возобновилась спустя десятилетия в Колледже искусств Республики Коми
«Играет симфонический оркестр Училища искусств Коми АССР». Афиши с этой фразой, как и регулярные концерты юных музыкантов полвека назад, были обычным делом для сыктывкарской публики. Едва закончив школу, вчерашние воспитанники «музыкалки» садились в оркестр. Репертуар был несложным, зато в консерваторию сыктывкарские выпускники поступали с легкостью – сказывался наработанный в училище «взрослый» опыт. В 1980-е оркестр прекратил свое существование. В 90-е о возрождении не могло быть и речи. В «нулевые» годы инструменты, приобретенные в 60-70-х годах прошлого столетия, были уже в плачевном состоянии. Не было условий, не было кадров. А мечта об оркестре – была. Предшественник нынешнего директора Колледжа искусств Татьяна Колтакова впервые заговорила о восстановлении молодежного симфонического оркестра в 2015 году. Воплотил мечту Степан Кубик, возглавивший колледж два года спустя.
Лед тронулся
Благодаря федеральной программе Министерства культуры Российской Федерации и Министерству культуры, туризма и архивного дела Республики Коми, колледж обновил парк музыкальных инструментов. Да, это не скрипки Страдивари и балалайки Налимова, но в колледже появились даже такие редкие инструменты, как гобой и маримба. Такое масштабное обновление произошло впервые за последние сорок лет.
Первой ласточкой в возрождении симфонического оркестра стало открытие в Колледже искусств оперного класса.
– Это хорошо забытое старое: на заре деятельности училища в советское время были и оперный класс, и симфонический оркестр. Сейчас времена непростые: сокращены факультативы, вместо 54 аудиторных часов на профессиональную подготовку специалистов у нас есть только 36. Но многое с развитием технологий можно давать динамичнее, чтобы сосредоточиться на специальности. Приоритетом в подготовке исполнителей у нас остаются музыкальные традиции профессионального образования. Симфонический оркестр нам необходим для синтеза традиционного и нового: сохранения накопленного опыта и дальнейшего развития потенциала молодых музыкантов, – говорит заместитель директора колледжа по учебной работе Любовь Беззубова.
Постепенно в колледже решаются и проблемы кадров. Четыре года назад тенор Владимир Юрковский стал штатным сотрудником учебного заведения. Теперь он ведет сразу несколько дисциплин. Большое количество учебных часов – у художественного руководителя и дирижера симфонического оркестра Александра Титаренко. За подготовку духовиков отвечает Игорь Суровцев. Правда, некому учить виолончелистов, тубистов и фаготистов, а об арфе приходится только мечтать. И все же проект по созданию оркестра получил одобрение преподавателей. В этом году в колледж пришел преподаватель по классу гобоя, и сегодня десятки известных музыкантов каждый день передают свой опыт и мастерство студентам.
– Учебный план сформирован, мы создали творческую базу симфонического оркестра на основе образовательных программ струнников, духовиков и даже эстрадников, – рассказала заместитель директора.
В высшем учебном музыкальном заведении – консерватории – есть полноценный штат для подготовки студентов к сцене: концертмейстеры, дирижер, режиссер, помощник режиссера. Колледж таким штатом не располагает, поэтому сыктывкарским преподавателям приходится выполнять несколько функций.
– Кроме того, мы пытаемся сделать так, чтобы в наших спектаклях участвовали не только вокалисты, но и хоровики. Показы спектаклей всегда проходили под аккомпанемент фортепиано. А теперь – под оркестр. Да, у нас нет площадки, нам надо договариваться со сценами. Куда посадить оркестр? А зрителей?В двух аудиториях сложно разместиться, места мало, но главное, что лед тронулся, – говорит Владимир Юрковский.
Если бы не ковид
Ярким результатом работы оперного класса в последние годы стали три музыкально-театральные постановки – премьера опер «Волшебная флейта» Моцарта, «Джанни Скикки» Пуччини, которая стала лауреатом второй степени республиканского театрального фестиваля «Неделя театров в Прилузье», а также мюзикла Ирины Блинниковой «Голубая роза».
В мае 2020 года на выпускном вечере оперный класс и симфонический оркестр должны были показать «Валенсианскую вдову» Всеволода Задерацкого. Опера должна была стать премьерой: ее еще не ставили ни в одном театре мира.
– Это серьезные академические вокальные произведения. Их не все оперные театры ставят в силу сложности. Чтобы спеть арию Царицы ночи, нужна подготовленная, опытная певица, – говорит наставник вокалистов Владимир Юрковский. – Но для наших студентов мы адаптируем партии: сокращаем, переводим в музыкально-драматический ключ.
Репетировать в колледже и выступать на публике с марта было нельзя. Однако это не означало, что оркестр отдыхал. Все партии студенты сдавали по видео художественному руководителю Александру Титаренко.
– Конечно, это работа не вживую, но за это время сделано очень много. Правда, с ударными инструментами была катастрофа, – переживает педагог-ударник. – Звуковысотные ударные инструменты, такие как маримба, вибрафон, ксилофон, остались в классе, и у нас не было возможности заниматься на них. Но мы усложнили методы работы для развития техники игры на малом барабане, использовали и другие формы.
Главным подводным камнем ученических коллективов считается текучка. Студенты заканчивают колледж, уходят в оркестр, поступают в консерваторию.
– Уходят выпускники, приходят «желторотые» первокурсники. Только вокалист приобрел вокальную крепость – ушел, скрипач обучился – ушел. В учебном оркестре происходит постоянное движение, – продолжает Любовь Беззубова, – но нам помогают профессионалы и колоссальный энтузиазм творческих руководителей. В планах молодежного симфонического оркестра и оперного класса – и гастролировать, и вести грантовую работу. Хотелось бы пригласить для совместного выступления воркутинских ребят из нашего филиала. Не все решается финансами, у нас есть замечательные партнеры, без которых реализация проекта была бы невозможна: театр оперы и балета и драмтеатр всегда идут нам навстречу в предоставлении площадки, бутафорской части и костюмов.
Участники спектакля «Голубая роза».
На репетиции оперы Джакомо Пуччини «Джанни Скикки».
Почувствовать плечо соседа
– Оркестр создавался для того, чтобы ребята как можно раньше вступили на эту стезю, – объясняет Владимир Юрковский. По его словам, в последние годы вокалисты очень помолодели, и сегодня в 17 лет поют такие партии, которые раньше брали тридцатилетние.
– Зарубежные коллеги мне говорят: у нас нет таких детей. За рубежом начинают заниматься серьезным вокалом в районе двадцати и старше. В этом плане Россия уникальна: у нас серьезные партии поют и в пятнадцать. Мы ранние, несмотря на то, что голос продолжает развиваться. Но важно понимать, о чем ты поешь, понимание образа. И в этом плане оперный класс необходим. Мы работаем по завышенной планке.
Оркестр, убежден педагог, – это тот синтез, который создан для классики. В нем собираются вместе и духовики, и струнники, и ударники. Одно дело заниматься в своих классах и ансамблях, другое – играть «по-взрослому». Солистов среди выпускников будут единицы. Остальные пойдут в оркестр.
