïåöèàëüíî ïðîñèëà îá ýòîì Áîðîäèíà. Âòîðè÷íî ìóçûêàëüíàÿ êàðòèíà ïðîçâó÷àëà 18 (30) îêòÿáðÿ â êîíöåðòå ÐÌÎ ïîä óïðàâëåíèåì Íàïðàâíèêà, à çàòåì ñòàëà øèðîêî èñïîëíÿòüñÿ â Ðîññèè è çà ðóáåæîì, âñåãäà ñ íåèçìåííûì óñïåõîì.
Ïàðòèòóðà ìóçûêàëüíîé êàðòèíû, ïîñâÿùåííîé àâòîðîì Ëèñòó, ñíàáæåíà àâòîðñêîé ïðîãðàììîé. Ýòà ïðîãðàììà, â ñîîòâåòñòâèè ñ ïðåäïîëàãàâøèìñÿ çàêàçîì — îòðàçèòü âàæíåéøèå ñîáûòèÿ öàðñòâîâàíèÿ Àëåêñàíäðà II, — áûëà ñâÿçàíà ñ ïðèñîåäèíåíèåì Ñðåäíåé Àçèè ê Ðîññèè, êîòîðîå ïðîèñõîäèëî â 60—70-å ãîäû XIX âåêà.  ðóññêîì îáùåñòâå èíòåðåñ ê ýòèì ñîáûòèÿì áûë î÷åíü âåëèê. Äîñòàòî÷íî íàïîìíèòü öèêë òóðêåñòàíñêèõ êàðòèí Â. Âåðåùàãèíà.

 Â ïåðâîì èçäàíèè ïðîãðàììà áûëà îïóáëèêîâàíà â òàêîì âèäå: «Â îäíîîáðàçíîé ïåñ÷àíîé ñòåïè Ñðåäíåé Àçèè âïåðâûå ðàçäàåòñÿ ÷óæäûé åé íàïåâ ìèðíîé ðóññêîé ïåñíè. Ñëûøèòñÿ ïðèáëèæàþùèéñÿ òîïîò êîíåé è âåðáëþäîâ, ñëûøàòñÿ çàóíûâíûå çâóêè âîñòî÷íîãî íàïåâà. Ïî íåîáîçðèìîé ïóñòûíå ïðîõîäèò òóçåìíûé êàðàâàí, îõðàíÿåìûé ðóññêèì âîéñêîì. Äîâåð÷èâî è áåçáîÿçíåííî ñîâåðøàåò îí ñâîé äëèííûé ïóòü ïîä îõðàíîþ ðóññêîé áîåâîé ñèëû. Êàðàâàí óõîäèò âñå äàëüøå è äàëüøå. Ìèðíûå íàïåâû ðóññêèõ è òóçåìöåâ ñëèâàþòñÿ â îäíó îáùóþ ãàðìîíèþ, îòãîëîñêè êîòîðîé äîëãî ñëûøàòñÿ â ñòåïè è íàêîíåö çàìèðàþò âäàëè».

Ìóçûêà
Âûñî÷àéøèå çâóêè — ôëàæîëåòû ñêðèïîê — îòêðûâàþò êàðòèíó, ïåðåäàâàÿ îùóùåíèå ðàñêàëåííîãî âîçäóõà ïóñòûíè, åå ïðîñòîð è îäíîîáðàçèå. Êëàðíåò çàïåâàåò øèðîêóþ ìåëîäèþ â äóõå ðóññêèõ íàðîäíûõ ïåñåí. Åå ïîäõâàòûâàþò è ðàñïåâàþò âàëòîðíû, ïîñëå ÷åãî âñòóïàþùèå ïèööèêàòî ñòðóííûõ â ðàçìåðåííîì äâèæåíèè ïåðåäàþò äâèæåíèå êàðàâàíà. Ïóñòûå êâèíòû, à äàëåå ñêóïûå àêêîðäû ó äåðåâÿííûõ äóõîâûõ, äîëãèå âûäåðæàííûå íîòû âàëòîðí ñ íåïðåðûâíûì çâó÷àíèåì ñêðèïè÷íûõ ôëàæîëåòîâ âñå âðåìÿ íàïîìèíàþò îá îñíîâíîì îáðàçå — áåñêðàéíåé æàðêîé ïóñòûíè. Âòîðàÿ òåìà â ýêñïðåññèâíîì òåìáðå àíãëèéñêîãî ðîæêà âûäåðæàíà â âîñòî÷íîì äóõå. Îíà îðèãèíàëüíà — êîìïîçèòîð, ñóäÿ ïî ÷åðíîâûì íàáðîñêàì, äîëãî èñêàë åå îêîí÷àòåëüíûé îáëèê, — íî õàðàêòåðíà äëÿ Âîñòîêà âîçâðàùåíèåì ê îäíîìó è òîìó æå çâóêó, ôèîðèòóðàìè, ïðèõîòëèâûì, êàïðèçíî ìåíÿþùèìñÿ ðèòìîì. Ñìîëêàåò âîñòî÷íûé íàïåâ. Íà êàêîå-òî âðåìÿ ëèøü îáðàç ïóñòûíè ãîñïîäñòâóåò áåçðàçäåëüíî. Íî âîò ñíîâà ïîÿâëÿåòñÿ ðóññêàÿ òåìà, âûðàñòàÿ äî ãðàíäèîçíîãî tutti. À äàëåå îáå òåìû ñëèâàþòñÿ â îäíîâðåìåííîì çâó÷àíèè. Íåñêîëüêî ðàç ïðîõîäÿò îíè, âàðüèðóÿ, ìåíÿÿñü ìåñòàìè (ïðèåì äâîéíîãî êîíòðàïóíêòà). Çàòåì âîñòî÷íàÿ ìåëîäèÿ èñ÷åçàåò, à ðóññêàÿ ïðîõîäèò îòðûâêàìè è ïîñòåïåííî èñòàèâàåò â ëåã÷àéøåì ïèàíèññèìî, ñëîâíî óäàëÿÿñü.
Àâòîð: Ë. Ìèõååâà

                *     *     *

Ê ÄÈÑÊÓÑÑÈÈ Î ÏÎËÎÂÅÖÊÈÕ ÏËßÑÊÀÕ

«Ýòà ïåñíÿ çà ãðàíüþ ýòîãî ìèðà. Äóìàþ, ðóññêèå æèâóò â ñêàçî÷íîì ìèðå». Ñòðàñòü ïî Ïîëîâåöêèì ïëÿñêàì

Âîñòî÷íûå ìîòèâû â ðóññêîé êëàññè÷åñêîé ìóçûêå — îòäåëüíàÿ áîëüøàÿ òåìà. Ðóññêèì êîìïîçèòîðàì óäèâèòåëüíî óäà÷íî è òîíêî óäàâàëîñü ïåðåäàâàòü â ñâîèõ ïðîèçâåäåíèÿõ «âîñòî÷íûé êîëîðèò». Ýòî è «Èñëàìåé» Áàëàêèðåâà, è çíàìåíèòàÿ «Øåõåðåçàäà» Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà, è ñèìôîíè÷åñêàÿ ñþèòà «Â Ñðåäíåé Àçèè» Áîðîäèíà. Âñå-òàêè âîñòî÷íàÿ òåìà áëèçêà Ðîññèè è ïðîíèêíîâåíèå â «äóõ Âîñòîêà» ïîðàæàåò ñâîåé ãëóáèíîé è âûðàçèòåëüíîñòüþ.
Îäíèì èç ñàìûõ êóëüòîâûõ ðóññêèõ êëàññè÷åñêèõ ïðîèçâåäåíèé ñ âîñòî÷íîé òåìîé ñòàëà îïåðà Áîðîäèíà «Êíÿçü Èãîðü». Îíà ìíîãî ëåò íå ñõîäèò ñî ñöåí âñåõ ìèðîâûõ òåàòðîâ. À ñàìàÿ ÿðêàÿ è çíàìåíèòàÿ åå ÷àñòü — ñèíòåç îïåðû è áàëåòà — Ïîëîâåöêèå ïëÿñêè, ñòàëà îäíîé èç âèçèòíûõ êàðòî÷åê ðóññêîé êëàññè÷åñêîé ìóçûêè. Ýòî áåçóñëîâíûé ìèðîâîé õèò. Äèêèå, ñòèõèéíûå ïëÿñêè âîèíîâ-ïîëîâöåâ â ñî÷åòàíèè ñ íåæíåéøåé ïåñíåé è ÷óâñòâåííûìè òàíöàìè ïîëîâåöêèõ äåâóøåê äî ñèõ ïîð ïîðàæàþò ñâîåé ýêñïðåññèåé.
«Ñâèðåïûå íà âèä, ñ ïåðåïà÷êàííûìè êîïîòüþ è ãðÿçüþ ëèöàìè, â çåëåíûõ îäåÿíèÿõ, èñïåùðåííûõ êðàñíûìè è êîðè÷íåâî-æåëòûìè ïÿòíàìè, â ÿðêèõ ïîëîñàòûõ øòàíàõ, èõ ñáîðèùå áîëüøå íàïîìèíàëî ëîãîâèùå äèêèõ çâåðåé, ÷åì ÷åëîâå÷åñêèé ñòàí». Ìàíÿùå ïðåêðàñíàÿ ïåðâàÿ ïëÿñêà — äåâóøåê — ïëàâíàÿ, âîëíîîáðàçíàÿ, ïîëíàÿ èñòîìû. Åå êàê áû ñìåòàåò ïëÿñêà ìóæ÷èí, îñíîâàííàÿ íà áåøåíîì âèõðåâîì äâèæåíèè. Ïîëîâöû ì÷àòñÿ, «âçâèâàÿñü â âîçäóõ ñ ïîäæàòûìè â êîëåíÿõ íîãàìè.  èõ áóéíîì òàíöå âîçíèêàë ñðàçó áåã êîíåé, ïîëåò ñòåïíûõ îðëîâ, çâîí ñòðåë»
«… ñèíõðîííûé ïîòîê… çàëèâàë ñöåíó, ïåðåêàòûâàÿñü âîëíàìè, êîãäà áåãóùàÿ òîëïà ðåçêî ñáèâàëàñü íà äðóãîå íàïðàâëåíèå, ÷òîáû, îòïðÿíóâ, âíîâü ïîâòîðèòü ìîòèâ íàáåãà — ïðèáîÿ… Òåëà ðàñêà÷èâàëèñü â ìîùíîì óíèñîíå-çàêëèíàíüå, êàê áû âòîðÿ õîðó, ñëàâÿùåìó õàíà. Êîëäîâñêîå, øàìàíñêîå áûëî â ïîâòîðàõ òîðîïëèâîé ïðèïðûæêè, ðàçðåçàåìûõ âíåçàïíûì ïðèñåäàíüåì, â îäèíàêîâûõ âñïëåñêàõ ðóê, â îäèíàêîâîì áåçóìèè ïëÿñêè. Çàíàâåñ îïóñêàëñÿ â ìîìåíò ïîëíîãî åå ðàçãóëà»
(Â. Êðàñîâñêàÿ).

Óíèêàëüíûé êîìïîçèòîð
Áëàãîäàðÿ Áîðîäèíó âåñü ìèð óçíàë èñòîðèþ, ðàññêàçàííóþ â äðåâíåðóññêîì ëèòåðàòóðíîì ïàìÿòíèêå «Ñëîâå î ïîëêó Èãîðåâå». Îí áûë óäèâèòåëüíûé ÷åëîâåê — ó÷åíûé õèìèê, íå èìåâøèé ïðîôåññèîíàëüíîãî ìóçûêàëüíîãî îáðàçîâàíèÿ. Âîîáùå ïðàêòè÷åñêè âñÿ ðóññêàÿ ìóçûêà ïåðâûõ äâóõ òðåòåé 19 âåêà íàïèñàíà ãåíèàëüíûìè ñàìîó÷êàìè, ïîòîìó ÷òî â Ðîññèè â òî âðåìÿ ïðîôåññèîíàëüíàÿ ìóçûêàëüíàÿ øêîëà òîëüêî-òîëüêî íà÷àëà ðàçâèâàòüñÿ.
Àëåêñàíäð Áîðîäèí — óñïåøíûé ðóññêèé ó÷åíûé-õèìèê, àêàäåìèê Ìåäèêî-õèðóðãè÷åñêîé àêàäåìèè, îäèí èç îñíîâàòåëåé Ðóññêîãî õèìè÷åñêîãî îáùåñòâà, îòêðûâàòåëü íîâîé õèìè÷åñêîé ðåàêöèè, êîòîðàÿ áûëà íàçâàíà â åãî ÷åñòü (ðåàêöèÿ Áîðîäèíà-Õóíñäèêåðà). Ïåðâûì â ìèðå îí ïîëó÷èë íîâîå ñîåäèíåíèå — ôòîðèñòûé áåíçîèë. È îäíîâðåìåííî ñ ýòèì îí — îäèí èç îñíîâàòåëåé æàíðîâ ñèìôîíèè è êâàðòåòîâ â Ðîññèè. Çàãàäêà — êàê âîîáùå âîçìîæíî ñîâìåùàòü äåÿòåëüíîñòü ó÷åíîãî-õèìèêà è êîìïîçèòîðà ìèðîâîãî óðîâíÿ.
Áîðîäèí ïèñàë «Êíÿçÿ Èãîðÿ» îêîëî 18 ëåò, íî òàê è íå çàêîí÷èë. Îí óìåð â 53 ãîäà îò ñåðäå÷íîãî ïðèñòóïà. Çàêàí÷èâàëè îïåðó Ëÿäîâ, Ãëàçóíîâ è Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ. Îíè îðêåñòðîâàëè ÷àñòü ñöåí.

Õîðåîãðàôèÿ Ôîêèíà
Îäíîé èç ñàìûõ èçâåñòíûõ ïîñòàíîâîê çíàìåíèòîãî ïðîèçâåäåíèÿ ñòàë ñïåêòàêëü â ðàìêàõ çíàìåíèòûõ «Ðóññêèõ ñåçîíîâ» ïîä ðóêîâîäñòâîì Ñåðãåÿ Äÿãåëåâà 19 ìàÿ 1909 ãîäà. Ïîñòàíîâùèêîì òàíöåâàëüíîãî íîìåðà ñòàë âûäàþùèéñÿ ðóññêèé õîðåîãðàô-íîâàòîð Ìèõàèë Ôîêèí. Îí ïîñòàâèë Ïîëîâåöêèå ïëÿñêè çàíîâî. Ïåðâàÿ ïîñòàíîâêà áûëà àâòîðñòâà Ë. Èâàíîâà (ê ñîæàëåíèþ ñâåäåíèé î íåé ïî÷òè íå ñîõðàíèëîñü). Òàëàíòëèâûé õîðåîãðàô ñ áëåñêîì âîïëîòèë â òàíöå ñàìûå íåèñòîâûå õîðåîãðàôè÷åñêèå ôàíòàçèè, êîòîðûå âìåñòå ñ òåì óäèâèòåëüíî òî÷íî îòîáðàæàëè ìóçûêàëüíûå îáðàçû êîìïîçèòîðà.

Èç êíèãè Ìèõàèëà Ôîêèíà «Ïðîòèâ òå÷åíèÿ»:
«Î ïîñòàíîâêå «Ïîëîâåöêèõ ïëÿñîê» (êîòîðóþ ÿ ñ÷èòàþ îäíîé èç ñàìûõ âàæíûõ ñâîèõ ðàáîò) ÿ õî÷ó ñêàçàòü îñîáî… Â «Ïîëîâåöêèõ òàíöàõ» ÿ ñòàðàëñÿ äàòü ïðèìåð âûðàçèòåëüíîãî ìàññîâîãî òàíöà.
Ñîçäàòü òàíåö âîëíóþùèé, âîçáóæäàþùèé, áûëî ìîåé èíòåðåñíîé çàäà÷åé. Ìíå êàçàëîñü: ÷òî ÿ çíàþ î òàíöàõ ïîëîâöåâ? Êàê âîîáùå èñòîðèÿ ìàëî çíàåò îá ýòîì äèêîì íàðîäå!.. Îòñóòñòâèå ìàòåðèàëîâ è âîñòîðã ïåðåä ìóçûêîé, êîòîðóþ òàê ñòðàøíî èñïîðòèòü, ñìóùàëè ìåíÿ, è ÿ ãîòîâ áûë óêëîíèòüñÿ îò ïîñòàíîâêè. Äÿãèëåâ, ïðåäëàãàÿ ìíå ïîñòàâèòü òàíöû äëÿ îïåðû, àêò èç êîòîðîé äàâàëñÿ â Paris, ãîâîðèë: «Âû ýòî îòëè÷íî ñäåëàåòå…», Í.Ê. Ðåðèõ, êîòîðîìó ïîðó÷åíû áûëè äåêîðàöèè è êîñòþìû ê «Èãîðþ», ñêàçàë ìíå: «ß óâåðåí, âû ñäåëàåòå ÷òî-íèáóäü çàìå÷àòåëüíîå». È ÿ ïîâåðèë èì è ïðèñòóïèë.
Îòêóäà áðàëèñü ìîè pas? ß áû ñêàçàë — èç ìóçûêè. Èíîãäà ÿ ïðèñòóïàë ê ïîñòàíîâêå âî âñåîðóæèè, íàïèòàâøèñü èñòîðè÷åñêèìè, ýòíîãðàôè÷åñêèìè, ìóçåéíûìè è êíèæíûìè ìàòåðèàëàìè. Íà ýòîò ðàç ÿ ïðèøåë ñ íîòàìè Áîðîäèíà ïîä ìûøêîé, è ýòî áûëî âñå ìîå îðóæèå.
Íàñêîëüêî ÿ êîëåáàëñÿ äî íà÷àëà ðàáîòû, íàñòîëüêî ÿ áûë óâåðåí â ñåáå, êîãäà íà÷àë ïîñòàíîâêó. Íèêòî íå ìîã áû ñáèòü ìåíÿ. Âñå ðèñîâàëîñü ìíå ÿñíî, è ÿ âåðèë, ÷òî åñëè ïîëîâöû òàíöåâàëè è íå òàê, òî ïîä îðêåñòð Áîðîäèíà îíè äîëæíû áûëè òàíöåâàòü èìåííî òàê.
Âïîñëåäñòâèè, è äàæå î÷åíü ñêîðî, ýòè òàíöû ñòàëè ãîðäîñòüþ äÿãèëåâñêîé àíòðåïðèçû è îäíîé èç ñàìûõ áîëüøèõ ïîáåä ðóññêîãî áàëåòà».
Àëåêñàíäð Áåíóà, î÷åâèäåö ïàðèæñêèõ ãàñòðîëåé, ïèñàë íà ðîäèíó:
„Ïîëîâåöêèé ñòàí» „ïîáåäèë Ïàðèæ» áëàãîäàðÿ èçîáðåòàòåëüíîñòè Ôîêèíà è ïðèñóòñòâèþ íà ñöåíå íàøèõ íåçàìåíèìûõ áàëåòíûõ àðòèñòîâ (ýòà áàëåòíàÿ ìîëîäåæü — â áîëüøèíñòâå ãîðÿ÷èå ïîêëîííèêè êòî Ãîðñêîãî, êòî Ôîêèíà), êîòîðûå òàê îòäàëèñü ñâîåé ðîëè (ìîæíî ñêàçàòü, ÷òî ó âñåõ èìåííî îäíà ðîëü), òàê ïåðåæèëè åå, òàê ïåðåâîïëîòèëèñü â êàêèõ-òî äðåâíèõ ãåðîè÷åñêèõ äèêàðåé è ÷óòêèõ ñòåïíûõ äåâóøåê, ÷òî íå ïîâåðèòü òîìó, ÷òî ïðîèñõîäèëî íà ñöåíå, áûëî íåâîçìîæíî.
Ñåðãåé Ãðèãîðüåâ, ðåæèññåð äÿãèëåâñêîé òðóïïû ïîäòâåðæäàåò:
Âïå÷àòëåíèå îò ýòîé ñöåíû è îò ìóçûêè áûëî ñòîëü îãðîìíûì, ÷òî áóðíûå àïëîäèñìåíòû íåîäíîêðàòíî ïðåðûâàëè äåéñòâèå, è, êîãäà çàíàâåñ îïóñòèëñÿ, àæèîòàæ áûë íåîïèñóåìûé. Íà âðåìÿ çàáûëè äàæå ïðî Øàëÿïèíà, ïåâøåãî Êîí÷àêà. Ïàðòèþ ãëàâíîãî âîèíà èñïîëíèë Àäîëüô Áîëüì, è íèêòî íå ìîã ñ íèì ñðàâíèòüñÿ â ýòîé ðîëè. Ñîôüÿ Ôåäîðîâà çàæèãàòåëüíî ñòàíöåâàëà Ïîëîâåöêóþ äåâóøêó, è âñÿ òðóïïà ïðåâçîøëà ñåáÿ

