Послушайте интерпретации классических музыкальных сочинений в исполнении известных музыкантов

Консультация для воспитателей ДОУ.

«Классическая музыка для детей»

РЕКЛАМА18+

Музыка для слушания и требования к ней.
Данная разработка предназначена для воспитателей дошкольных образовательных учреждений, музыкальных руководителей, родителей. Также материал будет интересен студентам Педагогических Колледжей и высших учебных заведений, которым интересны вопросы методики музыкального развития детей. В материале рекомендации по подбору музыки для слушания детьми дошкольного возраста и использованию в режимных моментах.

Музыка для слушания.

Традиционно принято считать, что ребенку-дошкольнику лучше давать слушать программную музыку. Она понятнее по содержанию, т.е. доступнее детям.
Подчеркнем, что именно музыкальное восприятие является тем «каналом», который позволяет ребенку обогащать индивидуальный музыкальный опыт. От того, какая музыка окружает ребенка, зависит становление у него музыкального вкуса, интереса к музыкальной деятельности.
Как же отбирается репертуар для слушания?
Многомерность — ведущий принцип искусства вообще и музыки особенно. Непостижимое количество вариантов интерпретации разными слушателями одного и того же музыкального образа, в том случае если музыка программная; огромнейшая палитра переживаний и образов в непрограммной музыке. Соединение несоединимых чувств в одном и том же музыкальном произведении…
Основными требованиями при отборе музыкальных произведений для слушания детьми являются требования художественности и доступности.
Художественность предполагает отбор разнообразных музыкальных произведений — образцов музыкальной классики и современности. Гармония музыкального образа и средств его выразительности, яркость, высокая эмоциональность музыки — именно в этих критериях может быть охарактеризовано данное требование.
Доступность традиционно трактуется следующим образом:
• содержание музыкального произведения должно быть представлено яркими, понятными образами, что предполагает использование преимущественно программной музыки;
• музыкальное произведение должно иметь контрастную форму;
• музыкальные образы должны соответствовать эмоциональному и жизненному опыту ребенка;
• подбор музыкальных произведений должен соответствовать возможностям детского восприятия

При отборе музыкальных произведений стоит пользоваться рядом принципов.
1.Принцип учета детских музыкальных интересов, детской субкультуры, предполагающий, что каждый ребенок, вне зависимости от возраста, уже обладает индивидуальным музыкальным опытом, имеет пусть неявное, но начальное избирательное отношение к музыке. Реализация этого принципа предусматривает дифференцированный подход — разным детям предлагается разная музыка.
Избирательное отношение ребенка к музыке может проявляться по-разному — от предпочтения какого-либо конкретного инструмента до музыки определенного композитора.
2.Принцип учета деятельной природы ребенка, который предполагает, что музыкальный репертуар, предлагаемый детям, позволит им выразить доступными средствами результаты собственного восприятия — в рисунке, слове, игре. Кроме того, музыка может допускать интерактивное включение ребенка — его непосредственные эмоциональные и двигательные реакции уже по ходу прослушивания. Данный принцип учитывает моторно-ритмическую природу самой музыки и природную активность ребенка.
3.Принцип учета эмоционального опыта ребенка выражается в подборе музыкальных произведений, соответствующих эмоциональному состоянию и переживанию ребенка. В том случае, если педагог и родители знают, чем живет ребенок, что его волнует и радует, музыка может стать источником обогащения его эмоционального и жизненного опыта. Ребенок получает возможность «прожить» в музыке те события, которые вызвали в нем сильные эмоциональные переживания.
Кажется, что самый простой способ реализации данного принципа на практике — подбор произведений, в названии которых уже заложено соответствие детскому эмоциональному опыту. Например, «Новая кукла» из «Детского альбома» П. Чайковского, «Веселый крестьянин, возвращающийся с работы» Р. Шумана и др.
Однако более глубокое понимание данного принципа позволит вам подобрать произведение, передающее нюансы детских переживаний.
4.Принцип учета индивидуальных особенностей восприятия музыки ребенком. Реализация данного принципа возможна при условии хорошего знания педагогом особенностей отношения ребенка к процессу слушания музыки. Есть дети, для которых в музыке главное — зрительный ряд, есть дети-музыковеды, которых интересует и биография композитора, история создания произведения. Есть дети, которые воспринимают музыку только эмоционально, и выражение в слове результатов прослушивания для них неприемлемо. Поэтому и музыкальный репертуар, и технология организации восприятия музыки должны осуществляться с учетом данных особенностей.
5.Принцип разнообразия задач, решаемых в процессе восприятия музыки. Данный принцип определяется, с одной стороны, целостностью развития ребенка в дошкольный период, а с другой — многомерной природой музыки. Поскольку процесс восприятия музыки организуется для решения разных задач, то и палитра музыкальных произведений, которые может слушать дошкольник, становится практически безгранична.
Какие же задачи можно решать, подбирая специальный музыкальный репертуар для слушания?
Эти задачи связаны:
• с процессом социализации ребенка, обогащением его эмоционального опыта;
• с развитием психических процессов — мышления, воображения, креативных способностей дошкольника;
• с развитием художественного восприятия музыки, со становлением умений ребенка осуществлять анализ музыкальных произведений; приобретением знаний о музыке, расширением музыкального кругозора.
Музыкальный репертуар для обогащения эмоционального опыта ребенка. Огромную роль в обогащении эмоционального опыта ребенка играет музыка. Ведь, как мы уже говорили выше, музыка — это и есть собственно эмоция. Какие же эмоции может испытывать ребенок, слушающий музыку?
Для характеристики эмоций ребенка-слушателя воспользуемся классификацией типов эмоций, предложенной В. Н. Холоповой, которая выделяет: эмоции как чувство жизни; эмоции как фактор саморегуляции личности; эмоции восхищения мастерством искусства; изображаемые в музыке эмоции; природные эмоции музыки.
Во-первых, процесс слушания музыки несет огромный положительный эмоциональный заряд, в связи с чем музыкальный репертуар может быть представлен мажорными произведениями как классической, так и хорошей эстрадной и детской музыки. Вот примерный перечень музыкальных произведений, которые могут звучать в ходе организации педагогического процесса.
Утренние часы приема детей
«Улыбка» (В. Шаинский — М. Пляцковский);
«Настоящий друг» (Б. Савельев — М. Пляцковский);
«Ничего на свете лучше нету» (Г. Гладков — Ю. Энтин);
«Голубой вагон» (В. Шаинский — Э. Успенский).
Утренняя зарядка
«Песенка про зарядку» (Г. Гладков — Г. Остер);
«В траве сидел кузнечик» (В. Шаинский — Н. Носик);
«Вместе весело шагать» (В. Шаинский — М. Матусовский);
«Пластилиновая ворона» (В. Шаинский — Э. Успенский).
Одевание на прогулку
«Облака» (В. Шаинский — С. Козлов);
«Какой чудесный день» (А. Флярковский — Е. Карганова);
«Неприятность эту мы переживем» (Б. Савельев — А. Хаит);
«Непогода» (Н. Лев — М. Дунаевский).
Тихий час
«Колыбельная» (В. А. Моцарт);
«Колыбельная Умки» (А. Флярковский — С. Свириденко);
«Крошка Вилли-Винки» (М. Карминский — И. Токмакова);
«Колыбельная Светланы» (Т. Хренников — А. Гладков);
«Перепелка» (И. Черницкая — Н. Сушева).