– Да, ты скрипач, да, но ты должен слышать ударные инструменты или валторну с другой стороны оркестра. Для этого он и создавался, чтобы ребята понимали, что такое профессиональная игра, и почувствовали плечо соседа, – говорит Владимир Юрковский.
Духовиков много лет подряд растит в колледже Игорь Суровцев, а само отделение – старейшее: существует с момента открытия учебного заведения в 1943 году. Создавалось оно за счет ссыльных музыкантов с консерваторским образованием из Москвы и Ленинграда.
– Вся жизнь советского человека проходила под музыку духового оркестра: праздники, похороны, награждения, проводы в армию, – вспоминает он. – Его отличие от симфонического – в мобильности. Духовой оркестр может играть и сидя, и стоя, и на ходу. Ему не нужна большая площадка, мы можем и в уголке постоять.
Теперь духовики могут показать себя не только на фестивале духовых оркестров, придуманном в колледже, но и в симфоническом оркестре.
– В оркестре без духовых никак – не зазвучит он без них. А для ребят это дополнительная практика. Чем раньше начнут – тем лучше для их роста, – считает Игорь Суровцев.
Александр Титаренко.
Владимир Юрковский.
Игорь Суровцев.
И Моцарт, и Rammstein
«Интересная жизнь началась в колледже». С такой фразы начал Александр Титаренко рассказ об оркестре. Причем интересно всем: студентам, преподавателям и руководству республики, которое поддержало начинание колледжа. Интерес студентов художественный руководитель поддерживает не только игрой «по-взрослому», но и репертуаром.
– Репертуар мы строим так, чтобы и молодежи было интересно, но в приоритете классический репертуар. А он у нас разнообразный: классика как основа всего, музыка современных композиторов, эстрадно-симфоническая, – говорит Александр Титаренко. – Готовим аккомпанирующий состав и академическому, и эстрадному направлениям.
А вообще мечты у худрука «колоссальные». Сейчас идет работа над симфонией Бородина си-минор «Богатырская», оркестр играет музыку Вивальди, Грига, Свиридова и одновременно работаем над репертуаром с вокалистами эстрадного отделения. Перспективы огромные: концертные программы, классические постановки. «Интересно было бы всю выпускную программу наших вокалистов исполнить под сопровождение симфонического оркестра», – добавляет Титаренко.
Но главное, что с появлением оркестра колледж задышал в одном ритме, ведь чтобы получилось что-то целостное, все отделения должны работать в едином контексте, цель которого – воспитывать талантливых исполнителей.
Полина РОМАНОВА
Фото Инны АЛЕКСАНДРОВОЙ и из архива Колледжа искусств
В Казани прошёл второй концерт XI Международного фестиваля современной музыки имени Софии Губайдулиной «Concordia». Сразу четыре музыкальные премьеры, прозвучавшие там, оценил обозреватель «Казанского репортера».
Приобщение к крупнейшему музыкальному событию дистанционно – становится нормой нашего времени. Вновь в Государственном Большом концертном зале имени Салиха Сайдашева – тщательный отбор тех, кто станет счастливчиком и услышит Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан вживую. Журналистам в такой привилегии отказано.
Чтобы сгладить ситуацию, Пресс-служба ГСО РТ делает всё возможное и невозможное для установления контактов с участниками «Concordia». Все беседы, о которых пойдёт речь в материале, прошли либо по телефону, либо через интернет-контакты. Иначе и быть не может: пандемия в самом разгаре и нельзя подвергать опасности тех, чьё творчество составляет славу не только российской музыкальной культуры. Вот и идут концерты при полупустых залах.
– Напоминает историю моего приезда в Казань, – улыбнулся художественный руководитель и главный дирижёр Государственного симфонического оркестра Татарстана Александр Сладковский. – Тогда, в 2009 году, в зале было ещё меньше народа. Но сейчас-то – это неизбежная ситуация, её надо просто пережить. Мне было бы обидно, если бы не было запретов никаких, а у нас были бы полупустые залы. От того, что разрешённая наполняемость пятьдесят процентов, музыканты не стали играть хуже. И самое потрясающее, когда полупустой зал принимает тебя так, будто там переаншлаг. Какой-то переворот картинки происходит. Гром аплодисментов такой, будто там не семьсот человек, а полторы тысячи.
Прозвенел третий звонок, под приветственные аплодисменты оркестранты заняли свои места на сцене под пристальным взглядом Софии Губайдулиной, взирающей с огромного портрета, и предводитель симфоников, взлетев на подиум, неспешно-вкрадчивыми движениями рук дал сигнал к началу.
Сказка, в которую попадают все творцы
«Поэма-сказка» – одно из ранних сочинений Губайдулиной по сказке чешского писателя Милоша Мацеурока «Мелок». Сюжет повествует о странствиях маленького кусочка мела, который дарит людям счастье встречи с волшебной красоты грёзами и видениями ценою собственной жизни: с каждой новой нарисованной им картиной он уменьшается и, наконец, исчезает вовсе. Переливчатая красота тембровой палитры и энергия музыкального движения рождают мысли об анимационном жанре, в котором «Сказка» Губайдулиной могла бы жить наиболее органично. Трогательный музыкальный рассказ о жертвенности художника Сладковский исполнил как-то особенно нежно и по-детски искренне. Уж он-то знает, что такое полная самоотдача.
– Даже металл стирается, – маэстро как никогда серьёзен. – Я раньше никогда не думал, что могу с этим сталкиваться. Чисто физически я никогда раньше не испытывал никаких трудностей. Вообще. А сейчас, если я за три недели сделал четырнадцать перелётов, то это как-то сказывается. В сентябре-октябре накопилось очень много работы. И вот – тревожный звоночек.
В середине октября во время проведения репетиции маэстро Александр Витальевич почувствовал недомогание. Медработники зафиксировали признаки гипертонического криза. Вечернее выступление пришлось отменить.
– В 2010-м или 2011-м году было нечто похожее: сердце внезапно чиркнуло, и тоже отменили концерт. И вот опять. Я совершенно не ожидал, что усталость внезапно так может проявиться, но когда почти двенадцать лет держишь эту штангу… Её поднять-то трудно, а уж удержать… Я же не сверхчеловек. А взятый оркестром уровень мастерства надо удержать. Да, у всего есть предел. А когда ты и себя заставляешь двигаться вперёд, и свой коллектив ведёшь за собой, то неизбежно теряешь силы. Это и произошло. В судьбе почти каждого артиста бывает, что он надолго уходит в тень, перестаёт выступать, а я-то себе этого не могу позволить. Я же не только дирижёр, я – руководитель. То, что мы имеем в Татарстане в отношении культуры – уникально. Мы же стали брендом. Нам многие российские коллективы завидуют. Я только что встречался с президентом, докладывал Рустаму Нургалиевичу о наших планах. Мы готовим в 2022 году огромное европейское турне – чуть ли не на месяц, нас ждут и Вена, и Берлин, и Кёльн… Без его поддержки наш коллектив не смог бы сделать такой колоссальный рывок. С таким вниманием со стороны руководства Республики мне в каких-то моих выгораниях признаваться стыдно. Это я говорю, как руководитель. А как артист… Да, иногда бывают какие-то неожиданные сбои. И я очень рад, что выбрался из этого. У меня нет никаких противопоказаний. Я смог встать за дирижёрский пульт. Концерт идёт на огромном подъёме, я сам себе очень нравлюсь, я опять почувствовал вкус и кураж.
