Рассказ о реке десне

Десна река — Рыбалка там, где клюет!

Как клюет, кто клюет и на что клюет. Вести с водоема. Отзывы.
Вы в прошедшие дни побывали на рыбалке, не скупитесь, оставьте сообщение в этом разделе о рыбалке на водоеме — Десна река.

Прогноз клёва рыбы и погоды на водоеме Десна река

Температура воды в водоеме Десна река

Десна река находится в 18 километрах к северу от центра города Киев, на высоте 90 метров над уровнем моря.

Средняя глубина: 3.0 м
Наибольшая глубина: 17.0 м
Ширина: 200 м

Средняя продолжительность поездки на автомобиле от города Киев до реки, составляет около 29 минут.

Добраться до реки можно по дороге с твердым покрытием.

На реке рыболовство может осуществляться свободно и бесплатно. Но всё же, не пренебрегайте требованиями законов и почаще придерживайтесь принципа «поймал — отпустил».

Десна — большая река, протекающая в Европейской части России и по территории Украины, левый приток Днепра, самый длинный из его притоков. Длина реки — 1130 км. Устье реки Десна находится на севере от Киева, где она впадает в Днепр.
Происходит от древнерусского слова дєснъ — «правый». Название реки Десна означает “правая река”, правый приток Днепра, если идти по нему против течения.
Река не имеет исскуственных плотин на всей своей протяжённости. В связи с этим каждый год происходят значительные разливы рек, что обуславливает хорошие условия для нереста рыбы. Замерзает Десна обычно в первую декаду декабря, вскрывается в начале апреля. Весной, в половодье, она широко разливается. Продолжительность максимального разлива 8 дней, в отдельных углублениях, «блюдцах» поймы полые воды держатся до 20 дней. Также разливы влияют на создание многочисленных заливных озёр и стариц, которые соединяют данные озёра с рекой Десна. В таких деснянских старицах и озёрах хорошо ловится некрупная рыба.
В русле Десны водная растительность развивается слабо, а в пойменных водоемах достаточно сильно. Можно выделить три зоны: первую составляют водные растения (рогоза, камыш); вторая представлена растениями с плавающими листьявми (кувшинки желтые, лилии белые, гречка земноводная); третья – водяными растениями (разные виды роголистник, элодея и др.). Одна группа растений сменяет другую с изменением глубины. Из придонных животных зачастую наблюдаются личинки хирономид, моллюски, олигохеты, разнообразные насекомые на песчаных грунтах. Самого большого развития они достигают в июне, наименьшего – в апреле. С приближением к устью количество организмов в толще воды возрастает, как и их видовое разнообразие. Более всего их уже в мае, что имеет важное значення для питания рыб.

Для лучшего восприятия карты водоема ( Десна река ), Вы можете выбрать режимы просмотра карты: Спутник или Гибрид. Для переключения между спутниковым, гибридным видом и картой используйте соответствующие кнопки в правом верхнем углу карты.

Недавняя премьера — «Питер Пэн в Кенсингтонском саду» по мотивам Джеймса Мэтью Барри. Сценическое открытие ранее никем не поставленного текста может стать событием в отечественном театре для детей. Драматурги Роман Ильин (псевдоним Романа Феодори) и Ярослава Пулинович уходят от пьесы «Питер и Венди», предложив как бы предысторию сюжета. Рассказ о явлении «мальчика, который не хотел взрослеть» начинается задолго до знакомства с Венди, на страницах первого романа Барри «Белая птичка». Спектакль о том, как герой, застрявший между мирами, «ни то, ни сё», не птица и не человек, дух, соединивший материнское имя с подаренным феями именем Пэн (в некоторых переводах Пан — чертик, заклинающий духов игрой на дудочке) становится Питером Пэном.