Ìèðîâàÿ ñëàâà
Ïîëîâåöêèå ïëÿñêè — ôàêòè÷åñêè áàëåòíûé ýïèçîä â îïåðå. Ýòî íå î÷åíü òèïè÷íî. Íî, êðîìå òîãî, òàíöû ñîïðîâîæäàåò îðêåñòð è õîð. Âî âðåìÿ òàíöà íåâîëüíèö õîð ïîåò çíàìåíèòóþ ìåëîäèþ «Óëåòàé íà êðûëüÿõ âåòðà», êîòîðàÿ ñòàëà íåâåðîÿòíî ïîïóëÿðíà âî âñåì ìèðå.
Óäèâèòåëüíî, ñêîëüêî ìóçûêàíòîâ èç ðàçíûõ ñòðàí èñïîëüçîâàëè çíàìåíèòóþ êîìïîçèöèþ â ñâîèõ ïðîèçâåäåíèÿõ.
— Ñì.: ßíäåêñ-Äçåí, Êóëüòóðíàÿ êðóãîñâåòêà

—————————————

ÊÎÌÌÅÍÒÀÐÈÈ ê ñòàòüå

Îëüãà Âîëèíà
Ãîðäîñòü è íè÷åãî êðîìå ãîðäîñòè çà âåëèêóþ ìóçûêó, êîòîðóþ ñî÷èíèë âåëèêèé ðóññêèé.

carina a.
Âîñòîê ó Áîðîäèíà òàêîé æå óñëîâíûé, êàê ó âñåõ ðóññêèõ êîìïîçèòîðîâ. Íèêàêîãî èñòîðèçìà â ýòîì óñëîâíîì Âîñòîêå íåò…

Ëåâ Áàëàøîâ
carina a. — íå ñîãëàñåí ñ Âàøèì ìíåíèåì, ÷òî Âîñòîê ó Áîðîäèíà óñëîâíûé. Ýòî òàê íå ïîíèìàòü ìóçûêó Áîðîäèíà! Èìåííî Áîðîäèí è ïîêàçàë âî âñåé êðàñå è ìîùè ìóçûêàëüíûé Âîñòîê. Ìîæíî ïðèäèðàòüñÿ ê êîíêðåòíûì ìóçûêàëüíûì ôîðìàì, êîòîðûå èñïîëüçîâàë Áîðîäèí. Íî íåëüçÿ îòíÿòü ó íåãî òîãî, ÷òî îí Ïîëîâåöêèìè ïëÿñêàìè è äðóãèìè ìóçûêàëüíûìè ôðàãìåíòàìè îïåðû îòîáðàçèë ñàì ÄÓÕ íàøåãî äðåâíåðóññêîãî Âîñòîêà. Àáñòðàêòíîãî Âîñòîêà íèêîãäà íå áûëî. Íàø Âîñòîê — ýòî íàøè âîñòî÷íûå ñîñåäè, ñ êîòîðûìè ìû âçàèìîäåéñòâîâàëè íà ïðîòÿæåíèè ñîòåí ëåò êóëüòóðàìè, òîðãîâëåé, âîéíàìè.

Ãåíà Àíäðèàíîâ
Ýòà ìóçûêà áóäåò âå÷íà!!!!!!!! òàì Ðóññêèé äóõ — òàì Ðóñüþ ïàõíåò!!!!!!!!! êàê æå ÿ ëþáëþ ýòó ïåñíþ, ñïàñèáî âàì!!!

Ëàðèñà Ñîáîëåâà
Îãðîìíîå ñïàñèáî çà ýòî âåëèêîëåïèå! Îäíà èç ìîèõ ëþáèìûõ îïåð ñ ïîäðîñòêîâîãî âîçðàñòà, êîãäà âïåðâûå ïîçíàêîìèëàñü ñ «Êíÿçåì Èãîðåì». ß îáîæàþ «Î, äàéòå, äàéòå ìíå ñâîáîäó» — àðèþ êíÿçÿ Èãîðÿ, è àðèþ Êîí÷àêà, è äóýò Âëàäèìèðà è Êîí÷àêîâíû. È êîíå÷íî, àðèÿ ßðîñëàâíû, ëþáÿùåé, âåðíîé è æäóùåé Èãîðÿ, çàíèìàåò îäíî èç ïåðâûõ ìåñò â ìîåé äóøå. Ïîëîâåöêèå ïëÿñêè áåññïîðíûé øåäåâð. Ñïàñèáî, àâòîð, ÷òî ïîêàçàë, êàê ëþáÿò íàøó êðàñîòó, íàøó ìóçûêó âî âñåì ìèðå.

Ñåðãåé Äåìèäîâ
Ëåâ Áàëàøîâ, ñïðàâåäëèâîñòè ðàäè îïåðó «Êíÿçü Èãîðü» âñ¸ æå ñòîèò ïðè÷èñëèòü ê êîëëåêòèâíîìó òâîð÷åñòâó. Äà, ìóçûêàëüíîãî ìàòåðèàëà Àëåêñàíäð Ïîðôèðüåâè÷ íàïèñàë äîñòàòî÷íî, îäíàêî åäèíîãî ïëàíà îïåðû òàê è íå ñîçäàë. Ýòó ðàáîòó ñäåëàë óæå ïîñëå åãî ñìåðòè Í. À. Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ. ×òî äî îðêåñòðîâêè, òî èç 36 íîìåðîâ îïåðû Áîðîäèíûì áûëè îðêåñòðîâàíû òîëüêî 8, îñòàëüíûå îðêåñòðîâàëè Í. Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ è À. Ãëàçóíîâ, íó íåìíîãî ïðèëîæèë ðóêó À Ëÿäîâ. Óâåðòþðà, òà âîîáùå öåëèêîì íàïèñàíà (ñêîðåå ñêîìïèëèðîâàíà) À. Ãëàçóíîâûì.

Ëåâ Áàëàøîâ
Ñåðãåé Äåìèäîâ, íå ñîãëàñåí ñ Âàìè êàòåãîðè÷åñêè! Âçÿòü õîòÿ áû ñìûñëîâóþ, ñîäåðæàòåëüíóþ ñòîðîíó îïåðû. Ñòèëü, ÿçûê èìåííî Áîðîäèíà è íèêîãî äðóãîãî! Âû æå äîëæíû çíàòü ìóçûêó Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà, Ëÿäîâà, Ãëàçóíîâà. Ýòî ñîâñåì äðóãàÿ ìóçûêà. Óêàçàííûå êîìïîçèòîðû äîïèñàëè, îðêåñòðîâàëè èìåííî ïî ëåêàëàì Áîðîäèíà. Íàïðèìåð, óâåðòþðà. Ñàì Ãëàçóíîâ ïèñàë, ÷òî îí íå îäèí ðàç ñëóøàë ýòó óâåðòþðó â èñïîëíåíèè Áîðîäèíà íà ôîðòåïüÿíî. È îí ïîòîì çàïèñàë åå. Ìóçûêàëüíàÿ ïàìÿòü ó Ãëàçóíîâà áûëà ôåíîìåíàëüíàÿ. Îí æå çàïèñàë äâå ÷àñòè òðåòüåé ñèìôîíèè Áîðîäèíà (àâòîð åå òîæå ïðîèãðûâàë ïðè Ãëàçóíîâå) è ýòà ñèìôîíèÿ àáñîëþòíî áîðîäèíñêàÿ! Íàñ÷åò ëèáðåòòî è ïîñòðîåíèÿ îïåðû… Áîðîäèí èçíà÷àëüíî íàïèñàë ëèáðåòòî è âñ¸ ñïëàíèðîâàë. Íå çàáóäüòå, îí áûë ó÷åíûé-õèìèê è áûë íàòðåíèðîâàí ïî ÷àñòè ðàçðàáîòêè è îðãàíèçàöèè ìàòåðèàëà. ß ñ þíîñòè î÷åíü õîðîøî çíàþ Áîðîäèíà, ìíîãî ÷èòàë î íåì. Ëþáëþ òàêæå ìóçûêó åãî äðóçåé. Ïðè âñ¸ì èõ ñõîäñòâå êàê íàöèîíàëüíûõ ðóññêèõ êîìïîçèòîðîâ, îíè î÷åíü ñèëüíî ðàçëè÷àþòñÿ. Êòî íå âèäèò ýòîãî, òîò ñëàáî çíàåò èõ ìóçûêó.

Ñåðãåé Äåìèäîâ
Ëåâ Áàëàøîâ, òóò äåëî íå â ñîãëàñèè, à â äîêóìåíòàõ. Âåäü òî÷íî èçâåñòíî, êàêèå ìàòåðèàëû îñòàëèñü ïîñëå ñìåðòè À. Áîðîäèíà, â ÷àñòíîñòè, îíè ïåðå÷èñëåíû Í. Ðèìñêèì-Êîðñàêîâûì â åãî «Ëåòîïèñè…». Çàïèñàííîãî ïëàíà îïåðû íå ñóùåñòâîâàëî. À. Áîðîäèí åãî îáñóæäàë â áåñåäàõ ñ äðóçüÿìè, âàðèàíòû ïîñòîÿííî ìåíÿëèñü è â èòîãå â êàêîì ïîðÿäêå äîëæíû èäòè äåéñòâèÿ è íîìåðà íåèçâåñòíî. Ïîëíîñòüþ çàêîí÷åííûõ è îðêåñòðîâàííûõ íîìåðîâ èç îïåðû âñåãî âîñåìü. Äðóãèå íîìåðà òîëüêî â êëàâèðàõ. ×òî äî óâåðòþðû, òî äàæå êëàâèðà å¸ íå áûëî. Ëåãåíäà, ÷òî À. Ãëàçóíîâ çàïèñàë å¸ ïî ïàìÿòè — íå áîëåå, ÷åì ëåãåíäà. Îíà ïîÿâèëàñü åù¸ ïðè æèçíè ïîñëåäíåãî è îí ñàì îïðîâåðãàë å¸, íî íàðîäó ýòà ëåãåíäà ïîíðàâèëàñü è îíà óñòîÿëàñü. Ïî ñâèäåòåëüñòâàì ñàìîãî À. Ãëàçóíîâà õîòü À. Áîðîäèí è èãðàë å¸ äðóçüÿì, íî ýòî áûëè ñêîðåå íàáðîñêè, ÷åì çàêîí÷åííûé íîìåð. Ïî èñïîëíåíèþ ëèøü ìîæíî áûëî ïîíÿòü êàêèå òåìû è â êàêîì ïîðÿäêå áóäóò ñîñòàâëÿòü óâåðòþðó. Ñîáñòâåííî, ðóêîâîäñòâóÿñü ýòèì À. Ãëàçóíîâ è ñêîìïèëèðîâàë óâåðòþðó. Áîëüøàÿ ÷àñòü îïåðû è îêîí÷àòåëüíûé å¸ ïëàí áûë ñîñòàâëåí Í. Ðèìñêèì-Êîðñàêîâûì, ïîíÿòíî, ÷òî îí ýòî äåëàë íå îò ôîíàðÿ, à âñ¸-òàêè ðóêîâîäñòâîâàëñÿ èíôîðìàöèåé èç áåñåä ñ À. Áîðîäèíûì. Ïðè îðêåñòðîâêå îí, åñòåñòâåííî, ïðèäåðæèâàëñÿ ñòèëÿ À. Áîðîäèíà (Êîðñàêîâ áûë î÷åíü õîðîøèì ñòèëèçàòîðîì). Òóò åìó áûëî ïðîùå, ÷åì ïðè îðêåñòðîâêå Áîðèñà Ãîäóíîâà è Õîâàíùèíû, âñ¸-òàêè ñòèëü Áîðîäèíà áûë áëèæå ñîáñòâåííîìó ñòèëþ Êîðñàêîâà.

Ëåâ Áàëàøîâ
Ñåðãåé Äåìèäîâ, ìû èíòåðïðåòèðóåì ïî-ðàçíîìó îäíè è òå æå ôàêòû. ß ãîâîðþ, ÷òî Áîðîäèí íåñêîëüêî ðàç ïðîèãðûâàë óâåðòþðó â ïðèñóòñòâèè Ãëàçóíîâà. À òî, ÷òî îí ïðîèãðûâàë ïî-ðàçíîìó êàæäûé ðàç… Íó è ÷òî? Áîðîäèí íàïèñàë èëè ïðîèãðûâàë ìíîãî ðàçíûõ âàðèàíòîâ è îí ÷àñòî îñòàíàâëèâàëñÿ íà êàêîì-òî îäíîì âàðèàíòå. Òî æå äåëàëè ñ ðàçíûìè âàðèàíòàìè è Ãëàçóíîâ è Ðèìñêèé-Êîðñàêîâ ïîñëå ñìåðòè Áîðîäèíà. Îíè âûïîëíèëè ðàáîòó çà àâòîðà. Âñïîìíèòå, îíè â ïðèñóòñòâèè Áîðîäèíà îðêåñòðîâàëè Ïîëîâåöêèå ïëÿñêè. Îí íàáëþäàë è êîíòðîëèðîâàë ïðîöåññ. Íàâåðíÿêà îí ñìîòðåë ëèñòû ñ îðêåñòðîâêîé è îöåíèâàë èõ, ìîæåò áûòü, ïîïðàâëÿë, äåëàë çàìå÷àíèÿ. Òàê ÷òî îíè ïðåêðàñíî çíàëè êîìïîçèòîðñêóþ ìàíåðó Áîðîäèíà. Äà, ñîáñòâåííî, Âû íå ñïîðèòå ñî ìíîé, ïî÷òè ñîãëàñèëèñü. Îïåðà Áîðîäèíà — íå ïëîä êîëëåêòèâíîãî òâîð÷åñòâà, à öåëèêîì ïðîèçâåäåíèå ñàìîãî Áîðîäèíà… íó ïðè íåêîòîðîì ó÷àñòèè íà çàâåðøàþùåì ýòàïå åãî äðóçåé-êîëëåã. Âåäü ãëàâíîå â ìóçûêå äóõ (ñìûñë, èäåÿ), à íå áóêâà (íîòà). Ìóñîðãñêèé íàïèñàë ôîðòåïüÿííûé öèêë «Êàðòèíêè ñ âûñòàâêè». Îðêåñòðîâàëè åãî äðóãèå êîìïîçèòîðû (Ðàâåëü, íàïðèìåð). Íó è ÷òî?  îðêåñòðîâêå Êàðòèíêè ñ âûñòàâêè ñòàëè åùå êðàøå. È íèêòî íå ãîâîðèò, ÷òî ýòî ñî÷èíåíèå ïëîä êîëëåêòèâíîãî òâîð÷åñòâà.

È åùå. Âû ÿâíî áîëüøå äîâåðÿåòå ñëîâàì Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà â åãî Ëåòîïèñè è íåêîòîðûì ñëîâàì Ãëàçóíîâà îá óâåðòþðå, ÷åì ãåíèþ Áîðîäèíà, ÷åì åãî ñïîñîáíîñòè ê ñàìîñòîÿòåëüíîìó òâîð÷åñòâó. ß æå ñëóøàþ ãåíèàëüíóþ ìóçûêó îïåðû è ìíå ïî áàðàáàíó, ÷òî êòî-òî ïîìîã Áîðîäèíó åå äîäåëàòü. Ãèãàíòñêîå ñïàñèáî Ðèìñêîìó-Êîðñàêîâó è Ãëàçóíîâó çà òî, ÷òî îíè íå èñêàçèëè ñìûñë è äóõ îïåðû, à ïåðåäàëè èõ ïðàêòè÷åñêè â ïîëíîì îáúåìå, êàê òîãî õîòåë ñàì Áîðîäèí. ×òî Áîðîäèí àâòîð îïåðû è íèêòî äðóãîé, îá ýòîì ãîâîðÿò åãî äâå ãåíèàëüíåéøèå ñèìôîíèè, ïîëíîñòüþ íàïèñàííûå èì, åãî âåëèêîëåïíàÿ ñèìôîíè÷åñêàÿ êàðòèíà «Â Ñðåäíåé Àçèè», åãî ïîòðÿñàþùèé Âòîðîé êâàðòåò.

Ñåðãåé Äåìèäîâ
Ëåâ Áàëàøîâ, ÿ àáñîëþòíî íå îñïàðèâàþ àâòîðñòâà À. Áîðîäèíà. ïðîñòî ðàòóþ çà òî, ÷òîáû â ñîïðîâîäèòåëüíûõ äîêóìåíòàõ (ïðîãðàììêàõ, àôèøàõ, íà êîíöåðòàõ ïðè îáúÿâëåíèè íîìåðîâ è ò. ä…) óêàçûâàëè íó õîòÿ áû êàê «â ðåäàêöèè Ð-Ê è Ã…» èëè ÷òî-òî â ýòîì ðîäå. Ïîäîáíî òîìó êàê óêàçûâàþò àâòîðñòâî ðåäàêöèé ïðè èñïîëíåíèè Áîðèñà Ãîäóíîâà è Õîâàíùèíû. Âåäü, ïîëîæà ðóêó íà ñåðäöå, åñëè áû íå îíè, òî ìû áû íå óñëûøàëè îïåðó Êíÿçü Èãîðü.
Êñòàòè, ïî ïîâîäó îðêåñòðîâêè «Êàðòèíîê ñ âûñòàâêè», ÿ êàòåãîðè÷åñêè íå ïðèåìëþ êàêèå-ëèáî ïåðåëîæåíèÿ ïðîèçâåäåíèé äëÿ äðóãèõ èíñòðóìåíòîâ èëè ñîñòàâîâ, îòëè÷àþùèåñÿ îò àâòîðñêèõ çàìûñëîâ. Ïðîèçâåäåíèå íàïèñàííîå äëÿ ôîðòåïèàíî äîëæíî èñïîëíÿòüñÿ òîëüêî íà ôîðòåïèàíî è íèêàêèõ îðêåñòðîâîê è ò. ä… Ýòî âñ¸ ðàâíî, ÷òî ïåðåïèñàòü àêâàðåëüíóþ êàðòèíó, íàïðèìåð, ìàñëîì — äðóãàÿ òåõíèêà, äðóãèå êðàñêè, äðóãîå âîñïðèÿòèå. ß íå ãîâîðþ î êëàâèðàõ — ýòî âñ¸ òàêè âñïîìîãàòåëüíûé âàðèàíò ïðè ðàáîòå íàä îðêåñòðîâûì ïðîèçâåäåíèåì èëè îçíàêîìèòåëüíûé â ýïîõó îòñóòñòâèÿ çâóêîçàïèñè.