О героях былых времён
«Гарольд в Италии», стоявший вторым номером программы, посвящён близкому другу Гектора Берлиоза поэту Гумберту Феррану, которому предположительно и принадлежит мысль избрать в качестве программы симфонического opus’a 16 поэму Джорджа Байрона «Паломничество Чайльд-Гарольда». Эта поэма была чрезвычайна популярна у молодёжи первой половины XIX века. Композитор решается уподобить альт меланхолическому мечтателю, который не может сбежать от самого себя и которого гонит с места на место демон мысли.
Произведение это не часто исполняется: уж очень сложная партитура, сразу становятся заметны все недостатки оркестра. Но татарстанские симфоники находятся на таком уровне, что им по плечу даже «Гарольд в Италии».
Юрий Башмет, солировавший в этот вечер, с юных лет пристально всматривался в героя Симфонии, с каждым новым исполнением отыскивая новые краски в произведении Берлиоза.
– «Гарольд в Италии» совсем не похож на другие программные произведения. В них всегда можно понять, в какой момент умирают герои. Например, в «Дон Кихоте» Рихарда Штрауса есть знаменитое глиссандо: услышав его, сразу понимаешь, что голова Дон Кихота упала на подушку, и он умер. Его история окончилась. В музыке есть тема смерти, ухода. В «Гарольде» нет точного момента смерти, нет никакой трагедии. Только один удар, говорящий о том, что всё кончено – героя нет. Но на него можно не обратить внимания. Гарольд – это образ, который переходит какой-то рубеж, после чего не важно, жив он или умер. Он как будто растворяется в каком-то океане, – некоторое время тому назад рассказывал Юрий Абрамович о своём прочтении этого музыкального повествования.
Четыре части романтической Симфонии приёмами тончайшей звукоизобразительности воссоздавали дикую природу и необузданные нравы Италии, душевное смятение Гарольда и его попытки слиться с окружающим миром. Маэстро Сладковский отточенными резкими движениями не только рук, но и всего корпуса визуализировал внутренний мир человека, одновременно воплощая безмерное одиночество и дух бунтарства. А в мелодии альта, тем временем, сквозь меланхолию и глубокую печаль, чуть заметно прорывались грёзы о счастье. В исполнении Башмета не было мрачного отчаяния, но присутствовали внутреннее спокойствие и невозмутимость.
Иным предстал герой симфонической картины «Граф Суворов» Антона Танонова, написанного в 2019 году для контрабас-балалайки и симфонического оркестра. Это – своеобразная притча о вечной борьбе добра и зла, бесконечной схватке порядка и хаоса – сражении, которое никогда не заканчивается.
– Гениальный русский полководец Суворов не проиграл ни одной битвы, – раскрывал свой замысел Антон Валерьевич. – Неукротимый новатор и реформатор военной стратегии и тактики – он для меня олицетворяет непобедимый русский дух, смекалку и волю к победе. Я очень уважаю Суворова. О нём забывают, а он разработал очень многие стратегические системы, которые до сих пор используются в армии. Всю его идеологию я и попытался вместить в свою музыку. А удивительный русский народный инструмент – контрабас-балалайка – душа этого произведения.
Солировал Михаил Дзюдзе – заслуженный артист России, один из основателей легендарного «Терем-квартета». Его называют Дон Жуаном, который странствует по миру с балалайкой. Наверное, в этом есть доля истины: Дзюдзе свойственны психологическая власть над покорённой им аудиторией, азарт охотника и вечная погоня за новым престижным призом, каковым для него становятся сердца слушателей.
Контрабас-балалайка – самый большой по размерам, самый мощный по динамике и самый низкий по тону музыкальный инструмент семейства балалаек. Она обладает солидным диапазоном звуков, в её распоряжении – две октавы, три полутона, но никогда инструмент не был сольным. Только в последнее время ситуация стала меняться. Во многом в этом заслуга Михаила Дзюдзе: начав сольную творческую жизнь после ухода в 2015 году из «Терем-квартета», он обратил на себя внимание современных композиторов.
В его руках – электронный контрабас-балалайка, сделанный специально для музыканта Артёмом Кукаевым, чья лаборатория музыкальных инструментов электроакустического направления завоевала популярность далеко за пределами России.
Мощная, обволакивающая мелодия, густая и вязкая, разрывалась то барабанной дробью, то невесть откуда вырастающими восточными мотивами, то имитацией ружейных выхлопов. Антон Танонов, успешно работающий и в академических жанрах, и в киномузыке, и в эстрадной музыке, словно рисовал звуками батальные картины. Чуть более десяти минут длилась эта музыкальная история, полная былинного героизма, передающая неизбывное благородство национального героя.
В старых ритмах
Михаил Дзюдзе ушёл за кулисы и вновь вернулся с уникальным инструментом, пережившим блокаду Ленинграда и уцелевшим во время войны. Это вторая контрабас-балалайка артиста. Создал её известный ленинградский мастер Иосиф Галинис ещё в 1937 году. Сам он умер в блокаду от голода и холода, но сохранил созданные им инструменты.
«Фильм-концерт», включённый в программу «Concordia», был создан в 2016 году. Но и как «Граф Суворов» прозвучал в Казани впервые. Его автор – Евгений Петров – плодотворно работает в разных жанрах – оперном, симфоническом, хоровом. Перу композитора принадлежат и яркие opus’ы для русских народных инструментов, и камерные сочинения.
– Сила, мужественность, воля, энергичность, настойчивость, регистровая глубина – этими словами можно было бы охарактеризовать звучание такого редкого сольного инструмента как контрабас-балалайка. Такими же качествами должна обладать и музыка, созданная для этого инструмента, – рассказывал историю создания «Фильма-концерта» Евгений Викторович. – В голове появились образы увлекательной погони, ощущения риска, опасности, остроты момента. Вспомнились яркие картины автомобильной погони из первого детектива моего детства – «Семнадцать мгновений весны», затем вестерны, которые мы с друзьями бегали смотреть в кинотеатр. Стали приходить волевые интонации, острые ритмы, и – началось сочинение концерта. Произведение получилось вполне кинематографичным, с разнообразными превращениями волевой темы вступления в волшебные орнаменты или протяжённую мелодию, с настойчивым стремительным бегом главной партии и с искренней лирикой побочной темы.
Это произведение Евгений Петров создал специально для Михаила Дзюдзе. Вдохновившись его исполнением, он посвятил свой opus уникальному музыканту, абсолютно киногеничная, магнетизирующая внешность которого, вероятно, сыграла не последнюю роль в определении сюжета музыкального полотна. Фантазийный и жизнеутверждающий, наполненный контрастами неустанно устремлённой вперёд жизненной энергии и созерцательно-лирических, мечтательных состояний «Фильм-концерт» пробудил ностальгические воспоминания об оптимистических треках советских киноисторий.