Лауреат «Золотой маски» режиссер Роман Феодори умеет собрать вокруг себя замечательную команду мастеров. Его постоянный соавтор театральный кудесник Даниил Ахмедов создал сказочно красивое оформление и костюмы. Композитор Евгения Терехина сочинил партитуру, воплотившую магический Кенсингтонский сад в сплетении голосов эльфов, птиц и заблудившихся человеческих душ. Художник по свету Тарас Михалевский наполнил его воздух бликами летней ночи, грозовыми зарницами и световыми завесами, отделяющими мир людей от мира духов. Хореограф Татьяна Баганова, чей коллектив «Провинциальные танцы» занят в спектакле плотнее, чем артисты ТЮЗа, наделяет обитателей сада языком умопомрачительной пластики.

Жанр мистерии оправдывает поэтическое двоемирие сказки: мир людей, где герои говорят своими голосами, и потусторонний «фейный» мир, опетый безупречным хоровым многоголосием Квартета (хормейстер — Александр Жемчужников). Изобразительный строй восходит к кельтской мифологии и рождественским традициям. Феи из цветов превращаются в бабочек, птицеголовые жители Птичьего острова в траурных костюмах грозят Питеру скорой расправой, продавщица воздушных шаров парит в серебристом мареве, словно королева Маб, а золотая пыльца, возвращающая Питеру способность летать, напоминает о подарочных новогодних шарах.

Визуально роскошный спектакль прошивает тема отношений детей и родителей. В прологе женщины пишут письма ворону Соломону с просьбами о материнстве, письма становятся бумажными корабликами, плывущими по туманной реке в потусторонний мир, где оборачиваются птичками и детскими душами, которые ворон Соломон отправляет обратно в мир людей. И вот уже просительницы катят по аллеям сада колясочки с новорожденными.

Будущая мама Питера (Ольга Медведева) просит у ворона сына — особенного ребенка, которому она отдаст всю свою любовь. Бедняжка не понимает, о чем просит, и чего стоят ее обещания. Быть матерью Питера трудно, и она не выдержит испытания, досадуя на непослушного сына. Непоседа Питер не желает лежать в кроватке, и, улучив момент, когда мама выйдет из комнаты, вывалится в окно. В человеческом мире Питер представлен «душой» в виде планшетной куклы с ангельскими крыльями, которую водят четверо танцоров. Оказавшись в потустороннем мире, Питер теряет крылья и обретает человеческий облик (Сергей Молочков), не сразу избавляясь от кукольных снастей. Танцоры учат его заново двигаться и владеть собственным телом. Своенравный задира Питер освобождается от опеки и отправляется в путешествие по Кенсингтонскому саду, чтобы стать его полноправным обитателем, завоевать благосклонность фей и получить от них дар летать между мирами.

А мама, обнаружив пропажу дорогого сына, обреченно закрывает окно и снимает белье с кроватки в знак утраты. Такое решение вынуждает понимать уход Питера как гибель для мира людей. Питер уверен, что мама ждет его, но, вернувшись, обнаруживает, что заветное окно забрано решетками, а на руках у его мамы новый ребенок — нормальный человеческий младенец. Впрочем, Питер быстро утешится, когда рядом откроет окошко девочка Венди. «Так будет продолжаться все время, пока дети не разучатся быть веселыми, непонимающими и бессердечными» (Джеймс Барри. «Питер и Венди»).

В спектакле два героя — Кенсингтонский сад и Питер Пэн. Но главным содержанием становится то, как он сделан. В театральной технологии есть термин «чистая перемена», когда смена декораций и обстановки происходит на глазах у зрителей. Волшебные трансформации героев и предметов обретают убедительность благодаря театральной иллюзии, достигнутой почти без использования видео, которое тоже работает как театральное превращение: когда Питер покидает детскую через окно, вслед за ним улетают птички с оживших обоев (автор видео-контента — Яна Новикова). Плотность действенной ткани напоминает плетение персидского ковра, описывать калейдоскоп превращений так же непродуктивно, как сравнивать скорость восприятия визуального и вербального текста. Ежесекундные изменения картинки занимают все внимание зрителя, не давая ему опомниться. Постановщики нашли беспроигрышный способ удержать подростковую аудиторию в театральном зале, максимально нагрузив зрительное восприятие.

Исчерпывающих ответов, как и положено волшебной сказке, спектакль не даст

Авторы спектакля предлагают зрителю задуматься, почему Питер решает не взрослеть? На этот вопрос каждый отвечает самостоятельно в меру собственной фантазии. Мнения не совпадают, а спектакль, как и положено волшебной сказке, не дает исчерпывающих ответов.