Игровая деятельность
«Песенка Чебурашки» (В. Шаинский — Э. Успенский);
«Подарки» (В. Шаинский — М. Пляцковский);
«Буратино» (Е. Крылатов — Ю. Энтин);
«В мире много сказок» (В. Шаинский — Ю. Энтин).
Занятия:
• по физическому воспитанию «Утренняя гимнастика» (В. Высоцкий);
• по изобразительной деятельности «Шелковая кисточка» (Ю. Чичков — М. Пляцковский);
• по экологическому воспитанию «Кто же такие птички?» (А. Журбин — Б. Заходер), «Одуванчики» (В. Герчик — Р. Горская), «Доброе лето» (В. Иванникова — Е. Авдиенко), «Лесной колокольчик» (В. Иванникова — И. Башмакова);
• по развитию речи «Слова» (В. Шаинский — Р. Рождественский);
• по трудовому воспитанию «Всем на свете нужен дом» (И. Ефремов — Р. Сеф), «Птичий дом» (Д. Кабалевский — О. Высотская), «На даче» (В. Витлин — А. Пассова);
• музыкальные занятия «Песенка крокодила Гены» (В. Шаинский — А. Тимофеевский), «Мишка с куклой пляшут полечку» (М. Качурбина — Н. Найденова), «Новоселье» (Е. Тиличеева — В. Семернин).
Во-вторых, процесс слушания музыки позволяет ребенку «проживать» собственные эмоциональные переживания. В том случае, если содержание музыкального произведения близко актуальному эмоциональному опыту ребенка, а педагог помогает ему установить такую связь, это существенно обогащает эмоциональное развитие дошкольника. Отметим, что в данном случае важнейшую роль играет профессиональная компетентность педагога и психолога детского сада. Только знание и понимание ребенка позволяют составить индивидуальный репертуарный список музыкальных произведений.
Часто, выбирая из фонотеки музыкальное произведение, ребенок может «сообщить» педагогу или сверстникам о своем эмоциональном состоянии. Если настроение у него невеселое, он предпочитает музыку негромкую, плавную, а когда ему хочется повеселиться, просит «включить» танец или марш.
Приведем пример соответствия музыки эмоциональному состоянию ребенка.
Радость
П. И. Чайковский. «Итальянская песенка»;
С. С. Прокофьев. Симфония № 1 «Классическая» (1 часть, отрывок);
Л. Бетховен. Симфония № 9 (4 часть, отрывок);
И. Штраус-отец. «Огонь молодости», галоп; Шампанский галоп;
Э. Штраус. «На всех парах», быстрая полька;
В. А. Моцарт. Симфония № 40 (1 часть, отрывок).
Печаль, грусть
А. Вивальди. Largo;
Л. Бетховен. «Лунная соната» (1 часть, отрывок);
К. Сен-Сане. «Лебедь» (отрывок);
И. Брамс. Симфония № 3 (3 часть);
A. Дворжак. Симфония № 9 (2 часть, отрывок);
Каччини. «Ave Maria»;
Ф. Шопен «Ноктюрн ми минор».
Тревога
П. И. Чайковский. «Болезнь куклы»;
П. И. Чайковский. Увертюра к опере «Пиковая дама» (отрывок);
B. А. Моцарт. «Реквием» (Купе);
Л. В. Бетховен. Симфония №5 (1 часть, отрывок).
Страх
М. П. Мусоргский. «Баба-Яга»;
П. И. Чайковский. Сцены из балета «Щелкунчик»;
О. Респиги. «Пинии Рима» (Пинии у катакомб).
Гнев
Л. В. Бетховен. Увертюра «Эгмонт» (отрывок);
П. И. Чайковский. Сцены из балета «Щелкунчик» («Мыши и мышиный король»);
А. Дворжак. Симфония № 9 (1 часть, отрывок).
В-третьих, в процессе слушания музыки возникают эмоции восхищения мастерством исполнителя. Бесспорно, дети должны слушать музыку только в хорошем исполнении. От хорошего, а тем более виртуозного исполнения ребенок испытывает сильные эмоции, которые часто становятся причиной возникновения интереса к музыке, желания заниматься музыкальной деятельностью.
В-четвертых, в процессе слушания музыки ребенок воспринимает выраженные в музыке эмоции. Художественный образ музыкального произведения наделен определенным эмоциональным состоянием. Если педагог хочет представить детям с помощью музыки тот или иной образ, то лучше это сделать на примере программных произведений. Мировая музыкальная классика имеет целый пласт так называемой «детской музыки» — произведений, предназначенных для слушания и исполнения детьми. Назовем хотя бы все известные циклы детских пьес:
• «Детский альбом» П. Чайковского;
• «Петя и волк» С. Прокофьева;
• «Детская музыка» С. Прокофьева;
• «Альбом для юношества» Р. Шумана.
Эмоциональное состояние отражают и непрограммные пьесы. Широта использования музыкальных произведений зависит от музыкальной культуры и вкуса самого педагога. Так, например, музыке композиторов-романтиков (Шуберта, Шопена, Листа, Мендельсона) свойственна передача нюансов эмоционального состояния, музыка Дворжака или Брамса «рисует» яркие человеческие переживания.
