- Академи́ческая му́зыка — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.
В тех или иных конкретных случаях конфликт композиторов-академистов XX века, особенно принадлежащих к авангардным течениям (например, Джона Кейджа или Карлхайнца Штокхаузена), с музыкальной традицией прошлого может быть очень резким, но это именно конфликт (предельно напряжённый диалог), тогда как иные типы современной музыки — от поп-музыки до джаза — с классической европейской музыкальной традицией почти не взаимодействуют.
Впрочем, те или иные эксперименты по скрещиванию академической музыки с разными другими традициями предпринимались на протяжении всего XX века: от созданного Джорджем Гершвином гибрида классики и джаза до записей в сопровождении симфонического оркестра (симфо-джаз), использования симфонического оркестра в рок-музыке (симфо-рок, симфоник-метал, симфо-блэк-метал и т. д.) или с иными заимствованными у «академистов» элементами исполнения, практиковавшимися многими рок-группами.
В более широком смысле слова академической музыкой можно считать ту, что написана, исполняется и изучается в среде музыкантов с академическим музыкальным образованием, сложившимся в XX веке из классических музыкальных традиций, но существенно отошедшей от них в сторону рациональных принципов организации музыкального материала.
Концепция развития концертной деятельности в области академической музыки в Российской Федерации на период до 2025 года определяет академическую музыку как «совокупность музыкальных жанров профессионального музыкального искусства письменной традиции, возникших и развивающихся на основе универсальной системы музыкального языка, вбирающей в себя традиции всех национальных школ и являющейся достоянием мировой музыкальной культуры».
Источник: Википедия
Связанные понятия
Ка́мерная му́зыка — музыка, исполняемая небольшим коллективом музыкантов—инструменталистов и/или вокалистов. При исполнении камерного сочинения каждую партию исполняет, как правило, только один инструмент (голос), в отличие от оркестровой музыки, где существуют группы инструментов, играющих в унисон.
Струнный квартет — жанр академической музыки, произведение для четырёх смычковых инструментов (как правило — двух скрипок, альта и виолончели), а также музыкальный коллектив соответствующего состава, исполняющий такие произведения. Струнный квартет — наиболее распространённая разновидность квартета, хотя пользуются популярностью и некоторые другие составы (фортепианный квартет, квартет деревянных духовых).
Аутенти́зм, аутенти́чное исполни́тельство (от позднелат. authenticus «подлинный, достоверный») — движение в музыкальном исполнительстве, которое ставит своей задачей точное воссоздание звучания музыки прошлого, соответствие современного исполнения оригинальным («историческим») представлениям.
Симфони́ческий орке́стр — большой коллектив музыкантов для исполнения академической музыки, преимущественно западноевропейской традиции. В основных чертах (количество групп, состав инструментов) сложился в эпоху ранней венской классики в связи с появлением нового крупного жанра — классической симфонии (отсюда специфическое название). Позднее «симфонической» стала называться вообще любая музыка для данного инструментального состава — в том числе и созданная композиторами мировых национальных школ…
Ка́мерный орке́стр — небольшой коллектив (обычно, 4-12 человек), исполняющий камерную музыку.
Симфони́ческая му́зыка — понятие, характеризующее и объединяющее широкий спектр музыкальных форм и жанров, которые обладают специфическими признаками, атрибутивными свойствами и важнейшими внутренними качествами симфонизма.
Кварте́т — музыкальный ансамбль из 4 музыкантов, вокалистов или инструменталистов.
Орке́стр (от др.-греч. ὀρχήστρα орхестра, площадка для хора в античном театре) — большой коллектив музыкантов-инструменталистов. В отличие от камерных ансамблей, в оркестре некоторые из его музыкантов образуют группы, играющие в унисон.
Виолонче́ль (итал. violoncello, сокр. cello; нем. Violoncello; фр. violoncelle; англ. cello) — струнный смычковый музыкальный инструмент басового и тенорового регистра, известный с первой половины 16 века, такого же строения, что и скрипка или альт, однако значительно бо́льших размеров. Виолончель обладает широкими выразительными возможностями и тщательно разработанной техникой исполнения, используется как сольный, ансамблевый и оркестровый инструмент.
Фортепианное трио — камерный ансамбль в составе фортепиано и, как правило, скрипки и виолончели, а также произведение для такого состава инструментов.
Анса́мбль (от фр. ensemble «вместе, множество») — совместное исполнение музыкального произведения несколькими участниками и само музыкальное произведение для небольшого состава исполнителей.
Скри́пка (от скрип it. violino) — струнный смычковый музыкальный инструмент высокого регистра. Имеет народное происхождение, современный вид приобрела в XVI веке, получила широкое распространение в XVII веке. Имеет четыре струны, настроенные по квинтам: g, d1,a1,e2 («соль» малой октавы, «ре», «ля» первой октавы, «ми» второй октавы), диапазон от g («соль» малой октавы) до a4 («ля» четвёртой октавы) и выше. Тембр скрипки густой в низком регистре, мягкий в среднем и блестящий в верхнем.
Конце́рт (нем. Konzert от итал. concerto — гармония, согласие и от лат. concertare — состязаться) — музыкальное произведение, чаще всего для одного или нескольких солирующих инструментов с оркестром. Существуют также концерты для одного инструмента — без оркестра, концерты для оркестра — без строго определённых сольных партий, концерты для голоса (или голосов) с оркестром и концерты для хора а cappella.
Музыка барокко — период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами.
Альт (англ. и итал. viola, фр. alto, нем. Bratsche) или альт скрипичный — струнно-смычковый музыкальный инструмент такого же устройства, что и скрипка, но несколько больших размеров, отчего звучит в более низком регистре. Струны альта настроены на квинту ниже скрипичных и на октаву выше виолончельных — c, g, d1,a1 (до, соль малой октавы, ре, ля первой октавы). Наиболее употребительный диапазон — от c (до малой октавы) до e3 (ми третьей октавы), в сольных произведениях возможно употребление более…
Фортепиа́но или фортепья́но (от итал. forte — громко, piano — тихо) — струнный ударно-клавишный музыкальный инструмент.
Класси́ческая музыка (также — музыкальная классика) — свободное от терминологической строгости понятие, употребляемое, в зависимости от контекста, в различных значениях, имеющее вполне определённый исторический смысл и менее определённый оценочный. В разговорном языке понятие «классическая музыка» часто используется как синоним музыки «академической» или «симфонической».
Этю́д (фр. étude «изучение») — инструментальная пьеса, как правило, небольшого объёма, основанная на частом применении какого-либо трудного приёма исполнения и предназначенная для усовершенствования техники исполнителя.
Нонет (итал. nonetto от лат. nonus — девятый) — в академической музыке ансамбль из 9 исполнителей (с самостоятельной партией у каждого) или произведение для такого состава исполнителей.
Компози́ция (лат. compositio — составление, сочинение) — категория музыковедения и музыкальной эстетики, характеризующая предметное воплощение музыки в виде выработанного и завершённого в себе музыкального произведения, «опуса», в отличие от текучей вариативности народного творчества-процесса, от импровизации (в древней, восточной, народной, джазовой музыке, некоторых видах музыки XX века).
Контраба́с (итал. contrabbasso или basso) — самый крупный по размерам (около двух метров в высоту) и самый низкий по звучанию из широко используемых смычковых струнных музыкальных инструментов, объединяющий в себе черты скрипичного семейства и семейства виол. Имеет четыре струны (реже три или пять), настроенные по квартам: E1, A1, D, G (ми, ля контроктавы, ре, соль большой октавы), диапазон от E1 (ми контроктавы) до g1 (соль первой октавы) и выше.
Виола да гамба (итал. viola da gamba — ножная виола) — старинный струнный смычковый музыкальный инструмент семейства виол, близкий по размеру и диапазону современной виолончели. На виоле да гамба играли сидя, держа инструмент между ног или положив боком на бедро, — отсюда название.
Симфо́ния (др.-греч. συμφωνία — «созвучие, стройное звучание, стройность») — музыкальное произведение для оркестра. Как правило, симфонии пишутся для большого оркестра смешанного состава (симфонического), но существуют и симфонии для струнного, камерного, духового и других оркестров; в симфонию могут вводиться хор и сольные вокальные голоса. Известны и такие разновидности жанра, как симфония-концерт (для оркестра с солирующим инструментом) и концертная симфония (от двух до девяти солирующих инструментов…
Квинте́т (итал. quintetto от лат. quintus — «пятый») — музыкальный ансамбль из пяти музыкантов-исполнителей, вокалистов или инструменталистов.