Третья казанская премьера – «Полифоническое танго» Альфреда Шнитке. Это заключительная часть коллективной сюиты «Pas ate quatre», созданного по инициативе Геннадия Рождественского в 1979 году. Сам он написал для неё первую часть – «Слоны и моськи», Эдисон Денисов вторую – «Вдоль по Пятницкой», Арво Пярт третью – «Silencer» и Альфред Шнитке четвёртую – «Полифоническое танго».
Рождённые в результате коллективного музыкального творчества произведения, по большей части имеют оттенок добротного анекдота. В «Полифоническом танго» мелодия надевает ехидную маску, балансируя на грани пошлости и изящества. Надо сказать, что этот танец в творчестве Шнитке часто выступает в облике своеобразного гротеска: пошловатое утрированно-банальное танго слышится в его Concerto grosso № 1, в кантате «История доктора Иоганна Фауста» в кульминационном эпизоде убийства дьявол-контральто исполняет арию в ритме танго, в абсурдистской опере «Жизнь с идиотом» танго оказалось идеальным для передачи мрачной, экспрессионистской атмосферы.
«Полифоническое танго» в исполнении Михаила Дзюдзе и оркестра прозвучало как откровение об извечной битве всепоглощающей страсти и неудержимой свободы духа. Шествуя по музыкальному многоголосью, где все голоса равноправны, контрабас-балалайка и оркестр вели философическую беседу об истине.
Под грузом тяжких размышлений
Завершала концертную программу мировая премьера – Симфония № 5 Александра Чайковского, посвящённая Александру Сладковскому.
– Я очень признателен за посвящение, я об этом не просил, – улыбнулся дирижёр. – Композиторы – они странные люди, что хотят, то и делают. Наверное, это посвящение появилось не просто так. У нас же огромная история взаимоотношений, больше двадцати лет.
– Мы давно дружим, Сладковский много играл моей музыки, в том числе очень удачно сыграл несколько моих Симфоний, и я решил, что Пятая должна быть посвящена ему, и хотел, чтобы он стал первым её исполнителем, – уточнил композитор. – И это уже третья попытка сыграть мировую премьеру. Сначала была идея сыграть её весной 2019 года, но почему-то не получилось, в прошлом году всё перенеслось из-за пандемии. И я ждал, хотя не был уверен, что сегодня это наконец случится. Я на репетиции первый раз услышал своё произведение. Играют замечательно. Самое интересное всегда бывает на репетиции. Поскольку я написал Пятую три года назад, то за это время я её уже забыл, и специально даже не смотрел в ноты, чтобы услышать её как не моё сочинение. Это было очень интересно. Когда второй раз играли, я начал вспоминать как я это писал, о чём я думал и что имел ввиду. Это большая удача, когда ты слышишь первое исполнение и понимаешь, что ничего не надо поправлять.
С первых тактов музыка погружает в жёсткую атмосферу макрокосма, где нервозность скрипичных, фатальность духовых и натиск ударных воссоздаёт столкновение внутреннего и внешнего миров. Волнение нарастает с каждой минутой. И разговор с самим собой обретает зримые образные черты. Оркестр заполняет полифоническим звучанием всё мыслимое и немыслимое пространство, в которое нет-нет да и прорвутся пронзительные воспоминания, меняющие направление мысли.
– Здесь никакой программы точно нет, – пояснил Александр Владимирович. – Четвёртую симфонию я написал в 2004 году и думал, что она будет последней. И больше десяти лет я к Симфониям не обращался. Пятую я закончил, кажется, в 2018 году, так как-то. Она – сплав пережитого. Мне почему-то захотелось написать её. Что-то накопилось в душе. Это и новые мои взаимоотношения с оркестром, и оркестровые идеи, которые мне захотелось воплотить, и жизненные впечатления. Здесь нет героя. Это настроения автора – где-то печальные, где-то возбуждённые, где-то пессимистические, где-то оптимистические. Это совсем не лёгкое сочинение и даже страшноватое в некоторых моментах. Я стал думать, что это моя последняя Симфония. Но вот недавно я, совершенно неожиданно даже для самого себя, написал ещё две. Это трудная штука, скажу я вам. Непонятно, какие толчки должны быть, чтоб написать Симфонию. Я даже не могу сказать, как это делается, как придумывается то, чего у тебя никогда не было. Но когда хочется попробовать чего-то нового, начинает закладываться фундамент Симфонии. Что касается театра, то для него я на девяносто пять процентов пишу по заказу, а Симфонии – это сугубо личностные вещи.
Мучительный поиск ответов на так до конца и не сформулированные вопросы обретали в музыке звуковой букет эмоций: струнные взволнованно о чём-то предупреждали, барабан грохотал, не сдерживая гнева, флейты взвизгивали пронзительным и свистящим тембром, призывала к ответу труба. Но едва вся эта гамма чувств, рождавшая у слушателей ощущение грядущего апокалипсиса, стихла, успокоилась, смирилась, и невесомо-прозрачный звон рояля даровал нам чувство усталой обречённости, как последовал новый полифонический взрыв оркестра, на сей раз окончательный.
И всё-таки я не удержался от банального вопроса о том, как живётся Чайковскому с его фамилией.
– Трудно. Сейчас стало как-то немножко легче, стали привыкать, но всё равно, – тяжело вздохнул Александр Владимирович. – А что сделаешь. Такая судьба вот. Так мне не повезло. Что я могу сделать? Так фишка легла…
В финале вечера, конечно же, прозвучала визитная карточка татарстанского Симфонического оркестра – «Стан Тамерлана», созданный Александром Чайковским, – безумное произведение с резким звучанием, фольклорной основой и увлекающими ритмами, которое взорвало Государственный Большой концертный зал имени Салиха Сайдашева такими же горячими овациями, какие звучали во всех залах мира, где выступал Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан, включая венский Musikverein.
Зиновий Бельцев.
Новая авторская колонка актера, режиссера и продюсера Сергея Жигунова посвящена работе над фильмом «Три мушкетера» 2013 года. Эта картина не была ремейком знаменитого советского мюзикла «Д’Артаньян и три мушкетера» 1978 года с Михаилом Боярским в главной роли на музыку Максима Дунаевского.
Сергей Жигунов выпустил свою версию «Трех мушкетеров» одновременно в двух форматах — как сериал и как полнометражный художественный фильм. В авторской колонке для ФАН Жигунов рассказал, как создавалась музыка к «Трем мушкетерам», которую написал известный советский и российский композитор Алексей Шелыгин.