Ëåâ Áàëàøîâ
Ñåðãåé Äåìèäîâ, ñïàñèáî çà îòâåò. Íàñ÷åò îïåðû Êíÿçü Èãîðü è åå àâòîðñòâà. ß äóìàþ, íå òðåáóåòñÿ ñïåöèàëüíîãî óêàçàíèÿ íà ó÷àñòèå â ðåäàêòèðîâàíèè îïåðû Ðèìñêîãî-Êîðñàêîâà è Ãëàçóíîâà. Âñÿêèé ìàëî-ìàëüñêèé ñâåäóþùèé â ìóçûêå çíàåò, ÷òî Áîðîäèí íå çàêîí÷èë îïåðó. ß åùå ðàç îáðàùàþ âíèìàíèå íà òî, ÷òî Áîðîäèí ÄÅÑßÒÈËÅÒÈßÌÈ âûíàøèâàë çàìûñåë îïåðû, ñî÷èíÿë åå, ñòðóêòóðèðîâàë è ò.ä., à âûøåóêàçàííûå êîìïîçèòîðû äîðàáàòûâàëè åå êàêèõ-òî íåñêîëüêî ìåñÿöåâ. Òàê êòî íàñòîÿùèé àâòîð áåç âñÿêèõ îãîâîðîê?!  êîíöå êîíöîâ íåçàêîí÷åííóþ îïåðó Áîðîäèíà ÍÅÈÇÁÅÆÍÎ êòî-íèáóäü çàêîí÷èë. Íàñòîëüêî ìóçûêà åå ãåíèàëüíà. Ìíå êàæåòñÿ, Âû íåìíîãî ïåäàíò. (Åñòü òàêèå ëþäè, êîòîðûå êàê ïðîôåññèîíàëû äîãìàòè÷åñêè ïðèäåðæèâàþòñÿ îïðåäåëåííûõ ïðèíöèïîâ äàæå â ñâîèõ ìóçûêàëüíûõ ïðåäïî÷òåíèÿõ-âêóñàõ).
Ìîæåò è â àâòîðñòâå ñî÷èíåíèÿ óâåðòþðû ×àéêîâñêîãî Ðîìåî è Äæóëüåòòà íóæíî óêàçûâàòü ó÷àñòèå Ì.À.Áàëàêèðåâà?
Íå ñîãëàñåí ñ Âàìè îòíîñèòåëüíî «Êàðòèíîê ñ âûñòàâêè» Ìóñîðãñêîãî. Ìîæåò ó ìåíÿ âêóñ èñïîð÷åí, íî ñ þíîñòè ÿ îáîæàë ýòîò öèêë èìåííî â îðêåñòðîâêå (Ðàâåëÿ).  ôîðòåïüÿííîì çâó÷àíèè îí âñåãäà êàçàëñÿ ìíå áîëåå áåäíûì ìóçûêàëüíî, ìåíåå âûðàçèòåëüíûì. Âçÿòü õîòÿ áû ïüåñó Áîãàòûðñêèå âîðîòà.  îðêåñòðîâîì çâó÷àíèè îíà ïîòðÿñàåò. Âû æå çíàåòå, ÷òî ñèìôîíè÷åñêèé îðêåñòð âíå êîíêóðåíöèè ïî ÷àñòè ìóçûêàëüíîé âûðàçèòåëüíîñòè è èçîáðàçèòåëüíîñòè.
Òî æå ÿ ñêàçàë áû î ôîðòåïèàííîì öèêëå «Âðåìåíà ãîäà» ×àéêîâñêîãî. ß ñëóøàþ ýòîò öèêë ïî÷òè èñêëþ÷èòåëüíî â îðêåñòðîâêå (Ãàóêà). À â ôîðòåïèàííîì çâó÷àíèè ñëóøàþ ëèøü ïî íåîáõîäèìîñòè.
Òóò åùå âîïðîñ â òîì, êòî êàê ìóçûêàëüíî âîñïèòàí. ß âîñïèòàí ñ äåòñòâà íà ñèìôîíè÷åñêîì îðêåñòðå èëè íà ñî÷åòàíèè îðêåñòðà ñ ôîðòåïèàíî (êàê ó Ðàõìàíèíîâà) èëè ñî ñêðèïêîé (ñêðèïè÷íûå êîíöåðòû).

=========================================================

Ñëóøàòü Áîãàòûðñêóþ ñèìôîíèþ (äèð. Ãîëîâàíîâ) è äðóãèå ïðîèçâåäåíèÿ Áîðîäèíà — íà ìîåé ñòðàíèöå ÂÊîíòàêòå (Ëåâ Áàëàøîâ), â ðàçäåëå àóäèîçàïèñè, ïàïêà À.Ï.Áîðîäèí.

Ñì. òàêæå çäåñü, â Ïðîçà.ðó ñòàòüþ «Ïåðâàÿ ñèìôîíèÿ Êàëèííèêîâà» — http://proza.ru/2020/08/07/1731

Продолжение: 10 великих русских композиторов. Часть 2.

 

Композиторы. Россия в середине XIX века (1825-1855 гг.)

Композиторы

ГЛИНКА Михаил Иванович (1804–1857 гг.) — русский композитор, один из основоположников русской классической музыки.

Глинка родился в старинной дворянской семье польского происхождения. Его отцом был капитан в отставке Иван Николаевич Глинка (1780–1833 гг.).

В 1817–1822 гг. Михаил воспитывался в Благородном пансионе при главном педагогическом институте, занимался музыкой, играл на фортепьяно, скрипке. Его гувернером был поэт, декабрист В.К. Кюхельбекер. В 1837–1839 гг. Глинка был капельдинером придворной певческой капеллы. В его творчестве было много смелых новаторских произведений. Народные основы в творчестве Глинки оказали влияние на дальнейшее развитие русской классической музыки. Основными в его творчестве были два направления: фольклорная музыкальная драма и сказочно-эпические произведения.

В 1836 г. в Петербургском Большом театре была поставлена опера Глинки «Жизнь за царя», в 1842 г. опера «Руслан и Людмила». Пользовались успехом его симфонические пьесы «Вальс-фантазия» (1839 г.), «Испанская увертюра», «Арагонская хота» (1845 г.), «Ночь в Мадриде» (1848 г.). Глинка восхищался Испанией и широко использовал в своих произведениях темы испанского фольклора.

Глинка писал романсы на стихи Пушкина, Жуковского, Баратынского, Кукольника. Михаил Иванович много путешествовал, изучая музыкальную культуру европейских стран: в 1830–1833 и 1845–1847 гг. он посещал Испанию, в 1833–1834 и 1856–1857 гг. жил в Берлине, в 1844–1845, 1852–1854 гг. он предпринял два путешествия в Париж, в 1848, 1849–18 51 гг. жил в Варшаве. У Глинки брали уроки пения и готовили с ним оперные партии и камерные произведения известные певцы того времени Н.К. Иванов, А.Я. Петрова-Воробьева, Д. М. Леонова.

В 1854–1855 гг. М.И. Глинка написал мемуары — «Записки», опубликованные в 1870 г. Е.С.

МУСОРГСКИЙ Модест Петрович (правильное ударение в фамилии — Мусбргский) (09.03.1839–16.03.1881 гг.) — русский композитор. М.П. Мусоргский родился в старинной дворянской семье. Музыкой будущий композитор начал заниматься очень рано, но в 10 лет мальчика привезли в Петербург, где он поступил в школу Гвардейских подпрапорщиков. После ее окончания в 1856 г. Мусоргский начал службу в лейб-гвардии Преображенском полку. В это время Модест Петрович познакомился с А.С. Даргомыжским, затем с Ц.А. Кюи и М.А. Балакиревым. Под их влиянием он серьезно занялся музыкой и вскоре стал неизменным членом «Балакиревского кружка» — «Могучей кучки».

Ради музыки Мусоргский в 1858 г. вышел в отставку. Будучи противником крепостного права, он отказался от своей доли наследства и отпустил крестьян на волю без выкупа. Тем самым он лишил себя средств к существованию. Для заработка великий композитор был вынужден работать на скромных чиновничьих должностях в Инженерном управлении (1863–1867 гг. ), Лесном департаменте и комиссии государственного контроля (1868–1880 гг.). Жизнь, полная лишений, в конечном итоге сломила композитора. В последние годы он нередко пользовался бескорыстной помощью друзей и пробавлялся работой аккомпаниатора в музыкальных классах. Тяжелые недуги подорвали здоровье, и композитор скончался фактически в полунищенском состоянии.

Сложной была и творческая судьба композитора. Многие его произведения остались незавершенными. Такова судьба первых опер Мусоргского «Саламбо» (1863–1866 гг.) и «Женитьба» (1868 г.). В 1868–1874 гг. композитор написал оперу «Борис Годунов» — великую народно-историческую драму по пьесе А.С. Пушкина. Публика восторженно встретила оперу.

После «Бориса Годунова» Мусоргский начал работать сразу над двумя операми. Они также стали событиями в мировом музыкальном творчестве. «Хованщина», либретто которой композитор писал сам, продолжала традиции исторической драмы. «Сорочинская ярмарка» (по Н.В. Гоголю), напротив, представляла собой веселую народно-бытовую оперу, но обе они не были завершены. Позже «Хованщину» закончил и оркестровал Н.А. Римский-Корсаков, «Женитьбу» — М.М. Ипполитов-Иванов, а «Сорочинскую ярмарку» — Ц.А. Кюи (были и другие варианты доработки — А.К. Лядова и В.Я. Шебалина).

Кроме опер М.П. Мусоргский сочинил много других произведений, среди которых особенно знамениты музыкальная картина «Иванова ночь на Лысой горе» (1867 г.) и сюита «Картинки с выставки» (1874 г.). Е. П.

БОРОДИН Александр Порфирьевич (1833–1887 гг.) — композитор, ученый-химик, общественный деятель. А.П. Бородин, внебрачный сын князя Л.С. Гедианова, при рождении был записан как сын крепостного слуги князя — Порфирия Бородина. В 1856 г. закончил Медико-хирургическую академию, с 1858 г. — доктор медицины. С 1874 г. руководил химической лабораторией Медико-хирургической академии.

Бородин организовал высшее учебное заведение для женщин — Женские врачебные курсы.

Бородин успешно занимался химией, с 1868 г. входил в Русское химическое общество, другие научные и общественные организации, в том числе и зарубежные. В 1877 г. ему было присвоено звание академика. А.П. Бородин — автор многих трудов по органической химии. Разработал методы получения некоторых органических кислот.

У ученого-химика не было специального музыкального образования, но он играл на нескольких музыкальных инструментах. В 1850-е гг. Бородин начал писать романсы, камерно-инструментальную музыку. В1862 г. познакомился с М.А. Балакиревым и вошел в Балакиревский кружок — «Могучую кучку». А.П. Бородин был приверженцем русской национальной школы в музыке, в его творчестве преобладала тема величия русского народа, любовь к родине, свободолюбие. В музыке Бородина слышатся мелодии и русской народной песни, и музыки народов Востока.

Опера А.П. Бородина «Князь Игорь» (завершена Н.А. Римским-Корсаковым и А.К. Глазуновым, 1890 г.) — образец русской героической темы в музыке. А.П. Бородин считается одним из создателей русской классической симфонии (2-я, «Богатырская», 1876 г.) и русского классического струнного квартета. Он был замечательным мастером вокальной лирики (романс «Для берегов отчизны дальней»).Н. П.

Русская классическая музыка — 北京俄罗斯文化中心

 54 total,  2 today

Классическая музыка в нашей стране берет свое начало лишь в середине 19 века. Основоположниками классической музыки по праву считаются великие русские композиторы Михаил Иванович Глинка и Александр Сергеевич Даргомыжский. Благодаря творчеству этих гениальных композиторов русская музыка перешла на новый, мировой уровень. Появились первые русские оперы, сообщества композиторов, учебные заведения, где воспитывали профессиональных музыкантов.

   Русская музыка прошла огромное количество этапов своего развития. На ее формирование оказывали сильнейшее влияние западные композиторы, православная церковь, народное творчество… Еще в первом тысячелетии музыка на Руси была исключительно обрядовой, то есть, она сопровождала исключительно обрядовые действия. В связи с этим, музыку можно разделить на две категории: музыка календарных праздников (сев, пахота, Ярилин день, масленица и так далее) и музыка семейных праздников (рождение ребенка, похороны, свадьба…).

   В 988 году Русь приняла христианство, это оказало огромное влияние на музыку в целом. Появились первые нотные записи и, так называемое «знаменное» пение, которые пришли из Византии. Для проведения богослужений требовались певчие, способные читать ноты (в то время это была «крюковая» система записи нот), поэтому в храмах стали обучать певцов. Появились и первые композиторы, которые писали в основном церковную музыку. Среди таких композиторов можно выделить дьякона отца Василия Титова. Со временем композиторы стали пробовать себя и в написании музыки светской тематики. Начали появляться канты (музыкальные произведения, созданные в честь торжественного события) и любовные песни. Во времена правления Петра Первого, весьма популярными стали произведения, написанные в честь царя, его достижений, побед русской армии.

   В восемнадцатом веке русская музыка испытывала сильное влияние запада. Появилась новая система записи нот (она существует и до сих пор), которая пришла с запада. Очень популярными стали французские и итальянские музыканты, привезенные Петром Первым. Русские композиторы пытались подражать стилю западных композиторов. При царском дворе появился свой итальянский театр. Спустя несколько лет мода на итальянскую музыку разошлась по всей России. Тем не менее, большинство русских композиторов продолжали писать духовную музыку (Максим Березовский и Дмитрий Бортнянский). Начали появляться первые русские оперы.

   Наконец, девятнадцатый век вознес русскую музыку на принципиально новый уровень. Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки стали развиваться такие жанры, как опера, симфония, романс и камерная (инструментальная) музыка. Кроме того, Глинка разделил оперный жанр на два вида: опера-драма и опера-сказка. В своем творчестве Михаил Глинка обращался к теме народа, к политической жизни страны. Ярким примером этого является опера-драма «Иван Сусанин» (второе название «Жизнь за царя»). Не только политические темы волновали Глинку. В его произведениях воспевается красота природы России, любовь к родине, жизнь и быт простых людей.

   Опера рассказывает о подвиге простого крестьянина, принесшего в жертву свою жизнь, ради спасения царя и не допустившего захват России. Примером оперы-сказки может стать «Руслан и Людмила», опера, написанная по мотивам одноименного произведения Александра Сергеевича Пушкина.

   Вообще, поэтические строки А.С. Пушкина можно встретить во многих произведениях М. Глинки. Огромное количество романсов было написано на стихи великого русского поэта. Творчество Пушкина и Глинки имеет одинаковое значение для Русской культуры. Как Пушкин стал основоположником русского литературного языка, так и Глинка стал первым классиком в русской музыке.

   Продолжателем идей Глинки стал Александр Сергеевич Даргомыжский. Его имя неразрывно связано с развитием русской классической музыки. Александр Сергеевич в своем творчестве обращался к народным интонациям и наработкам русских композиторов. Он внес огромный вклад в усовершенствование русской оперы, создав свой собственный стиль речитативного пения. Как и у Глинки, большое количество произведений Даргомыжского написано на литературный текст произведений Александра Пушкина. Таким образом, можно с уверенностью заявить, что Александр Пушкин является основоположником русской классической музыки.

   В шестидесятых годах 19 века произошло еще одно знаменательное событие в культурной жизни страны. Братья Антон и Николай Рубинштейны добились создания первой русской Консерватории. Первое учебное заведение было основано в Москве, а через некоторое время и в Санкт-Петербурге. В консерватории стали набирать талантливых музыкантов. Таким образом, в семидесятых годах 19 века в России появились первые профессиональные композиторы, теоретики, исполнители, музыкальные критики. Начала развиваться и школа педагогов, которые обучали своих студентов, основываясь на творчестве русских композиторов.

   Представителями нового поколения русских композиторов, воспитанных в консерваториях, стали Милий Балакирев, Цезарь Кюи, Николай Римский-Корсаков, Модест Мусоргский, Александр Бородин. Композиторы продолжали традиции, заложенные отцами русской классической музыки Михаилом Глинкой и Александром Даргомыжским. Все пять композиторов работали в рамках направления «реализм». Их искренне волновала судьба России, жизнь и быт простых крестьян, политическая жизнь страны, все эти вопросы нашли отражение в их творчестве.

   В конце шестидесятых, начале семидесятых годов 19 столетия образовалось сообщество музыкантов под управлением Милия Балакирева. Музыканты стали называть себя «Могучая кучка». Членами сообщества стали композиторы «нового поколения»: Цезарь Кюи, Николай Римский-Корсаков, Модест Мусоргский, Александр Бородин. Композиторы принимали активное участие в жизни страны, писали произведения, делились опытом с коллегами, сотрудничали с другими сообществами, как музыкальными, так и литературными. «Могучая кучка» внесла неоценимый вклад в развитие русской музыки.

   Таким образом, русская классическая музыка берет свое начало в начале 19 века с рождением величайшего композитора, отца классической музыки в России Михаила Ивановича Глинки. На протяжении целого столетия творчество этого композитора являлось эталоном, примером для подражания для всех молодых композиторов. Способность гармонично соединять народные мотивы, новаторские идеи – вот главная особенность и самобытность русской музыки и русских композиторов.

10 великих русских композиторов

Мировая классическая музыка немыслима без работ русских композиторов.  Россия, великая страна с талантливым народом и своим культурным наследием, всегда была в числе ведущих локомотивов мирового прогресса и искусства, в том числе музыки. Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.   Творчество русских композиторов конца 19-го — первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к «национальной» принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа. Представляем список 10 композиторов, которых Вы должны знать. Про каждого из них можно с уверенностью сказать, что он самый великий композитор, который когда-либо был, хотя на самом деле невозможно, да и нельзя, сравнить музыку, написанную на протяжении нескольких столетий. Однако все эти композиторы выделяются среди своих современников как композиторы, которые сочинили музыку высочайшего уровня и стремились раздвинуть границы классической музыки к новым пределам. Список не содержит какого-либо порядка, вроде значимости или личных предпочтений. Просто 10 великих композиторов, которых Вы должны знать.  Каждого композитора сопровождает достойный цитирования факт его жизни, запомнив который Вы будете похожи на эксперта. А перейдя по ссылке на фамилии, узнаете его полную биографию. И конечно, можно послушать одно из знаменательных произведений каждого мастера.

Музыканты 19 века зарубежные. Великие русские композиторы

XX-й век принято считать временем великих изобретений, сделавших жизнь людей значительно лучше и в некоторых отношениях легче. Однако существует мнение, что в мире музыки в это время ничего нового не создавали, а лишь пользовались трудами предшествующих поколений. Данный список призван опровергнуть столь несправедливое заключение и отдать честь многим музыкальным произведениям, созданным позднее 1900-го года, а также их авторам.

Эдгар Варез — Ионизация (1933)

Варез — французский композитор электронной музыки, использовавший в своём творчестве новые звучания, созданные на основе популяризации электричества. Он исследовал тембры, ритмы и динамику, часто использовал довольно грубые ударные звуки. Ни одна композиция не сможет так полно сформировать представление о творчестве Вареза, как «Ионизация», созданная для 13-и ударных. Среди инструментов обычные оркестровые басовые барабаны, малые барабаны, а ещё в этом произведении вы можете услышать рёв льва и вой сирены.