Духовой квинтет ― камерный ансамбль, состоящий из пяти духовых инструментов, а также произведение, написанное для такого ансамбля. Включает в свой состав флейту, гобой, кларнет, фагот и валторну.
Трио-соната (итал. trio — Трио и итал. sonare — звучать) — основная форма камерной инструментальной музыки XVII—XVIII веков (эпохи барокко). Обычно трио-соната сочинялась для трех инструментов: двух скрипок и непрерывного басового сопровождения, представленного виолончелью и каким-нибудь клавишным инструментом. Эпохой расцвета трио-сонаты во всех европейских музыкальных центрах был период с 1625 по 1750год, затем, ввиду отмирания basso continuo как функционально необходимого элемента композиции…
Виртуо́з (итал. virtuoso — от лат. virtus — доблесть, талант) — исполнитель (чаще музыкант), мастерски владеющий техникой искусства; человек, достигший в работе высшей степени мастерства.
Сюи́та (с фр. suite — «ряд», «последовательность», «чередование») — одна из основных разновидностей циклической формы в инструментальной музыке; состоит из нескольких больших частей, в старинном жанре сюиты обычно контрастирующих между собой.
Каде́нция (итал. cadenza, от лат. cadere — «падать») — виртуозное исполнительское соло; то же, что исполнительская каденция. В отличие от каденции как категории гармонии, в исполнительстве слово «каданс» (как синоним «каденции») не используется.
Три́о (итал. trio от лат. tria — «три») — музыкальный ансамбль из трёх музыкантов-исполнителей, вокалистов или инструменталистов.
Но́вая ве́нская шко́ла (нем. Zweite Wiener Schule, Neue Wiener Schule, Junge Wiener Schule, англ. Second Viennese School) — устоявшееся в мировом музыковедческом дискурсе название композиторской школы, эстетические принципы которой исторически сложились в первой трети XX века в Вене, явившись результатом активной творческой, педагогической и организационной деятельности Арнольда Шёнберга и его учеников.
Кларне́т (итал. clarinetto, фр. clarinette, нем. Klarinette, англ. clarinet или clarionet) — язычковый деревянный духовой музыкальный инструмент с одинарной тростью. Был изобретён около 1700 года в Нюрнберге, в музыке активно используется со второй половины XVIII века. Применяется в самых разнообразных музыкальных жанрах и составах: в качестве сольного инструмента, в камерных ансамблях, симфонических и духовых оркестрах, народной музыке, на эстраде и в джазе. Кларнет обладает широким диапазоном…
Бандонео́н (исп. bandoneón) — язычковый музыкальный инструмент из семейства ручных гармоник. Сконструирован на основе немецкой концертины в 1840 году Генрихом Бандом из Креффельда. Поначалу использовался для исполнения духовной музыки в церквях в Германии. В конце XIX века был завезён в Аргентину и вошёл в состав танго-оркестров. Именно благодаря бандонеону музыка аргентинского танго получила то пронзительно-щемящее звучание, которое привлекает к ней столько поклонников.
Электроакустическая музыка (англ. Electroacoustic music) — вид электронной музыки, создаваемой путём манипуляций с предварительно записанными или генерируемыми звуками. Обычно такая музыка хранится на электронных носителях информации и воспроизводится при помощи громкоговорителей, то есть без непосредственного участия человека-исполнителя, хотя вполне допустимо и её «живое» исполнение непосредственно на какой-либо концертной сцене.
Англи́йский рожо́к (итал. corno inglese, фр. cor anglais, нем. Englisch Horn) или альтовый гобой ― деревянный духовой музыкальный инструмент, разновидность гобоя.
Сона́та (итал. sonare — звучать) — жанр инструментальной музыки, а также музыкальная форма, называемая сонатной формой. Сочиняется для камерного состава инструментов и фортепиано. Как правило, соло или дуэта. Ряд инструментальных пьес, написанных для многих оркестровых составов, принято называть не сонатой, а большим концертом (итал. concerto grosso). Также словом «соната» может называться собрание пьес в одно целое, потому что некоторые из этих пьес написаны в сонатной форме.
Рапсо́дия (греч. ῥαψῳδία — эпическая песнь) в музыке XIX — первой половины XX веков — инструментальное или вокальное произведение, написанное в свободном, «импровизационном» стиле. Для рапсодии свойственно чередование разнохарактерных эпизодов на народно-песенном материале. Оно словно воссоздаёт исполнение древнегреческого певца-рапсода.
Сериализм — техника музыкальной композиции преимущественно в западноевропейской музыке второй половины XX века. Генетически сериализм связан с серийной техникой, берущей своё начало в музыке нововенской школы, особенно в додекафонии.
Музыка периода романтизма — это профессиональный термин в музыковедении, описывающий период в истории европейской музыки, который охватывает условно 1790—1910 годы.
Флюгельго́рн (нем. Flügelhorn, от Flügel — «крыло» и Horn — «рог», «рожок», англ. flugelhorn) — медный духовой музыкальный инструмент, самый высокозвучащий представитель (наряду с флюгельгорнами пикколо и пикколино) семейства саксгорнов (или бюгельгорнов), но в отличие от классических альтгорна, теноргорна и баритонэуфониума, а тем более низких видов саксгорнов басовой и контрабасовой туб имеют не овальную и тубообразную форму, а форму, сходную с корнетом и трубой. Внешне очень напоминает трубу или…
Кончерто гроссо (итал. concerto grosso — «большой концерт») — инструментальный жанр в музыке, зародившийся в эпоху барокко, основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей (итал. ripieno, «рипьено») и группы солистов (итал. concertino, «кончертино»). Возник в Италии, во второй половине XVII века как оркестровая разновидность трио-сонаты.
Музыкальная импровизация (итал. improvisazione, от лат. improvisus — неожиданный, внезапный) — исторически наиболее древний тип музицирования, при котором процесс сочинения музыки происходит непосредственно во время её исполнения.
Оркестровка (то же, что инструментовка) — изложение музыки для исполнения её каким-либо составом оркестра или инструментальным ансамблем. Традиционная (принятая у многих композиторов XIX—XX веков) практика инструментовки выглядит как переложение клавирного наброска (клавираусцуга) в нотный текст специального типа — партитуру. Процесс инструментовки требует от композитора (любого инструментатора) знания специфики музыкальных инструментов — их технических возможностей, исполнительских приёмов, устройства…
Концерт для скрипки с оркестром ре мажор, соч. 35 П. И. Чайковского написан в 1878 году, во время пребывания композитора в Швейцарии.
Додекафо́ния (от греч. δώδεκα — двенадцать и греч. φωνή — звук) — техника музыкальной композиции, разновидность серийной техники, использующей серии из «двенадцати лишь между собой соотнесённых тонов» (нем. «Кomposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen»). Изобретена выдающимся австрийским музыкантом Арнольдом Шёнбергом в начале 1920-х годов.
Атона́льность, атона́льная му́зыка в гармонии XX века — принцип звуковысотной организации, выражающийся в отказе (иногда демонстративном) композитора от логики гармонической тональности. Атональность не тождественна пантональности.
Брасс-квинтет (от англ. brass — медь, латунь или медные духовые инструменты) — музыкальный ансамбль, состоящий из пяти медных духовых инструментов.
Капри́ччио (итал. Capriccio, также каприс, фр. caprice; букв. каприз, прихоть; причудливый изыск) — произведение академической музыки, написанное в свободной форме.
Контратенор (лат. contratenor, букв. — голос «напротив тенора») — самый высокий из мужских оперных голосов, диапазон от E3 — E5 (Ми малой октавы до Ми второй октавы). До недавнего времени встречался сравнительно редко, сейчас получает всё большее распространение.
Швейца́рская му́зыка, история которой восходит ко II веку до н. э., сложилась в результате смешения народных традиций древних племён, заселявших территорию Швейцарии. Из народной музыки страны наиболее популярно пение йодль (тирольское пение), которое сейчас распространено в Центральной Швейцарии и Аппенцелле. Центрами музыкальной культуры Швейцарии являются города Берн, Цюрих, Лозанна, Люцерн и др.
Кого из ныне живущих композиторов академической музыки вы знаете?