Напоминаем, мнение, высказываемое в колонке, отражает видение автора и может не совпадать с позицией редакции ФАН.
instagram.com / @zhigunov_sergey
«Три мушкетера» и Лондонский симфонический оркестр. Колонка Сергея Жигунова
Процесс создания музыки к фильму — дело муторное. Особенно — если это «Три мушкетера» и над тобой простирает крылья тень Максима Дунаевского. Хочется как-то соответствовать. Как-то громче и быстрее. Споткнулись на теме дуэли — я хотел быстро. Композитор Леша Шелыгин написал. Аранжировщик, который делал партитуры, сказал:
«Ни один оркестр это сыграть не сможет, только если записать медленно, а потом ускорить, но такие фокусы всегда слышны». «А вдруг сыграют», — сказал я, и партитура ушла в Лондон. «Не сыграют», — сказал аранжировщик.
Шелыгин промолчал. Он верил в хорошее.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Лондонский симфонический оркестр — главный оркестр мировой кинематографии. Он записал музыку ко всем мировым кинохитам — к «Бондам», «Индиане Джонсу», «Звездным войнам» и так далее. При этом Лондонский симфонический оркестр не записывает музыку для сериалов. Когда я узнал об этом, было уже поздно — пришел отказ. Пришлось хитрить и говорить, что мы снимаем фильм, из которого потом сделаем телеверсию. Мне ответили, что этот вопрос должен решать руководитель оркестра.
«А кто у нас руководитель?» — спросил я. «Ну как же — Ее Величество», — ответили из Лондона.
И действительно, заглянув в интернет, я увидел, что оркестр находится под личным патронатом королевы Елизаветы II. После этого моя помощница накатала письмо королеве, и мы приготовились ждать. Сомнение было одно — не слишком ли много времени займет бюрократическая процедура?
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Но английская королева оказалась быстрее нашего министерства культуры. На третий день мне ответили, что, мол, в порядке исключения они готовы записать музыку к «Трем мушкетерам».
Забыл сказать — худсовет рассматривает партитуру и принимает решение, достойна ли эта музыка, чтобы ее исполнил такой оркестр, или нет. Собственно, в композиторе Шелыгине я не сомневался, но это был первый опыт для нашей страны — ни разу Лондонский симфонический оркестр не работал ни с советскими, ни с российскими кинематографистами.
Я, естественно, хотел, чтобы запись проходила в первой студии «Эбби-Роуд», где писались «битлы». Но директор оркестра сообщил нам, что 79 музыкантов, которые необходимы для записи фонограммы, не поместятся в этой студии, и предложил знаменитую Air-студию, которая находится в здании церкви, восстановленной после Второй мировой войны.
instagram.com / @zhigunov_sergey
Слева от входа в простой сосновой рамочке висит нотный лист, на котором карандашиком написана партитура для четырех инструментов и сверху наискось написано For Paul, а ниже Yesterday. Студия принадлежала Джорджу Мартину, продюсеру и аранжировщику The Beatles, — именно его рукой сделана запись на листе.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
При входе мы с Лешей Шелыгиным «споткнулись» об этот листочек и дальше идти уже не могли. А потом мимо нас проскочил мужик в темном матросском бушлате.
«Таак», — подумал я и прошел в студию.
Половины музыкантов еще не было, хотя до начала записи оставалось всего минут пятнадцать…
«Все как у нас, — подумал я, — смена с девяти, а камеры выключаем в 11».
И начал искать глазами мужика в бушлате. Он сидел за стеклом рядом с огромным старинным клавесином. Отпитая бутылка сухого стояла за клавесинной ножкой, мужику явно стало легче.
«Ты композитор?» — спросил он. «Нет, я режиссер», — ответил я.
Он мгновенно потерял ко мне интерес.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Я прошел в аппаратную, где уже сидел бледный Шелыгин, рядом с ним около огромного, как взлетно-посадочная полоса, пульта суетился какой-то тинейджер.
«Кто звукорежиссер?» — спросил я у директора оркестра. «Да вот же — Ник», — сказал он, показывая на тинейджера.
Я с сомнением начал рассматривать Ника, пытаясь определить, сколько ему лет. Настроение падало… Директор, верно оценив тени, бежавшие по моему лицу, заржал и сунул мне iPad. На экране была открыта фильмография Ника в виде картинок с названиями фильмов. Первый фильм мне ни о чем не говорил. Я почувствовал озноб. До начала записи оставалось минут восемь, но большей части музыкантов еще не было.
«Да ты дальше смотри!» — хохотнул директор и начал скроллить фильмографию.
Следующим фильмом значился «Шрек». Картинки быстро мелькали под пальцами директора, уже промелькнули «Гарри Поттеры» и все остальные «Пираты Карибского моря» — ничего слабее «Шрека» не появилось.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Экран остановился, и стало понятно, что последние четыре картины, где работал Ник, одновременно номинируются на «Оскар» (а всего номинантов было пять). Краем глаза я увидел, что Ник широко улыбается, видимо он привык к такой реакции заказчиков на его внешность. Двери студии распахнулись, и оттуда, как из вагона метро, посыпались музыканты. До начала смены оставалось четыре минуты.
«А когда они будут репетировать?!» — нервно спросил я директора оркестра.
Леша Шелыгин, и без того похожий на Вицина, мог бы в этот момент выступить дублером в сцене из «Кавказской пленницы», где гайдаевская троица тормозит грузовик. Оркестр заиграл. Без репетиций, в буфетных крошках и с похмеляющимся клавесинщиком. 79 музыкантов, как один человек, в этом немыслимом темпе, в котором, видимо, действительно нельзя играть.
Я, наверное, никогда этого не забуду.
Когда прозвучала последняя нота, величественный дирижер (его тоже звали Ник, Ник Ингман — он дирижировал оркестром, когда писали знаменитый «Титаник») повернулся в нашу сторону и спросил:
«Еще дубль?»
Это был провокационный вопрос, обращенный непонятно к кому. Он повис в воздухе, сделав ситуацию абсолютно нелепой. Дубль был не нужен. Это было потрясающе! Они играли с одного раза! Лучшие музыканты этой планеты. Мы потрясенно молчали, и Ник повторил вопрос.
«Нет-нет», — сказал Шелыгин. «Мне не надо», — сказал Ник-звукорежиссер. «Может быть вы?» — обращаясь ко мне еще раз спросил дирижер. «Нет, ну что вы…» — сказал я и, кажется, покраснел.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Добившись нужного эффекта, дирижер развернулся и объявил следующую композицию:
«Atos»!
Все перелистнули партитуру. В колонках аппаратной прошелестели нотные листы, и клавесинщик звякнул бутылкой беленького о ножку инструмента… Шелыгин звонил в Москву аранжировщику:
«Они записали с первого раза!»
В тишине лондонской студии стало слышно, как где-то далеко на родине кто-то сказал:
«Мать вашу!»
Но скандал на записи все-таки случился. В этом огромном интернациональном оркестре было двое русских — Валерий Гергиев и Роман Симович.
instagram.com / @zhigunov_sergey
Рома Симович сопел. На скрипке он играл божественно, а сопел — очень средне. Произведение называлось «Любовь Д’Артаньяна» — тончайшие микрофоны с одинаковым удовольствием записывали и немыслимые звуки, которые он извлекал из скрипки, и Ромино сопение. Звукорежиссер бился головой о пульт. Симович брал меня за рукав, отводил в сторону и жарким шепотом дышал мне в ухо:
«Скажи ему, ну не могу я по-другому, здесь столько чувства!»
