Рассказ звездочка еще не звезда 130

Полуразваленная арена в Нью-Хейвене помогла выходцу из Украины Морису Подолофф стать первым президентом новой баскетбольной лиги Америки, которая вскоре превратилась в НБА, а дебютный чемпионат выиграла команда бывшего киевлянина Исадора Готлиба.

К 130-летию рождения баскетбола OBOZREVATEL вспомнил, как двое украинцев стояли у истоков самый сильной баскетбольной лиги мира.

Приз самому ценному игроку сезона в НБА до сих пор называется «Морис Подолофф трофи» – в честь одного из основателей лиги и ее президента. По официальным данным, Морис Подолофф появился на свет в еврейской семье в Елисаветграде – сейчас Кропивницкий.

Видео дня

«Я родился или 18, или 31 августа 1890 года где-то в Украине. Полагаю, это было неподалеку от Одессы», — говорил сам Подолофф.

Ребенком Морис вместе с семьей перебрался в США, где поначалу иммигрантам было очень непросто. Но после переезда из Нью-Йорка в Нью-Хейвен, штат Коннектикут, Подолофф-старший наладил успешную торговлю, продавая все подряд, от масла до угля. А затем открыл собственное дело, связанное с недвижимостью, и сумел оплатить учебу Мориса в Йельском университете.

Получив юридическое образование, Морис присоединился к семейному бизнесу «Подолофф и сыновья. Недвижимое имущество и страхование». Вскоре в их собственности оказались 22 здания, среди которых был каток в Нью-Хейвене, который открыли в 1914 году, но в 1924-м арена сгорела и семья Подолофф выкупила строение по низкой цене.

Полуразрушенная арена была оборудована техникой для производства и сохранения льда. И через три года в новом современном спорткомплексе на 4000 мест можно было проводить соревнования. Поэтому, имея базу, братья Подолофф создали в 1927 году свою хоккейную команду «Нью-Хейвен Иглз» в качестве чартерного члена Канадско-американской хоккейной лиги.

Клуб стал настолько успешным, что Морису предложили должность президента Американской хоккейной лиги, которая впоследствии превратилась в НХЛ. В то же время Подолофф искал возможность с максимальной выгодой использовать каток и в теплое время года, поэтому обратил свое внимание на баскетбол.

Подолофф так успешно руководил АХЛ, обеспечив ее стабильность даже в тяжелые военные годы, что именно ему в 1946 году предложили возглавить только-только созданную Баскетбольную ассоциацию Америки (БАА), пообещав оклад в 8000–9000 долларов в год. Выходец из Украины стал первым человеком, возглавлявшим одновременно две профессиональные лиги.

В 1947 году Подолофф ввел университетский драфт, а в 1949-м договорился о слиянии БАА и Национальной баскетбольной лиги в Национальную баскетбольную ассоциацию – НБА. И в дальнейшем сделал еще немало шагов на пути развития и популяризации лиги, хотя сам не умел играть ни в баскетбол, ни в хоккей.

«Я не был спортсменом, я был бизнесменом. Я просто выполнял работу, которую мне поручили», – как-то признался Подолофф, который при росте 157 см выглядел совсем маленьким на фоне баскетболистов-великанов, но это его не смущало.

В 1954 году Морис ввел правило 24 секунд, которое разработал владелец клуба «Сиракьюз Нэшнлз» Дэн Бьязон. Это позволило повысить темп игры и ее зрелищность. Взяв курс на популяризацию баскетбола, в 1954 году Подолофф подписал первый телевизионный контракт. Также за время президентства расширил лигу с 11 до 17 команд, разбив их на три дивизиона.

Благодаря Подолофф в 1951 году в НБА появилось и главное шоу сезона – Матч всех звезд, который собирает самых популярных игроков лиги. Вместе с тем Морис не терпел нечестную игру. Например, он пожизненно отстранил двух игроков «Индианаполис Олимпианс» Ральфа Бирда и Алекса Грозу за договорные матчи.