Ленар Ахметов: «И если любая дорога в русской традиции — это прежде всего рассказ о человеке и его судьбе, то М7 — это еще и рассказ о судьбе больших и малых наций, их культуре и уникальности, их поисках, взлетах и поражениях»

«М7 — метафора евразийства»

— Ленар, на этой неделе в «БИЗОNе» открылась необычная выставка современного искусства под кодовым названием «М7 и новые кочевники», удивляющая буйством красок, форм, материалов и громких имен. Кто, как не вы, ее куратор и мотор, могли бы ответить: какова все- таки ее концепция?

— Для меня и, думаю, не только для меня М7 — это не просто дорога, это целая цепочка символов и знаков. Из Набережных Челнов в Казань, из Европы в Сибирь, из детства во взрослую жизнь. За всем этим мощнейшая история — и личная, полная эмоций и событий, и — если взглянуть пошире — история национальная, евразийская, российская. Путь, обочина, переход, стоянка, «обгон запрещен»… Помимо прямого значения все дорожные образы — точный аналог образов философских и метафизических.

Не так давно трассу М7 называли дорогой смерти: так много было здесь аварий из-за узкого дорожного полотна в ямах и рытвинах. Это тоже невозможно забыть, это навсегда в нашей памяти. Высокие скорости, великие реки, пыльные города. Узкие ручейки примыкающих дорог, ведущих к соседним деревням. Мешки кукурузных палочек, клюква и белые грибы, ведрами продающиеся на обочинах.

М7, как известно, — это основная федеральная трасса, соединяющая европейскую часть России и Сибирь, ключевой маршрут, проложенный через три области, три республики и семь рек, среди которых Волга, Ока, Кама и Белая. Развитие путей сообщения в восточном направлении идет с XII века, и эта дорога имеет вполне конкретную протяженность не только в пространстве, но и во времени: от Узбек-хана, декабристов и других ссыльных до многоуровневых развязок и заправок с кафе и стиральными машинами.

И если любая дорога в русской традиции — это прежде всего рассказ о человеке и его судьбе, то М7 — это еще и рассказ о судьбе больших и малых наций, их культуре и уникальности, их поисках, взлетах и поражениях. М7 — метафора евразийства, упорно пытающегося сохранить культурный и духовный код территории в водопаде мирового глобализма.

Поэтому в экспозиции нет пейзажей, летящих за автомобильным стеклом, нет запечатленных достопримечательностей и злобы дня. Художники исследуют культурные и исторические кейсы своих народов и их место в современном цивилизационном процессе. Обращаясь к национальным корням, мы пытаемся вспомнить ту методологию связи с природой и космосом, которой обладали наши предшественники, найти тот магический кристалл, что позволит сохранить духовные сокровища предков в жестком сугубо функциональном мире высоких скоростей и big data. И самое главное — увидеть будущее национальных культур в эпоху глобализации.

— А что это за будущее, на ваш взгляд? Вы прогнозируете расцвет национальных культур или их размытие и утрату в результате мировых интеграционных процессов, заданных извне тем и трендов?

— Прогнозы — это не моя специальность, но, безусловно, угрозу для национальных культур в мире глобализации невозможно не видеть. Вспомним хотя бы о том, что будущее, по прогнозу одного из идеологов «нового мирового порядка» Жака Аттали, принадлежит «новым кочевникам», для которых характерен полный разрыв с какой-либо территорией, нацией, семьей и культурой. Это грядущая мировая космополитичная элита, которая проводит жизнь в бесконечных путешествиях по всему миру, зарабатывая удаленной работой и нигде не задерживаясь подолгу. В этой новой социальной форме человек будет носить на себе и в себе все, что составит его социальное значение. «Магнитная карточка станет подлинным „протезом Я“ человека, открывающим ему доступ к универсальному рынку», где можно купить разного рода удовольствия точно так же, как искусственные органы и характеристики будущих детей.