Роман Симович был первой скрипкой и выдающимся музыкантом, он хотел как лучше.
«Да пусть сопит», — сказал я Нику.
В глазах у Ника была тоска. Но он был такой же виртуоз, как и Рома. Всю ночь после записи Ник вырезал Ромино сопение, в результате в фильме остались только божественная скрипка и большое чувство.
Еще одна маленькая история про музыку к мушкетерам и про Лондонский симфонический оркестр. Любовь миледи, женщины битой жизнью, требовала соответствующего музыкального решения. Шелыгин хотел необычный звук — что-нибудь экзотическое, какую-нибудь «такую» флейту. Так и написали в Лондон. Мол, какое-нибудь «такое» на усмотрение оркестра. Я так и не видел картину «Трудности перевода». Видимо, зря.«Milady in love», — произнес дирижер, оркестр встал и вышел.
Я подпрыгнул:
«Что случилось?!» «О, это ваша просьба об экзотическом звуке, — сказал директор оркестра. — Мы очень старались и нашли! Их всего трое в мире такого уровня. Хорошо, что один был в Шотландии».
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
В зал стремительно вошел невзрачный мужичонка со спортивной сумкой, из которой он быстро достал здоровый кусок бамбуковой палки.
«Что это?» — сказал Шелыгин. «Так я и говорю. Это шикахачи — трое в мире: два в Японии, один — тут!»
Я полез в интернет. Там было написано, что шикахачи (сякухати) — это флейта, которую выдавали самураям в обмен на меч, если они уходили в монастырь. Что, дескать, флейта появилась в Египте, потом в XIV веке как-то попала в Японию.
«А куда все ушли?» — спросил я. «Будем писать по одному», — сказал посерьезневший Ник. «То есть тему дуэли — с одного раза и очень подробно, а тут — по одному?!»
Стало совсем интересно.
«Можно?» — спросил я. «Да, пожалуйста», — ответил Ник.
Я побежал в зал.
Фото предоставлено Сергеем Жигуновым /
Мужик держал в руках здоровенную бамбуковую палку, в которой было всего четыре дырки. Я, конечно, помнил, что Бендер предлагал гнать самогон из табуретки — наверное, это возможно, но играть на этой штуке было нельзя ни при каких обстоятельствах! Мужик достал ноты. Там у него был какой-то фа-диез минор. Какой фа-диез минор на четырех дырках?
«Работаем», — скомандовал Ник.
Мужик дунул. Нота в ноту в этом самом фа-диезе. Звук рвал сердце. Через семь минут он закончил, взял сумку и уехал в Шотландию. Я до сих пор слушаю эту тему, и до сих пор непонятно — это играет человек или дует ветер?
Еще больше интересных подробностей этой истории в Instagram Сергея Жигунова.
$Плешакова Татьяна Борисовна – учитель музыки и самопознания
ГУ СШГ № 9, г.Актобе, Казахстан.
План-конспект урока музыки в 4 классе по теме:
«Как появился симфонический оркестр?»
Тип урока: изучение нового материала.
Цель урока: конкретизировать и расширить знания детей о симфоническом оркестре, создать на уроке условия для активного поиска информации.
Задачи:
-
Эмоциональное воспитание (воспитательные задачи):
Вызвать эмоциональный от$клик на новый учебный материал.
Формировать представления детей о роли музыки в разные времена.
Воспитывать в детях чувство прекрасного.
$ Воспитывать уважение и интерес к учебной деятельности.
-
Осознанное восприятие (образовательные задачи):
Предоставить стартовую презентацию по теме.
Предоставить материал и информацию о источниках для самостоятельного углубления в тему.
Сосредоточить внимание учащихся на определениях.
-
Деятельностно-практическое развитие (развивающие зада$чи):
Развивать умение внимательно слушать музыкальное произведение
Развивать словарный состав эмоционального настроения музыки
Продолжать учиться самостоятельно анализировать музыкальное произведение
Музыкальный материал:
1.Л.В.Бетховен. 3 симфония «Героическая»
2.А.Ермолов «Добрые сказки».
Зрительный ряд:
Презентация «Оркестр»
$Иллюстрации музыкальных инструментов.
Портрет композитора Л.В.Бетховена
Межпредметный связи: география, история мира.
Планирование деятельности:
-
Вход под музыку
-
$Беседа.
-
Объяснение новой темы
-
Слушание 3 симфонии Л.В.Бетховена
-
Элементы анализирования музыкального произведения
-
Разучивание песни.
-
Оценивание
Ход урока
-
$Организационный момент (цель – активизировать познавательную деятельность учащихся, настроить их на позитив)
-
Вход в класс кюй Курмангазы «Адай» или «Сары-Арка» в исполнении оркестра казахских народных инструментов (урок 2)
-
Музыкальное приветствие
-
Актуализация опорных знаний:
— под какую музыку вы сегодня вошли в класс?
$— кто автор этого кюя?
— в чьем исполнении звучал кюй Курмангазы?
— вспомните, что вы знаете об оркестрах?
$— какие оркестры вам известны?
— музыка в исполнении какого оркестра вам больше нравится? Почему?
II. Изучение нового учебного материала (Цель: узнать историю появления оркестра, почему он так называется? Выяснить знания учащихся инструментов симфонического оркестра. Расширить словарный запас музыкальной терминологии и эмоционального окраса музыки – экспрессивный, унисон, корифей).
Сегодня тема нашего урока «Как появился симфонический оркестр?» (cлайд 1)
$Внимание на экран. Мы отправляемся в путешествие в древнюю Элладу. Кто знает, где эта страна находится? Чем она знаменита?
Посмотрите на карту древней Греции. (слайд 2)
$Современная Греция очень популярная страна для туризма. (слайд 3)
А вот так и сейчас передают олимпийский огонь, который перед олимпиадой проносят через все страны, участницы олимпиады. (слайд 4)
Но нас интересуют сегодня не спортивные события и достижения, а театр, который впервые возник в 6-5 веках до нашей эры.
Древнегреческий театр представлял собой весьма внушительное сооружение, хотя и мало похожее на красивые театральные здания наших дней. Крыша театра в Элладе – открытое небо, зрительный зал – десятки каменных трибун, уходящих ярусами вверх, как на стадионе, сцена – похожая на арену: площадка без занавеса и кулис. А все вместе напоминает половину цирка. Театр огромен, на триб$унах размещается до двух десятков тысяч зрителей. Только интересно, что можно было услышать и увидеть в верхних рядах этого театра? Ведь в то время не было ни театральных биноклей, ни микрофонов?..(слайды 5 – 12, 13)
Удивительно то, что все было отлично видно и слышно! (слайды 14)
Чтобы увеличить рост, артисты привязывали к ногам специальные подставки – котурны (это что-то вроде обуви на платформе, только повыше). (слайд 15) Яркие выразительные маски, прикрывающие лица артистов, давали возможность зрителям понять, кто герой, кто злодей, кто мудрец, а кто глупец. А для того чтобы присутствующие хорошо слышали и понимали происходящее, в древнегреческом театре все время исправно работал «микрофон». Да-да, самый настоящий усилитель звука.