Карлхайнц Штокхаузен — Zyklus (1959)

Штокхаузен, как и Варез, создавал порой экстремальные произведения. Например, Zyklus — пьеса, написанная для ударных. В переводе означает «Круг». Эта композиция получила такое название не случайно. Она может быть прочитана с любого места в любом направлении, и даже вверх ногами.

Джордж Гершвин – Рапсодия в стиле блюз (1924)

Джорж Гершвин — истинно американский композитор. Он часто использует блюзовые и джазовые гаммы в своих произведениях, вместо диатонической, которой обычно пользуются большинство музыкантов классической западной традиции. Произведение Гершвина «Рапсодия» в стиле блюз, его величайшая работа, та, благодаря которой он точно запомнится вам навсегда. Зачастую она служит напоминанием о 1920-х годах, эпохе джаза, времени богатства и роскошной жизни. Это тоска по ушедшему прекрасному времени.

Филип Гласс — Эйнштейн на пляже (1976)

Филип Гласс — современный композитор, он продолжает творить в изобилии и сейчас. Стилем композитора считается минимализм, постепенно развивающий остинато в его музыке.
Самая известная опера Гласса «Эйнштейн на пляже» длилась 5 часов без антракта. Это было так долго, что зрители приходили и уходили, когда им заблагорассудится. Она интересна тем, что не имеет абсолютно никакого сюжета, а лишь показывает различные сцены, описывающие теории Эйнштейна и вообще, его жизнь.

Кшиштоф Пендерецкий — Польский реквием (1984)

Пендерецкий — композитор, который увлекался расширением методов и уникальными стилями игры на обычных инструментах. Он, возможно, более известен другим своим произведением «Плач по жертвам Хиросимы», однако в это список попало именно крупнейшее — «Польский реквием», где соединены одна из самых старых форм музыкального произведения (автором самого первого Реквиема был Окегем, живший в эпоху Ренессанса) и нетрадиционный стиль исполнения. Здесь Пендерецкий использует вопли, короткие резкие выкрики хора и голоса, а добавление польского текста в конце довершает образ по-настоящему уникального музыкального искусства.

Альбан Берг — Воццек (1922)

Берг является тем композитором, который принёс сериализм в массовую культуру. Его опера «Воццек», основанная на удивительно негероическом сюжете, стала первой оперой в характерном смелом стиле XX века, и тем самым положила начало развитию авангарда на оперной сцене.

Аарон Копленд — Фанфары для простого человека (1942)

Копленд сочинял музыку в стиле, отличающемся от стиля его американского коллеги Джорджа Гершвина. В то время как многие произведения Гершвина подходят для городов и клубов, Копленд использует сельские мотивы, в том числе истинно американские темы, например, тему ковбоев.
Самым известным произведением Копленда считаются «Фанфары для простого человека». Когда его спросили, кому именно оно посвящено, Аарон ответил что обыкновенному человеку, так как именно обыкновенные люди существенно повлияли на победу Соединённых Штатов во Второй мировой войне.

Джон Кейдж — 4’33″ (1952)

Кейдж был революционером — он впервые стал использовать в музыке нетрадиционные инструменты, например, ключи и бумагу. Его самая поразительная инновация — модификация фортепиано, когда он засунул в инструмент шайбы и гвозди, в результате чего получались сухие ударные звуки.
4’33″ — в сущности это 4 минуты 33 секунды музыки. Однако музыка, которую вы слышите, не играет исполнитель. Вы слышите случайные звуки в концертном зале, шум кондиционирования воздуха или гул автомобилей снаружи. То, что считалось тишиной, тишиной не является — это то, чему учит школа Дзен, ставшая источником вдохновения Кейджа.

Витольд Лютославский — Концерт для оркестра (1954)

Лютославский — один из величайших композиторов Польши, специализировавшийся на алеаторической музыке. Он стал первым музыкантом, удостоившимся высшей государственной награды Польши — ордена Белого Орла.
«Концерт для оркестра» — результат вдохновения композитора от произведения «Концерт для оркестра» Бела Бартока. Она включает в себя подражание барочному жанру Кончерто Гроссо, переплетающемуся с польскими мелодиями. Самое поразительное, что это произведение атонально, оно не соответствует мажорной или минорной тональности.

Игорь Стравинский — Весна священная (1913)

Стравинский — один из величайших композиторов, живших когда-либо. Кажется, он взял понемногу от большого числа композиторов. Сочинял в стилях сериализм, неоклассицизм и необарокко.
Самой известной композицией Стравинского считается «Весна священная», которая имела скандальный успех. На премьере Камиль Сен-Санс выбежал из зала в самом начале, ругая непомерно высокий регистр фагота, по его мнению, инструмент был использован неправильно. Зрители освистали представление, негодуя на примитивные ритмы и вульгарные костюмы. Толпа буквально напала на исполнителей. Правда, балет вскоре получил популярность и завоевал любовь аудитории, став одной из влиятельнейших работ великого композитора.

Россия богата на таланты. Практически во всех видах искусств можно встретить имена наших соотечественников, которые известны по всему . Первые русские композиторы классической музыки начали творить в XIX веке, и родоначальником среди них стал Глинка Михаил Иванович. С него мы и начнем наш обзор.

Глинка Михаил Иванович (20.05 (01.06) 1804 – 03 (15).02.1857)

Михаил Глинка был потомком польских шляхтичей. Его прадед Викторин Владислав Глинка после того как Речь Посполитая лишилась города Смоленска (в 1654 г.), принял православие и перешел под российское подданство, сохранив при этом свои земли и все дворянские привилегии. Отцом композитора был капитан в отставке Иван Николаевич Глинка, матерью – Евгения Андреевна Глинка-Земелька. Большое влияние на будущего композитора оказала его бабушка, Фекла Андреевна (мать отца), которая взяла на себя воспитания мальчика до 6 лет. Когда Михаилу исполнилось 10 лет, к нему пригласили из столицы учительницу В.Ф. Кламмер, которая стала учить его игре на скрипке и фортепиано. В 13 лет Глинка приступил к обучению в столичном Благородном пансионе, где продолжал брать частные уроки музыки у таких педагогов, как Карл Цейнер и Джон Филд.

После окончания учебы в пансионе Глинка продолжил изучение музыки. В это же время он сочиняет свои первые произведения. Самые известные романсы этого периода – «Не искушай меня без нужды», «Не пой, красавица, при мне» и др. Путешествие на Кавказ в 1823 г. оставило свой след в творчестве композитора – «Персидский хор», написанный для оперы «Руслан и Людмила», создавался на основе одной из азербайджанских народных песен. Дальнейшая поездка в Италию (в частности, центр музыкальной культуры Милан) и знакомство с такими известными композиторами, как В. Беллини и Г. Доницетти, привело к созданию музыкальных произведений в итальянском стиле. Первый по-настоящему большой успех пришел к Михаилу Глинке в 1836 г., когда на сцене столичного Большого театра была поставлена опера «Жизнь за царя», описывающая подвиг Ивана Сусанина. Ее по достоинству оценила не только публика, но и сам император. Последующая творческая жизнь композитора была очень насыщенной. Им были созданы симфонии, увертюры, романсы, сонаты. Скончался М.И. Глинка в 1857 г. в Берлине. Вклад этого композитора в развитие русской классической музыки сложно переоценить. По мнению В. Стасова, Глинка создал новый русский язык в музыке, как Пушкин – в поэзии.

Чайковский Петр Ильич (25.04 (07.05) 1840 – 25.10 (06.11) 1893)

Любовь к музыке у Петра Чайковского появилась не случайно. Его отец в юные годы увлекался игрой на флейте, а мама умела играть на арфе, фортепиано, и, к тому же, неплохо пела. Когда Петру было 5 лет, его стали обучать игре на фортепиано, а в возрасте 12 лет мальчик поступил в Училище правоведения. Он был прилежным учеником и в 1859 году выпустился с отличными отметками по большинству предметов. За годы учебы Петр дополнительно занимался игрой на фортепиано – в 1855-1858 гг. его учителем был Рудольф Кюндитер. В год окончания училища Чайковский начал службу в Департаменте юстиции, но проработал там не очень долго.

В 1861 году он приступил к учебе в Музыкальном классе Русского музыкального общества, а уже в 1863 году оставил службу в Департаменте, чтобы полностью посвятить себя учебе и музыкальной карьере. В этом решении его поддержал отец, за что Чайковский был ему очень благодарен. После окончания обучения Чайковский много путешествовал и работал над своими произведениями. Он сочинял музыку в разных жанрах – оперы, балет, симфонии, фортепианные миниатюры и др. Произведения Петра Ильича Чайковского, которые прославили его по всему миру:

• балет «Лебединое озеро»;
• балет «Спящая красавица»;
• опера «Евгений Онегин»;
• опера «Щелкунчик»;
• опера «Пиковая дама».

Римский-Корсаков Николай Андреевич (06 (18).03.1844 – 08 (21).06.1908)

У Римского-Корсакова очень рано стали проявляться музыкальные способности. В шесть лет его стали обучать игре на фортепиано, а уже в 11 лет он начал сочинять свои первые произведения. Но несмотря на его склонность к музыке, Николая в десятилетнем возрасте отдали на обучение в Морской корпус, который он с отличием закончил в 1862 году. Во время учебы мальчик продолжал заниматься музыкой, и к маю 1862 года была практически закончена первая часть его Первой симфонии. Дальнейшая служба, которая проходила на клипере «Алмаз» (1862-1865 гг.), не давала Римскому-Корсакову серьезно заниматься музыкой. Но это трехгодичное плавание с посещением ряда стран наполнило его впечатлениями, которые впоследствии воплотились в некоторых произведениях. Оставив морскую службу, Николай налаживает прерванный контакт с кружком известного композитора М.А. Балакирева, знакомится с П.И. Чайковским и А.П. Бородиным.

В последующие годы он, продолжая работу над Первой симфонией, пишет такие произведения, как «Увертюра на русские темы», «Сербская фантазия», Вторая симфония и множество романсов. Талант Римского-Корсакова был настолько очевиден, что, несмотря на отсутствие специального образования, его пригласили в Петербургскую консерваторию на должность профессора, а в 1874 году Николай Андреевич становится главой Бесплатной музыкальной школы. Кроме преподавания и написания музыки, он выступал как дирижер симфонических концертов и оперных спектаклей. Римский-Корсаков создал целый ряд произведений, посвященных сказкам. Это оперы «Снегурочка», «Ночь перед Рождеством», «Садко». Последняя его опера «Золотой петушок» была запрещена к показу и была поставлена только спустя год после смерти композитора.

Рахманинов Сергей Васильевич (20.03 (01.04) 1873 – 28.03.1943)

Рахманинов с раннего детства проявлял интерес к музыке. Уже в 4 года он начал обучаться игре на фортепиано (первая учительница – мать композитора). В возрасте 9 лет мальчик поступил в столичную консерваторию (младшее отделение), но через три года родители решили его перевести в Московский пансион. Одновременно Рахманинов поступил в Московскую консерваторию, сразу на 3 курс младшего отделения. Здесь обучение оказалось очень эффективным и плодотворным. В эти годы Рахманинов обретает известность не только как пианист, но и как композитор. Дипломная работа Рахманинова (опера «Алеко») заслужила высокую оценку у П.И. Чайковского. В последующие годы композитор работал преподавателем, дирижером и параллельно писал музыку. Не все было гладко в жизни композитора. В 1897 году у него случился первый серьезный провал, после премьеры Первой симфонии. Это произведение было не понято публикой и получило самые низкие оценки у музыкальных критиков.

В первом десятилетии XX века Рахманинов работает над Вторым и Третьим фортепианными концертами, много путешествует по Европе, гастролирует по Америке и Канаде, выступая перед местной публикой как пианист и дирижер. К сожалению, в связи с революционным движением, которое активно развернулось в России, Рахманинову пришлось покинуть родину. В он зарабатывал, выступая с концертами. Практически до 1926 года он не написал каких-либо серьезных произведений. Затяжной творческий кризис, по-видимому, был связан с сильной тоской по своей стране, которую ему пришлось оставить. И лишь спустя годы в копилке сочинений появились Четвертый концерт и Симфонические танцы.

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (12 (25).11.1906 – 09.08.1975)

Этот композитор советской эпохи с детства был знаком с музыкой. Первой учительницей игры на фортепиано стала его мать. Серьезные намерения посвятить себя именно музыкальной карьере появились у мальчика после просмотра оперы «Сказка о царе Салтане» известного композитора Н.А. Римского-Корсакова. Шостакович с 1919 года приступил к обучению в Петроградской консерватории, которую окончил в 1923 году как пианист, и в 1925 году — как композитор.

Творческий путь Шостаковича нельзя назвать гладким. Периодически он сталкивался с непониманием, а порой и гонением со стороны властей. Но, несмотря на это, он был удостоен множества званий и наград, какими не могут похвастаться другие русские композиторы классической музыки. Это и Герой Социалистического Труда, Народный артист РСФСР, ордена Ленина, Октябрьской Революции, Трудового Красного Знамени и множество других.

Мы рассказали о самых выдающихся русских композиторах классической музыки XIX и XX веков, которые оставили после величайшее культурное наследие.

Послушать что-нибудь из классики – что может быть лучше?! Особенно на выходных, когда хочется расслабиться, забыть о тревогах дня, заботах трудовой недели, помечтать о прекрасном, да и просто поднять себе настроение. Подумать только, классические произведения были созданы гениальными авторами так давно, что и не верится, что что-то может пережить такое количество лет. А эти произведения до сих пор любят и слушают, создают аранжировки и современные интерпретации. Даже в современной обработке, произведения гениальных композиторов остаются классической музыкой. Как признает , классические произведения гениальны, а все гениальное не может быть скучным.

Наверное, все великие композиторы обладают особым слухом, особой чувствительностью к тону и мелодии, что и позволило им создавать музыку, которой наслаждаются десятки поколений не только их соотечественников, но и поклонников классической музыки во всем мире. Если вы еще сомневаетесь, любите ли вы классическую музыку, тогда вам нужно встретиться с , и вы убедитесь, что на самом деле, вы уже давний поклонник прекрасной музыки.

А сегодня мы будем говорить о 10-ке самых известных в мире композиторов.

Иоганн Себастьян Бах

Первое место заслуженно принадлежит . Родился гений в Германии. Талантливейший композитор писал музыку для клавесина и органа. Композитор не создал нового стиля в музыке. Но он смог создать совершенство во всех стилях своего времени. Он является автором более 1000 сочинений. В своих произведениях Бах
соединял разные музыкальные стили, с которыми он знакомился в течение жизни. Часто музыкальный романтизм соединялся со стилем барокко. При жизни Иоганн Бах
как композитор не получил заслуженного признания, интерес к его музыке возник почти 100 лет спустя его смерти. Сегодня его называют одним из самых великих композиторов когда-либо живущих на земле. Его уникальность как человека, педагога и музыканта отражалась в его музыки. Бах
заложил основы музыки Нового и Новейшего времени, разделив историю музыки на добаховскую и послебаховскую. Существует мнение, что музыка Баха
мрачна и угрюма. Его музыка скорее фундаментальна и основательна, сдержанна и сосредоточенна. Как размышления зрелого, умудренного жизнью человека. Творчество Баха
оказало влияние на многих композиторов. Некоторые из них брали пример с его произведений или использовали темы из них. А музыканты всего мира играют музыку Баха
, восхищаясь ее красотой и совершенством. Одно из самых нашумевших произведений – «Брандербургские концерты»
– отличное доказательство того, что музыку Баха
нельзя считать слишком мрачной:

Вольфганг Амадей Моцарт

По праву считается гением. В 4 года он уже свободно играл на скрипке и клавесине, в 6 лет начал сочинять музыку, а в 7 уже умело импровизировал на клавесине, скрипке и органе, состязаясь с известными музыкантами. Уже в 14 лет Моцарт
– признанный композитор, а в 15 лет – член музыкальных академий Болоньи и Вероны. От природы он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Он создал поразительное количество произведений – 23 оперы, 18 сонат, 23 фортепианных концерта, 41 симфонию и многое другое. Композитор не хотел подражать, он пытался создать новую модель, отражающую новую индивидуальность музыки. Не случайно в Германии музыку Моцарта
называют «музыкой души», в своих произведениях композитор проявлял черты своей искренней, любящей натуры. Величайший мелодист особое значение придавал опере. Оперы Моцарта
– эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Моцарт
широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Одно из самых узнаваемых произведений – «Турецкий марш»
:

Людвиг ван Бетховен

Еще один великий немец был важной фигурой романтически-классического периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке. Бетховен
– один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в Европе и перекроивших ее карту. Эти великие перевороты, революции и военные противостояния нашли свое отражение в творчестве композитора, особенно симфоническом. Он воплотил в музыке картины героической борьбы. В бессмертных произведениях Бетховена
вы услышите борьбу за свободу и братство людей, непоколебимую веру в победу света над мраком, а также мечты о свободе и счастье человечества. Один из самых известных и удивительных фактов его жизни – болезнь ушей переросла в полную глухоту, но несмотря на это композитор продолжал писать музыку. Он также считался одним из лучших пианистов. Музыка Бетховена
удивительно проста и доступна пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются поколения, и даже эпохи, а музыка Бетховена
по-прежнему волнует и радует сердца людей. Одна из его лучших работ – «Лунная соната»
:

Ричард Вагнер

С именем великого Ричарда Вагнера
чаще всего связывают его шедевры «Свадебный хор»
или «Полет валькирий»
. Но он известен не только как композитор, но и как философ. Вагнер
рассматривал свои музыкальные произведения как способ выражения определенной философской концепции. С Вагнера
началась новая музыкальная эпоха опер. Композитор старался приблизить оперу к жизни, музыка для него – только средство. Ричард Вагнер
– создатель музыкальной драмы, реформатор опер и искусства дирижирования, новатор гармонического и мелодического языка музыки, создатель новых форм музыкальной выразительности. Вагнер
– автор самой длинной в мире сольной арии (14 минут 46 секунд) и самой длинной в мире классической оперы (5 часов и 15 минут). При жизни Ричард Вагнер
считался противоречивым человеком, которого или обожали, или ненавидели. А зачастую и то, и другое вместе. Мистический символизм и антисемитизм сделали его любимым композитором Гитлера, но закрыли дорогу для его музыки в Израиль. Однако ни сторонники, ни противники композитора не отрицают его величия как композитора. С первых же нот замечательная музыка Ричарда Вагнера
поглощает тебя без остатка, не оставляя места для споров и разногласий:

Франц Шуберт

Австрийский композитор – музыкальный гений, один из лучших песенных композиторов. Ему было всего 17, когда он написал свою первую песню. За один день он мог написать 8 песен. За свою творческую жизнь он создал более 600 композиций, на стихи более 100 великих поэтов, в том числе Гёте, Шиллера и Шекспира. Поэтому Франц Шуберт
в 10-ке лучших. Хотя творчество Шуберта
весьма многообразно, по использованию жанров, идей и перевоплощений, преобладающим и определяющим в его музыке является вокально-песенная лирика. До Шуберта
песня считалась незначительным жанром, и именно он возвел ее в степень художественного совершенства. Более того, он соединил, казалось бы, не соединяемое, песню и камерно-симфоническую музыку, что дало начало новому направлению лирико-романтической симфонии. Вокально-песенная лирика – это мир простых и глубоких, тончайших и даже интимных человеческих переживаний, выраженный не словом, а звуком. Франц Шуберт
прожил очень короткую жизнь, всего 31 год. Судьба произведений композитора не менее трагична, чем его жизнь. После смерти Шуберта
осталось множество неизданных рукописей, хранившихся в книжных шкафах и ящиках родственников и друзей. Даже самые близкие люди не знали всего, что он написал, и на протяжении долгих лет его признавали в основном лишь как короля песни. Некоторые произведения композитора вышли в свет лишь через полвека после его кончины. Одно из самых любимых и известных произведений Франца Шуберта
– «Вечерняя серенада»
:

Роберт Шуман

С не менее трагичной судьбой немецкий композитор – один из лучших композиторов романтической эры. Он создавал удивительную по красоте музыку. Чтобы получить представление о немецком романтизме XIX века, достаточно послушать «Карнавал»
Роберта Шумана
. Он смог вырваться из музыкальных традиций классической эры, создав свою интерпретацию романтического стиля. Роберт Шуман
был одарен многими талантами, и даже долгое время не мог определиться между музыкой, поэзией, публицистикой и филологией (он был полиглотом и свободно переводил с английского, французского и итальянского). Он также был потрясающим пианистом. И все же главным призванием и страстью Шумана
была музыка. В его поэтичной и глубоко-психологичной музыке музыке во многом отражается двойственность натуры композитора, порыв страсти и уход в мир грез, осознание пошлой действительности и стремление к идеалу. Один из шедевров Роберта Шумана
, который просто обязан услышать каждый:

Фредерик Шопен

Пожалуй, самый знаменитый поляк в мире музыке. Ни до, ни после композитора не рождался музыкальный гений такого уровня в Польше. Поляки невероятно гордятся своим великим соотечественником, да и в своем творчестве клмпозитор не раз воспевает родину, восхищается красотой пейзажей, сокрушается о трагическом прошлом, мечтает о великом будущем. Фредерик Шопен
– один из немногих композиторов, который писал музыку исключительно для фортепиано. В его творческом наследии нет ни опер, ни симфоний, а вот фортепианные пьесы представлены во всем многообразии. Его произведения – основа репертуара многих известных пианистов. Фредерик Шопен
– польский композитор, который также известен как талантливый пианист. Он прожил всего 39 лет, но успел создать немало шедевров: баллады, прелюдии, вальсы, мазурки, ноктюрны, полонезы, этюды, сонаты и многое-многое другое. Одно из них – «Баллада №1, соль минор»
.