Помимо новых кочевников в постмодернистском мире Аттали предвидит появление «бедных бродяг периферии», которые тщетно стремятся перейти от замедленного к ускоренному миру и ведут «жизнь живых мертвецов». Этот культурный каннибализм, по Аттали, в пределе создаст ситуацию, когда «сам человек превратится в кочевой предмет». «Со вставленными в него искусственными органами он станет и сам искусственным существом, которое можно будет купить или продать, как любой другой предмет или товар», — говорит Аттали.

Вдохновляет ли такой образ будущего? Наверное, на этот вопрос каждый должен ответить сам. Выставка «М7 и новые кочевники» — это коллективное размышление о взаимоотношениях разных наций и народов на перекрестке высокоскоростных магистралей и цивилизационных магнитных полей, о выборе своего пути в эпоху глобализма. 

«Выставка «М7 и новые кочевники» — это коллективное размышление о взаимоотношениях разных наций и народов на перекрестке высокоскоростных магистралей и цивилизационных магнитных полей»

«У каждого из 23 участников выставки свой художественный мир и своя борьба»

— Расскажите, пожалуйста, об участниках выставки. Что объединяет этих художников?

— Участниками выставки «М7 и новые кочевники» стали художники из больших и малых населенных пунктов, находящихся на этой трассе: Казани, Набережных Челнов, Уфы, Чебоксар и так далее.

У каждого из авторов выставки свой непростой творческий и исследовательский путь. Спектр художественных поисков очень разнообразен: от неопримитивизма и переосмысления религиозных и фольклорных образов до модернистских и постмодернистских течений, от минимализма до цифровых произведений. Многие из участников выставлялись за рубежом: в США, Канаде, Франции, Японии. Расих Ахметвалиев, например, несколько лет работал в Париже, сотрудничая с крупными галереями.

Татавангард представлен на выставке авторами, входящими в известные художественные объединения «Чингисхан» (Уфа) и «Тамга» (Набережные Челны). А известный чувашский художник Праски Витти раскрывает космогонию народа через детали национального костюма, где красные серебряные детали не просто украшают, но и защищают от болезней и бед, ибо злые духи, по народному поверью, боятся красного цвета и звона серебра. В свою очередь, поколение художников, рожденных в городах, в эпоху пластика и «цифры», создает искусство, свободное от традиционных материалов, но живущее на фундаменте богатого этнического опыта, познающее свои корни через городские музеи и тематические блоги. Они работают в видео-арте, с перформансами, но сохраняют тот же вектор развития.

— Насколько похожи работы участников выставки?

— Абсолютно разные. У каждого из 23 участников выставки свой художественный мир и своя борьба. Среди представленных на выставке художников татарского авангарда много тех, кто уже стал классиком. Например, Хамза Шарипов, основатель и лидер группы «Тамга». У него на выставке представлены очень стилизованные работы. Он окончил текстильный факультет академии Штиглица, и у него работы из ткани, склеенной в особой технике интарсия. Если раньше это делали на бумаге, то он — по ткани с отсылкой к раскопкам Пазырыкских курганов.

Хотелось бы рассказать о каждом участнике выставки, но, к сожалению, информации будет, наверное, слишком много для неподготовленного читателя. Однако на сайте галереи уже можно прочитать о каждом из художников.

Они очень разные, глаз не замыливается. Например, видишь орнаментальные яркие композиции Ильдара Гильманова и сразу понимаешь, что они татарские. Работы пестрые, сразу создают атмосферу праздника. А когда я смотрю на работы Рината Харисова, вспоминаю свое детство, бабушку и деревню, которая сейчас умирает. И невольно уже возвращаешься к истокам, когда все было хорошо, все были живы. В принципе, у Мадияра Хазиева тоже прослеживается эта тема.

Или Айрат Терегулов. Он копает уже больше в доисламскую сторону. В его работах чувствуется что-то первобытное. Наверное, это объединяет вообще всех людей. Инстинкты сидят просто в каждом. Работы Василя Ханнанова воспринимаются как инсталляция, потому что он к холсту пришивает старые аутентичные полотенца, и они становятся частью современного искусства.