Большинство вспомнит Филипа Гласса, чей 80-летний юбилей отмечался аншлаговыми концертами в Нью-Йорке, Лондоне и Москве. Назовут также Стивена Райха и Арво Пярта или Майкла Наймана и Людовико Эйнауди. Русские читатели назовут Владимира Мартынова или Антона Батагова, а украинцы — Валентина Сильвестрова. Что роднит всех этих уважаемых людей? Все они — важные лица современной музыки, и все они — немолоды. Даже Максу Рихтеру, которого точно знают многие, — и тому уже за пятьдесят.
Между тем, новая музыка не стоит на месте, и новых лиц в академической музыке немало. Из них мы выбрали 10 авторов, которые творят или творили в уникальной и несравнимой с другими манере и имеют все шансы стать новыми Глассом, Райхом или Пяртом.
Кэролайн Шоу
Если расположить продюсеров и гостей на последнем альбоме Канье Уэста The Life of Pablo по степени известности, то Кэролайн Шоу, приложившая руку к четырем песням, окажется в самом конце списка. Зато она — единственный из числа соратников Канье лауреат Пулитцера. Более того, награду за «выдающееся музыкальное сочинение» за свою «Партиту для восьми» голосов Шоу получила в 30 лет, став самой молодой ее обладательницей.
Все 25 минут «Партиты» звучат только восемь голосов, которые виртуозно лавируют между кардинально разными стилями и традициями пения, от ренессансной полифонии до художественной декламации в духе Лори Андерсон или Роберта Эшли. Получается, с одной стороны, постмодернистская экспресс-экскурсия по истории ансамблевого вокала, с другой — невероятно оригинальная музыка, не позволяющая заскучать даже на пару секунд.
На единственной записи «Партиты» одной из вокалисток выступает сама Шоу (в качестве участницы ансамбля Roomful of Teeth) — и, собственно, как раз к ее необычному голосу и прикипел Канье. В 2015 году он пригласил ее выступить перед ним на концерте в поддержку Демократической партии США в Сан-Франциско, а через несколько месяцев выпустил ремикс Шоу на свою не самую приметную песню Say You Will.
Эндрю Норман
В 2004 году тогда еще 25-летний американец Эндрю Норман написал короткий октет Gran Turismo, названный в честь одноименной гоночной видеоигры. Gran Turismo стал первым заметным сочинением композитора в масштабе американской современной музыки и на поверку оказался не просто шуточной — и штучной — поделкой. В январе этого года Норман получил престижную премию Гравемайера (среди прошлых лауреатов — Булез, Куртаг, Пендерецкий, ну и вообще более-менее весь цвет композиторов второй половины XX века) за симфонию Play, структурное устройство которой он тоже подсмотрел в видеоиграх. Три ее части озаглавлены «Уровень один», «Уровень два» и «Уровень три», а их сложность повышается пропорционально: самая простая в плане структуры и исполнительских требований — «Уровень один», самая закрученная и хитрая часть — третья.
Да в общем и слушать Play — будто зарубиться в какой-нибудь высокобюджетный шутер, в котором игра идет на громадных картах, враги с ходу прессуют, а выстрелы бликуют всеми цветами радуги на три четверти экрана. Это предельно динамичная и насыщенная музыка, где специально происходит слишком много всего и в которой слышимо отсутствует любая формальная логика. Слышимо — потому что, по задумке Нормана, на исполнение Play нужно в первую очередь смотреть.
Партитура симфонии технически организована таким образом, что взаимодействие разных инструментов на сцене превращается то ли в балет, то ли в бессловесный театр с понятным сюжетом: три группы перкуссии пытаются на первых двух «уровнях» помешать всему остальному оркестру найти общность, но в итоге терпят поражение. В самом финале двадцать восемь струнных инструментов по очереди берут отдельные ноты, выводя ими кульминационную музыкальную фразу — и тем самым символизируют единение индивидуальностей. У европейцев увидеть исполнение Play пока что была только одна возможность — в начале февраля в Хельсинки, но, очевидно, не последняя, учитывая растущую репутацию Нормана и пополняющийся список авторитетных заказчиков его музыки (среди них — оркестры филармоний Берлина, Лос-Анджелеса, Нью-Йорка и Лондонский симфонический оркестр).
Анна Торвальдсдоттир
Бьорк. Sigur Rós. Для любителей кино и неоклассики — Йохан Йоханнссон («Прибытие») и Оулавюр Арнальдс («Убийство на пляже»). Для переживших нулевые — группа Múm и Эмилиана Торрини. Ну и в общем все. Исландию как музыкальную державу помимо этих имен трудно как-то охарактеризовать, а уж ее академическая музыка и вовсе для большинства неизвестна. На самом же деле в этой северной стране существуют мощные традиции сочинения. Между ведущими композиторами разных эпох — Йоуном Лейфсом, Атли Хеймиром Свейнссоном, Хейкуром Томассоном — довольно сложно провести очевидные стилистические параллели, но зато можно выделить единое стремление найти свой оригинальный композиторский язык, резко отличающийся от глобальных трендов.
Анна Торвальдсдоттир, несомненно, принадлежит к тому же ряду. Ее лучшее на данный момент записанное сочинение, сюита In the Light of Air, по меркам академ-авангарда кажется старомодной. Синтез электроники и акустических инструментов сначала производит эффект каких-то разобранных на атомы шумов и шорохов, но чем дальше, тем больше эта музыка сама себя разоблачает. Она работает не за счет сложной организации или продуманной формы, а за счет интуитивно вписанной в каждую ее ноту общечеловеческой простоты. Не зря Торвальдсдоттир, по собственному признанию, вдохновляется в первую очередь природой: в ее творчестве слышна ровно такая же грандиозность естественности, которая обнаруживается в реках, горах или тысячелетних деревьях. Доступность сочинений Торвальдсдоттир зафиксирована и в ее карьере: она подписана на лейбл Deutsche Grammophon, который выпускает музыку все-таки для условно массового, а не эстетского потребления.
Йоханнес Крайдлер
Успевающий работать параллельно аж в четырех немецких университетах, Йоханнес Крайдлер не похож на типичного преподавателя композиции и теории музыки; если уж описывать его внешность, то на ум одновременно приходят слова «Бергхайн», «Бликса Баргельд» и «бедная буржуазия». Заядлый концептуалист, он работает на стыке музыки, перформанса, видео, радио, театра, инсталляции и прочих областей искусства. От других похожих авторов Крайдлер, впрочем, выделяется исключительно провокативной манерой высказывания.
Проходящая сквозь почти все его творчество тема — попытка осмысления плагиата, цитирования и допустимого использования неавторского материала в авторском искусстве. Так, одно из самых знаменитых произведений Крайдлера называется Fremdarbeit (буквально — «аутсорсинг»), и именно примером аутсорсинга и является, но — экстремального, доведенного до логического конфликта. Крайдлер получил залог в $2000 от фестиваля Klangwerkstatt Berlin на оригинальное сочинение, за $30 заказал музыку неизвестному китайскому композитору, а компьютерное оформление — индийскому программисту за $15, и в итоге представил заказ как свое собственное произведение.
Самая впечатляющая вещь Крайдлера — семичасовая опера (назовем это так) «Аудиогид» — тоже отчасти является рассуждением об использовании искусства в искусстве, но, естественно, охватывает куда большее тематическое пространство. Впрочем, даже на абсолютно интуитивном уровне «Аудиогид» производит сильнейшее впечатление — чего стоит лишь эпизод с последовательным уничтожением ста скрипок или ужасающие своей нелепостью и фрагментацией нарезки из кино- и телевыступлений известных дирижеров.
Анна Мередит
Любые попытки общего стилистического определения творчества Анны Мередит заведомо обречены на провал. За десять с небольшим лет своей композиторской карьеры эта выпускница лондонского Королевского колледжа музыки сознательно не выработала уникального почерка, предпочитая кардинально менять свою манеру от сочинения к сочинению. Среди главных ее творений значатся: написанная на либретто драматурга Филипа Ридли электроакустическая опера Tarantula in Petrol Blue; созданный совместно с битбоксером Шломо предельно агрессивный по звучанию, полистилистический по сути и абсолютно дикий по эмоциональному накалу концерт для битбоксера с оркестром; мультидисциплинарная поэма для оркестра и видео Four Tributes to 4am, похожая на растянутый до 15 минут короткий отрывок из позднего Сибелиуса; отсылающие чуть ли не к раннему Стравинскому отдельные вещи для ансамблей и инструментов соло. В прошлом же году Мередит выпустила альбом экспериментальной поп-музыки Varmints — пятидесятиминутный цикл коротких песен в духе первых пластинок Брайана Ино, группы Cardiacs и прочих мозговитых британских мейнстримовых музыкантов. Не зная ничего об образовании и карьере Мередит, можно натурально подумать, что Varmints записан какой-то очень любящей выпендриваться инди-группой — но так только веселей.