Ференц Лист

Является одним из величайших композиторов мира. Он прожил относительно долгую и удивительно насыщенную жизнь, познал нищету и богатство, встретил любовь и столкнулся с презрением. Кроме таланта от рождения он обладал фантастической работоспособностью. Ференц Лист
заслужил не только восхищение знатоков и поклонников музыки. И как композитор, и как пианист он получил всеобщее одобрение европейских критиков XIX столетия. Он создал более 1300 произведений и подобно Фредерику Шопену
отдавал предпочтение произведениям для фортепиано. Блестящий пианист, Ференц Лист
умел воспроизводить на рояле звучание целого оркестра, мастерски импровизировал, обладал фантастической памятью музыкальных композиций, ему не было равных в чтении нот с листа. У него был патетический стиль исполнения, что также отразилось на его музыке, эмоционально-страстной и героически-приподнятой, создающей красочные музыкальные картины и производящие неизгладимое впечатление на слушателей. Визитной карточкой композитора являются концерты для фортепиано. Одно из таких произведений . А одно из наиболее известных произведений Листа
– «Грезы любви»
:

Иоганнес Брамс

Значительной фигурой романтического периода в музыке является Иоганнес Брамс
. Слушать и любить музыку Брамса
считается хорошим вкусом и характерным признаком романтичной натуры. Брамс
не написал ни одной оперы, однако он создал произведения во всех других жанрах. Особенную славу Брамсу
принесли его симфонии. Уже в первых произведениях проявляется самобытность композитора, которая со временем преобразилась в собственный стиль. Если рассмотреть все произведения Брамса
, нельзя сказать, что на композитора сильно оказывало влияние творчество его предшественников или современников. А по масштабу творчества Брамса
часто сравнивают с Бахом
и Бетховеном
. Наверное, это сравнение оправдано в том смысле, что творчество трех великих немцев представляют собой кульминацию целой эпохи в истории музыки. В отличие от Ференца Листа
жизнь Иоганнеса Брамса
была лишена бурных событий. Он предпочитал спокойное творчество, при жизни заслужил признание своего таланта и всеобщее уважение, а также был удостоен немалых почестей. Самой выдающейся музыкой, в которой творческая сила Брамса
сказалась особенно ярко и оригинально, является его «Немецкий реквием»
, произведение, которое автор создавал целых 10 лет и посвятил своей матери. В своей музыке Брамс
воспевает вечные ценности человеческой жизни, которые заключаются в красоте природы, искусстве великих талантов прошлого, культуре своей родины.

Джузеппе Верди

Какая десятка лучших композиторов без ?! Итальянский композитор известен прежде всего своими операми. Он стал национальной славой Италии, его творчество является кульминацией развития итальянской оперы. Его достижения и заслуги как композитора нельзя переоценить. Его произведения до сих пор, спустя столетие после смерти автора, остаются наиболее популярными, повсеместно исполняемыми, известными как знатокам, так и любителям классической музыки.

Для Верди
самым главным в опере стала драма. В созданных композитором музыкальных образах Риголетто, Аиды, Виолетты, Дездемоны органично сочетаются яркий мелодизм и глубина героев, демократичность и изысканность музыкальных характеристик, неистовые страсти и светлые мечты. Верди
был настоящим психологом в понимании человеческих страстей. Его музыка – это благородство и мощь, удивительная красота и гармония, невыразимо красивые мелодии, прекрасные арии и дуэты. Страсти кипят, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе. Сюжеты опер, по признанию самого Верди
, должны быть «оригинальными, интересными и… страстными, при этом страсти превыше всего остального». И большинство его работ серьезны и трагичны, демонстрируют эмоциональные драматические ситуации, и музыка великого Верди
придает выразительность происходящему и подчеркивает акценты ситуации. Вобрав все лучшее, что было достигнуто итальянской оперной школой, он не отрицал оперных традиций, а реформировал итальянскую оперу, наполнил ее реализмом, придал ей единство целого. При этом не заявлял о своей реформе, не писал статей об этом, а просто писал оперы по-новому. Триумфальное шествие одного из шедевров Верди
– оперы – пронеслось по итальянским сценам и продолжилось в Европе, а также в России и Америке, заставив даже скептиков признать талант великого композитора.

10-ка самых известных композиторов в мире
обновлено: Апрель 13, 2019
автором: Елена

Одно из главных направлений искусства, остающееся чудом современного мира, способное влиять на эмоциональное состояние и настроение человека — музыка. Она пришла к нам через века и начала свое формирование в период создания классических произведений. Именно композиторы того времени дали толчок к ее развитию и стали основоположниками разнообразных форм и видов произведений классического направления:

• Либретто.
• Симфония.
• Опера.
• Увертюра.

Именно к этим композиторам пришло умение выразить чувства посредством нот. Их музыка позволяет современному человеку погрузиться в мир эмоций людей, живших столетия назад. Она учит не только слушать мелодию и звуки, но и представлять, визуализировать возникающие образы, без чего невозможно развитие личности. Не все они получили признание при жизни, но среди потомков их творчество было востребовано, что продолжается и в наши дни. Произведения становятся бессмертными и переходят от поколения к поколению, заставляя задуматься о вечном и проникнуться эмоциями того времени.

Купить произведения композиторов классической музыки на CD

Классическая музыка рождалась столетиями и сравнивать ее создателей из разных веков не совсем корректно, но все же выделяются самые яркие и талантливые представители, которые превзошли в своем мастерстве современников. С их творений можно начать свое знакомство с фундаментальным направлением. Большое количество композиторов классической музыки включены в список основоположников и ярких выразителей. Это и зарубежные и отечественные представители.

В нашем каталоге собран наиболее полный список известных творцов со всеми их произведениями, которые можно купить на CD. Ассортимент интернет-магазина может удовлетворить спрос и тех, кто хочет познакомиться глубже с композиторами классической музыки, или уже имеет любимых сочинителей, чьи имена не столь знакомы широкому кругу людей. Алфавитный указатель позволит найти фамилии менее именитых авторов. В каталоге компании «CD в подарок» найдут нужные произведения самые изысканные меломаны — приверженцы классического направления.

Людвиг Ван Бетховен

Людвиг ван Бетховен
— Величайший композитор начала 19 века. Реквием и Лунная соната сразу узнаваема любым человеком. Бессмертные произведения композитора всегда были и будут популярны из-за неповторимого стиля Бетховена.

— Германский композитор 18-го века. Без сомнения основоположник современной музыки. Его произведения основывались на многогранности созвучий различных инструментов. Он создал ритм музыки, по этому его произведения легко поддаются современной инструментальной обработке.

— Самый популярный и понятный Австрийский композитор конца 18-го века. Все его произведения просты и гениальны. Они очень мелодичны и приятны. Маленькая серенада, гроза и многие другие композиции в рок обработке будут стоять на особенном месте в вашей коллекции.

— Австрийский композитор конца 18-го, начала 19-го века. Истинно классический композитор. Скрипка для Гайдна была на особенном месте. Практически во всех произведениях композитора она солирует. Очень красивая и завораживающая музыка.

— Итальянский композитор первой половины 18-го века №1. Национальный темперамент и новый подход к аранжировке буквально взорвал Европу в середине 18 века. Симфонии «Времена года» являются визитной карточкой композитора.

— Польский композитор 19-го века. По некоторым сведениям родоначальник совмещённого жанра концертной и народной музыки. Его полонезы и мазурки плавно сочетаются с оркестровой музыкой. Единственным минусом в творчестве композитора считали слишком мягкий стиль (отсутствие сильных и зажигательных мотивов).

— Немецкий композитор конца 19-го века. О нем отзывались как о великом романтике своего времени, а его «Немецкий реквием» затмил своей популярностью другие произведения современников. Стиль в музыке Брамса качественно отличается от стилей других классиков.

— Австрийский композитор начала 19-го века. Один из непризнанных при жизни величайших композиторов. Очень ранняя смерть в 31 год не дала полностью развить потенциал Шуберта. Написанные им песни были основным источником дохода, когда величайшие симфонии пылились на полках. Только после смерти композитора произведения были высоко оценены критиками.

— Австрийский композитор конца 19-го века. Родоначальник вальсов и маршей. Мы говорим Штраус — подразумеваем вальс, мы говорим вальс — подразумеваем Штраус. Иоганн младший вырос в семье отца — композитора. Штраус старший относился к произведениям сына с пренебрежением. Он считал, что сын занимается ерундой и по этому всячески его унижал в свете. Но Иоганн младший с упорством продолжал заниматься любимым делом, а революция и написанный Штраусом марш в её честь, доказали гениальность сына в глазах Европейского высшего общества.

— Один из величайших композиторов 19-го века. Мэтр оперного искусства. «Аида» и «Отелло» Верди чрезвычайно популярны и сегодня благодаря истинному таланту итальянского композитора. Трагическая потеря семьи в 27 лет подкосила композитора, но он не стал опускать руки и углубился в творчество, написав сразу несколько опер за короткий срок. Высшее общество высоко оценило талант Верди и его оперы ставились в самых престижных театрах Европы.

— Ещё в 18 летнем возрасте этот талантливый итальянский композитор написал несколько опер, которые стали очень популярными. Венцом его творения стала переработанная пьеса «Севильский цирюльник». После представления её публике Джоакино буквально носили на руках. Успех был опьяняющим. После этого Россини стал желанным гостем в высшем свете и приобрёл солидную репутацию.

— Немецкий композитор начала 18 века. Один из основоположников оперного искусства и инструментальной музыки. Помимо написания опер Гендель писал музыку и для «народа», которая была очень популярна в те времена. Сотни песен и танцевальных мелодий композитора гремели на улицах и площадях в те далёкие времена.

— Польский князь и композитор — самоучка. Не имея никакого музыкального образования стал знаменитым композитором. Его знаменитый полонез известен по всему миру. Во времена композитора в Польше происходила революция, и написанные им марши становились гимнами восставших.

— Еврейский композитор, родившийся в Германии. Его свадебный марш и «Сон в летнюю ночь» популярны не одну сотню лет. Написаные им симфонии и сочинения с успехом воспринимают по всему миру.

— Немецкий композитор 19 века. Его мистически — антисемитскую идею превосходства расы «Ариев» над другими расами взяли на вооружение фашисты. Музыка Вагнера сильно отличается от музыки его предшественников. Она направлена прежде всего на соединение человека и природы с примесью мистицизма. Его известнейшие оперы «Кольца нибелунгов» и «Тристан и Изольда» — подтверждают революционный дух композитора.

— Французский композитор середины 19 века. Создатель «Кармен». С рождения был гениальным ребёнком и в 10 лет уже поступил в консерваторию. За недолгую жизнь (умер не дожив до 37 лет) написал десятки опер и оперетт, различных оркестровых произведений и од-симфоний.

— Норвежский композитор — лирик. Его произведения просто насыщены мелодичностью. За свою жизнь он написал большое количество песен, романсов, сюит и этюдов. Его композиция «Пещера горного короля» очень часто используется в кино и современной эстраде.

— Американский композитор начала 20 века — автор «Рапсодии в блюзовых тонах», которая особенно популярна и по сегодняшний день. В 26 лет он уже был первым композитором Бродвея. Популярность Гершвина очень быстро разлетелась по всей Америке, благодаря многочисленным песням и популярным шоу.

— Русский композитор. Его опера «Борис Годунов» является визитной карточкой многих театров мира. Композитор в своих произведениях опирался на народный фольклор, считая народную музыку — музыкой души. «Ночь на Лысой горе» Модеста Петровича входит в десятку самых популярных симфонических зарисовок в мире.

Самым популярным и величайшим композитором России конечно является . «Лебединое озеро» и «Спящая красавица», «Славянский марш» и «Щелкунчик», «Евгений Онегин» и «Пиковая дама». Эти и ещё многие шедевры музыкального искусства были созданы нашим Русским композитором. Чайковский — гордость России. Во всём мире знают «Балалайка», «Матрёшка», «Чайковский»…

— Советский композитор. Любимец Сталина. Оперу «Повесть о настоящем человеке» настоятельно рекомендовал послушать Михаил Задорнов. Но в основном у Сергея Сергеича серьёзные и глубокие работы. «Война и Мир», «Золушка», «Ромео и Джульетта», очень много гениальных симфоний и произведений для оркестра.

— Русский композитор, который создал свой неподражаемый стиль в музыке. Он был глубоко верующим человеком и особенное место в его творчестве отдавалось написанию религиозной музыки. Рахманинов так-же написал много концертной музыки и несколько симфоний. Последняя его работа «Симфонические танцы» признана самым великим произведением композитора.

Русские женщины-композиторы XIX века Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 78

РУССКИЕ ЖЕНЩИНЫ-КОМПОЗИТОРЫ XIX ВЕКА

© 2010 С.В.Иванова Московская государственная консерватория им. П.И.Чайковского

Статья поступила в редакцию 09.06.2010

Статья посвящена обзору женского композиторского творчества в русской музыкальной культуре XIX века. В центре внимания — русские женщины-композиторы — авторы вокальной и оперной музыки.

Ключевые слова: русские женщины-композиторы, сочинители — просвещённые дилетанты, «композиторы-исполнители», вокальная музыка женщин-композиторов, оперная музыка женщин-композиторов.

В настоящее время женское композиторское творчество России XIX века периода является одной из малоизученных проблем отечественного музыкознания. До недавнего времени историки не проявляли интереса к данной теме, незаслуженно обходя вниманием достижения русских сочинительниц, в то время как последние играли заметную роль в музыкальной культуре того времени. Дамы, обратившись к искусству композиции, осваивали различные музыкальные жанры, писали романсы, инструментальные пьесы, оркестровые сочинения и даже оперы. Женская музыка звучала как в домашних концертах, так и на профессиональных концертных площадках, а издатели печатали опусы женщин-авторов. К тому же некоторые из этих композиторов занимались культурно-просветительской деятельностью, некоторые — внесли вклад в развитие музыковедения.

Тем не менее, о русских женщинах-ком-позиторах известно немного. В условиях отсутствия какой-то ни было информации, одним из немногих исследовательских методов является реконструкция картины женского композиторского творчества на основании сохранившихся нотных сборников или учётных записей издателей музыки. Неожиданным источником информации о некоторых русских сочинительницах стали фундаментальные труды, посвящённые творчеству Пушкина: женщины-авторы часто обращались к поэзии своих великих современников, что нашло отражение в лично-именных указателях и разделах о пуб-

данных ими произведениях и публикациях музыки. К сожалению, имена и отчества некоторых упомянутых Коэном сочинительниц не известны, и требуется ещё большая поисковая работа исследователей для уточнения этих данных. С помощью изложенных в источниках фактов мы можем познакомиться с некоторыми подробностями биографий женщин-творцов XIX века, их музыкальным наследием, а также затронуть проблему типологии музыкального профессионализма сочинительниц данного исторического периода. Известно около 25 имен женщин-компо-зиторов в России XIX. В большинстве своём, они относились к типу сочиняющих исполнителей — пианисток, певиц, скрипачек. Приоритетным направлением их творчества была камерная музыка, что обусловливалось традициями домашнего музицирования и уровнем сочинительского профессионализма авторов.

К первым русским женщинам-композиторам причисляют Ольгу Васильевну Смирнитскую (р. 1837). Она писала романсы на стихи Лермонтова, Пушкина, Фета. Например, известно, что в 1856 году в Петербурге М.Бернардом был издан её романс ор. 9 «Если жизнь тебя обманет»» на стихи Пушкина3. К концу 50-х годов Смирнитская была уже автором нескольких опубликованных романсов, и некоторые из них сопровождались посвящениями великим европейским знаменитостям. Показательно, что спустя почти полвека после смерти Ольги Васильевны Смирнитской её произведения все еще включалось в модные сборники

ликациях положенных на музыку стихотворении этих романсов, что свидетельствует о популярности музыки

поэтов . Многие сведения по данному вопросу были опубликованы в «Интернациональной энциклопедии женщин-компози-торов» Аарона Коэна2. Исследователь приводит данные по 20 женщинам-композиторам из России, причём, в основном, это информация о соз-

Иванова Светлана Вячеславовна, кандидат искусствоведения, член редколлегии научно-теорети-ческого и крити-ко-публицистического журнала «Музыкальная Академия». Преподаватель Академического музыкального колледжа при Московской государственной консерватории. E-mail: [email protected] ru

1 Межов В.И. Puschkiniana. — СПб.: 1886; Именной указатель: Летопись жизни и творчества Тютчева. Кн.2. 2003.

2 Cohen A.I. International Encyclopedia of Women Composers. -New York, 1987.

композитора.

Софья Александровна Зыбина (урожд. Алединская) (ум. 1897) была хорошо известна в великосветских кругах середины XIX века как одарённая певица, пианистка и незаурядная сочинительница романсов. Она брала уроки музыки у М.И.Глинки5. В доме С.А.Зыбиной в Петербурге бывали видные деятели культуры того времени, среди которых были Ф.И.Тютчев, А.Н.Апухтин, А.Н.Яхонтов, Ф.Лист и

3 Межов В.И., Указ. соч. — С. 272.