Хотел бы особо отметить Зиннура Минахметова. У него представлены в экспозиции четыре листа, сделанные масляной пастелью. Это большие композиции 1×1,2 метра. Такие поля, в которых находятся совершенно гармоничные сочетания цветов, очень современны. Мы видим и архаичность, и сегодняшний день. Он просто невероятно сильный художник, мирового уровня, наверное, один из самых востребованных сегодня. Я считаю, что нам очень повезло, что он согласился участвовать. Из-за пандемии сейчас он забаррикадировался, и нам, к счастью, удалось его вырвать из берлоги.

Когда я стал думать о том, кто должен стать участниками выставки, и обсуждать это с художниками, начался такой дикий ажиотаж! Все говорили: «Давай вот этого возьмем, вот того подключим». И, по сути, на выставке сейчас представлены самые топовые имена, которые есть на сегодняшний день. Невозможно было отказаться, не включать этих художников.  

В итоге выставка «М7 и новые кочевники» разрослась до 83 работ, и это мы еще треть не уместили. Причем это такие самые-самые художники, известные, реализовавшиеся. Но, что интересно, они в таком составе никогда не выставлялись ни на одной площадке. Даже «Тамга» и «Чингисхан» — это две разные группы, которые не смешиваются. А тут мы увидим их на одной площадке. И рядом — цифровое искусство, ведь современные проблемы требуют современных решений. Это мы увидим в работах Нелли Акчуриной и Айдара Закирова.

Раньше художники пытались сохранить свою этническую идентичность материальными способами, а сейчас, в цифровую эпоху, художники пытаются сохранить себя в цифровом формате. Мне кажется, искусство перформанса и видео-арта сегодня как никогда актуально, потому что всю информацию мы получаем через интернет. И, думаю, вопрос сохранения своей идентичности стоит именно так: если мы сохраним себя в цифровом формате, то сохраним и в физическом. Сегодня такая ситуация.

«У меня вообще накопился колоссальный опыт в плане организаций выставок. Еще будучи студентом, знал многих выдающихся художников, изучал их»

«Мне не хотелось делать смешанный винегрет, а, наоборот, хотелось цельности»

— Ленар, вы известный художник, но здесь выступаете как куратор. Почему решили сменить амплуа? И будут ли на выставке ваши работы?

— У меня вообще накопился колоссальный опыт в плане организаций выставок. Еще будучи студентом, знал многих выдающихся художников, изучал их. Я окончил художественно-графический факультет пединститута в Набережных Челнах. И у нас было много искусствоведческой работы. Потом я делал групповые выставки молодых художников, будучи студентом, и свои персональные. Мне было интересно собирать единомышленников среди молодых. У нас проводился проект «Арт-Эволюция» в нулевых годах. Собирали авангардные работы. Это было противостояние классическому искусству, которое нам преподавали в институте, в очень жесткой форме. Случались и конфликты с преподавателями, разборки на открытиях выставок с педагогами. Это была такая яркая страница юности.

В дальнейшем я понял, что мне очень нравится делать такие проекты. Для меня равно интересны разные художники из разных городов. Сейчас жизнь предоставила мне возможность сделать такой проект — и я рад, что смог собрать вместе яркие работы авторов из разных творческих объединений, разных городов и разных поколений.

— По поводу ваших работ: будут ли они на выставке?

— Да, будут. От проекта «Дежавю» одна работа, «Мать», посвященная тюркской легенде о происхождении тюркских народов, «Карга боткасы». Первые две работы сделаны в технике татарского шамаиля. Точнее, я отталкивался от этой техники, но использовал немного другие методы рисования. В данный момент я выставляю именно эти работы. Хотя думал о другом проекте, но там акрил на холсте, а подобной техники на выставке будет много. Потому я решил не добавлять свои работы, чтобы экспозиция стала более разнообразной.

«На выставке в «БИЗОNе» мы тоже обязательно сыграем вместе со зрителями!»

— По какому принципу вы отбирали свои работы и работы художников?