Морис Подолофф покинул пост президента НБА в 1963 году, оставив своим наследникам преуспевающую империю. И за свои достижения в 1974 году был введен в Зал славы баскетбола. Из жизни Подолофф ушел в ноябре 1985-го в возрасте 95 лет, оставив после себя не только спортивное наследие, но и троих детей, восемь внуков и 13 правнуков.

Еще один выходец из Украины, который приложил руку к становлению профессионального баскетбола в Америке, Эдвард (Исадор) Готлиб по прозвищу «Могул». Готлиб родился в 1898 году в Киеве, но также переехал вместе с семьей в США и осел в Филадельфии, где получил образование и начал играть в баскетбол.

В 1917 году Эдвард начал карьеру профессионального игрока, которую совмещал с должностью тренера. А когда в 1946 году создали Баскетбольную ассоциацию Америки во главе с Подолофф, первым чемпионом лиги стала «Филадельфия Уорриорз», тренером и совладельцем которой был Готлиб.

В 1952 году Эдвард стал единоличным собственником «Уорриорз», выкупив остальную долю за 25 000 долларов. И еще несколько лет продолжал тренировать команду. Но уже лишь в качестве владельца стал чемпионом НБА в 1956 году. Ему даже удалось заманить в команду «мистера 100 очков за матч» Уилта Чемберлена. И в 1962 году Готлиб продал клуб за рекордные 850 тысяч долларов.

После продажи «Уорриорз» переехала в Сан-Франциско, но Готлиб еще два года оставался генеральным менеджером команды. Помимо работы в клубе, Эдвард 25 лет был председателем комитета НБА по правилам и составлял календарь матчей сначала БАА, а затем и НБА. Еще при жизни Готлиба включили в Зал славы, и его именем назван приз лучшему новичку сезона в НБА.

Как сообщал OBOZREVATEL, «Торонто» с Михайлюком снова победило в НБА в матче с необычным началом.

Так, друзья — сегодня будет пост на интересную тему, о которой я давно хотел написать — пост о трагических судьбах советских актёров. Не знаю, в курсе вы или нет — но многие телевизионные и киношные кумиры пятидесятых-восьмидесятых годов, которых вы много раз видели в старых фильмах — умирали в нищете и безвестности…

Поклонники СССР часто любят сравнивать совок с Западными странами – так вот там ситуация с такими вещами была кардинально иной — в молодые годы кинокарьеры известный и узнаваемый артист становился миллионером (часто — мультимиллионером), что обеспечивало ему безбедную старость. В СССР же знаменитый артист в лучшем случае успевал заработать на единственную квартиру, а все остальные деньги, зарабатываемые премьерами и показами фильмов — присваивало себе государство, и артист в старости оставался ни с чем, пишет Максим Мирович в Facebook.

Видео дня

Итак, в сегодняшнем посте — рассказ о нескольких трагических судьбах советских актёров.

Юрий Белов.

Юрий Белов — одна из звёзд советского кино 1950-х годов, сыгравший множество ролей «простых парней из народа» — такой образ был очень популярен в кинематографе тех лет. Юрий Белов сыграл одну из главных ролей в фильме «Карнавальная ночь», сыграл видные роли в фильмах «Весна на заречной улице», «Девушка без адреса» и «Неподдающиеся» — последний, кстати, и сейчас смотрится весьма годно, так как троллит скучный и унылый совок.

На Западе после таких звёздных ролей в молодые годы (Белова знала буквально вся страна) актёр стал бы мультимиллионером и безбедно бы жил до старости, но судьба Юрия сложилась трагически — в середине 1960-х годов он попал в психиатрическую лечебницу после неосторожного высказывания о Хрущёве — в одной из компаний Юрий сказал, что мол Хрущёву «недолго осталось, скоро его снимут» (и, кстати, был прав). Кто-то донёс на Белова, после чего его отправили в психушку, что сломило и его, и его кинокарьеру — Юрия с большой неохотой брали на съёмки.

В последние годы Белов снимался мало, подрабатывал частным извозом на «Москвиче», купленном в годы былой популярности, начал пить… Юрий Белов умер 31 декабря 1991 года, в возрасте всего 61 год — он так и не дождался новогоднего показа фильма «Карнавальная ночь», который он любил смотреть, вспоминая свою молодость…

Леонид Харитонов.