В-пятых, в процессе слушания музыки ребенок воспринимает природные эмоции музыки, т.е. средства художественной выразительности. Сама природа музыкального искусства является источником эмоций. И в первую очередь это касается моторно-ритмической сферы музыки, которая более заметно воздействует на человеческие эмоции. Для растущего человека предпочтительно отражение в музыке позитивных эмоций. Чем устойчивее связь ребенка и музыки, тем успешнее его эмоциональное развитие.
Музыкальный репертуар для решения задач психического развития ребенка. Особенности музыкального искусства позволяют рассматривать репертуар в качестве фактора развития психических процессов, и в первую очередь, конечно, креативности, творческого воображения и мышления дошкольника.
Яркие музыкально-художественные образы стимулируют фантазию ребенка, рождают необычные интерпретации, ассоциации.
Вот примерный перечень произведений, слушание которых может оказать существенное влияние на музыкальное развитие ребенка.
1. С. Прокофьев. «Ромео и Джульетта» — стремительный Меркуцио, неторопливый патер Лоренцо;
2. В. А. Моцарт. «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта» — кокетливые женщины;
3. М. Глинка. «Руслан и Людмила» — смешной, трусливый Фарлаф;
4. А. Бородин. «Князь Игорь» — плачущая Ярославна.
5. К. Сен-Санс. «Карнавал животных»;
6. П. Чайковский. «Шелкунчик»; С. Прокофьев. «Петя и волк».
7. О. Мессиан. «Каталог птиц», «Пробуждение птиц»;
8. Л. Бетховен. «Пасторальная» симфония;
9. Э. Григ. «Ноктюрн».
10. Н. Римский-Корсаков. «Сказка о царе Салтане»;
11. Н. Сидельников. «Русские сказки»;
12. Ф. Куперен. «Бабочки»;
13. Р. Шуман. «Бабочки».
14. Н. Римский-Корсаков. «Садко», «Шехеразада»;
15. А. Вивальди. «Времена года»;
16. К. Дебюсси. «Море», три симфонических эскиза;
17. К. Дебюсси. «Туманы», «Мертвые листья» «Вереск» (прелюдии из 2-й тетради);
18. О. Респиги. «Пинии Рима» («Пинии Аппиевой дороги»).
19. П. Чайковский. «Зимние грезы» (север);
20. П. Чайковский. «Воспоминания о Флоренции» (юг);
21. Н. Римский-Корсаков. «Шехеразада» (восток);
22. Дворжак. Симфония № 9 («Из Нового Света») (запад).
23. Н. Римский-Корсаков. «Сказание о невидимом граде Китеже»;
24. С. Прокофьев. «Ромео и Джульетта»;
25. А. Хачатурян. «Спартак»;
26. О. Респиги. «Пинии Рима» («Пинии на Яникуле»).
27. М. Мусоргский. «Картинки с выставки» — пешком, ровным шагом;
28. А. Бородин. «Половецкие пляски» из оперы «Князь Игорь» — пляски, танцы, веселый разгул;
29. К. Дебюсси. «Шаги на снегу»;
30. Ф. Шуберт. «Лесной царь» — скачка на коне;
31. Р. Вагнер. «Валькирия» — полет;
32. А. Вивальди. «Времена года». Концерт № 4 («Зима») Allegro — катание на коньках.
33. М. Мусоргский. «Ночь на Лысой горе»;
34. П. Чайковский. «Баба-яга»;
35. А. Лядов. «Кикимора»;
36. Э. Григ. «Шествие гномов»;
37. Э. Григ. Танец эльфов;
38. Н. Римский-Корсаков. Фрагменты из оперы «Снегурочка»;
39. К. Дебюсси. «Феи — прелестные танцовщицы» (прелюдия из 2-й тетради);
40. А. Лядов. «Волшебное озеро».
Музыкальный репертуар для развития музыкального восприятия, музыкальной образованности, музыкального кругозора. Круг этих задач решается, как правило, на музыкальных занятиях. Педагог-музыкант помогает ребенку накопить опыт ориентации в жанрах и стилях музыки, средствах музыкальной выразительности, музыкальных формах, интонационной специфике музыки разных композиторов. Примеры таких музыкальных произведений, как правило, рекомендуются образовательными дошкольными программами. Это произведения:
• небольшие по объему, время их звучания не должно превышать 5 — 8 мин, что связано с особенностями детского внимания (отвлекаемость, плохое сосредоточение) и недостаточностью развития произвольных процессов;
• с ярко выраженными средствами музыкальной выразительности (темп, ритм, динамика, мелодия);
• разнообразные по стилям и жанрам;
• программные и непрограммные.
Итак, репертуар определяет содержание работы с детьми по восприятию музыкальных произведений — это существенная часть работы, но еще не вся работа. Помимо содержания представляется важным познакомиться с технологиями организации процесса восприятия музыки детьми дошкольного возраста.