4 Подробнее о ней см.: Айгнер Т. Иоганн Штраус — Ольга Смирнитская. 100 писем о любви. — М.: 2005.

5«Усадьба Остен-Сакена — Наследие Земли Псковской». URL: http://www. culture.pskov.ru / ru/objects / object/284 (дата обращения: 3.12.2009).

о

великий князь Константин Романов. В Петербурге М.Бернард издал два сборника романсов С.А.Зыбиной — в 1861 и 1862 годах6. Имеются сведения, подтверждающие музыкально-твор-ческую деятельность дочери С.А.Зыбиной — Екатерины Кирилловны Зыбиной (в замужестве Остен-Сакен) (1845 -1923). Известно, что Е.К.Зыбина со своими сочинениями выступала в Петербурге в музыкальной гостиной Елены Карловны Богдановой7. В 1880 году в Петербурге в типографии Ф.Т.Стелловского вышел в свет сборник романсов и песен сочинительницы8.

В.Данилевская также писала вокальную музыку. Её песни были напечатаны Юргенсоном, а 22 романса опубликовал издатель Соколов9. Также Юргенсоном были изданы сочинения А. Чертковой (собрание из 30-ти песен) и 6 песен М.Воронцовой10. этого, известно о публикациях вокальных сочинений и других русских женщин-композиторов — Надежды Фёдоровны Сам-соновой, Ольги Христофоровны Агреневой-Сла-вянской, Эмилии Дельвиг, Софьи Тернер (урожд. Фольборт), Ольги фон Радеки, А.Безобразовой, О.Домашневой, М.Вохиной и А.Толстой11.

Русские сочинительницы также часто обращались к жанру фортепианной музыки. Мария Павловна, дочь царя Павла I, герцогиня Веймарская (1786-1859) известна как пианистка и композитор. Она училась игре на рояле у Листа и сочиняла пьесы для фортепиано. Лист даже использовал одну из её тем для своего произведения «Утешение»12.

Среди других авторов фортепианной музыки — Мария Дюпор, А.Горянова, Елизавета Адамович, Елизавета Якубович13.

Одним из редких примеров обращения русских сочинительниц к жанру оркестровой музыки стало произведение Феодосии Чичериной. Её большой праздничный марш для большого оркестра был сыгран на 25-ой годовщине коронации царя Александра II. Это сочинение было издано в Лейпциге Ф.Кистнером14.

Более разноплановым было музыкальное творчество великой княгини Александры Иосифовны Романовой (урожд. Александра Фридерика Генриетта Паулина Марианна Элизабет) (1830, Альтенбург — 1911, Санкт-Петербург), жены великого князя Константина Николаевича Романова. Она сочиняла оркестровые пьесы, фортепианные произведения (в том числе, «Болеро» в 4 руки, «Дефиле-марш» в 4 руки, ноктюрн, марш для кавалеристов королевской прусской армии № 73), церковную и духовную музыку (например, псалмы для солистов, смешанного хора и оркестра).

6 Межов В.И, Указ.соч. — С. 275, 276.

7 Чагин Г.В. Женщины в жизни и поэзии Ф.И.Тютчева. URL: http://www.tyutchev.ru/t18.html (17.11.2009).

8 Межов В.И. — С. 291.

9 Cohen A. I., Указ.соч. — Р. 120.

10 Там же. — Р. 98 — 99, 486.

11 Межов В.И. Указ.соч. — С. 300, 271, 282, 269, 270, 278; Cohen A.I., Указ.соч. — Р. 376, 431.

12 Cohen A.I., Указ.соч. — Р. 300.

13 Там же. — Р. 139, 190, 4, 511.

14 Там же. — Р. 468.

Многие произведения композитора были изданы при

15

её жизни .

Жена Н.А.Римского-Корсакова, Надежда Николаевна Римская-Корсакова (урожд. Пургольд) (1848, Петербург — 1919, Петроград) была одной из первых русских женщин, получивших профессиональное музыкальное образование. С середины 1860-х годов Надежда Николаевна в качестве вольнослушательницы занималась в Петербургской консерватории. Не став значительным композитором, она, тем не менее, активно участвовала в культурной жизни Петербурга — играла в домашних концертах, которые являлись важными очагами русского музыкального искусства XIX века, многое сделала для становления актуального жанра 416

ручных переложений.

Несмотря на то, что занятия композицией большинства русских дам носили любительский характер, некоторые из них обращались к крупным формам, писали оперы. Одной из самых известных в аристократических кругах и примечательных из русских женщин-музыкантов начала XIX века была княгиня Зинаида Александровна Волконская (1792, Турин — 1862, Рим) -певица и композитор, с именем которой связано создание первой русской оперы женщины-композитора. В 1821 году она в содружестве со скульптором С.И.Гальбергом перевела с немецкого на итальянский язык пьесу Шиллера «Жанна д’Арк». Потом на основе пьесы Шиллера Волконская составила и издала в Риме либретто для своей одноимённой оперы. Составитель «Библиографического словаря русских писательниц» Н.Н.Голицын сообщает, что это либретто этой оперы было издано в Риме в августе 1821 года17.

По некоторым сведениям, премьера оперы, написанной в жанре музыкальной драмы, состоялась в 1821 году в Италии, в домашнем театре на вилле Волконской и сама композитор выступила в роли Жанны. Также, предположительно, «Жанна д’Арк» в том же году была исполнена в Париже. Исследователи творчества Волконской также предполагают, что эта опера могла быть поставлена и в московском салоне на Тверской улице в период между 1824 — 1829 годами18. Безусловно, опера Зинаиды Волконской «Жанна д’Арк» представляет собой первое знаменательное явление в истории женского композиторского творчества в Рос-

19

сии .

Композитор, пианистка и этномузыковед Элла (Елизавета) Шульц (псевд. Адаевская) (1848, Петербург -1926, Бонн) училась в Петербургской консерва-

15 Там же. — Р. 8.

16 Подробнее о ней см.: Соловьёв В.Г. Надежда Римская-Корсакова (Пургольд) и её музыкальный мир // Альбом пьес для фортепиано в 4 руки. — СПб.: 2001. — С. 60.

17 Голицын Н.Н. Библиографический словарь русских писательниц. Типогр. В.С.Балашева. — СПб.: 1889. — С. 56 — 59.

18 Блинова Е.В. «Жанна д’Арк» З.А.Волконской: Страницы истории оперы // Метафизика музыки и музыка метафизики: Сб. статей / Под ред. Т.А.Апикян и К.С.Пигрова. — СПб.: 2007. — С. 111 — 121.

19 Подробнее о ней и её творчестве см.: Гаррис М.А. Зинаида Волконская и её время. — М.: 1916.

тории фортепиано у Хенселота и Рубинштейна, композиции — у Зарембы и Фомина. С 1882 года Адаевская жила в Венеции, а в 1909 году она переехала в Германию, где продолжала музыкальную деятельность до самой смерти. В её композиторском творчестве представлены различные жанры. В 1870-х годах Адаевская сочинила несколько хоров для придворной капеллы. В 1873 году она написала комическую оперу «Непригожая или Соломонида Сабурова» («Дочь боярина»), которая не ставилась, а её либретто было издано в 1873 году. В 1881 году появилась опера «Заря свободы» в 4-х актах (1881), посвящённая царю Александру II. К сожалению, сочинение было запрещено цензурой к постановке из-за имеющейся в нём сцены крестьянского восстания.

На протяжении всей жизни Адаевская писала и фортепианную музыку: она сочинила 24 прелюдии, отдельные пьесы, арию рококо, которая была опубликована издательством Тишер & Ягенберг. Среди вокальных произведений композитора — хоралы, песни, 24 прелюдии для голоса с фортепиано на стихи Бено Гайгера, изданные в 1912 году в Лейпциге Кантом. Одно из новаторских камерных сочинений Адаевской возникло под влиянием изучаемой ею музыки древней Греции и славянского народного музыкального фольклора: в 1881 она написала «Греческую сонату» для

кларнета и фортепиано, в которой использовала чет-

20

вертитоновые интервалы .

3 февраля 1882 года в Петербурге в зале Демута состоялась премьера оперы М.Вохиной «Ундина» в 2-х действиях (автор либретто В.С.Лихачёв по одноимённой повести Ф. де ла Мотт-Фуке). Постановка была осуществлена силами участников Санкт-Петербургского музыкально-драматического кружка. Либретто оперы было издано в Петербурге типографией М.Эт-тингера в 1881 году21.

Безусловно, самой яркой фигурой в истории женского композиторского творчества в России является Валентина Семёновна Серова (урожд. Бергманн) (1846, Москва — 1924, там же)22. В 1862 году Русское музыкальное общество направило Серову учиться в Петербургскую консерваторию в качестве своей стипендиатки, и там она была определена в класс к А.Г.Рубинштейну. Однако через год Валентина Семёновна вышла замуж за музыкального критика, педагога и композитора Александра Николаевича Серова и бросила учёбу. Основное направление её музыкального творчества — это оперная музыка. Она написала 5 (!) опер: «Уриэль Акоста» (по драме К.Гуцкова в перево-

20 Подробнее о ней см.: Hüsken R. Ella Adaïewsky (1846-1926). Pianistin — Komponistin — Musikwissenschaftlerin. Köln: Dohr, 2005; Cohen A. I, Указ.соч. — Р. 4.

21 Бернандт Г. Словарь опер, впервые поставленных или изданных в дореволюционной России и в СССР (1736 — 1959). -М.: 1962. — С. 313.

22 Важным источником информации о жизни В.С.Серовой является статья Зильберштейн И.С., Самков В.А. Валентина Семёновна Серова. Её музыкальная, литературная и общественная деятельность // Серова В.С. Как рос мой сын / Сост. И.С.Зильберштейн. — Л.: 1968. — С. 15 — 50.

де П.Вейнберга), «Илья Муромец» (по собственному либретто), «Мария д’Орваль» (по собственному либретто), «Мироед» (по повести А.Потехина «Хай-девка»), «Встрепенулись» (по собственному либретто о революционных событиях в деревне). Знаковым событием в истории женского композиторского творчества в России стала премьера 15 апреля 1885 года в Москве в Большом театре её оперы «Уриэль Акоста» в 5 действиях. Авторы либретто — Серова и П.И.Бламберг по одноимённой драме К.Гуцкова. Позже опера с успехом прошла в Киеве, менее успешно -в Петербурге. Суждения критиков и композиторов-современников оказались не очень лестными для В.С.Серовой, хотя они и отмечали музыкальную одарённость автора. В 1883 году в Петербурге было издано либретто оперы, а клавир «Уриэля» вышел только в 1892 году, — его выпустило издательство А.Б.Гут-

~ 23

хейля .

Позже на сцене Московской частной русской оперы Саввы Мамонтова осуществилась постановка новой работы Серовой — «Илья Муромец». Однако спектакль освистали. Остальные оперы Серовой не имели широкого успеха и не появились на больших сценах24. Возможно, что бурная общественная деятельность этой женщины помешала ей достичь профессиональных высот на композиторском поприще. Например, вместе с мужем она создала журнала «Музыка и театр», в котором супруги публиковали свои теоретические работы. Позже Серова увлеклась благотворительностью и идеей пропаганды музыкального искусства в деревне. Этой почти фантастической деятельностью Валентина Семёновна занималась на протяжении 30

25

лет своей жизни .

Только спустя почти 30 лет после премьеры «Ури-эль Акоста» в России вновь была поставлена опера женщины-композитора. 13 апреля 1912 года в Петербурге в Мариинском театре состоялась премьера оперы «Призрак» М.А.Дани-левской (р. 1847). Либретто написано самой Данилевской по поэме А.Н.Апухтина «Год в монастыре» и было издано в 1912 году типографией Главного управления уделов Санкт-

Петербурга26.

В 1900-е годы в Санкт-Петербурге издательство Г.Шмидта выпустило литографию клавира детской оперы Лидии Михайловны Фетисовой «Волшебный сон» (или «Ангел-хранитель»), состоявшей из 3-х картин с прологом. Фетисова выступила и в роли либрет-тиста27. Две другие детские оперы женщин-авторов появились спустя 10 лет. В 1912 году в Петербурге издателем Г.Шмидтом были сделаны литографии клавиров опер композитора А.С.Логиновой «Весенний сад» и «Мышка-белянка». Обе — в одном действии и на тексты Логиновой28.

Таким образом, очевидно, что становление традиции любительского музицирования в России XIX века явилось важным стимулом для развития женского музыкального творчества. В недрах светских музыкальных кружков постепенно сформировался тип свободного артиста-аристократа, то есть музыканта (исполнителя, композитора), занимающегося музыкой на

профессиональном уровне своего времени, но лишь ради собственного удовольствия. Этот период связан с появлением типа сочинителей — просвещённых дилетантов, как мужчин, так и женщин, а также самого статуса композитора. Именно в этом смысле долгое время в России использовалось слово «дилетант»: ведь дилетанты времен Глинки нередко были в исполнительстве профессионалами, но они не выступали в публичных концертах (им «не пристало»), хотя играли в салонах в дворянско-княжеской среде совместно с себе равными. Исходя из сохранившихся документов, а также из исторических свидетельств, можно утверждать, что женщины-композиторы принимали

активное участие в культурной жизни России XIX века, и их роль в становлении профессионального музыкального искусства весьма значительна. Эти обстоятельства открывают новые горизонты исследований перед историками русской музыки.

23Бернардт Г. Указ.соч. — С. 314.

24 Там же. — С. 24.

25 Подробнее об этом см.: Клеянкин А. Свет людям. Документальный очерк о просветительской деятельности В.С.Серовой среди крестьян села Судосево. — Саранск: 1968.

26Бернардт Г. Указ.соч. — С. 234.

27 Там же. — С. 62.

28 Там же. — С. 55, 190.

RUSSIAN WOMEN-COMPOSERS OF THE 19th CENTURY © 2010 S.V.Ivanova

Moscow P.I.Tchaikovsky Conservatory

The article surveys female composing in Russian musical culture of the 19th century. The article is focused on Russian women composers, the authors of vocal and opera music.

Key words: Russian women composers, Enlightenment amateurs as composers, performing composers, vocal music of women-composers, opera music of women-composers.

Ivanova Svetlana Viacheslavovna, Candidate of Arts, associate editor of «Musical Academy» scientific and critical journal, teacher of Moscow State Conservatoire’s Academic College. E-mail: [email protected] ru

Русская музыка — история и великие русские композиторы

История русской музыки

Зарождение музыки на Руси

С принятием христианства появляется богослужебное пение. Церковь издавала специальные рукописные книги с песнями и гимнами в честь отечественных святых. Наряду с церковным существовало и светское песнопение. Торжественные государственные церемония великосветские обряды не проходили без участия музыкантов. Фанфарами встречали князей и его дружину из военных походов. При многих княжеских дворах были и профессиональные музыканты. Пиршества князей со своей дружиной, сопровождались песнями, плясками, игрой на музыкальных инструментах. В «Повести временных лет» упоминаются скоморохи, игравшие на трубах, гуслях, сопелках и бубнах. Скоморохи были первыми древнерусскими актерами, соединившими в себе музыканта, плясуна, сказителя, лицедея, акробата.

Русская классическая музыка

Расцвет русской музыкальной классики приходится на первую половину XIX в. И связан с именем Михаила Ивановича Глинки (1804–1857), вошедшего в историю как первый русский композитор мирового значения. Глинка считается основателем русской классической музыки. Его оперы «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» во многом определили дальнейшее развитие русской оперной музыки. Отличительной чертой творческого подхода композитора было использование мотивов русского фольклора, народной музыки. Подробнее…

Традиции Глинки развили в своем творчестве такие композиторы как Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков. Очень часто в своем творчестве композиторы обращались к сюжетам русской истории и фольклора: «Борис Годунов», «Хованщина» Мусоргского; «Князь Игорь» Бородина; «Снегурочка», «Псковитянка», «Золотой петушок» Римского-Корсакова.

Величайшим композитором в истории русской и мировой музыки был Петр Ильич Чайковский – создатель высочайших образцов опер («Евгений Онегин» 1878 г., «Мазепа» 1883 г., «Пиковая дама» 1890 г., «Иоланта» 1891 г.), балетов («Лебединое озеро» 1876 г., «Спящая красавица» 1889 г., «Щелкунчик» 1892 г.), симфонических и камерных произведений. Подробнее…

На рубеже веков русская музыка была обогащена творчеством новых талантливых композиторов и исполнителей. Автором монументальных симфонических произведений и балетов был А. Н. Глазунов. Одним из основателей современного музыкального языка, современной симфонической музыки считается композитор и пианист А. Н. Скрябин. Неповторимым своеобразием и оригинальностью отличались музыка и исполнительское мастерство С. В. Рахманинова, выдающегося композитора, пианиста и дирижера.

Составной частью развития музыкальной культуры и прямым ее следствием была мировая слава, которой достигли мастера русского музыкального театра – оперы и балета. Лидирующее положение среди музыкальных театров занимали петербургский Мариинский театр и Большой театр в Москве. Имена знаменитого оперного баса Федора Шаляпина, балерины Анны Павловой получили широкую известность, как в России, так и за рубежом.

Хронология: Михаил Глинка и русская пятерка

В 19 веке в мире музыки было два, казалось бы, противоположных влияния. Во-первых, нарастающая волна романтического национализма охватила западный мир, поскольку каждая группа людей искала способы выразить и сохранить свою культурную идентичность. Во-вторых, сила музыки 18 века, особенно немецких мастеров Гайдна, Моцарта и Бетховена, была выжжена в коллективном сознании. В России эти две силы сошлись в музыке Михаила Глинки и группы композиторов, которую мы называем «Русская пятерка».

Русское националистическое движение сосредоточено вокруг Санкт-Петербурга и начинается с музыки Михаила Глинки. Глинка был талантливым молодым музыкантом. Он провел свои ранние годы, путешествуя по Европе и наслаждаясь музыкой континента; знакомство с такими композиторами, как Джон Филд, Мендельсон, Берлиоз и Лист. Именно во время этих путешествий он открыл для себя мечту всей своей жизни — создать русский стиль музыки. Две его оперы «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» взяли инструменты и формы традиционной практики и наполнили их мелодиями и гармоническими звуками его культуры.Его произведения начали находить аудиторию за пределами России. Гектор Берлиоз был очень впечатлен Глинкой и привез свою музыку в Париж. К сожалению, Глинка внезапно умер в 1857 году.

Наследие Глинки продолжалось в обществе, которое начало формироваться в Санкт-Петербурге в конце 1850-х годов. Это была группа молодых композиторов-любителей, которые посвятили себя созданию особого русского стиля, а не просто подражанию музыке Европы. Милий Балакирев, Цезарь Куй, Модест Мусоргский, Николай Римский-Корсаков и Александр Бородин сегодня именуются «Русской пятеркой».Собственно, они никогда себя так не называли. Их критики и противники назвали их «Могучей горсткой» в шутку или уничижительный термин. Но эти люди приняли этот титул и с гордостью стремились развивать русское музыкальное самовыражение.

Они начали с использования народных песен и танцев, изображая повседневную жизнь своего народа в музыке. Это также означало отказ от некоторых правил гармонии и контрапункта и принятие экзотических масштабов и форм, которые можно найти в некоторых из наиболее экспериментальных работ Ференца Листа.Музыка «Русской пятерки» также привнесла колорит Востока на Запад, поскольку в нее вошли песни и рассказы из дальних уголков своей обширной земли.