Леонид Харитонов — Ещё одна звезда 1950-х и кстати ровесник Белова — он родился в 1930 году. Харитонов стал мега-популярным после того, как снялся нескольких фильмах в роли Ивана Бровкина — «слегка непутёвого простого парня, из которого армия делает человека». Харитонов обладал природным обаянием и образом а-ля Есенин — «кудрявый парень из народа», и многие зрители даже считали, что в кино он просто играет самого себя — мол, на самом деле есть такой Иван Бровкин, о жизни которого и сняли кино.

Фильмы про Ивана Бровкина увидели миллионы советских зрителей, и где-нибудь в Голливуде актёр был бы мультимиллионером — но в СССР актёр ничего толком не заработал. С возрастом внешность артиста стала меняться, его уже не приглашали на роли «простых парней», а заработанных в годы былой популярности копеек не хватало — и в восьмидесятые годы артист жил очень бедно.

Летом 1980 года артист перенёс первый инсульт — в то время ему было всего 50 лет. Затем был второй инсульт и конфликт с новым руководством МХАТа — от Харитонова в ультимативной форме потребовали убраться из театра, что было для него вопросом выживания — без сцены артист просто не имел бы средств для существования. 20 июня 1987 года у Харитонова случился третий инсульт, которого он не пережил…

Сергей Филиппов.

Сергей Филиппов не сыграл ни одной знаменитой главной роли, но прославился как гениальный артист эпизодов — стоит вспомнить хотя бы лектора из «Карнавальной ночи» с его знаменитым монологом «Есть ли жизнь на Марсе?», аптекаря из «Новых приключений неуловимых», клиента фотоателье из фильма «Мы с вами где-то встречались» или посла из фильма «Иван Васильевич меняет профессию». Ещё Сергей Филиппов сыграл несколько запомнившихся ролей всяких неотёсанных и хамоватых советских начальников и бюрократов.

В 1950-60-е годы Сергей Филиппов стал мега-популярным — его узнавали на улицах, здоровались за руку, постоянно звали в гости или просто выпить «за компанию». Однако, как и в случае с Харитоновым и Беловым, эта популярность в СССР никак не монетизировалась — актёр до последних дней был вынужден много и тяжело работать, несмотря даже на диагностированный у него рак мозга, от которого он лечился в последние годы.

Кумир пятидесятых годов умирал в одиночестве и нищете, всеми брошенный и забытый, это случилось в 1990 году. У Сергея Филиппова не было денег даже на похороны — причём «Ленфильм», который благодаря Филиппову некогда заработал огромные капиталы, не дал на похороны ни копейки. Хоронил Филиппова Александр Демьяненко (Шурик), собирая по копейке деньги у актёров, которые лично знали Филиппова.

Алексей Смирнов.

Алексей Смирнов — ещё один гениальный актёр эпизода, прославившийся ролями Верзилы в «Операция Ы» и ролью механика Макарыча в фильме «В бой идут одни старики». Мало кто знает, но в юности Алексей Смирнов на самом деле воевал — был командиром огневого взвода в миномётном полке, награждён медалями и орденом Славы, был тяжело контужен в конце войны.

Однако несмотря на героическую юность и последующую кино-славу, Смирнов был нищим — страна никак не отблагодарила его за все заслуги. В апреле 1979 года актёр узнал о смерти Леонида Быкова, с которым дружил — после чего ушел в запой и попал в больницу с болезнью сердца, где и умер. За две недели пребывания в больнице актёра никто не навестил. Знаменитый актёр и ветеран Алексей Смирнов был настолько беден, что на его похороны пришлось собирать деньги по соседям и знакомым — а его могилу привели в порядок только в недавнее время — до этого она была почти заброшенной…

Семён Фарада.

Семён Фарада снимался очень много в период 1960-80-х годов, снявшись за 30 лет работы в кинематографе в 130 фильмах. Что интересно — Семён Фарада не имел актёрского диплома, но занимался в многочисленных профильных кружках и студиях. Я слышал версию, что Семён Фарада собирался поступить в театральный ВУЗ — но этому помешал пресловутый «пятый пункт» — Семён Фарада был евреем.