Консультация для воспитателей

«Классическая музыка в детском саду»

Музыка всегда претендовала на особую роль в обществе. Ещё древние знали, что музыка обладает лечебным эффектом! В древние века музыкально-медицинские центры лечили людей от тоски, нервных расстройств, заболеваний сердечно-сосудистой системы. Музыка влияла на интеллектуальное развитие, ускоряя рост клеток, отвечающих за интеллект человека. Но, главное, музыкой можно влиять на эмоциональное самочувствие человека. Бессмертные музыкальные произведения Моцарта, Бетховена, Шуберта, Чайковского способны активизировать энергетические процессы организма и направлять их на его физическое оздоровление.

Влияние музыки на состояние детей первым в нашей стране начал изучать выдающийся психоневролог В. М. Бехтерев еще в начале XX столетия. Уже тогда было видно: детям полезно слушать классику и колыбельные, что музыка не только развивает детей, но и оздоравливает их.

Все чаще говорится о необходимости формирования личности через культуру, о воспитании в ребенке способности ценить, творчески усваивать и приумножать ценности родной и мировой культуры. Но в реальной жизни – в детском саду и в семье дети не в полной мере знакомятся с настоящей классической музыкой.

По слушанию музыки «Программой воспитания и обучения детей в детском саду» предусмотрен узкий круг классических произведений. Мало какие семьи дома слушают классическую музыку, как правило дети слушают лишь современную, эстрадную музыку. Вот почему уже в дошкольном возрасте детей необходимо приобщать к шедеврам музыкального искусства. Давая слушать детям классическую музыку, мы формируем основы музыкальной культуры. Все это имеет важное значение не только для музыкального, но и для общего развития ребенка, нравственно-эстетического становления личности. Обращение к классике чрезвычайно актуально в условиях снижения культурного уровня современного общества.

«Классический» в переводе означает «образцовый»; и благородная цель педагогов – ознакомление детей с высокими образцами классической музыки, литературы, живописи, театра. Эта задача поставлена в Федеральных государственных стандартах.

Классическая музыка – это чарующие мелодии, созданные талантливыми авторами, которых справедливо называют композиторами – классиками. Их произведения уникальны и всегда будут востребованы исполнителями и слушателями.

Русские композиторы- классики: (слайд 2-3)

Чайковский, Рахманинов, Бородин, Мусоргский, Глинка, Римский-Корсаков.

Европейские композиторы-классики: (слайд 4, 5, 6)

Моцарт, Бах, Лист, Бетховен, Гайдн, Гендель, Вивальди, Шопен, Шуман, Шуберт.

Дошкольный возраст очень важен для дальнейшего овладения музыкальной культурой. Чем раньше ребенок получит возможность познакомиться с классической музыкой, тем более успешным станет его общее нравственно-эстетическое развитие.

Дети имеют ограниченные представления о чувствах человека, проявляющихся в реальной жизни. Музыка, передавая всю гамму чувств, расширяет эти представления. Слушая народную и классическую музыку, ребенок осваивает бесценный культурный опыт поколений. Эмоциональная отзывчивость на музыку помогает воспитывать такие качества личности, как доброта, умение сочувствовать другому человеку, сопереживать.

Благодаря беседе о музыке, дети пополняют свой багаж новыми знаниями, интересными сведениями. Так дети узнают, что композитор – это человек который сочиняет музыку. Вальс – это танец, наездник – это человек, скачущий верхом на лошади, шарманка – это старинный музыкальный инструмент и т. д.

Детский запас слов обогащается новыми словами, выражениями, характеризующими настроение, характер, чувства, переданные в музыке.

Дети подбирают к веселой музыке слова – веселая, радостная, забавная, смешная. К грустной – нежная, задумчивая, плавная, ласковая, грустная.

Музыкальная деятельность в силу ее эмоциональности привлекательна для ребенка. Именно музыка помогает формировать у ребенка эстетическое восприятие других видов искусства и окружающего мира. Из этого следует, что классическая и народная музыка оказывает большое влияние на развитие ребенка как личности.

Поэтому необходимо давать слушать классическую музыку не только на музыкальных занятиях. Главная задача педагога – увлечь ребёнка музыкой, сделать так, чтобы слушание музыки стало его потребностью. Давая слушать детям музыку, необходимо помнить, что дети могут внимательно слушать музыку в течение небольшого отрезка времени, поэтому на слушание необходимо отбирать небольшие произведения или яркие фрагменты. Очень важно соблюдать чувство меры. Многие зарубежные и советские композиторы-классики сочиняли музыку специально для детей. Слушая классические произведения разного времени, мы формируем у детей эталоны красоты. Важным принципом подбора музыкального репертуара является принцип его доступности детям. Музыка должна соответствовать возрастным возможностям детей. Произведения классической музыки должны звучать в оригинальном исполнении. Недопустимы так называемые «современные» обработки классических произведений. Не следует также предлагать детям для прослушивания и «псевдофольклор» в современном эстрадном исполнении.

Необходимо помнить, что классическая музыка не должна быт фоном, сопровождающим различные режимные моменты: одевание детей на прогулку, приём пищи и т. д. Хорошо сказал об этом Г. Честертон (анг. мыслитель): «Музыка во время обеда – это оскорбление и для скрипача, и для повара». Такое отношение принижает музыку, превращая её в привычный звуковой фон. Слушание классической музыки должно быть специально организовано.

В детском саду должна быть продуманная система работы с детьми, включая взаимодействие всего педагогического коллектива и родителей. Эффективность ознакомления детей с искусством значительно возрастает при условии сотрудничества музыкального руководителя с другими педагогами дошкольного учреждения, координации действий всех участников педагогического процесса.