Айша Оразбаева
Уроженка Алматы и жительница Лондона, скрипачка Айша Оразбаева в самом начале своей карьеры специализировалась на исполнении музыки радикальных композиторов второй половины прошлого века, от Мортона Фельдмана до Сальваторе Шаррино. В рамках исполнительской карьеры ей, впрочем, довольно скоро стало тесно. Оразбаева в 2013 году основала Лондонский фестиваль современной музыки, успела побыть его же директором и куратором, записала с художником и писателем Тимом Этчеллсом пластинку импровизаций, стала сама сочинять крайне диссонансную электроакустику, собирать видеоколлажи о казахской культуре и создавать аудиоинсталляции.
Самая интересная из последних — деконструкция первой части Пятой симфонии Бетховена, где чуть ли не самое известное классическое произведение при помощи махинаций с записью превращается в модернистскую камерную музыку. Казашка продолжает выпускать и альбомы интерпретаций чужих произведений, будто бы пытаясь поставить под сомнение традиционное взаимоотношение композитора и исполнителя. В частности, ее последняя на сегодняшний момент пластинка — запись шести скрипичных фантазий Георга Филиппа Телемана, в которой эти вещи 1735 года сыграны на манер современных авангардных произведений. Результат — уже и не Телеман, и не барокко, а кардинальная попытка переосмысления расхожей практики исполнения старинной музыки.
Мика Леви
Мика Леви, пожалуй, самая заметная из всех британских авторов академической музыки из возрастной группы до 30 лет. Во‑первых, потому что давным-давно Леви успела наделать шуму своей группой Micachu & The Shapes (нынешнее название — Good Sad Happy Bad). Их первый альбом Jewellery на момент своего выпуска в 2009 году был встречен многими авторитетными критиками как образцово-показательный пример авангардной песенной музыки, а саму Леви сразу же авансом записали в продолжательницы дела Animal Collective или Эриела Пинка. Но на этом овации закончились: Micachu & The Shapes выпустили еще три альбома (каждый прекрасней предыдущего), которые оказались или непоняты, или проигнорированы той же самой прессой, что их недавно воспевала.
Пунктиром мимо широких масс до сих пор проходит и карьера Леви как автора блестящей электронной музыки. Зато она вдруг оказалась востребованной как мейнстримовый кинокомпозитор: сначала ее саундтрек к «Побудь в моей шкуре» Джонатана Глейзера произвел небольшой фурор как внутри, так и за пределами киноиндустрии, а теперь музыка к «Джеки» Пабло Ларраина и вовсе оказалась номинирована на «Оскар» (правда, предсказуемо проиграла «Ла-Ла Ленду»).
Успех этих работ более чем заслужен: партитуры Леви идеально работают в контекстах своих фильмов и одновременно хороши сами по себе. Собственно, музыка к «Побудь в моей шкуре» уже исполняется отдельными оркестрами как концертная сюита, и саундтрек к «Джеки» наверняка ждет такая же участь. Это ощущение подкрепляется признанием: Леви наконец посвятили давно заслуженный профайл в журнале The New Yorker — но именно как о кинокомпозиторе.
Мэри Халворсон
Про джазовых музыкантов не принято думать как о композиторах, но история творческого пути этой американки предполагает именно такое ее определение. Халворсон — ученица Энтони Брэкстона, одного из величайших композиторов двадцатого века, сумевшего найти новый музыкальный язык через одновременное переосмысление джазового наследия и истории новейшей академической музыки. Халворсон мало того что провела с Брэкстоном несколько лет в учебных аудиториях, так еще и долго играла с ним в ансамбле и записала кучу альбомов. Да и даже своим композициям она дает порядковые номера — ровно так, как всю жизнь это делает ее наставник (правда, в отличие от Брэкстона, чьи сочинения называются вроде «Композиция номер 354», у творений Халворсон все же есть и словесные заголовки).
Она же — автор филигранно сделанных, от и до проработанных композиций, в которых пусть и легко читается джазовая идиоматика, но которые еще и являют собой продолжение традиций американской школы грандиозных тональных сочинений Айвза, Копленда, Харриса, Уильяма Шумана, Джона Адамса в его более модернистском воплощении (The Dharma at Big Sur) и прочих. Такую линию сегодня не гнет никто — и неудивительно, что при своей традиционности работы Халворсон умудряются быть абсолютно современными, дикими и странными.
Халворсон — еще и одна из лучших гитаристок как в современном джазе, так и в музыке в целом: ее подход к инструменту — нечто среднее между ярым импровизаторским стилем Дерека Бейли и классической манерой игры Гранта Грина, длинные и дающие мыслям разогнаться сольные партии, идущие вопреки всякой классической логике. Такое мышление, правда, больше проявляется не в альбомах собственных сочинений Халворсон, а на тех записях, где она выступает как импровизатор, в частности — на нескольких пластинках дуэтов с альтисткой Джессикой Павон.
Орели Лирман
Руандийка, с двух лет живущая в Бельгии, Лирман называет свою музыку afrique concrète — тег, очевидно отсылающий к musique concrète, школе построения электронных композиций из найденных или заранее записанных шумов и звуков. В чем-то это правда: большинство сочинений Лирман основаны на полевых записях, сделанных ей во время поездок по Африке. Оттуда — гул городских площадей, щемящее колыхание редких пустынных растений на ветру, бесконечная ярость автомобильных гудков и дышащих на ладан моторов, песни и разговоры на незнакомых языках и прочее, прочее, прочее. Иногда в музыке Лирман они существуют отдельно и прочитываются интуитивно, иногда собраны в плотную звуковую мозаику и искажены до полной неузнаваемости.
С другой стороны, внутри этих фрагментов чужой жизни всегда есть и сама Лирман. Она то говорит, то что-то напевает, то читает стихи, то играет на музыкальных инструментах, причем как продумывая свою роль заранее, так и импровизируя поверх уже сложившихся структур. Поэтому понятно, отчего Лирман часто использует в качестве формы для своих произведений жанр радиопьесы: ее звуковые конструкции своей необязательностью чем-то похожи на обаятельный и нераздражающий шумовой фон, но драматически выстроены так, что вслушаться в какой-то момент придется.
Хотя каждое произведение этого композитора можно разбирать отдельно, Лирман все же в целом придерживается одной центральной идеи — исследованию современной Африки как традиционалистского общества, пытающегося догнать Запад и Восток и находящегося в общем полураспаде. Ее взгляд на вещи явно близок тем, кто в принципе с пессимизмом смотрит на мир: недаром Лирман — одна из любимых музыкантов Стивена Стэплтона, лидера ключевой для авангардной рок-музыки группы Nurse with Wound.
Джулиус Истман
Джулиус Истман умер от СПИДа, бомжуя в нью-йоркском Томпкинс-сквер-парке в 1990 году. Сообщение о его смерти было опубликовано через полгода даже не членами его семьи или друзьями, а работавшим с ним когда-то музкритиком. Те сочинения Истмана, что до нас дошли, были написаны сорок лет назад. Тем не менее этот человек, пожалуй, самый адекватный сегодняшнему миру композитор. В этом списке он появляется и благодаря другой, куда более грустной детали: впервые его музыка была издана совсем недавно, лишь в 2005-м, а толком замечена и вовсе в прошлом году. Гей-афроамериканец, писавший вещи с названиями Crazy Nigger и Gay Guerilla, Истман был одной из самых заметных фигур культурной жизни Нью-Йорка 70-х. Он исправно посещал экспериментальные концерты и выставки, входил в круг общения Джона Кейджа, был соратником Артура Расселла, проводил вечера и ночи в Studio 54 и, обладая невероятной красоты и гибкости баритоном, записывал исполнения современной вокальной музыки.
Опустившись на дно в 80-х, Истман, казалось, был навечно забыт — но музыковед и композитор Мэри Джейн Лич, дружившая с этим загадочным человеком без свойств, позаботилась о новой жизни его наследия. В 2005 году именно она издала Unjust Malaise — сборник записей исполнений музыки Истмана на прошедших в 70-х неприметных университетских концертах. Этого оказалось достаточно для запуска машины по возвращению Истмана в историю нового искусства. Судя по этим записям, Истман был прожженным минималистом, но его минимализм шел вразрез с нарочитой академичностью современников вроде Райха и Гласса, вместо этого вдохновляясь спонтанностью Кейджа. При этом в музыке Истмана нет ни медитативности ранних вещей Терри Райли, ни тенденций примирить консерваторскую музыку с поп-культурой. Словом, это — некий четвертый путь минимализма, которому так никто не успел последовать и который так и остался предельно уникальным.