Хотя группа распалась примерно в 1870 году, их произведения повлияли на новое поколение русских композиторов, таких как Глазунов, Прокофьев, Стравинский и Шостакович. За пределами России их влияние можно увидеть в работах французских импрессионистов Дебюсси и Равеля.

Timeline — это исследование развития западной музыки.Совершите путешествие в события, персонажей и концепции, которые сформировали нашу западную музыкальную традицию.

Краткая история русской камерной музыки

Чайковский (на первом плане) во время обеда в саду Ортачала в Тбилиси, 1889 г.

История русской классической музыки, как правило, связана с операми, песнями и оркестровыми произведениями, а не с камерной музыкой. И на то есть веская причина.Русские, особенно в XIX веке, писали большие, яркие театральные произведения для больших ансамблей. Но наряду с этими более крупными композициями есть целая вселенная работ камерной музыки, некоторые из которых столь же смелы и захватывающи, как оркестровая музыка, а другие уходят в совершенно иное место — они представляют собой глубоко личные высказывания, требующие более интимного ансамбля. Вот несколько изюминок русской камерной музыки.

Россия была в значительной степени закрыта для европейской классической музыки до начала 18 века, когда Петр Великий основал город Св.Петербург. На протяжении XVIII и вплоть до XIX века русские импортировали классическую музыку с Запада — они особенно любили итальянскую оперу. Тем временем постепенно возрастал интерес к созданию национального музыкального звучания, и в 1836 году Михаил Глинка написал «Жизнь за царя», — первую русскую оперу сквозного сочинения (без разговорного текста между музыкальными номерами). Глинка был почитаем многими поколениями композиторов после него за создание русского звучания с народными мотивами в оперной и симфонической музыке.Он также написал немало камерной музыки, но его репутация в основном основана на его более крупных произведениях — в 19 веке русская музыка имела эстетику «будь большим или уходи домой».
Постановка советской оперы Глинки Жизнь за царя

НАЧАЛО РОССИЙСКОЙ КАМЕРНОЙ МУЗЫКИ

Расцвет русской классической музыки совпал с подъемом национализма. В Санкт-Петербурге «Пятерка» (также называемая «Могучая кучка» или «кучка») представляла собой группу композиторов без консерваторского образования, которые избегали абстрактной, академически звучащей музыки, включая большую часть камерной музыки, которую они считали слишком космополитичной.Они были склонны к музыке, вдохновленной фолком.

То, что народная музыка рождается прямо из природы и что русской музыкой «можно дышать русским воздухом», — это идея XIX века. Народная музыка казалась миром отдельно от всего, что олицетворяло европейскую художественную музыку. Само собой разумеется, что их следует рассматривать как фундаментальные противоположности, их различие сводится к простому различию между природой и культурой.

-Фрэнсис Маес, История русской музыки

Эта воспринимаемая разница между народной музыкой и художественной музыкой, возможно, объясняет, почему прошло довольно много времени, прежде чем русская камерная музыка действительно начала процветать.За исключением некоторых отдельных произведений вроде Балакирева и ряда произведений Антона Рубинштейна, которые не получили долгосрочной поддержки, в русской камерной музыке не было большого количества до 1870-х годов, когда The Five начали распадаться. Один из участников, Бородин, написал два струнных квартета в период с 1775 по 1881 год. В Москве Чайковский, не входивший в пятерку, написал три квартета в 1870-х годах. Струнный квартет был иностранным жанром в России, и Бородин обратился к самому известному квартету-композитору всех времен, чтобы найти путь вперед — его Первый квартет был озаглавлен «Вдохновленный темой Бетховена.Его Второй квартет, ставший гораздо более известным, чем его первый, заканчивается финалом, который имеет предварительное начало, напоминающее финал последнего квартета Бетховена, соч. 135 (финал Бородина начинается в 20:36 на видео ниже).

ТРАДИЦИЯ ТРИО ÉLÉGIAQUE

1880-е и 90-е годы ознаменовались началом новой, уникальной русской традиции камерной музыки: трио élégique. В 1881 году скончался Николай Рубинштейн, брат Антона Рубинштейна и главный наставник Чайковского.Чайковский решил чествовать пианиста Рубинштейна фортепианным трио, чтобы он мог сыграть на инструменте Рубинштейна. Трио Чайковского, очевидно, оказало огромное влияние на более поздних композиторов, потому что Рахманинов написал два мемориальных трио, второе в честь самого Чайковского после его смерти в 1893 году. Аренский и Шостакович также написали фортепианные трио в память об артистах, которыми они восхищались.

РЕВОЛЮЦИЯ И ФОРТЕПИАННЫЕ КВИНТЕТЫ

В 1905 году ситуация в России начала меняться, когда страну охватили серьезные волнения.Царскому правительству удалось подавить революцию, но оставшееся недовольство в конечном итоге привело к успешной революции 1917 года. Революция 1905 года сильно повлияла на музыкальную жизнь, особенно в консерваториях. Композитор Сергей Танеев ушел с факультета Московской консерватории в 1905 году в знак солидарности с протестующими студентами. До этого времени ни одна из его камерных работ не включала его инструмент, фортепиано, но после того, как он отказался от постоянной работы, он завершил три камерных произведения с существенными партиями фортепиано.Выступление было самым быстрым способом заработать деньги, а гастроли — это возможный маршрут из страны, если в этом возникнет необходимость. Монументальный фортепианный квинтет — последнее из трех камерных произведений Танеева для его инструмента и имеет самую массовую фортепианную партию. Тридцать лет спустя Шостакович, который также играл на фортепиано, написал свой Фортепианный квинтет по тем же причинам: массовые убийства Сталина в 1930-х годах и начало Второй мировой войны, вероятно, сделали возможность путешествовать более желанной. Ни один из композиторов никогда не уезжал за границу, но нестабильность, начавшаяся в 1905 году, заставила композиторов мыслить более независимым, предпринимательским образом.

СТРУННЫЕ КВАРТЕТЫ ШОСТАКОВИЧА

Когда камерная музыка не служила буквальным спасением, она могла стать бегством в переносном смысле. Шостакович, один из самых знаменитых композиторов за относительно короткую историю Советского Союза, в 1936 и 1948 годах подвергся официальным обвинениям со стороны правительства Сталина. После предупреждения 1936 года, в котором его опера « Леди Макбет из Мценского района » описывалась как «дешевая клоунада». , ‘он обратился к абстрактной инструментальной музыке, написав два года спустя первый из своих 15 струнных квартетов.Квартеты Шостаковича — это личное исследование глубоких, часто мрачных тем. Даже после начала хрущевской оттепели в 1950-х Шостакович все еще боролся. К концу десятилетия его здоровье пошло на убыль. Несмотря на реформы Хрущева, Шостакович по-прежнему был ему обязан и под давлением вступил в Коммунистическую партию, чего, как полагают, он очень стыдился. Он написал свой Восьмой квартет в ответ на кризис со здоровьем и сохраняющуюся политическую и экономическую уязвимость.Это одно из его самых личных произведений, и оно содержит одни из самых мрачных его произведений — оно было сыграно на его похоронах, через 15 лет после его написания.

россиян вкладывают в свою камерную музыку тонну страсти и драматизма. Хотя ее иногда затмевает музыка для более крупных и ярких ансамблей, русская камерная музыка рассказывает отдельную историю. История этой музыки столь же сложна, как и история самой страны, но она раскрывает уникальную личную, глубоко эмоциональную эстетику, которую иногда упускают из виду в русской музыке.

Статья Лоры Келлер, редактора.

Слушайте больше русской камерной музыки 10–24 марта во время Зимнего фестиваля этого сезона: «Русская панорама».

Купить билеты

Николай Римский-Корсаков — Cal Phil

Николай Андреевич Римский-Корсаков (18 марта 1844 — 21 июня 1908) был русским композитором и членом группы композиторов, известной как The Five.

Пятерка, также известная как «Могучая кучка», «Могучая пятерка» и «Новая русская школа», были пятью выдающимися русскими композиторами XIX века, которые работали вместе над созданием самобытной русской классической музыки: Милий Балакирев (лидер), Сезар Куй, Скромный Мусоргский, Николай Римский-Корсаков и Александр Бородин.

Римский-Корсаков, как и его коллега-композитор Милий Балакирев и критик Владимир Стасов, верил в развитие националистического стиля классической музыки, используя русские народные песни и предания наряду с экзотическими гармоническими, мелодическими и ритмическими элементами в практике, известной как музыкальная. ориентализм и сторонились традиционных западных композиционных методов.

Он был мастером оркестровки. Его самые известные оркестровые произведения — Испанское каприччио , Увертюра русского пасхального фестиваля и симфоническая сюита Шахерезада — являются основными в репертуаре классической музыки.

Scheherazade сочетает в себе две черты, характерные для русской музыки и Римского-Корсакова в частности: ослепительную красочную оркестровку и интерес к Востоку, который вошел в историю Императорской России, а также ориентализм в целом.

Симфоническая сюита была основана на Тысяча и одна ночь (также известна как Арабские ночи ), название отсылает к главному герою Шахразаду из ближневосточного сборника сказок.

Тысяча и одна ночь рассказывает о монархе Шахрияре, который однажды узнал, что его первая жена изменила ему. Он решил жениться на новой девственнице каждый день, а также обезглавливать вчерашнюю жену, чтобы у нее не было возможности измениться ему. К тому времени, как он познакомился с Шахразадом, дочерью визиря, он убил 1001 такую ​​женщину.

Она провела всю ночь, рассказывая ему историю. В конце ночи она остановила рассказ в волнующий момент.Король хотел услышать конец истории, но Шахразад сказал, что ему придется подождать до следующей ночи, чтобы услышать остальное. На следующую ночь она закончила рассказ и начала новую, которую снова остановила на рассвете. Королю пришлось подождать еще одну ночь, чтобы услышать оставшуюся часть истории. Шахразад продолжал это 1001 ночь, рассказывая ему 1001 историю. В конце концов, король влюбился в Шахразад, и у них уже было трое детей, поэтому он не приказал ее казнить.

Пять русских композиторов: кто они?

Пятерка, также известная как «Могучая кучка» или «Могучая пятерка», — пять выдающихся русских композиторов XIX века, которые создали особый национальный стиль классической музыки.

Пятерка русских композиторов

1. Милий Балакирев (1837 — 1910)

Балакирев — один из самых влиятельных людей в музыкальном развитии России.

Его основная идея заключалась в том, чтобы одновременно объединить народную традицию и классический подход, тенденция, которая началась с Михаила Глинки (1804 — 1857).

Кроме того, как лидер и наставник русской пятерки, Балакирев также важен для влияния у него был Чайковский с «Ромео и Джульеттой», а затем с «Симфонией Манфреда».

Сообщение по теме: Лучшие российские композиторы

2. Сезар Куй (1835–1918)

Куй был первоклассным интеллектуалом, которого впечатлила идея создания чисто русского жанра классической музыки. Помимо того, что он был пианистом, он был музыкальным критиком, а затем стал генералом Императорской Российской армии. Он был членом кружка Беляева и Пятерки

3. Модест Мусоргский (1839 — 1881)

Хотя его первой идеей было присоединиться к Российской Императорской армии, он, вероятно, понял, что музыка больше подходит для его живого духа.

При жизни его не считали одним из величайших русских композиторов, и ему часто приходилось играть на пианино, чтобы зарабатывать на жизнь.

Его авторство основано на истории и национальной тематике. В результате, среди его самых популярных работ — опера «Борис Годунов», оркестровая пьеса «Ночь на лысой горе» и фортепианная сюита «Картинки с выставки».

4. Николай Римский Корсаков (1844 — 1908)

Пожалуй, третий по значимости русский в этом списке, сразу после Глинки и Балакирева.

Он твердо придерживался той точки, в которой считал, что ни одному музыканту не нужна академическая подготовка. На этом этапе он встретил Стравинского и сделал его своим протеже. Позже, когда он сам стал преподавателем Петербургской консерватории, у него тоже был ученик Сергей Прокофьев.

Помимо того, что он был отличным наставником, он был еще и прекрасным писателем. Он написал 15 опер, вдохновленных историей России, ее фольклором и сказками, которые ему очень нравились.

5. Александр Бородин (1833 — 1887)

Как и все ранее упомянутые члены «русской пятерки», он считал себя наследником Михаила Глинки, гордого националиста и интеллектуального гиганта.

В музыкальном плане он наиболее известен по одной из самых известных русских опер «Князь Игорь».

Он был врачом по образованию, другом Менделеева, известным химиком и ученым.

Хотите узнать больше об этих знаменитых композиторах? Посмотрите видео ниже:

Составление карты собрания русских народных песен в долгом 19 веке

Как и в большинстве картографических проектов, реализованных в рамках проекта «Музыкальная география», в этом проекте использовалось сочетание анализа первичных источников, таблиц Google, и ArcGIS.

В таблицах Google я ввел информацию из первоисточников в 8 столбцов: Местоположение / Регион, Широта, Долгота, Дата публикации, Собранная песня / Музыка, Классификация, Примечания и Цитирование. Столбец «Цитата» содержит источник, из которого поступила песня, а также любые другие первичные или вторичные источники, которые помогли определить местоположение песни или описать ее классификацию. Раздел «Примечания» содержит любую информацию, предоставленную автором источника о песне (например,грамм. его классификация), а также описание классификации (при необходимости) и любые подтверждения условности данной пары широта / долгота.

Большинство источников классифицируют свои песни по таким категориям, как «свадьба» или «солдат». Некоторые категории не имеют простых английских переводов, которые я попытался указать в разделе «Примечания» таблицы. Шиндлер был полезен для описания некоторых классификаций.

Информация в столбце «Песня / музыка собрана», как правило, является просто песней, названной в источнике.Если название песни не было доступно, я использовал первую строчку текста песни или около того. К сожалению, мне пришлось транслитерировать все местоположения и названия песен на латинский алфавит, чтобы он появился в ArcGIS. Я использовал знак «’ »для обозначения русского мягкого знака« ь ». В исходной версии таблицы я оставил названия песен на русском языке. Если зритель хочет узнать больше о песне (или найти запись), гораздо проще скопировать и вставить русский язык в Google вместо транслитерации или перевода (которые могут варьироваться от переводчика к переводчику).При расшифровке названий песен (а иногда и оригинального русского языка для классификации песен) я заменил старую кириллическую букву «» на «е» в соответствии с постреволюционным орфографическим сдвигом (и в соответствии с современной русской клавиатурой, которая также не содержат это письмо). Я, однако, сохранил первоначальное использование жесткого знака «ъ», хотя от большинства употреблений «ъ» отказались после революции, поскольку это не мешает пониманию названий песен и легко воспроизводится на современном русском языке. клавиатуры.Я также сохранил архаичное использование Т. И. Филипповым «i» в написании названий песен и классификации. Я также привел современное русское написание классификаций.

«Дата публикации» — это просто дата публикации источника. Изначально я планировал создать столбец под названием «Дата сбора», но эти данные практически невозможно найти или подтвердить — песни могли быть собраны в разное время или за годы до публикации сборника. Однако дата публикации, скорее всего, примерно равна времени, когда были собраны песни.

За исключением одной песни, собранной Балакиревым, мне удалось геолоцировать, все места были собраны из песенников / этнографических материалов. Обычно местоположение указывается под названием песни или в конце песни. В песеннике Балакирева не указано местонахождение ни одной из его песен; местонахождение этой песни было упомянуто в аннотациях на обратной стороне отредактированного сборника Шиндлера. Сначала я нашел аннотацию Шиндлера, а затем смог вернуться и найти оригинальную публикацию песни в сборнике Балакирева.Я добавил название провинции после района или деревни / города, если его нет в списке. Все названия провинций и районов во всплывающих окнах электронной таблицы и карты имперские, а не современные. Я оставил большие, известные города, такие как Москва, без названия провинции. Я пропустил все песни в сборнике Т. И. Филиппова, которые исполнялись «повсюду» или «повсеместно» или для которых не было указано месторасположение. Однако я включил три песни Филиппова, которые, по его словам, он слышал в Москве, но певцы или песни были откуда-то еще.Поскольку в центре внимания карты — сборник народных песен, а не геолокация происхождения отдельных русских народных песен, я счел уместным оставить эти точки в таблице, чтобы еще больше проиллюстрировать важность Москвы для Филиппова как места для сборник народных песен. Я записал это по каждому пункту. Похоже, что в Москве Филиппов мог слышать народные песни из разных городов, даже не выезжая туда (в отличие от Прокунина и Линевой). Однако я пропустил песню, которую Филиппов назвал из Тулы, но не уточнил, где он ее слышал.Я также пропустил песню Филиппова из «Поволжья», так как неясно, о какой части Волги он говорил.

Для поиска пар широта / долгота для всех местоположений потребовалось серьезное расследование. Для начала, границы округов и провинций имперской России были заново очерчены во время Советского Союза и после его распада. Чтобы помочь, я нашел интерактивную историческую картографическую платформу Гарвардского университета по адресу: http://worldmap.harvard.edu/maps/russianempire/YfQ.Я включил слои для границ губерний 1897 года, а также Пядышевского атласа 1827 года (последний оцифрован из исходного документа) и расположил провинции и районы, указанные для каждой песни. Поскольку платформа Гарварда не содержит информации о широте и долготе, я сравнил исторические карты с современными спутниковыми изображениями Google Maps, используя большие города и озера в качестве ориентиров. Если конкретная деревня была указана в первоисточнике вместе с ее районом или провинцией, я искал эту деревню на Картах Google, чтобы убедиться, что она находится в правильной соответствующей современной провинции, сравнивая ее местоположение с историческими границами и природными особенностями.Я нашел много деревень, используя этот метод. Похоже, что многие из них все еще существуют и появляются на спутниковых снимках Google Maps. Когда в одном районе было две вероятных деревни, я отметил это несоответствие. Иногда деревня не отображалась в поиске по карте Google, но название деревни отображалось как название улицы или остановка поезда на окраине города в правильном регионе (опять же, это определяется сравнением исторических карт Гарварда и Google Карты). Когда это было так, я использовал пару широта / долгота для остановки улицы или поезда; В течение последних 150 лет или около того, небольшие деревни были обычным явлением, когда их охватывала городская экспансия, а улицы или остановки поездов часто называют в честь деревни, которая когда-то там была.Когда деревня просто отсутствовала в поиске по карте Google и не имела соответствующих названий улиц или остановок поездов, я оценил точку в центре района (определенную путем сравнения исторических карт Гарварда и карт Google) и сделал примечание об этом. Несомненно, деревня вымерла за последние 100 или 150 лет. Когда источник указывал только район для расположения песни, я использовал пару широта / долгота в центре района и записывал это. Т.И. Филиппов часто не перечислял конкретные села и районы; скорее, он просто написал «Москва» или «Ржев». Я предположил, что он имел в виду Москву или Ржев, и поставил широту / долготу на этих городах. В любом случае такие города находятся в одноименных районах, поэтому даже если бы он собирал песни в какой-то другой части района, это место было бы недалеко.

Русская классическая музыка — Русские музыкальные сезоны

25.05.2017

На данный момент русская классическая музыка является неотъемлемой частью культурного наследия всего мира.Гениальные русские композиторы подарили нашему миру тысячи невероятных шедевров. Им удалось совместить фольклорную русскую песню с классическими европейскими композиционными формами.

Развитие истории русской музыки

История русской музыки начинается с зарождения нашей культуры. Даже в Древней Руси люди могли петь многоголосым голосом из десяти и более голосов. Тем не менее классическая музыкальная школа появилась только в 19 веке. Первым русским классиком по праву можно считать Михаила Ивановича Глинку.Его предшественниками были композиторы: Бортнянский, Березовский, Титов, Козловский и другие.