Подготовка детей к слушанию может включать в себя знакомство с содержанием произведения (например, содержание сказок «Спящая красавица» — для слушания балета Чайковского, «Руслан и Людмила» — для знакомства с оперой Глинки, «Золушка» — знакомство с балетом С. Прокофьева и др.). Также можно предварительно познакомить детей с музыкальными инструментами, которые будут звучать в оркестре. После этого дети на музыкальном занятии знакомятся с яркими фрагментами прослушивания оперы или балета. Можно сопровождать слушание просматриванием видеозаписей и иллюстраций. А после знакомства с произведением хорошо было детям вместе с родителями посетить соответствующий спектакль в театре. Потому что музыкальный театр в силу своей зрелищности, праздничности способен оказать на дошкольников огромное влияние.

Замечательно было бы организовать концерты профессиональных музыкантов в детском саду. Для этого нужно выявить возможности родителей, используя для этого анкетирования, беседы. (Кого можно пригласить). Такие яркие события оставляют в памяти детей заметный след, повышают настроение, создают атмосферу праздника. Они должны обязательно обсуждаться: дети вспоминают услышанное и увиденное на концерте, рассказывают о своих впечатлениях. Можно предложить им различные творческие задания: воплотить свои впечатления от музыки в рисунках, показать музыкальный образ в творческом движении, обыграть просмотренный сюжет в театрализованной деятельности.

Какую музыку должны слушать дети?

Детям возбудимым, беспокойным полезны мелодии в медленном темпе — «адажио», «анданте». Такими бывают обычно вторые части классических сонат, инструментальных концертов. Это может быть, к примеру: 2-я часть «Маленькой ночной серенады» Моцарта, «Зима» из «Времен года» Вивальди, дуэт Лизы и Полины из оперы Чайковского «Пиковая дама», колыбельные песни.

Слушание произведения «Зима» Антонио Вивальди.

А для детей пассивных, с синдромов угнетения полезны произведения в темпе «аллегро» и «аллегро модерато» Моцарта, Шуберта, Гайдна. Например: вальсы из балетов Чайковского, «На тройке» из его же «Времен года», «Весна» из «Времен года» Вивальди, а также маршевые мелодии.

Слушание «Большого вальса» П. И. Чайковского из балета «Лебединое озеро».

Сеансы музыкотерапии хорошо влияют и на здоровых, нормально развивающихся малышей. Ведь и их иногда надо успокоить или, наоборот, взбодрить. Вот и можно это сделать с помощью, расслабляющей или активизирующей музыки. Ни в коем случае нельзя давать маленьким детям слушать музыку через наушники. Наши уши природой приспособлены для рассеянного звука. От направленного звука незрелый мозг может получить акустическую травму.

Сейчас есть большой выбор — аудиокассеты и CD-диски с классической музыкой в традиционном исполнении. Или кассеты с классикой, аранжированной специально для малышей. Там в ансамбль инструментов введены колокольчики. А еще продаются записи классической музыки на фоне звуков природы — шума ручья, прибоя, звуков леса. Аудиокассеты так и называются: «Малыш в лесу», «Малыш у моря», «Малыш у реки».

Сочиняя музыку для детей великие композиторы заботились об интересных сюжетных линиях, доступности материала, учитывали возраст исполнителя или слушателя.

Работа с детьми на занятиях и вне занятия.

Знакомство с «Детским альбомом» П. И. Чайковского.

На музыкальных занятиях дети знакомятся с композитором Чайковским, с его творчеством. «Детский альбом» посвящён племяннику композитора В. Л. Давыдову, который рос одарённым ребёнком и очень любит музыку. Дети слушают пьесы из «Детского альбома». В группе можно слушать неохваченные пьесы, сопровождая их стихами В. Лунина, написанными на музыку альбома и иллюстрациями. (Наглядный пример).

После знакомства с пьесами можно разучить и сыграть в оркестре «Немецкую песенку», «Неаполитанскую песенку», а затем исполнить эти пьесы на утренниках.

Опера М. Глинки «Руслан и Людмила». (слайд 7-11)

В группе дети знакомятся с произведением Пушкина «Руслан и Людмила». Рассматривают иллюстрации. На музыкальных занятиях дети знакомятся с понятием опера. История создание оперы «Руслан и Людмила». Дети уже должны знать героев, кто такой Баян (древний русский поэт и музыкант). Послушать песни Баяна. О чём он поёт? На каком инструменте играет? Также дети слушают «Увертюру», «Марш Черномора» (описать Волшебника, кто его сопровождает, какие инструменты звучат, «Бой Руслана с Головой» (легко ли далась Руслану победа).

Заключение.

Именно детство – тот особый, неповторимый период, когда ребёнок обладает повышенной любознательностью, открыт навстречу всему новому и прекрасному. Ознакомление с высокохудожественными образцами подлинного искусства оказывает на музыкальное, а также общее психическое развитие ребёнка: мышление, речь, воображение. Классические музыка, хореография, литература, живопись, театр позволяют решить одну из важнейших задач художественного образования дошкольников – воспитание культурного слушателя и зрителя и одну из важнейших задач педагогики – воспитание культурного человека.

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

«ЖЕРНОВЕЦКАЯ СРЕДНЯЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА»

ЗОЛОТУХИНСКОГО РАЙОНА КУРСКОЙ ОБЛАСТИ

Проект на тему:

«ШЕДЕВРЫ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ В ТВОРЧЕСТВЕ
ИСПОЛНИТЕЛЕЙ 20-21 ВВ.»

Жерновец, 2020/2021

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

ГЛАВА
1. КРАТКАЯ ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

1.1.   Что такое классическая музыка?