$Догадался какой?..
Ну, конечно, унисон – хор голосов, исполняющий одну и ту же мелодию. (слайд 16)
Повторите вместе, хором: «Унисон…»
$Текс, исполняемый таким хором, был для зрителей «звуковым увеличительным стеклом». Площадка, на которой располагался хор, называлась «ОРХЕСТРА».
Кто покажет на рисунке место, которое называлось «орхестра»? (слайды 13-15)
Интересно, что голоса хора поддерживал аккомпанемент небольшого инструментального ансамбля, который тоже звучал в унисон с хор$ом. Инструменты в этом ансамбле были разные и случайные. Ну а для того, чтобы музыканты не путались, а играли слажено, им помогал хорошо подкованный музыкант. То есть в полном смысле слова подкованный.
Этот музыкант был обут в сандалии с железными подметками и громко отбивал ногой ритм. Звали его уважительно – корифей. Постепенно название площадки «орхестра», где располагался хор и ансамбль, перешло на самих исполнителей, музыкантов.
Временем возникновения симфонического оркестра принято считать 16 век. Это было в Италии, затем во Франции и Германии. Формирование и становление современного оркестра связано со мн$огими музыкантами Европы. К рассвету творчества этого композитора, можно сказать, что симфонический оркестр уже принял современный облик. Вспомните, кто это? (слайд 17)
Показываю сначала портрет, а затем только подпись.
Этот оркестр по праву считается самым полным и совершенным по звучанию. Посмотрите, (слайд 18) сколько инструментов в этом оркестре. Именно так, как показано на этом рисунке принято рассажива$ться музыкантам в симфоническом оркестре, но не редко можно увидеть некоторые видоизменения при посадке музыкантов (слайд 19). Это зависит от руководителя оркестра. Как его называют? (дирижёр) (слайд 20)
Сейчас мы будем слушать симфонию №3 Людвига ван Бетховена. Запишите в тетрадь.
У этой симфонии есть и другое название – «Героическая».
Вы слушаете музыку, фиксируете название инструментов, которые услышите, ч$тобы определить состав оркестра и читаете информацию на слайдах об истории создания этой симфония (слайды 21-22).
Звучание, каких инструментов вы узнали?
В этом произведении вы могли услышать: 2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, 3 валторны, 2 трубы, литавры, скрипки, альты, виолончели, контрабас.
Музыка спасла великого композитора для всего мира. Музыка помогает и нам верить в прекрасное будущее. Сейчас мы послушаем песню Александра Ермолова «Добрые сказки». Слушаем, следим за текстом.
$Добрые сказки
Стихи М.Загота музыка А.Ермолова
1
Добрый и ясный,
Самый прекрасный
Мир, где живут без забот.
Солнечным светом
Сердце согрето –
$Сказка нас в гости зовет.
2
В мир приключений
Без исключений
Двери открыты для всех.
Если сумеешь –
В сказку поверишь,
$Ждут тебя радость и смех.
Припев:
А за окошком веселый месяц май
Строит нам глазки.$
И мы хотим танцевать,
И мы хотим рисовать –
Дайте нам краски.
Мы верим в светлые сны
И встретим день
Мы без опаски.
$И не страшна нам беда,
Ведь будут с нами всегда
Добрые сказки
3
В сказке чудесной
Добрая песня
У горизонта слышна.
Птицей весенней,
Флейтой волшебной
К нам прилетает она.
Припев.
4
Пусть гонит тучи
$
Ветер колючий,
Только мы знаем одно:
Что б ни случилось,
Добрые силы
Зло победят все равно!
Пробуем пропеть 1 куплет. Какое настроение создает эта песня? Какую бы иллюстрацию к этой песне вы бы нарисовали? Почему?
III$. Закрепление учебного материала (Цель – проверка понимания и осознание нового материала в виде письменной работы – на карточках)
На уроке сегодня вы узнали много новой информации. Ответьте на вопросы письменной викторины:
-
Где появился оркестр?
-
В каком веке и в каких странах мы найдем следы появления современного симфонического оркестра?
-
Кто такой корифей?$
-
Унисон — это …
IV. Домашнее задание:
Подготовить иллюстрацию на формате А-4 (А-3 не использовать) к одному из прослушанных произведений ( к тому, что больше понравилось или запомнилось), проговаривать текст песни самостоятельно дома, обращая внимание на дикцию и окончания слов – ть, т, х, й.
Оценки сегодня получили… (За активную работу, за точное интонирование песни, за особо яркий рассказ о впечатлениях от музыки)
$
Структурное подразделение, реализующее общеобразовательные программы дошкольного образования «Детский сад» государственного бюджетного общеобразовательного учреждения средней общеобразовательной школы имени полного кавалера ордена Славы А.И. Дырина п.г.т. Балашейка муниципального района Сызранский Самарской области
Музыкальная гостиная
«Знакомство с колокольчиком»
Музыкальный руководитель:
Трифонова Н. В.
2020 – 2021 г.
Музыкальная гостиная «Знакомство с колокольчиком»
Цель: знакомство с историей возникновения колоколов и колокольчиков на Руси, их разнообразием, особенностями звучания и строения.
Задачи:
Образовательные:
- формировать знания о колоколах и колокольных звонах на Руси;
- познакомить с историей колоколов и колокольных звонов на Руси;
- познакомить с устройством колокола и особенностями звучания, закрепить знания о стекле, дереве и металле.
Развивающие:
- Развивать умение с помощью орнаментов и узоров растительного предметного характера, используя симметрию в композиционном построении для украшения бумажного силуэта колоколов.
Воспитательные:
- воспитывать чувство любви и патриотизма к своей Родине, уважение и бережное отношение к традициям своего народа, знакомить с народной культурой России.
Интеграция образовательных областей:
- Познавательное развитие,
- Речевое развитие,
- Художественно-эстетическое развитие,
- Социально-коммуникативное развитие.
Методические приёмы:
- словестные: приветствие детей; загадки; рассматривание, рассказ; объяснение; постановка поисковых вопросов; положительный анализ деятельности детей;
- наглядно-слуховой: слушание колокольного звона; музыкально-дидактическая игра «Отгадай, какой колокольчик звучит»;
- наглядно-зрительный: показ Презентация «Колокола на Руси»;
- художественно — практический: физическая минутка.
Словарная работа: Активизация: Колокольчик (глины, металла и стекла). Колокол: уши, плечи, туловище, язык, колокольня.
Обогащение словаря: Благовест — «благая весть», колокольня. Звонарь, звонница, храм, символ державы и мощи духа русского человека. Колокольные мастера, Царь-колокол, дуга, артисты – скоморохи.
Формы обучения: индивидуальная, групповая, коллективная.
Оборудование:
- демонстрационный: колокольчики разных размеров и материала;
- наглядный: разные по величине, тембру колокольчики;
- раздаточный: колокольчики; шаблоны колокольчиков из бумаги, цветные карандаши, восковые мелки.