Но сочинения Истмана, пусть и бесконечно оригинальные с музыкальной точки зрения, шокируют не этим, а предельно адекватной 2017 году проблематикой. Два из трех дисков Unjust Malaise занимают длинные, хронометражем в десятки минут эссе для четырех фортепиано, похожие на упражнения в проецировании злости, фрустрации и ненависти к окружающему миру в музыку. Самое сильное и самое короткое из них, Evil Nigger, начисто шокирует своей первородной и прямолинейной агрессией, какую в академической музыке просто не сыщешь. Эта агрессия растет из зацикленности Истмана на перверсии, из его страсти к провокации и из его трагического отношения к идентичности — и вместе с ними формулирует высказывание о личной свободе, чудовищно неудобное по меркам мира сейфспейсов и культуры нарциссизма, а уж на момент написания — беспредельно радикальное. Изданная же в прошлом году композиция Истмана Femenine тоже шокирует — но своей обезоруживающей добротой и совершенно небесной легкости фактурой. Это будто бы гимн слабости и способности испытывать слабость, ода нежности и посвящение внегендерной женственности. Для современных обществ, где не постесняться сказать что-то важное — это значит быть сильным, такая музыка оказывается чересчур против правил. Неизданной музыки Истмана еще очень и очень много — хватит на долгие годы.
И кстати, Femenine Истмана в первый раз прозвучит в России 24 марта в Мультимедиа Арт Музее. Произведение исполнит KYMATIC ensemble.
- Авторы
- Резюме
- Файлы
- Ключевые слова
- Литература
Казанцева Л.П.
1
1 Астраханская государственная консерватория
Проанализировано сложившееся в современном обществе взаимодействие академического музыкального искусства и массовой культуры. Выявлена наступательная агрессивность массового пласта, сказывающаяся в количественном преобладании развлечения в звуковой среде человека и вытеснении музыкального искусства с его традиционными формами существования (со сцен филармоний, в значительной мере – из радиоэфира и телевизионного экрана). Все более очевидна «качественная» трансформация массовой культуры, заметная в нивелировании общественной ценности музыкального искусства и присвоении себе его социальных функций. Внутри академического искусства идет встречный процесс снижения ценностных критериев и приспособления к развлекательным запросам невзыскательной публики. Процесс девальвации музыкального искусства и подмена его массовой культурой имеет социальные и психологические причины. Его последствия оборачиваются снижением роли искусства в самосовершенствовании личности и развитии общества.
академическая музыка
музыкальное искусство
массовая культура
развлечение
1. Житомирский Д.В. Музыка для миллионов // Поп-музыка. Взгляды и мнения: Сб. ст. – Л.: Сов. композитор, 1977. – С. 52.
2. Мархасев Л.С. В легком жанре: Очерки и заметки. – Л.: Сов. Композитор, 1986. – C. 286.
3. Сыров В.Н. Стилевые метаморфозы рока или путь к «третьей музыке». – Н. Новгород: Изд-во Нижегород. ун-та, 1997. – С. 15.
4. Шестаков В.П. Искусство тривиализации // Вопросы философии. – 1982. – № 10. – С. 103–116.
5. MacDonald D. A Theory of Mass Culture. In: B. Rosenberg & D. M. White (Eds.), Mass culture: The popular arts in America. – New York: Free Press, 1957. – P. 59–73.
Размышляя о художественной культуре наших дней, невозможно обойти вниманием ту звуковую среду, которая окружает нашего современника. Казалось бы, музыка звучит везде, звучит постоянно, и это обстоятельство должно нас удовлетворять. Однако возникает вопрос о том, какая музыка звучит.
В наш век «массовой психологии» и «массовых коммуникаций» сложилась и поистине массовая культура. Безусловно, бытовая развлекательная музыка появилась не сегодня. Правильнее было бы сказать, что она едва не всегда сопровождает человека. Тем не менее ее нынешний общественный статус во многом примечателен.
Музыкознание издавна делит звучания на бытовое музицирование и искусство или музыку «легкую» и «серьезную», обиходную (Umgangsmusik) и преподносимую (Darbietungsmusik), предназначенную только для слушания (H. Besseler, А. Сохор), функциональную и профессиональную (H. Eggebrecht), первичные и вторичные музыкальные жанры (В. Цуккерман). Каждая из них существует в своей сфере: бытовая музыка обслуживает многообразную социальную деятельность человека, а искусство удовлетворяет его личные духовные потребности. Вместе тем они все же постоянно взаимодействуют друг с другом. Выработав многообразные формы «мирного сосуществования» и взаимопроникновения, они находятся в весьма подвижных соотношениях. Сегодня просматриваются признаки оттеснения и подавления искусства массовой культурой. Рассмотрим, как это происходит, в двух аспектах – условно говоря, «количественном» и «качественном».
Что мы сегодня слушаем?
Тот факт, что академическое искусство постепенно вытесняется из жизни, становится очевидным, если сопоставить две сферы звучаний количественно. Свертываются традиционные формы бытования академической музыки на концертной и музыкально-театральной сценах. Филармонии все охотнее уступают свои площадки приносящим немалые доходы эстрадным звездам и рок-группам. Опера, спускаясь с «котурн», покидает специально созданные для нее театры и все смелее выходит в открытое пространство, вписываясь в естественные ландшафтно-архитектурные постановочные обстоятельства и едва не превращаясь в реанимированный документально-исторический факт реальной жизни (модными ныне стали постановки в античном амфитеатре Арена ди Верона «Аиды» Дж. Верди и других опер, у стен кремля или монастыря – «Бориса Годунова» М. Мусоргского, «Князя Игоря» А. Бородина, «Китежа» Н. Римского-Корсакова). Пожалуй, неизменными очагами классического искусства по-прежнему остаются музыкальные учебные заведения, в концертных залах которых «классика» чувствует себя полноправной хозяйкой.
Радио- и телекоммуникации всё меньше времени отводят академическому искусству. Из сеток программ исчезают передачи, предназначенные для меломанов. В эфире официального «Радио России» уже почти не услышать концертных и музыкально-театральных программ, посвященных классическому и современному искусству (типа «Оперы для публики» Леонида Азарха), ибо он переполнен подробностями жизни мюзик-холла, шоу-бизнеса. Радио «Орфей», предназначенное для трансляции классической музыки, по-прежнему принимается в весьма ограниченном географическом диапазоне. Множество мелких радиостанций транслируют исключительно «популярную музыку» разного качества.
На телевидении идут те же процессы: основательные музыкальные программы – оперные и балетные постановки лучших театров мира – уходят или же отодвигаются на то ночное время, когда их вряд ли кто смотрит. Прямые трансляции оперных постановок идут в прайм-тайм европейских стран, но уже в весьма позднее ночное время у нас. Конечно, следует признать, что при этом возросла роль документальных сюжетов о композиторах и музыкантах-исполнителях, истории создания и исполнения произведений, а также мастер-классов известных музыкантов (М. Ростроповича, Г. Вишневской, Д. Хворостовского, альтиста Ю. Башмета) и т.д. Но факт убывания на экране собственно музыкального произведения в его академической концертной форме вряд ли оспорим.
Для нынешней ситуации, однако, характерно стремление бытового пласта приблизить к себе свой антипод вплоть до фактической его подмены: массовая музыка «рядится» в одежды искусства. При звучании на концертной филармонической сцене она присваивает себе его атрибуты, а порой и функции. Изменение ее социального статуса закрепляется в общественном сознании еще и навязыванием рейтинговых (а не сущностных) ценностей, в соответствии с которыми едва приобщившийся к музыкальной грамоте гитарист возводится в шоу-бизнесе в ранг «композитора», а безголосая и лишенная признаков артистизма девушка именуется «певицей». Подобное, впрочем, происходит и в других областях современной культуры – мир литературы сужается до детективно-приключенческих жанров; искусство кино сводится к боевикам, эротике, мелодраматическим или комическим сериалам; уровень культуры речи падает до бытовизмов, жаргона, «ненормативной лексики»; искусство костюма опротестовывается массовым потреблением унифицированного зарубежного ширпотреба. Тем самым музыка оказывается включенной в универсальные социокультурные процессы современности.