С появлением оперы «Иван Сусанин» начала формироваться национальная русская композиторская школа, положившая начало развитию монументальной культурной основы.

Во второй половине XIX века образовалась «Могучая кучка» — сообщество русских композиторов во главе с Милием Балакирьевым. Мир узнал новые русские имена, такие как Мусоргский, Римский-Корсаков, Бородин и Цуй.Во многом им помог известный критик и публицист — Владимир Владимирович Стасов.

Открытие братьями Антоном и Николаем Рубинштейнами Московской и Санкт-Петербургской консерваторий привело к появлению новых талантов, таких как Петр Ильич Чайковский, Сергей Иванович Танеев и Александр Николаевич Скрябин.

В следующем 20 веке Россия будет гордиться такими великими композиторами, как Свиридов, Хачатурян, Прокофьев, Шостакович, Стравинский и Щедрин.

Сейчас классическая музыка в России продолжает активно развиваться и преподносить нам новые шедевры, которые также войдут в историю страны.

Композитор недели Александр Бородин

Здравствуйте, и добро пожаловать в первую из, как я надеюсь, длинной серии еженедельных обновлений от всех нас, сотрудников Ralston Listening Library. В начале каждой недели мы выбираем композитора (обычно у кого день рождения примерно в это время), чью музыку я обсуждаю и включаю в расписание мероприятий по прослушиванию в Библиотеке.На этой неделе наша команда исследует жизнь русского композитора Александра Бородина. Бородин, хотя, безусловно, пользуется большим уважением, это, пожалуй, не первое имя, которое приходит на ум, когда думаешь о русской музыке. Все мы знаем великих людей — грандиозные фортепианные концерты Рахманинова, прекрасные балеты Чайковского, вызывающий модерн Стравинского. Тем не менее, музыка Бородина достойна упоминания на одном дыхании с его прославленными соотечественниками; действительно, его эксперименты с мелодией и его отстаивание специфически русского жанра классической музыки оказали сильное влияние и сделали возможным появление музыки многих поколений русских композиторов.

Бородин родился в Санкт-Петербурге в 1833 году, внебрачный сын грузинского дворянина и крепостной женщины. Крепостная жизнь во времена Бородина часто была суровой и короткой; передвижение крепостных и права человека были ограничены законом, и они могли принадлежать и продаваться так же, как рабами. К счастью, отец Бородина обеспечил своему сыну высококлассное образование и освободил его на смертном одре. С юных лет Бородин проявил замечательные способности как к искусству, так и к науке; действительно, именно в этой последней области как химик Бородин провел большую часть своей трудовой жизни и добился, по его мнению, наибольших успехов.Он по-прежнему пользуется большим уважением в истории химических исследований за его работу в области органического синтеза и открытие в 1869 году альдольной реакции.

В 1862 году Бородин, известный своим друзьям как добродушный и юмористический человек, легко сблизился с Миллием Балакиревым, Сезаром Кюи, Модестом Мусоргским и Николаем Римским-Корсаковым, группой, известной как «Могучая пятерка», самой лучшей. знаменитый коллектив русских композиторов-классиков 19 века. Бородин и его коллеги использовали в своей музыке националистические темы, призванные создать новую школу специфически «русской» музыки.Часто они выступали против своего знаменитого современника Петра Ильича Чайковского, музыку которого часто характеризовали как часть более широкой космополитической европейской классической традиции.

Идеология «Могучей пятерки» — ключ к пониманию самых известных произведений Бородина. Например, величественная поэма «В степях Средней Азии» напоминает о размахе сибирского пейзажа обширных земель России на востоке. Для самого амбициозного проекта Бородина — оперы «Князь Игорь» композитор адаптировал либретто из нескольких средневековых источников русской истории и преданий.

Редакция Общественного телевидения России поздравляет с Новым годом и Рождеством и представляет подборку интересных мероприятий на продолжительные праздничные выходные.

МАМТ

Зимний балет «Снегурочка» (4, 5 января)

Дивная сказка на сюжет мистериальной пьесы Александра Островского, сакральная история, разворачивающаяся в стильных, выразительных декорациях. В основе спектакля – не широко известные мелодии Римского-Корсакова, а несколько музыкальных произведений Петра Чайковского.

Оперетта «Зимний вечер в Шамони» (8, 9 января)

Режиссёр Александр Титель приготовил для ценителей оперетты настоящий сюрприз: попурри из классических хитов под названием «Зимний вечер в Шамони». В одном представлении прозвучит музыка сразу нескольких популярных композиторов — И. Штрауса, Ж. Оффенбаха, И. Кальмана, К. Целлера, Ф. Легара и других. Такие опереточные изыски призваны удовлетворить вкусы самых требовательных зрителей.

Балет «Щелкунчик» (3 января)

Добрая, светлая сказка о волшебстве обыденных чувств и поступков. Романтическая история об уходящем беззаботном детстве и первой встрече с нежной, трепетной и неизведанной юностью. Мистицизм сказки Гофмана, прелесть музыки Чайковского и невероятно красивые, полетные танцы превращают балет в признанный во всем мире шедевр хореографического искусства.

Спектакль «Волшебная флейта» (5 января)

Спектакль о взрослении для взрослых. Действие «Волшебной флейты» разворачивается в обыкновенной школе. Тамино, Папагено, Памина – ученики этой школы, которым не по возрасту пришлось пройти через испытания и самим утвердить базовые человеческие истины – добро, свет, любовь.

Театриум Терезы Дуровой

Спектакль «Как Дед Мороз чуть Новый год не проспал» (2-9 января)

Случилось страшное – Дедушка Мороз чуть Новый год не проспал! Но, на счастье, его успели разбудить двое братцев Морозилкиных. Вместе с маленькими зрителями они помогают Дедушке собраться в дорогу, превращая всё вокруг себя в весёлую игру и приключения. В этом интерактивном спектакле от героев и маленьких зрителей зависит, успеет ли Дед Мороз прибыть туда, где его ждут, и подарить праздник жителям маленького заснеженного города.

Спектакль «Двенадцать месяцев» (5, 6, 7 января)

Кто не помнит знаменитой драматической сказки советского писателя Самуила Маршака (написана в 1942–1943 гг. специально для МХАТа) о своенравной и капризной принцессе, потребовавшей морозным декабрьским днём… подснежников. О жадной мачехе, отправившей свою падчерицу в лютый мороз за ними в лес, чтобы получить корзину золота. И о двенадцати братьях-месяцах, которые помогли бедной девушке!

Театр им. Е. Вахтангова

Спектакль «Щелкунчик» (5, 6 января)

«Щелкунчик» – продолжение цикла «Сказка и музыка», задуманного несколько лет назад для нашего театра. Этот жанр придумала Наталья Сац в начале прошлого века. Театр Вахтангова всегда славился и прекрасной музыкой, и спектаклями, где отчётливо и красиво звучало слово.

Спектакль «Рождество на чердаке» (15, 27 января)

По рассказам «Алое платье», «Дары волхвов», «Последний лист», «Тщеславие и соболя»

Где-то в огромном многомиллионном городе среди офисных небоскрёбов и модных таунхаусов всё ещё можно встретить самые обыкновенные жилые дома. Как живут их обитатели? Что происходит в маленькой комнате под крышей такого дома в канун Рождества?

Детский музыкальный театр им Н. Сац

Опера «Морозко» (3 января)

Этим спектаклем 21 ноября 1965 года открылся Детский музыкальный театр. День в день через 50 лет Театр Наталии Сац вновь представил зрителям эту оперу. Это – другая постановка, другие артисты и другие зрители. Но это тот же Детский музыкальный театр, куда каждый день бегут сотни маленьких зрителей, чтобы увидеть чудо.

Спектакль «Снежная королева» (6, 9 января)

В основе сюжета — пьеса замечательного драматурга Евгения Шварца, давшего новую жизнь знаменитой сказке Ганса Христиана Андерсена. В характеры традиционных персонажей — Снежной королевы, брата и сестры Кая и Герды, Тролля вплетены новые мотивы. Снежная королева не только холодна и жестока, ей искренне нравится Кай, она мечтает оставить его у себя навсегда. Тролль, ее верный слуга, работает не за страх, а за совесть, интрига — его стихия. Особенно обаятелен образ Маленькой Разбойницы, где безрассудство и своенравие соединяются с сердечной теплотой. Тема родного дома и любви, способных противостоять холоду, жестокости и властолюбию, стала главной в спектакле, где так много захватывающих событий, проникновенных мелодий и ярких красок.

Опера «Ночь перед Рождеством» (6, 7 января)

Либретто композитора по одноименной повести Николая Гоголя из цикла «Вечера на хуторе близ Диканьки». «Былью-колядкой» назвал композитор эту свою оперу. В Детском музыкальном театре имени Наталии Сац она продолжает линию по созданию спектаклей, которые должны познакомить юных зрителей со знаменитыми произведениями русской литературы и с великим наследием мировой и отечественной оперной музыки. Не только познакомить, но — влюбить в нее. В данном случае — в чудесную рождественскую сказку Гоголя-Римского-Корсакова.

Балет «Щелкунчик» (10, 11 января)

Звезда мирового балета Николай Цискаридзе дебютировал в качестве постановщика на сцене Детского музыкального театра, представив свою версию великого балета Чайковского. Он выбрал хореографию в редакции Василия Вайнонена, самую трогательную и нежную, для детской аудитории. В доме Штальбаумов гости собираются на Рождество. Дети танцуют и получают подарки от крестного Дроссельмейера. Маше, дочери хозяина, досталась смешная зубастая кукла – Щелкунчик. В Машином сне ожившему Щелкунчику предстоит сразиться с Мышиным Королем, отправиться вместе с нею в путешествие по дивной стране, похожей на огромную, празднично украшенную елку, и превратиться в прекрасного принца, с которым Маша будет кружиться в танце.

Большой театр

Опера «История Кая и Герды» (2 — 16 января)

«История Кая и Герды» — одна из самых известных опер Сергея Баневича. Мировая премьера оперы (под названием «История Герды и Кая») состоялась 24 декабря 1980 года в Ленинградском театре оперы и балета им. С.М. Кирова (ныне Мариинский). Оперу ждала счастливая сценическая судьба. Её ставили в Челябинске, Екатеринбурге, Перми, Минске, Киеве, Владикавказе, Пскове, Новосибирске.

Балет «Щелкунчик» (до– 6 января)

Либретто по мотивам сказки Эрнста Теодора Амадея Гофмана в вольном переводе Александра Дюма сочинил Мариус Петипа. Участие в разработке сценария принимал директор Императорских театров Иван Александрович Всеволожский, в литературную форму их идеи и замыслы облёк брат композитора, Модест Ильич Чайковский. Хореография принадлежала Льву Иванову.

Театр им. Пушкина

Спектакль «Влюбленный Шекспир» (7 января)

Это остроумная фантазия на тему биографии Уильяма Шекспира, в которой молодой драматург обретает потерянное вдохновение благодаря внезапной любви и создает один из самых главных своих шедевров – трагедию «Ромео и Джульетта». Озорная и грустная история о людях эпохи Возрождения, которые превыше всего ценят честь и достоинство, верят в дружбу и братство и готовы сражаться насмерть ради своей любви.

Детский спектакль «Остров сокровищ» (4, 8 января)

Вперед, навстречу приключениям! Кто же не мечтает оказаться владельцем таинственной карты острова сокровищ, увидеть, наконец, на потертом пергаменте жирный крест с надписью: «копать здесь»? Джиму Хокинсу повезло, карта у него в руках, но против него хитроумный пират Джон Сильвер со своей бандой головорезов! Ему тоже не терпится заполучить клад. Зато вместе с Джимом его друзья: смелый капитан Смоллет и другие персонажи любимой книги детворы всех времен и народов «Остров сокровищ».

Малый театр

Спектакль «Снежная королева» (2, 4 января)

«Снежная королева» Ганса Христиана Андерсена всегда была одним из самых впечатляющих воспоминаний детства. Кто из нас не переживал за маленькую девочку Герду, которая отправилась спасать своего младшего брата Кая в лютую зимнюю стужу, встречая на пути препятствия и смело преодолевая их?! Спектакль «Снежная королева» Малого театра, наполненный музыкой и песнями, расскажет эту историю не менее захватывающе.

Спектакль «Буратино». (6, 8 января)

«Буратино» – это спектакль-мечта! Мечта каждого ребенка попасть в добрую сказку. Постановка Юрия Соломина пронизана любовью к театру, самыми первыми детскими впечатлениями и представлениями о добре и зле. Это воплощенное желание познакомить маленьких зрителей с волшебным миром театрального искусства, вызвать живое сочувствие, восторг и восхищение тем, что происходит на сцене. Это чудесное ощущение соприкосновения с актерской игрой, светом рампы, красивыми декорациями и музыкой навсегда останется в сердцах зрителей!

Театр Олега Табакова

Спектакль «МОЛЬЕР, avec amour» (2,3 января)

Пьеса «Полоумный Журден» Михаила Афанасьевича Булгакова – адаптация пьесы Жан-Батиста Мольера «Мещанин во дворянстве». «Полоумный Журден» далек от социальной сатиры, хотя желание нуворишей «вращаться в обществе маркизов» актуально во все времена. В пьесе Булгакова мы видим театр в театре. Здесь появляются не только персонажи «Мещанина во дворянстве», но и артисты мольеровского театра, причем в экстремальной ситуации. Мольер внезапно заболел, и вместо него роль Журдена сегодня вечером придется играть актеру Бежару … Наскоро распределив роли среди труппы, Бежар излагает содержание предстоящего спектакля так: «Журден, парижский мещанин, богатый человек, помешался на том, что он — знатный дворянин, вот и все».

Спектакль «Страсти по бумбарашу» (5,6 января)

Готовя новую редакцию спектакля «Чайка», Константин Богомолов, по сути, представил зрителям новый, почти ни в чем не похожий на предыдущий спектакль.

Новая «Чайка» — это подлинная драма, возможно, такая, какой и замышлял ее Чехов. Здесь режиссер, а вместе с ним и актеры являют нам подлинную «жизнь человеческого духа». Перед зрителем — семейная драма. Интимная. Такая, за развитием которой следишь словно сквозь замочную скважину; такая, к которой прислушиваешься, словно находишься в соседней комнате.

Театр Наций

Волшебный мюзикл для семейного просмотра «Синяя синяя птица» (4-7 января)

Волшебный мюзикл для семейного просмотра «Синяя синяя птица» – это история приключений девочки Матильды и ее брата Тиля. В своем путешествии по сказочным странам они встретят около 50 самых неожиданных персонажей: Царицу ночи, Торт Наполеон, оркестр заводных обезьянок, Синего павлина – хранителя времени, чудовищ и монстров из шкафа.

Спектакль Осторожно, эльфы! (4-6 января)

«Осторожно, эльфы!» – интерактивный спектакль для детей с элементами театра теней от лауреатов «Золотой маски» Марии Литвиновой и Вячеслава Игнатова.

Театр Моссовета

Спектакль «Карлсон» (4-8 января)

Добрый, веселый, полный музыки и эксцентрики спектакль по произведениям Астрид Линдгрен «Малыш и Карлсон, который живет на крыше» и «Карлсон, который живет на крыше опять прилетел» погружает взрослых в ностальгически прекрасный мир детства и увлекает маленьких зрителей приключениями смешных, трогательных и непредсказуемых в своих поступках героев книг шведской писательницы.

Третьяковская галерея

Многообразие. Единство. Современное искусство Европы. Берлин. Москва. Париж — выставка, которую очень ждали. Проект объединяет все тренды в современном искусстве за последние 30 лет. В пространствах Западного крыла разместились работы 90 важнейших современных художников, представляющих разные поколения и регионы Европы.

История Российского дизайна. Избранное. 1917-2022 — выставка, исследующая отечественный дизайн за прошедшие 100 лет: авангард, ар-деко, сталинский ампир. послевоенный и современный дизайн. В экспозиции представлены предметы интерьера, мебель, товары массового спроса и даже проекты автомобилей, которые так и остались на бумаге. Предметы отбирались таким образом, чтобы показать примеры «хорошего» дизайна, которого в России и бывшем СССР было немало.

В новогодние праздники обе выставки можно посетить по одному билету.

New Elements — новая выставка некоммерческого исследовательского центра Laboratoria Art&Science Foundation. Проект состоит из трех разделов «Аутографические измерения», «Вычисляя с природой» и «Цифровая материальность» и объединяет художественные подходы которые обращаются к материальным аспектам информации и вычислений в разных проявлениях: в природной среде, технологических системах или структурах нейронных сетей. Все, что происходит в атмосфере, почве и воде, записывает свои следы бесчисленным количеством способов.

КИНО В НОВЫЙ ГОД:

В Третьяковке кроме интересных выставочных проектов можно насладиться подборкой новогодних и рождественских фильмов: «Реальная любовь». «Десять дней с Сантой». мультфильм «Петсон и Финдус. Лучшее на свете Рождество». «Самый лучший босс», «Однажды в кино».

Государственный музей Пушкина

Экскурсионные праздничные программы стартуют продлятся до 9 января 2022 года.

В Государственном музее А.С. Пушкина на Пречистенке пройдет новогодний праздник в дворянском доме — «И вот сама идет волшебница-зима».

Программа рассчитана на детей в возрасте 6-12 лет, и, конечно, их родителей. Во время путешествия по залам старинного дворянского особняка вы узнаете, как праздновали Новый год и Рождество в пушкинское время, какие подарки дарили друг другу, какие игры и забавы любили 200 лет назад. Дети сыграют в популярную старинную игру «Живые картины» и сделают своими руками небольшой праздничный подарок. И конечно, куда без хоровода вокруг ёлочки!

В Доме-музее И.С. Тургенева программа «Новогоднее путешествие по Старому Дому».

Дети вместе с родителями проследуют по таинственным залам и комнатам, услышат домашние истории, полные загадок и чудес, и даже смогут пообщаться с главным героем музея – Старым Домом. Путешествие сопровождается загадочными явлениями и насыщено разного рода секретами, содержание которых связано с миром музея. Разгадывая их, ребенок приобщается к этому миру и совершает в нём маленькие, но важные открытия.

В Мемориальной квартире Андрея Белого пройдет творческое занятие — «Зимняя мастерская» для детей 6-9 лет.

Дети вместе со взрослыми не только узнают, как раньше украшали ёлку, какие были новогодние традиции, но и своими руками сделают ёлочную игрушку по старинному образцу, чтобы украсить ею домашнюю ёлочку.

В Мемориальной квартире А.С. Пушкина на Арбате праздничная новогодняя экскурсия «Москва тряхнула стариной, веселье за весельем…, или Забавы ожили».

Гости узнают, как праздновали Рождество и Новый год Александр Сергеевич и Наталья Николаевна, какие балы здесь устраивали и какие блюда подавали, а еще погадаем по старинным святочным традициям.

В Дом-музей В.Л. Пушкина на Старой Басманной театрализованная новогодняя экскурсия «Новогодние хлопоты у Василия Львовича Пушкина» детей 7-10 лет и их родителей.

Дети помогут горничной Лизе подготовить дом к встрече Нового года и приему гостей. Ребята смогут смолоть муку, подобрать костюм для бала, поучаствовать в маскараде, станцевать польку, «накрыть» новогодний стол, познакомиться с некоторыми новогодними традициями и святочными гаданиями, поиграть в игры пушкинского времени. Маскарадные костюмы приветствуются!