— Как я уже говорил, мы провели тщательный отбор. Я в основном брал работы проектные. Мне не хотелось делать смешанный винегрет, а, наоборот, хотелось цельности, чтобы художник выставлял какой-то определенный проект. Такой был главный критерий. Ну и, конечно, особое внимание уделялось медиумам: у нас есть работы в технике батик, акрил, холст и масло, шариковая ручка, пастель. Также представлены скульптуры Аделя Халиуллина, арт-объекты Ильдара Гильманова. Я тоже отправил две. Первая — деревянная скульптура «Степная Мадонна». Я ее делал в Удмуртии на симпозиуме. Там у меня сам собой образовался проект, где я делаю деревянные объекты из собранной в заброшенных домах утвари. Я нашел корыто, добавил другие предметы, переработал, что-то поменял и сделал совершенно новый объект. Он похож на балбалы, только не каменный, а деревянный. Такая отсылка к архаичным памятникам тюркской истории. Я смешал в ней финно-угорский и тюркский дух. Оставил текстуру древесины, где-то затонировал, сохранил все трещины, дефекты.

Второй объект — «Тангыра» — создан в 2018 году. Мы тогда должны были сделать финно-угорский проект, связанный с музыкальным инструментами. И опять из бытовых доступных объектов я решил сделать предмет, из которого можно было бы извлечь звук. Мы обнаружили старые ступы. Их было много, разных размеров и форм. Нашли жерди. Почистили, обработали, собрали. Получился такой ударный инструмент. Сыграли на нем вместе с музыкантами и местными бабушками. Теперь этот объект — достопримечательность села Булай Увинского района. На ней уже много народу поиграло за эти годы, прямо видно много-много маленьких вмятин от ударов. На выставке в «БИЗОNе» мы тоже обязательно сыграем вместе со зрителями!

— Как давно появился видео-арт в Поволжье? Насколько этот жанр вообще заботит современных художников?

— Знаете, с видео-артом у нас вообще совершенно интересная ситуация. Во-первых, он у нас не шибко сильно развивался. Этот процесс наиболее развит у финно-угорских народов. У нас же даже споры были с художниками, моими друзьями. Я говорю: «Надо делать видео-арты». Они отвечают: «А зачем это надо? Это же кино». Потом я видел много вариаций, как пытаются сделать видео-арт, а он похож на рекламный ролик. Ну зачем тратить время, надо же монетизировать все, делать иррационально не стоит. В принципе, вот разница между тюрками и финно-уграми. В том, что мы рациональные, а финно-угры иррациональные. Они снимают ради того, чтобы снимать, и закладывают просто какие-то более тонкие аспекты видео, которые коммерчески никак не привлекательны. И несут совершенно другую нагрузку, больше культурной среды.

Глядя на удмуртов, наши художники стали перехватывать этот момент. Кстати, видео-арт Нелли Акчуриной был сделан в Удмуртии этим летом. Она нашла материал для него в старом доме, где раньше жили две бабушки. Они умерли, их дом закрыли. Но вещи бережно уложила и сохранила их соседка Таисия Леонидовна. Видео-арт основан на этих предметах, которые были там, в этом доме. Он очень трогательный, обращается к памяти этих двух бабушек, которых, наверное, все бы забыли, если бы Нелли просто не обратилась к ним с благодарностью за то, что они все сохранили.

«На этой выставке вы получите хороший солнечный заряд. Этого не было в концепции — это проявилось уже в процессе развески экспозиции»

— Если бы вас попросили охарактеризовать новую выставку двумя словами, вы бы сказали…

— Тепло и солнечно. Сейчас самое темное и холодное время года, когда все выглядит довольно депрессивно. А на этой выставке вы получите хороший солнечный заряд. Этого не было в концепции — это проявилось уже в процессе развески экспозиции. Наверное, это тот дар, который, несмотря ни на что, несет в себе искусство, связанное с культурным кодом нашей земли и нашей дороги.

— «Хороший солнечный заряд» — звучит удивительно позитивно на фоне ваших предыдущих пугающих размышлений вокруг идей Аттали, одного из современных конструкторов «нового дивного мира». Будем считать, что вопреки тревожным трендам современной цивилизации (которые мы особенно остро ощутили в эпоху ковида, «куаризации» и прочих новаций) именно современное искусство дает нам шанс и надежду.