Сам по себе факт преодоления границ «высокого» и «низкого», элитарного и массового, искусства и бытового музицирования не внушает опасения. Более того, их миграция и диффузия происходили всегда (достаточно напомнить о бытовой музыке И.С. Баха, В. Моцарта, Ф. Шуберта). И в наше время музыканты любят реализовывать себя в сферах-антиподах, что в композиторском творчестве второй половины ХХ века получило наименование «средний путь» (T. Adorno), «третье течение» (G. Schuller), «третий пласт» (В. Конен), «третье направление» (Р. Щедрин). Это занимающее серединное положение между академическим и массовым творчество Алексея Рыбникова, Андрея Петрова, Микаэла Таривердиева, Владимира Дашкевича, Геннадия Гладкова, Валерия Гаврилина. Встречаются музыканты-«универсалы» и среди исполнителей: в одном концерте сумели соединить классический репертуар и эстрадную песню или джазовую композицию певцы Муслим Магомаев, Георг Отс, «три тенора», Хибла Герзмава, трубач Уинстон Марсалис, пианисты Чик Кориа и Денис Мацуев, Кронос-квартет.
В расширении пограничной между искусством и развлечением зоны таится немало позитива – средства массового воздействия на публику могут способствовать популяризации искусства. Хорошо развитый вкус и серьезная творческая работа музыкантов устраняют водораздел между разными сферами музицирования и дают положительные результаты их синтеза. Примеры тому – наполнение Фортепианного концерта В. Моцарта № 9 E-dur в интерпретации Леонида Чижика и оркестра «Виртуозы Москвы» под управлением Владимира Спивакова джазовыми импровизациями, совместные выступления фольклорного ансамбля Дмитрия Покровского с джаз-рок ансамблем «Арсенал» под руководством Алексея Козлова или с всемирно известным саксофонистом, родоначальником «экологического» джаза Полом Уитменом, постановки классической музыки средствами модерн-балета. Корректно удается адаптировать высокое искусство к массовому потребителю французскому пианисту и аранжировщику Ричарду Клайдерману, ансамблю Swingle Singers (особенно в джазовых аранжировках произведений И.С. Баха), исполнительнице на электроскрипке Ванессе Мей (опусы А. Вивальди). Удачно соединились исполнительские традиции разных жанров в выступлении оперной примадонны Монтсеррат Кабалье и эксцентричного рок-певца Фрэдди Меркьюри с открывавшей Летние Олимпийские игры 1992 года песней «Барселона». На полиарт-фестивалях в своего рода «полиарт-форму» (термин В. Рожновского) соединяются авангард, джаз, рок, этнические и авангардные танцы, визуальные искусства и т.д.
Однако активное и плодотворное «речевое общение» (М. Бахтин) двух пластов не в состоянии подменить собою самодостаточное существование музыки как искусства и не «снимает» обозначенную здесь проблему. Даже несмотря на доступность, казалось бы, академической музыки (в продаже имеется множество дисков с разнообразными произведениями и исполнителями, в интернете немало сайтов для прослушивания и скачивания музыки, рассчитанной на самые изощренные запросы ее почитателей), в реальной общественной жизни она занимает очень скромное место, чтобы не сказать: находится в резервации.
Что происходит с Музыкой?
Разумеется, дело здесь не только в количестве – ведь массовая музыка потому и заслужила свое наименование, что потребляется массово, а так называемая «классика» радует немногих. Дело в другом – том, что можно назвать качественным аспектом взаимоотношения двух пластов музыки: массовая культура агрессивно навязывает себя как некое мерило эстетических запросов человека, при этом суррогат преподносится как действительно и единственно ценное, пытаясь заместить собою истинное.
Так, массовая культура присваивает себе образцы высокого искусства и использует их в качестве материала. Не станем скрывать, что такой процесс идет и в самом современном искусстве в мощной тенденции постимпрессионизма, когда художник оперирует до него сделанным как «сырым» материалом во имя создания новой художественной реальности. Однако в нашем случае происходит перемещение искусства в чуждую ему сферу неискусства – enterteiment, в оформление продукции массового потребления (в качестве звукового материала телефонных звонков, в видеоклипах, радио- и телевизионных заставках). Те высокие, порой этические, религиозные, философские идеи, которые запрограммированы Музыкой и способны открыться слушателю, оказываются нивелированными, поскольку произведение искусства можно и нужно теперь слушать как продукцию массового потребления – пассивно, без усилий, «по возможности одним ухом» (T. Adorno). Использованное таким образом произведение воздействует на совершенно ином уровне восприятия и не в состоянии реализовать то самое лучшее, самое сильное, чем оно обладает. Неизбежное при этом снижение, обеднение образно-художественной системы произведения искусства D. MacDonald называет «гомогенизацией» (усреднением жанрово-стилевого многообразия и выхолащиванием образно-художественной содержательности) [5], В. Шестаков ‒ «тривиализацией» [4], В. Сыров ‒ «спекуляцией и паразитированием» [3], Д. Житомирский ‒ «эксплуатацией авторитета искусства» [1].
Приходится констатировать, что отнюдь не только наступательная тактика поп-культуры вредит искусству. Академическая музыка и сама себя нередко низводит с «пьедестала». Все чаще заметны элементы шоу в подаче академического искусства на концертной и оперной сцене. На этом пути расцвел «инструментальный театр», в котором с собственно музыкой порой состязается другой компонент воздействия (нередко эпатирующего) на публику – жестикулятивная пластика и передвижения музыкантов по сцене и залу.
Бытовое проникает и в серьезные концертные программы, как это сделало, например, танго А. Пьяццоллы, оказавшееся в контексте элитного фестиваля Гидона Кремера в Локенхаузе в Австрии. В этом плане особенно показательна направленность камерного оркестра «Виртуозы Москвы» под управлением Владимира Спивакова: исполнения музыки И.С. Баха и В. Моцарта непринужденно модулируют здесь в шалости «Детской симфонии» Й. Гайдна (с «соло» на детских музыкальных инструментах режиссера Марка Захарова, актера Олега Табакова и детского врача Леонида Рошаля), в комический эпатаж пьесы «Пишущая машинка» (The Typewriter) для пишущей машинки и оркестра Л. Андерсона, в танец спустившегося со сцены дирижера с Майей Плисецкой в зрительном зале. Не чужд трюков и альтист экстракласса Юрий Башмет: посвященная ему пьеса Вахтанга Кахидзе «Брудершафт» для альта, фортепиано и струнных, где автор и альтист (он же руководитель камерного ансамбля «Солисты Москвы») поочередно то солируют на разных инструментах, то дирижируют, заканчивается… выпивкой. В репертуаре и исполнительской манере склоняются к развлекательной парадигме музыки балалаечник Алексей Архиповский и аккордеонист Петр Дранга, блестящие виртуозы и превосходные мастера, всецело «служащие» публике, подбадривающие ее к аплодисментам, откровенно заигрывающие с нею; ее почитание – главный критерий шоу-бизнеса – ставится в их выступлениях превыше всего.
С радостью развлекает слушателя и оперный театр, в чем особо преуспела «Геликон-опера» с постановками в своем оперном кафе спектаклей-дегустаций «Служанка-госпожа» Дж. Перголези (опера-буфф с тортом и горячим шоколадом), «Кофейная кантата» (музыкальные сеансы с дегустацией кофе) и «Крестьянская кантата» (деревенские истории под пиво) И.С. Баха, «Аполлон и Гиацинт» В. Моцарта (семейный вечер чеховской поры с вином и десертом), «Мавра» И. Стравинского (соседские посиделки с чаем и пряниками), «Пирам и Фисба» Дж.Ф. Лэмпа (издевательская опера с прологом и эпилогом, чаем по-английски и английским юмором).
Свою лепту в девальвацию музыкального искусства вносят средства массовой информации. Здесь стала нормативной тенденция обрывать, иногда весьма бесцеремонно, «на полуслове», звучание произведения, то есть – разрушать его форму, то структурированное совершенство, которое является неотъемлемым свойством произведения искусства. На телевидении музыка вовлекается в сомнительные проекты. Один из них – новогодняя (2006/2007 гг.) программа на телеканале «Культура», снятая в цирке, где Денис Мацуев и достойные певцы выступили с исполнением классической музыки, а одновременно с ними на манеже красовались дрессированные козы и голуби, акробаты на лошадях. В другом, также новогоднем (2011/2012 гг.) концерте тот же канал потчевал зрителей поочередной игрой Второй венгерской рапсодии Ф. Листа двумя пианистами, в результате чего то, в чем постоянно упрекали Листа – увлечение виртуозничанием, – стало в таком «цирковом номере» главным. Подобные проекты сужают емкий художественный мир «классики» до узких рамок развлечения, низводя произведение искусства до ранга готового для любых манипуляций материала.