Ход занятия
Музыкальный руководитель: Здравствуйте, ребята. Я рада видеть вас всех в хорошем настроении! Пусть наша встреча принесет всем радость и много новых интересных впечатлений.
Музыкальный руководитель: Ребята, а я вам кое-что принесла! А что именно, вы узнаете, если отгадаете мою загадку:
1.
Он под шапочкой сидит,
Не тревожь его – молчит.
Стоит только в руки взять?
И немного раскачать,
Слышен будет перезвон:
«Дили-дон, Дили-дон».
2.
Голова об шапку – бом!
И на всю округу – звон!
Дети: Колокольчик.
Музыкальный руководитель: Правильно! Это колокольчик.
Достает колокольчик из шкатулки и читает стихотворение:
Колокольчик! Колокольчик!
На лугу со всех сторон.
Лёгкий — лёгкий, тонкий — звонкий.
Будто слышится мне звон.
Музыкальный руководитель звенит колокольчиком.
Музыкальный руководитель:
Колокольчик можно назвать одним из символов России. Он появился на Руси очень давно. И с тех пор колокольчик так прочно вошёл в нашу жизнь, и мы часто встречаем его.
-Вы знаете, где встречается колокольчик? (ответы детей)
— у коровы на шее (чтобы было легче искать, когда потеряется;)
— на корабле (колокол отбивает время);
— на рыбалке;
— в храме на колокольне;
— на двери (вместо звонка;)
— в школе;
— у клоуна на шапочке, на одежде (веселит людей);
— есть колокольчик музыкальный, он украшает музыку;
— есть колокол – памятник – Царь- колокол;
-ёлочные украшения в виде колокольчиков;
— колокольчик у лошадок на дуге;
Музыкальный руководитель: Вы молодцы, много вспомнили.
Приглашаю вас в музей на необычную выставку из удивительных колокольчиков. Попасть в этот музей нелегко, потому что находится он далеко, в древнем городе Валдае. Поэтому мы с вами посмотрим презентацию колокольчиков, иллюстрации, фотографии.
Музыкальный руководитель: Как же возник колокольный промысел? Первое упоминание о колоколах на Руси было более1000 лет назад. Первые колокола на Руси назывались «очепными, качающимися». Они покупались в Европе или отливались на месте иностранными мастерами.
Обратите внимание на нашу выставку колокольчиков, из какого материала они сделаны? (Ответы детей). Знаменитые мастера Валдая умели работать с металлом. Ходят легенды о том, что для изготовления колокола требовались вдохновение (настроение). Особый секрет. Валдайские мастера выходили на берег озера, где девушки пели мелодии. Поэтому форма колокола повторяла силуэты красавиц, а голоса колокольчиков – голоса девушек. Появился и постепенно стал единственным особый русский способ звона «в языки». Колокола начинают воспринимать как символ мощи Русского государства.
Дети садятся на стульчики и слушают (Архангельские колокола – праздничный звон.)
Мы на прошлом занятии рассматривали с вами картину. Как она называется? (ответы детей). Автор картины? (ответы детей). Вспомните, пожалуйста, чем украшена сбруя коней трех богатырей? (ответы детей). Правильно, бубенцами. Как вы думаете, из какого материала сделаны эти бубенцы? (ответы детей). Были еще ямщицкие колокола. Кто такие ямщики? (ответы детей). Ямщик, тройка, колокольчик, бубенчик – все это относилось к почте. Почтовые тройки использовались для перевозки не только почты, но и пассажиров, а также для катания на праздниках.
И. И.Макаров: Слышишь — мчатся сани, слышишь — сани мчатся.
Хорошо с любимой в поле затеряться.
Ветерок веселый робок и застенчив,
По равнине голой катится бубенчик.
Искусно отлитые и подобранные по тону колокольчики издавали «согласный» звон. Эти колокольчики называли «поддужные».
Звучит романс Б. Юрьева «Колокольчик».
Музыкальный руководитель: Вместе с нашим колокольчиком в гости пришли его братья – колокольчики:
— колокольчик глиняный (позвенеть им)
— колокольчик деревянный
— колокольчик хрустальный
— колокольчик маленький металлический
— Одинаковые ли звуки мы слышим? У каждого из них необычный голос. Потому что сделаны эти колокольчики из разного материала. Вы слушали внимательно? Давайте поиграем с колокольчиками в прятки, только спрячутся они и будут подавать свой голос, а вы поднимите карточку с тем колокольчиком, который вы услышали.
Музыкальный руководитель: Но колокольчики используются еще где (В оркестре, как музыкальный инструмент).
В среде ударных «самозвучащих» инструментов с определенным звуком –колокольчики занимают первое место по своему значению в оркестре. Колокольчики часто применяются в симфоническом оркестре.
Моцарт. «Волшебные колокольчики» .
Когда же возникает звук? Звук возникает, когда происходит очень быстрое движение воздуха вперед и назад. Это называется колебаниями. — А из каких частей состоит колокольчик? (купол и язык) Извлекаем звук из стеклянного стакана с помощью палочки, прекращаем. Рассматриваем колокольчик без «языка». Почему нет звука? Потому что нет ударов в стены купола.
Демонстрируется громкая и тихая игра с колокольчиком.
Музыкальный руководитель: Что вы заметили? Как звучал колокольчик?
Дети: колокольчик сначала звучал громко, затем тихо.
Музыкальный руководитель: А когда громче звучал колокольчик?
Дети: Когда сильнее его встряхивали.
Музыкальный руководитель: Интересно. Все ли инструменты умеют звучать громко и тихо.
Давайте попробуем. (Дети встряхивают колокольчики с разной силой).
Музыкальный руководитель: Как вы думаете, отчего зависят громкие и тихие звуки?
Дети: оттого как сильно мы раскачиваем колокольчик.
Так дети выясняют, что громкие и тихие звуки зависят от силы удара и свою причастность к происходящему. Мы с вами тоже умеем играть на этом удивительном музыкальном инструменте. Я предлагаю вам организовать творческий оркестр.
Музыкальный руководитель: Встанем все в ряд, как колокольчики на солнце горят!
Внимание, гости! Вам интересно, что сыграет детский оркестр?
(Дети исполняют импровизации на колокольчиках).
Игра с колокольчиками «Дили-дон»
Дети под музыку легко бегут по кругу, у каждого в руке маленький колокольчик, по сигналу дети останавливаются, ставят на пол колокольчик и поворачиваются в круг спиной, говорят слова:
Дили – дили — дили — дон!
Слышится со всех сторон.
Весело играем мы,
Звонче, колокол, звени!
Во время проговаривания слов водящий идет по кругу и одного из игроков забирает колокольчик и все весело звенят. Ребёнок, оставшийся без колокольчика, становится водящим.
Музыкальный руководитель: Ребята, наше занятие подходит к концу, я была рада провести это время с вами. Скажите, что вам сегодня показалось самым интересным? Что запомнилось больше всего? (ответы детей). А в память о нашей музыкальной гостиной, я хочу подарить каждому из вас колокольчик. (дарит каждому ребенку колокольчик)