Фарада был одним из самых узнаваемых и любимых советских актёров — но тоже умирал в нищете. С возрастом здоровье Семёна пошатнулось, начались проблемы с сердцем, Фарада перенёс несколько инсультов. В последние годы жизни Семён практически не выходил из дома — после инсульта он упал и сломал шейку бедра. И государство, и друзья забыли про Фараду — от заработанных в советские годы копеек не осталось и следа, и деньги для больного Семёна собирал его друг Александр Абдулов.

Георгий Вицин.

Георгий Вицин начал активно сниматься в пятидесятые годы, причём было ему уже под 40, но благодаря юной внешности Вицин ещё много лет играл розовощёких комсомольцев. Звездный статус пришёл к артисту в шестидесятые — после съёмок в роли Труса в нескольких фильмах Леонида Гайдая. А ещё Георгий Вицин долгие годы играл в театре и озвучил множество мультфильмов — уже за одно это в развитой стране артист был бы миллионером.

Что интересно — несмотря на очень удачные и правдоподобные роли советских алкоголиков на экране, сам Георгий Вицин практически не пил, вёл здоровый образ жизни и серьезно занимался йогой.

В последние годы жизни Вицин жил хоть и не в нищете, но очень бедно. За всю жизнь Вицин заработал две квартиры — одну из них, побольше, Георгий отдал своей дочке, а сам перебрался во вторую квартиру — хрущёвку в Староконюшенном переулке, где и жил весьма бедной и скромной жизнью. В последние годы жизни Вицин, одетый в старую заношенную одежду, любил ходить кормить голубей, предпочитая не общаться с журналистами.

Елена Метёлкина.

В завершении поста расскажу вам ещё об одной если не трагической, то весьма несчастливой судьбе советской актрисы по имени Елена Метёлкина — которую вы должны знать по ролям Нийи в фильме «Через тернии к звёздам» и сотрудницы института времени Полины в фильме «Гостья из будущего» — последняя произвела на меня в детстве неизгладимое впечатление, Елена в этой была очень красивой и эффектной и, пожалуй, сформировала во мне идеал женской красоты и грациозности)

Однако несмотря на звездные роли (фильм «Через тернии к звездам» в кинотеатрах посмотрело более 20 миллионов человек), несмотря на довольно успешную параллельную карьеру манекенщицы, Елена толком ничего не заработала, а ещё ей не повезло с личной жизнью, брак Елены оказался крайне неудачным — муж был «брачным аферистом» и пытался отсудить у Елены единственную квартиру.

Позже Елена Метёлкина оставила кино и карьеру манекенщицы, увлеклась религией, и по некоторым данным — сейчас работает в иконной лавке и поёт в церковном хоре в одной из церквей Москвы.

Такие дела. Как видите — если в развитых странах актёрская слава автоматически означала богатство и независимость, то в СССР слава часто приходила одна, а когда молодость и актуальность актёра проходили — про него быстро забывали, и часто артист доживал свои последние дни в полной нищете, государство просто выбрасывало его на обочину…

Напишите в комментариях, что вы обо всём этом думаете.

Мультипликация как искусство появилась на земле недавно — в конце ХIХ века, практически синхронно с кино. До этого детям приходилось довольствоваться кукольными шоу и театром теней, причем исключительно в «прямых эфирах». По крайней мере, пока бельгийский энтузиаст Жозеф Плато не представил публике стробоскоп, способный оживить несколько цикличных кадров и создать самую настоящую магию.

В 1892 году идею своеобразно развил Эмиль Рейно со своим изобретением праксиноскопа, при помощи оптических уловок превращавшего набор изображений в самое настоящее видео. Со временем это переросло в целое театральное действо, во время которого зрители могли десятки минут любоваться анимированным движением звезд. Это, по сути, ознаменовало дебют мультипликации — за три года до пришествия братьев Люмьер.

С момента появления мультфильмов в них поощрялся изобретательный подход авторов, лучшие аниматоры находились в постоянном поиске новых вариантов для превращения рисунков в живые истории.