Таким образом, общественно осознаваемая ценность академического искусства принижается. Поставленное в ряд невзыскательных поделок, оно ничем не выделяется из обыденности. Обыденное же трактуется как нормативное. Наступательная позиция культуры развлечения приводит к тому, что последняя узаконивает в обществе свои ценности как приоритетные. Высокое духовное начало, провозглашаемое в предшествующие времена религиозной музыкой, оперным театром, концертными жанрами, в современном обществе обесценивается из-за того, что несущие его ветви музыкальной культуры «усыхают» без должной «подпитки» социальным интересом. Оказывающиеся в центре последнего развлекательно-бытовые жанры утверждают и соответствующие им ценностные ориентиры.
Музыкальное искусство изымается из средств и инструментов формирования личности и поддержания в ней духовного начала. Редуцированное до бытового пласта, оно теряет возможность эффективно воздействовать на нравственно-эстетический, мировоззренческий уровень личности, благотворно влиять на ее становление и развитие. Его место занимает легкое развлекающее звучание. Ограничение общения человека с музыкой рамками бытового музицирования неизбежно приводит к обеднению личности. Тем самым снижается роль музыки в самосовершенствовании и индивидуализации личности, а также в жизни общества.
Разумеется, исследователя должны интересовать причины интенсивных культурологических процессов. Не сложно догадаться, что импульсы к изменению значимости музыкального искусства в жизни современного человека разнообразны и определяемы качественным изменением жизни. Среди них можно усмотреть социальные – такие, скажем, как неиссякающий и обновляющий свои формы молодежный протест, как коммерциализация радио- и телевизионного эфира и деятельности студий звукозаписи. Сказываются и психологические причины – подмеченное учеными увеличение роли зрительных рецепторов в восприятии информации (в сфере музыки проявляющее себя в акцентуации зрелищности, порой мешающей и вредящей звучанию). Не следует сбрасывать со счетов и социально-психологические причины: современный человек, очевидно, меньше нуждается в такой форме соприкосновения с прекрасным, как высокое искусство. Всё ускоряющийся динамичный темп и возведенный в культ прагматизм жизни выдвигают свои требования – человеку в большей степени становится необходим отдых, а не работа души, к коей располагает Искусство. Так или иначе сегодня уже ясно, что в современной культурной жизни процессы протекают сложные и неоднозначные, которые еще будут обдумывать, анализировать и оценивать специалисты.
Заключение
В современной отечественной культуре академическое музыкальное искусство переживает не лучшие свои времена. Ему всё сложнее справляться с возложенными на него историко-культурной традицией задачами. Хранящее неоспоримые этические и эстетические ценности как высокую планку жизни человека, оно испытывает на себе давление наступательно-агрессивной массовой культуры, решительно эту планку снижающей. В этом процессе страдает не только академическое искусство. Как верно заметил замечательный песенник, ярко проявивший себя также в оперном, балетном и симфоническом жанрах, композитор Андрей Петров, убывание академического искусства «было бы ужасно и для любителей легкой музыки. Ведь само присутствие серьезных композиторов заставляет быть лучше и тех, кто избрал своим творческим уделом сочинение, скажем, танцевальной музыки» [2]. Сегодня все более становится ясным то, что находящееся в эпицентре этих процессов общество должно осознать опасности и последствия этих процессов, мешающих его развитию.
Рецензенты:
Волкова П.С., д.искус., д.филос.н., к.ф.н., профессор кафедры социологии и культурологии Кубанского государственного аграрного университета (г. Краснодар) и кафедры истории музыки Ростовской государственной консерватории (академии) им. С.В. Рахманинова, г. Ростов-на-Дону;
Саввина Л.В., д.искус., профессор, проректор по науке, зав. кафедрой теории и истории музыки Астраханской государственной консерватории, г. Астрахань.
Работа поступила в редакцию 09.07.2013.
Библиографическая ссылка
Казанцева Л.П. АКАДЕМИЧЕСКОЕ МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО В СОВРЕМЕННОЙ ОТЕЧЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЕ // Фундаментальные исследования. – 2013. – № 8-6.
– С. 1471-1475;
URL: https://fundamental-research.ru/ru/article/view?id=32159 (дата обращения: 29.12.2021).
Предлагаем вашему вниманию журналы, издающиеся в издательстве «Академия Естествознания»
(Высокий импакт-фактор РИНЦ, тематика журналов охватывает все научные направления)
Автор: Татьяна Романова
3.7
Оценок: 20
(Ваша: )
Музыка сопровождает нас повсюду вне зависимости от того, что мы делаем и где находимся. Знание современных стилей будет полезно не только для начинающих музыкантов, но также для любого ценителя искусства. В этой статье мы рассмотрим жанры современной музыки, которые вы чаще всего слышите в магазинах, по радио и в кино.
Что такое музыкальные жанры
Давайте сначала разберёмся, что такое музыкальный жанр. Музыкальный жанр – это категория, которая вмещает в себя произведения, схожие по ряду признаков: стилистических, композиционных, сюжетных и пр.
Музыку можно разделить на разные жанры согласно множеству характеристик, таким, как использование определенных музыкальных инструментов, особенностей темпа, общего настроения мелодии и других. Художественный характер музыки означает, что эти классификации часто субъективны и противоречивы, а некоторые жанры могут пересекаться.
Очень интересно звучат композиции, которые сочетают несколько стилей
Давайте рассмотрим жанры музыки 21 века с примерами их адаптации к новому времени.
Поп-музыка
Фактически поп-музыку можно отслеживать примерно с 40-ых годов, когда в моду вошли так называемые «крунеры» Фрэнк Синатра и Бинг Кросби, а позднее – Пэт Бун и Дин Мартин. Эти артисты пользовались огромной популярностью, и авторы их песен использовали разные разновидности жанров в музыке, чтобы достичь идеальной формулы успеха. Этот подход сработал: например, сингл «Everybody loves somebody» Дина Мартина был так популярен, что в разгаре «битломании» в США скинул Beatles с первой строчки самого уважаемого музыкального чарта – Billboard.
Это означает, что сначала поп-музыка рассматривалась не как отдельный жанр, а как сборник самых популярных произведений разных жанров. Поэтому сложно выделить ее типичные признаки. Довольно часто такие песни включают в себя сразу несколько признаков других жанров. Поэтому поп имеет самое большое количество ответвлений, среди которых:
- Кантри поп/кантри рок: отличается большим количеством гитар и фолковым (кантри) либо около-роковым звучанием. Часто используется в качестве саундтреков к вестернам.
- Поп-рок: объединяет элементы рока (электрогитары, ударные, энергетика) и мелодичность поп-музыки.
- Софт-рок: почти аналогично поп-року, но с более жестким звучанием;
- Дископоп/пост-диско: возникло на закате популярности диско и объединило танцевальные ритмы и электро-звучание поулярной музыки 80-ых.
- Инди: термин применяется к музыке независимых авторов.
- Синти-поп: мелодия, оснвоанная на звучании синтезаторов и подобных. Стало широко популярно в 80-е, в основном благодаря норвежской группе a-ha. Они же вернули этот стиль в моду в конце 90-ых.
Сила поп-музыки заключается в отрицании жанра или ниши: она не пытается привнести новую субкультуру или передать сообщение, это просто один из видов развлечения.
Классическая музыка
Классическая музыка состоит из множества частей, которые исполняются отдельными инструментами и иногда включает в себя вокальные партии. Она появилась еще до электричества, поэтому подразумевает использование инструментов, которые не нуждаются в усилении звука. На современных концертах звучание оркестра иногда усиливается при помощи микрофонов, однако обычно это применяется только в очень крупных концертных залах. В основном термин классической музыки применяют к произведениям, написанным до ХХ века: Шопен, Чайковский, Вагнер и прочие.
На самом деле к классической музыке сложно отнести одно направление. В основном для классики характерно инструментальное звучание, многие ассоциируют ее с оперой и балетом. Однако к ней также можно отнести народную музыку, которая, в свою очередь, дала толчок к созданию музыки кантри и фолк, а те подразделяются еще на множество категорий. Кроме того, классическая музыка универсальна: стоит лишь слегка изменить темп песни, и вы получите совсем другое настроение.