1.2.   Обзор периодов развития классической музыки

ГЛАВА
2. КЛАССИЧЕСКАЯ МУЗЫКА В СОВРЕМЕННОМ МИРЕ

2.1.
Джованни Палестрина. «Месса папы Марчелло»

2.2.
И.С. Бах. Токката и фуга ре минор

2.3.
А. Вивальди «Времена года»

2.4.
Вольфганг Амадей Моцарт «Турецкий марш»

2.5.
Л. Бетховен. Лунная соната.

2.6.
А.П. Бородин. Опера «Князь Игорь»

2.7.
Жорж Бизе. Опера «Кармен»

2.8.
С.В. Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром №2.

2.9.
С.С. Прокофьев. Симфоническая сюита «Поручик Киже» и балет «Ромео и Джульетта»

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК
ИСТОЧНИКОВ

ВВЕДЕНИЕ.

Немецкому
композитору Роберту Шуману принадлежат слова: «Не надо думать, что старая
музыка устарела, подобно прекрасному правдивому слову не сможет устареть
прекрасная правдивая музыка»

В
этом высказывании звучат мнения музыкантов XIX века. Возникает вопрос: а
актуальна ли классическая музыка в современном мире? Какие произведения
классической музыки звучат в наше время? Как из них получили новую жизнь в
творчестве современных исполнителей? На эти вопросы мы ответим в ходе нашей
исследовательской работы.

Самая
сложная область музыкального искусства — классическая музыка. Слово
«классический» подразумевает, что произведение заключает в себе серьезное
содержание, обращается к вечным вопросам человеческого бытия. В центре
классических сочинений те же нравственные, религиозные и философские проблемы,
что и в творениях художников, писателей.

Актуальной
проблемой данной работы является утрата интереса к классической музыке.

Исходя
из проблемы была сформулирована цель исследования:

·      
выявить роль и место классической музыки в жизни современного
человека.

Задачи
исследования:

·      
Изучить различные источники о представителях классической музыки разных
эпох.

·      
Выделить наиболее известные произведения музыкальной культуры,
которые можно охарактеризовать как «шедевр».

·      
Определить актуальность классической музыки в современном мире;

·      
Проследить судьбу музыкальных шедевров в творчестве современных
исполнителей.

Объект
исследования: шедевры классической музыки.

Предмет
исследования: музыкальные шедевры в творчестве современных исполнителей.

Гипотеза
исследования: классическая музыка не утратила своей значимости и получила
«новую жизнь» в творчестве современных исполнителей.

Методы
исследования: обзор и анализ научной и художественной литературы, обзор
Интернет-источников.

ГЛАВА 1. КРАТКАЯ ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ
КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

Вот
определение из Википедии: «Класси́ческая музыка (музыкальная классика; от лат. Classicus —
«образцовый») — образцовые музыкальные произведения, золотой фонд мировой
музыкальной культуры. Классические музыкальные произведения сочетают глубину,
содержательность, идейную значительность с совершенством формы. К классической
музыке могут быть отнесены как произведения, созданные в прошлом, так и
современные сочинения. В разговорном языке понятие «классическая музыка» часто
используется как синоним музыки «академической»
или «симфонической».

Это
музыка, прошедшая испытание временем и оставшаяся популярной на протяжении
многих лет.

Классическая
музыка разнообразна по жанрам: симфонии, сюиты, сонаты, этюды, ноктюрны,
фантазии, фуги, оперы, балеты, духовная музыка. Основными инструментами для
исполнения классической музыки являются струнные, клавишные, духовые и ударные
инструменты: скрипка, виолончель, пианино, флейта, гобой, кларнет, труба,
литавры, цимбалы, барабан и, конечно же, орган. Именно этот инструмент можно
назвать родоначальником классической музыки, ведь свои истоки она берет еще в
эпоху Ренессанса, т.е. в 16 веке! А ее расцветом является 17 век – эпоха
Барокко. Именно в это время возникли такие музыкальные жанры как соната и
опера, являющиеся актуальными и на сегодняшний день. Величайший гений в истории
музыки Иоганн Себастьян Бах творил в эпоху Барокко, именно он открыл новые
безграничные возможности создания музыкальных произведений. Музыка той эпохи
характеризовалась вычурными формами, сложностью, пышностью, эмоциональной
наполненностью. Тогда родились фуги Баха, оратории Генделя, скрипичные концерты
«Времена года» Вивальди. Но эпохи сменяли друг друга, изменялись времена,
менялись люди – и музыка становилась другой! На смену вычурности и пышности
пришла прекрасная, легкая, воздушная, элегантная музыка. Вы уже догадались?
Конечно же – это Моцарт, гениальный и неподражаемый Моцарт! Красота и гармония
– вот синонимы его мелодий. Он как комета пролетел над эпохой Классицизма,
навсегда осветив ее ярким светом.

В
истории классической музыки выделяются отдельные периоды развития: ренессанс,
барокко, классицизм, романтизм, модернизм.

1.2.     Обзор периодов развития классической музыки

Ренессанс

Самый
длительный период в истории классической музыки, охватывающий 1400-1600 гг.
Эпоха Возрождения и бурного развития искусства, оставившая в мировой
музыкальной традиции произведения таких композиторов, как Томас Луис де
Виктория, Джованни да Палестрина, Томасс Таллис и в том числе творчество
Шекспира.

Барокко

Эпохе
Барокко (1600-1750 гг.), следующей за Ренессансом, характерны более сложные
музыкальные формы, появление новых жанров, разнообразие жанров, полифония.
Именно в эпоху Барокко получила расцвет опера, и стали популярными композиторы,
которых слушают по сей день.

Эпоха
Барокко характеризуется пышными, вычурными формами исполнения, они сложные и
эмоционально наполненные.

Первое
место заслуженно принадлежит немецкому композитору Иоганну Себастьяну Баху
(1685 — 1750).