Например, от зари времен и до наших дней свои фанаты есть у перекладной бумажной анимации. Ее особенность состоит в том, что главных действующих лиц вырезают из бумаги и легкими манипуляциями перемещают по кадру. Другие авторы экспериментируют с красками и стеклом: масло, в частности, сохнет достаточно медленно, поэтому написанные им изображения можно трансформировать в процессе съемок. Кто-то предпочитает отснимать необходимый материал вживую, а затем перерисовывать его. А самые изощренные мастера придумывают аниматроников, сложных роботов, чтобы использовать их в мультфильмах вместо рисованных актеров.

Но генерально, конечно, в массы ушел ограниченный ряд методов. Среди них — традиционная рисованная анимация, векторная 2D-анимация цифровой эпохи, трехмерные мультфильмы и подход стоп-моушен.

Рисованная анимация

Формальной ласточкой-дебютантом жанра стала лента «Фантасмагория», которую создал карикатурист и пионер французской анимации Эмиль Коль в 1908 году. Минималистичный мультфильм про персонажей, нарисованных белыми линиями на скупом черном фоне, получил название от классических театральных фантасмагорий. В них благодаря волшебным фонарям на сцену выводили проекции жутких монстров и декораций. Но технически детище Эмиля Коля разом переплюнуло предшественников: для его создания карикатурист за несколько месяцев сделал порядка 700 рисунков, которые затем сфотографировал в негативе и «сшил» в одно действо.

Чуть позже в дело вступил американский художник, автор первого формального комикса в истории Уинзор Маккей, для которого было не в новинку осваивать новые горизонты. Для начала он превратил в мультфильм собственную первую графическую новеллу «Маленький Немо», а чуть позже выпустил ленту «Динозавр Герти» с другим своим известным персонажем. Работы были визуально близки к «Фантасмагории» Коля, но куда более масштабными, на тысячи кадров.

Эти мультфильмы объединяла достаточно скупая анимация со схематичными героями, буквальным отсутствием цветовой гаммы и каких-никаких фонов. Работа и без того была кропотливая, ведь для создания секундного видеоматериала требовалось не менее 12—16 кадров — только в таком случае человеческий глаз может адекватно воспринимать серию минимально различающихся объектов и видеть в этом иллюзию движения.

Ситуацию изменила технология Cel, придуманная продюсером Джоном Рэндольфом Брэем и аниматором Эрлом Хердом. Новый подход предполагал работу с прозрачными целлюлозными листами, на которых можно было рисовать вариативные кадры с персонажами и иллюзией движения, не прибегая к кальке, а затем окрашивать их, накладывать на готовый фон и фотографировать. Подход правил бал до конца ХХ века, и следовали ему все гранды мультипликации: начиная с «Белоснежки и семи гномов» от Disney, «Аленького цветочка» от «Союзмультфильма» и заканчивая японским аниме.

Однако, несмотря на такие инновации, труд мультипликаторов продолжал оставаться чуть ли не каторжным, а малейшая ошибка в процессе обходилась совсем недешево: на этапе разработки каждый лишний кадр в анимации стоил куда дороже аналогичного дубля в кино.

Работали над новинками громадные команды художников по 50—70 человек, а рисовать каждый должен был в строго определенном стиле. Это же касалось и покраски. Поэтому перед стартом работы над очередным мультфильмом необходимо было строго определиться с его палитрой и в точности подготовить все раскадровки.

Цифровой подход к традициям и векторная 2D-анимация

К концу ХХ века, к счастью, жизнь мультипликаторов стала проще: появились компьютеры, а затем и планшеты, которые позволяли рисовать кадры в цифровом виде, править их с меньшими усилиями и окрашивать щелчком мыши. В 1979 году технологии на вооружение взяла студия Hanna-Barbera, известная мультфильмами «Медведь Йоги», «Скуби-Ду» и «Смурфики». Чуть позже к делу подключились и авторы из Disney.

И хотя многие художники того времени были против технологического прогресса, воспринимая компьютерные чернила как синтетические и искусственные, в начале третьего тысячелетия практически все студии мира перешли в цифровую среду. В 2001 году аниме Сатоси Кона «Актриса тысячелетия» стало завершающим большим художественным проектом в традиционном стиле для восточной школы, а в 2002-м компьютеризации сдались и последние из американских могикан в лице «Симпсонов».