Рок
Рок произошел от классического рок-н-ролла в 60-е, хотя уже в 70-е перестал даже отдаленно напоминать своего прародителя. Рок-музыка настолько захватила музыкальную индустрию, что до сих пор многие критики считают его самым значимым направлением. Рок-н-ролл, а затем и рок, появился как молодежное бунтарское течение. Главные признаки рок-музыки – доминирующие гитары, в основном электронные. Важным составляющим музыки считается бас-гитара и ударные, иногда присутствуют ритм-гитары. Звучание может изменяться от более легкого, как у Beatles, к более тяжелому, как у Rolling Stones и Animals.
Основную популярность жанр получил после знаменитого «британского нашествия», когда в США приехали яркие представители рока Beatles и Rolling Stones. В 70-е рок-музыка позаимствовала некоторые приемы у классической музыки, как гармонизация голосов у группы Smokie и почти оперные вставки у Queen.
Несмотря на то, что сейчас рок не так доминирует, как в ХХ веке, он до сих пор считается чуть ли не самым главным направлением музыки из-за своей мощной энергетике и харизматичным музыкантам.
Блюз
Блюз характеризуется использованием гитары, сначала соло, а затем дополненной ударными и басом. В аккордах используются ноты с измененной высотой тона. Это придает блюзу типичный меланхоличный («blue» – в переводе с английского означает «грустить»), печальный звук. Одним из отличительных признаков этого стиля являются духовые инструменты (в частности саксофон) и классические клавишные (рояль, пианино, фортепиано.
Блюз зародился в США в угнетенных слоях населения, в основном среди темнокожих. В более привилегированных классах этот жанр считался уделом для преступников и других людей «вне закона». Поэтому многие исполнители не допускались в ночные клубы, и они путешествовали по стране и давали концерты в личных квартирах своих знакомых. Интересно, что именно это стало причиной массового распространения блюза.
Ритм-н-блюз (R’n’B)
R’n’B – хороший пример плавного перемещения нескольких направлений музыки из 20 в 21 век. С одной стороны, здесь присутствуют особенности духовной (евангелистской) музыки – феномен, который можно встретить только в американских церквях: духовные строки поются в заводном, ритмичном темпе.
Нотки блюза, с другой стороны, придают этому направлению теплые аккорды и богатые басовые ноты. Современный R’n’B слегка отошел от классического звучания, сделав уклон в сторону хип-хопа с рэп-вставками и брейк-дансом. Типичный пример современного – певица Aaliyah, которую именуют «принцессой R’n’B».
R’n’B включает в себя много поджанров, некоторые принято считать индивидуальными стилями:
- Классический ритм-н-блюз;
- Ду-воп: в этом поджанре основное внимание уделяется вокалу при минимуме музыкального сопровождения;
- Соул: отличается уклоном в духовную (околорелигиозную) музыку;
- Фанк: танцевальный вид ритм-н-блюза;
- Диско: фактически является сочетанием соула и фанка;
- Буги (электрофанк): также танцевальный стиль r’n’b, но с элементами техномузыки.
Классический пример ритм-н-блюз – Этта Джеймс и Нина Симон, самая известная – Тина Тернер. Яркие представители этого стиля на современной эстраде – Usher, Алиша Киз, Берри Уайт, Бейонсе.
Джаз
В джазе имеет решающее значение взаимодействие в группе. Джазовые музыканты могут не следовать заранее определенной партитуре. Считается, что хороший исполнитель джаза должен «чувствовать», что собираются сыграть другие и как будет развиваться музыка. В этом жанре ценятся эксперименты, поэтому считается, что настоящую джазовую музыку можно услышать только вживую. Это один из немногих жанров, в которых допускается импровизация даже во время записи, как это делала великая Элла Фитцджеральд.
Поэтому, несмотря на развитие в современной музыке популярных жанров и направлений, джаз до сих пор является частью субкультуры ночной жизни в барах по всему миру. Сложный аспект импровизации объясняет, почему из всех жанров он является наиболее (если не всегда) инструментальным и больше играет со структурой, паттернами и ритмами, чем с голосом исполнителя.
Шансон
Шансон зародился во Франции и дословно в переводе означает «песня». Главное в этом стиле – именно певец и то, как он взаимодействует с музыкой. В шансоне ценится проникновенная, слегка «интимная» близость к слушателю, которая позволяет донести до аудитории суть песни. Из-за этого сила голоса исполнителя не играла значения, и стиль считался «куртуазным», пригодным только для маленьких ресторанов и гостиных. Широкое признание исполнители этого жанра получили с развитием звукозаписывающей индустрии.
Это популярное в Европе музыкальное направление стало известно в России благодаря дружбе СССР с Францией. Французские исполнители шансона не раз давали концерты в Москве и Ленинграде. Самыми яркими представителями течения считаются Шарль Азнавур, Эдит Пиаф, Мирей Матье, Джо Дассен и Ив Монтан.
Интересно, что в России шансоном называют то, что в народе принято считать блатной песней. В основном в них поется о тяжелой судьбе, чаще всего – тюремном сроке. Типичные представители – Михаил Круг, Григорий Лепс, Михаил Шуфутинский, Елена Ваенга.
Электро
Электронная танцевальная музыка ведет истоки от ямайского даб-степа и получила развитие примерно в 70-е годы с развитием электронных музыкальных инструментов. В современное время электро почти полностью перешло в ночные клубы и стало формой искусства микширования. Эта новая форма, обычно называемая EDM (Electronic Dance Music), создается ди-джеями, которые добавляют к произведению десятки тонов для создания уникальной композиции. Часто при этом также обрабатывается голос исполнителя. Оцените трек одного из популярных представителей жанра – Avicii.
С развитием EDM-систем электро-музыка стала самой доступной для написания независимыми авторами, ведь ее легко генерировать в специализированной программе для обработки музыки. Может, поэтому на музыкальном рынке появилось тенденция объединять техно-артистов с поп-музыкантами. Это сделало EDM практически самым популярным жанром музыки в мире 2020 года, так как ни один топ не обходился без десятка песен этого течения.
Хип-хоп
Хип-хоп возник в середине 20 века как протест против расового разделения и до сих пор относится к самым популярным современным направлениям в музыке. Настоящий хип-хоп должен включать в себя 4 элемента: гармония танца (брейк-данс), микширование записей (DJ), яркий визуальный стиль исполнителя и рэп, то есть быстрая начитка текста в определенном ритме.
Кстати, rap – всего лишь сленг хип-хопа и буквально означает «поток», что отражает быстроту произносимых слов.
Интересная деталь: яркий личный стиль исполнителей hip-hop – не просто визуальная приманка, а дань истории, так как хип-хоп возник в субкультуре США как протест против расовой дискриминации. К примеру, любовь рэперов к белым кедам – отсылка к тому времени, когда первые исполнители не могли позволить себе вторую пару обуви, а массивные золотые цепи и кольца символизируют связь с древними африканскими воинами, которые надевали на себя золото перед военными выходами.
Метал
Хэви-метал в конце шестидесятых был взаимозаменяемым термином с хард-роком. Самые ранние образцы этого жанра часто упоминаются как образцы Hard Rock и наоборот. Таким образом, классический металл — это свободно определяемый жанр: просто «тяжелее хард-рока», в основном за счет большего усиления и искажения звука.
Основными признаками стиля является то, что обычно в этом направлении поется о нигилизме, анархии, боли, потере или какой-либо трагедии либо открыто антирелигиозные тексты, и большое количество «тяжелых» инструментов. Типичные представители – Iron Maiden, Metallica, Kiss, Black Sabbath, Мэрилин Мэнсон. На российской сцене это Ария, Коррозия Металла. Популярная в США российская/советская группа Gorky Park являлась представителями глэм-метала.
На самом деле список музыкальных направлений исчисляется десятками и, возможно, даже сотнями примеров. Сложно однозначно сказать, что относится к жанрам современной музыки, так как в так как в XII веке продолжают возникать новые музыкальные течения.
Если вы независимый автор, не бойтесь самовыражаться, объединяя в своем творчестве различные направления. А поможет вам программа АудиоМАСТЕР – она создана специально для начинающих музыкантов, но при этом позволяет профессионально работать с аудио: создавать звуковые эффекты, использовать эквалайзер, микшировать треки и не ограничивать свое творчество.