Бах —
крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры, ярчайший представитель эпохи
барокко. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли о
музыке. Искусство великого творца приобщает к общезначимому, вневременному и к
тому, что заложено в тайниках души человеческой и вызывает у слушателей
немедленный отклик, пробуждая в них неизведанные ими самими дотоле нравственные
силы.

Будучи
последним, наряду с Генделем, великим композитором эпохи Барокко, Бах пролагает
пути к музыкальному классицизму. Стали популярными слова Бетховена: «Его нужно
звать не Бах (по-немецки «ручей»), а море!».

Бах
был глубоко религиозен. Библия всегда оставалась его настольной книгой. В
начале своих сочинений он обычно проставлял обращение — «Иисусе, помоги», а в
конце — «Всевышнему одному слава».

Многим
музыка Баха кажется чересчур серьёзной, даже сумрачной. Однако
композитор-философ был вместе с тем любителем весёлой шутки. Страницы, полные
скорби и трагедии, сменяются в его сочинениях эпизодами юмора, радости, бурного
восторга. Часто Баха считают также академически сухим, чрезмерно рассудочным.
Но рационализм, строгая самодисциплина сочетается у композитора с
эмоциональностью, логика — со свободной фантазией.

Бах —
ярко национальный художник, соединивший традиции протестантского хорала с
традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ.

Творчество
Баха — музыканта-универсала — отличается всеохватностью жанров (все жанры,
кроме оперы):

Ещё
один яркий представитель данной эпохи — Антонио Вивальди (1678 — 1741).

Анто́нио
Лю́цио Вива́льди — итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр,
католический священник. Почти полтора века его музыкальные сокровища были
погребены под слоем забвения и безвестности. Лишь в начале XIX века обнаружили
коллекцию его произведений. С тех пор музыка Вивальди звучит повсюду. Особенно
популярны четыре концерта для скрипки и струнного оркестра «Времена года».

Классицизм

Эпоха
классицизма в развитии классической музыки ограничивается периодом 1750-1830-х
гг., с которым неизменно соотносят имена композиторов Венской школы – Моцарта,
Гайдна, Бетховена.

Вольфганг
Амадей Моцарт (1756 — 1791) — австрийский композитор, музыкант виртуоз, по
праву считается гением. Он создал поразительное количество произведений – 23
оперы, 18 сонат, 23 фортепианных концерта, 41 симфонию и многое другое. В
Германии музыку Моцарта называют «музыкой души», в своих произведениях
композитор проявлял черты своей искренней, любящей натуры. Одни из самых
узнаваемых произведений – «Рондо в турецком стиле», «Маленькая ночная
серенада», «Симфония №40». Его музыка воздушная, и прекрасная, элегантная. «Эффект
Моцарта»- при регулярном прослушивании произведений маленькими детьми, они
быстрее развиваются интеллектуально.

Людвиг
ван Бетховен (1770 — 1827) был важной фигурой романтически-классического
периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке.
Бетховен – один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире.
Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в
Европе. Одна из его лучших работ – «Лунная соната».

Романтизм

В
эпоху Романтизма музыка пылкая, глубокая, эмоционально выразительна,
индивидуальная.

Александр
Порфирьевич Бородин (1833 — 1887) – русский композитор, учёный-химик, член
кружка «Могучая кучка». Родился 12 ноября 1833 г. в Петербурге. Внебрачный сын
князя Л. С. Гедианова, отчество и фамилию получил от камердинера князя —
Порфирия Бородина. Родители дали Александру неплохое домашнее образование. В
1850 г. он поступил в Петербургскую медико-хирургическую академию, которую
блестяще окончил в 1856 г. Научная карьера складывалась успешно. Бородин
получил степень доктора медицины, а в 1877 г. — академиком Медико-хирургической
академии. Его работы в области химии до сих пор не утратили своего научного значения.

В то
же время учёный с детства увлекался музыкой и на этом поприще достиг не меньших
успехов. В 1867 г. Бородин написал Первую симфонию, которая принесла ему
известность как композитору. Он один из создателей русской классической
симфонии. После успеха Александр Порфирьевич начал работать сразу над двумя
крупными сочинениями — Второй симфонией («Богатырская», 1876 г.) и оперой
«Князь Игорь» на сюжет «Слова о полку Игореве». Работа над оперой затянулась на
целые 18 лет, и произведение так и не было закончено. Уже после смерти автора
её дописали по оставшимся материалам Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов.

Хотя
композиторское наследие Бородина не очень велико, каждое его произведение —
истинный шедевр. «Громадный и оригинальный талант» — так отозвался о
композиторе Ф. Лист.

Жорж
Бизе (1838—1875) — французский композитор, приобрел всемирную
известность как автор одного, ставшего очень популярным произведения. В истории
музыки такие случаи довольно редки. Этим произведением стала опера «Кармен».

Сергей
Васильевич Рахманинов (1873 — 1943) – великий русский композитор,
пианист и дирижер.

Творческий
облик Сергея Васильевича необычайно многогранен, ведь на протяжении жизни он
обращался к самым разнообразным музыкальным жанрам и практически в каждом из
них оставил настоящие шедевры. Есть одна общая черта, которая невидимой нитью
объединяет все его произведения – это любовь к Родине и связь с русской
культурой. Не секрет, что именно образ родной земли занял центральное место в
его творчестве. Самое удивительно, что Рахманинов не сочинял исторические
произведения или программные, которые были связаны с исторической тематикой. Но
это не помешало ему выразить всю глубину патриотических чувств в своей музыке.
Еще одна отличительная черта Рахманинова – это лиричность, большая роль в его
творчестве отводится песенной, протяжной мелодии.

Модернизм

Эпохе
Модернизма присуща абсолютная творческая свобода личности. Знаменитые
представители ее наши соотечественники Д. Д. Шостакович, А. Хачатурян, Г.В.
Свиридов.