В любом случае классические рисованные мультфильмы никуда не делись, просто стали требовать от авторов меньше лишних усилий. Еще больше ситуацию изменило появление векторной 2D-анимации: благодаря триумфу технологий художники получили возможность разбивать своих персонажей на комплекс объектов, движением которых можно управлять без необходимости каждый раз выводить новый кадр.

По такому принципу устроена, например, визуальная составляющая хитового проекта Adult Swim «Рик и Морти» или нового шоу отца «Симпсонов» Мэтта Грейнинга «Разочарование». Если раньше, для того чтобы безумный дед-изобретатель поднял брови, приходилось рисовать несколько новых кадров, то теперь художникам достаточно нажать несколько кнопок и запустить автоматический процесс, что экономит и человеко-часы, и бюджеты студий.

При этом, конечно, исключительно векторные мультфильмы имеют и ряд недостатков. Они выглядят недостаточно живо, потому что контуры слишком стандартизированы и не всегда способны впитать в себя индивидуальный подход, характер автора. В них куда меньше уникальных эмоций, отыгрышей и моделей в принципе, потому что производство каждого нового объекта требует больших усилий. К тому же дешевизна векторной графики тоже может сыграть плохую шутку: очевидно бюджетные проекты нередко отпугивают аудиторию.

Трехмерные мультфильмы

В то время как компьютерные двухмерные мультфильмы во многом продолжали классические традиции рисованной анимации, шаг в сторону 3D-картинки выглядел масштабным погружением в абсолютно новый мир.

Этот метод предполагает работу нового уровня: огромная команда кропотливо создает в трех измерениях декорации, разрабатывает модели персонажей и прорабатывает их мимику и жесты, подбирает движения губ под закадровый текст, вручает весь материал режиссерам, которые размещают героев в кадре, и, наконец, «снимается» мультфильм.

Пионером этого дела можно считать Джона Лассетера, трудившегося в 80-х на благо потомков Диснея в одноименной компании. Уже в то время мужчина заглядывался на продукты трехмерной анимации, в частности восторгался эффектами фильма «Трон». Неудивительно, что вскоре аниматор загорелся идеей реализовать подобный проект на базе студии и даже придумал идею мультфильма про одушевленные бытовые приборы.

Неготовые к таким экспериментам боссы Disney отвергли инициатора и выпустили фильм «Отважный маленький тостер» в привычном рисованном формате, а сам Джон ушел в Lucasfilm, где таки сделал то, о чем мечтал, — короткометражный трехмерный проект «Оловянная игрушка» на базе студии Pixar. Как результат — «Оскар», первый в истории 3D-анимации, и возвращение в Disney в ранге режиссера «Истории игрушек».

Приключения ковбоя Вуди и космонавта Базза Лайтера покорили всех по щелчку пальцев. И стали первым полнометражным компьютерным анимационным фильмом. Правда, стоило это колоссальной работы: команда из 27 аниматоров трудилась над четырьмя сотнями различных моделей, у которых были сотни точек артикуляции, вплоть до 723 для Вуди. Каждый кадр фильма тщательно отсматривали участники сразу восьми команд, а с особенным вниманием относились к синхронизации речи — на восемь секунд безукоризненной анимации авторы тратили неделю хардкорной работы.

В конечном счете сухая статистика впечатляет. На «Историю игрушек» ушло 800 000 машино-часов, или — понятным языком — 30 миллионов долларов, было создано 114 240 уникальных кадров. Для сравнения: у «Смертельной битвы» и «Плохих парней», которые вышли вместе с мультфильмом в 1995 году, бюджет был в районе 20 миллионов. Впрочем, «Истории игрушек» отбить вложения удалось: лента заработала в 10 раз больше.

Со временем 3D-анимация стала более доступной и тотально распространенной. Сейчас работать с ней позволяют себе не только гигантские корпорации вроде Disney, но и студии куда меньших масштабов. Популярен такой формат и в сфере многосерийных мультфильмов — те же хиты вроде «Маши и Медведя» или «Щенячьего патруля» созданы именно в трех измерениях.

При этом эволюционирует и сама графика — достаточно взглянуть на то, как впечатляюще выглядят последние проекты, скажем, мастеров из Pixar. Бюджеты тоже выросли: например, картина «Душа» 2020 года обошлась студии в 150 миллионов долларов.

Анимация стоп-моушен

Интересно, что возник этот метод еще до появления формальных рисованных мультфильмов, но следующую сотню лет он почти не менялся — даже развитие технологий вносило коррективы исключительно в частные рабочие процессы. Подход с самого начала предполагал создание кинопленки из серии фотоснимков с кукольными фигурками, глиняными или пластилиновыми моделями, положение которых меняется из кадра в кадр.

Считается, что первым стоп-моушен-фильмом был «Цирк лилипутов» Джеймса Стюарта Блэктона 1898 года производства. Ради него автор на время взял деревянные игрушки дочери своего компаньона и воспроизвел сцену похода компании детей в веселое шапито.

Лента в итоге оказалась утерянной, как и многие другие стоп-моушен-картины немой эпохи, но для своего времени она выглядела эффектно. Настолько, что товарищ Блэктона Альберт Смит рекомендовал автору скорее патентовать идею. Увы, этого не случилось: наивный Джеймс не увидел в ней особенной ценности.

Параллельно с этим изучал стоп-моушен-анимацию уроженец Российской империи Владислав Старевич (им восхищался даже Уолт Дисней), который в 1910 году выпустил рассказ «Луканус Цервус» о насекомых. Там режиссер использовал пустые панцири вместо живых маленьких существ, чтобы сэкономить свои силы. В будущем Старевич не один раз экспериментировал с кукольной анимацией и довел ее до совершенства — достаточно посмотреть мультфильм «Рейнеке-лис». Это один из самых масштабных ранних стоп-моушен-проектов и фактически вторая сохранившаяся кукольная лента после советского «Нового Гулливера».

В будущем творческий метод нашел себе место и в классическом кинематографе. Например, Уиллис О’Брайен стал настоящей звездой своего времени — благодаря ему ожили динозавры в «Затерянном мире» и сам Король обезьян в «Кинг-Конге».

При этом кукольная анимация была популярна в первую очередь в Европе и СССР (чего стоит хотя бы нетленный «Крокодил Гена») и почти полностью игнорировалась в Америке. До тех пор, пока на телевидении не появился фанат пластилинового действа Артур Клоки и его проекты «Шоу Гамби», «Дэйви и Голиаф». Во второй половине ХХ века и особенно в 80-х стоп-моушен заполонил вещание Штатов, использовался в рекламе и кино повсеместно, применялся при съемках музыкальных клипов разного рода артистов.

Потопила «титаник» кукольной анимации цифровая эпоха. Появление настольных компьютеров и планшетов сместило акценты: все чаще компьютерную графику предпочитали старомодному стоп-моушену. И хотя развитие цифровых камер способствовало упрощению рабочих процессов, остановить прогресс это уже не смогло.

Впрочем, большие авторы вроде Уэса Андерсона, Тима Бертона и Ника Парка не только не отвернулись от волшебных традиций прошлого, но и сохраняют их для узнаваемости собственного стиля. И это стоит того: переплюнуть обаяние «Острова собак», «Кошмара перед Рождеством» и «Уоллеса и Громита» кажется почти невозможным.

VOKA — это видеосервис, где каждый найдет что-то интересное для себя: фильмы и сериалы в HD-качестве и без рекламы, более 130 ТВ-каналов, премьеры новых эпизодов и сезонов одновременно со всем миром, live-трансляции концертов, спортивных матчей, контент собственного производства, а также удобные рекомендации по жанрам, настроению и новинкам.

Весь контент VOKA доступен к просмотру бесплатно для всех новых пользователей в течение первых 30 дней.

Спецпроект подготовлен при поддержке УП «А1», УНП 101528843.

Наш канал в Telegram. Присоединяйтесь!

Есть о чем рассказать? Пишите в наш телеграм-бот. Это анонимно и быстро

Перепечатка текста и фотографий Onlíner без разрешения редакции запрещена. ng@onliner.by