Дми́трий
Дми́триевич Шостако́вич (1906 – 1975) — советский композитор, пианист, музыкально-общественный
деятель, доктор искусствоведения, педагог, профессор, народный артист СССР.
Один из крупнейших композиторов XX века. Автор 15 симфоний, 6 концертов, 3
опер, 3 балетов, многочисленных произведений камерной музыки, музыки для
кинофильмов и театральных постановок.

Сергей
Сергеевич Прокофьев (1891–1953) – русский композитор, дирижер, пианист, народный
артист РСФСР, лауреат шести Сталинских премий и Ленинской премии. Один из самых
значимых музыкантов ХХ века. Автор известной симфонической поэмы для детей
«Петя и волк», балетов «Ромео и Джульетта», «Золушка», опер «Любовь к трём
апельсинам», «Война и мир» и многих других произведений.

Ара́м
Ильи́ч Хачатуря́н (Хачатря́н) (1903 — 1978) — советский и армянский
композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, народный артист
СССР. Автор музыки к большому количеству кинофильмов. Произведения А. И.
Хачатуряна опубликованы в посмертно изданном в Москве многотомном собрании его
сочинений. Самый известный балет Хачатуряна «Гаянэ».

Георгий
Васильевич Свиридов (1915 — 1998) – советский композитор и музыкант.

Для
композитора, исповедующего классические музыкальные формы, нетрадиционным выбор
основного творческого направления – вокальная музыка, песня, романс. Хотя были
написаны и сонаты, и Фортепианное трио, удостоенное Сталинской премии, и музыка
к драматическим спектаклям, и даже единственная симфония.

Композитора
вдохновляли поэты первой величины – Лермонтов, Тютчев, Пастернак, Роберт Бёрнс,
Шекспир. Он положил на музыку и слог Маяковского, и даже прозу Гоголя. Пожалуй,
самыми любимыми и близкими ему были Сергей Есенин и Александр Блок.

Заметным
направлением творчества Свиридова была хоровая музыка. Это и «Пять хоров на
слова русских поэтов», и кантата «Курские песни» на основе фольклорных
источников, удостоенная Госпремии, и известнейший «Пушкинский венок». Жанр
этого произведения автор обозначил как хоровой концерт.

За
редким исключением, как, например, кантата «Ода Ленину» на слова Р.
Рождественского, Свиридов не изменял своему призванию — воспевать Россию, ее
людей, природу, культуру, духовность. Одним из последних произведений мастера
стало хоровое сочинение «Песнопения и молитвы», написанное на темы псалмов Давида.

ГЛАВА 2. КЛАССИЧЕСКАЯ МУЗЫКА В
СОВРЕМЕННОМ МИРЕ

В
этой главе мы рассмотрим судьбу шедевров музыкальной культуры в настоящее
время.

Для
начала надо дать определение понятию «шедевр». Согласно материалам Свободной
энциклопедии Википедии, шедевр – это «уникальное, непревзойденное творение,
высшее достижение искусства, мастерства. Шедеврами чаще всего называют
произведения изобразительного искусства и архитектуры, реже — науки и техники».

Шедеврами
произведения искусства называют, как правило исходя из личных, субъективных
оценок. Лишь со временем эти суждения обретают силу некоего высшего закона. При
этом не существует как такого мирового шедевра: в отдельных национальных
культурах действуют свои эталоны.

Однако,
есть музыкальные произведения композиторов-классиков, которые знакомы с детства
всем. Они звучат в фильмах, мультфильмах, на телевидении, на эстраде, их
исполняют самодеятельные и профессиональные музыканты, наконец, они могут
звучать даже в рекламе. Именно такие произведения, мелодии которых знакомы
многим, мы и будет рассматривать ниже.

2.1. Джованни Палестрина. «Месса папы Марчелло»

Джованни Пьерлуиджи да Палестри́на (1525 или 1526 — 1594) — итальянский композитор, один из крупнейших полифонистов эпохи Ренессанса. Наиболее значительный представитель
Римской
школы музыки.

После смерти папы Юлия II новым папой избрали Марцелла II.
Именно с этим лицом связано одно из самых знаменитых сочинений Палестрины, так
называемая «Месса папы Марчелло», опубликованная в 1567 г. Согласно
преданию, папа в 1555 г. собрал своих певчих на Великую пятницу и сообщил им
требование сделать музыку для страстной недели более подобающей этому событию,
а слова — более отчетливыми и ясно слышимыми.

Benedictus из «Мессы папы
Марчелло» звучит в последней песне последнего альбома британской группы
Muse. Это не просто цитата. Это нота в ноту часть из мессы Палестрины,
которую Мэтью Беллами (фронтмэн) поёт «хором» с помощью наложения
нескольких звуковых дорожек.

Это молитва обо всех, кто убит в современных
войнах, на очень мрачный текст, сочинённый Мэттом. Заканчивается он так:
«Теперь, не выходя из дома, ты можешь убивать людей с помощью дронов.
Аминь».

2.2. И.С. Бах. Токката и фуга ре минор

Музыковеды
и исследователи не имеют единого мнения, касающегося даты сочинения. Одни
утверждают, что цикл для органа был создан в раннем творческом периоде,
другие, что за год до смерти. Условно датой написания считают период от 1701 до
1740 годов.

Сегодня
цикл для органа считается вершиной органного творчества. Чтобы исполнить
произведение необходимо обладать виртуозной техникой и блестящим мастерством во
владении органом.

Существует
множество переложений Токкаты
и фуги.
В частности, для фортепиано, гитары,
электрогитары, баяна, струнного, джазового оркестра и других исполнительских
составов.

Наиболее
известные аранжировки:

Аранжировка
вступительного речитатива Токкаты. Автор французский композитор Поль Мориа.
Данная версия предназначена для струнного оркестра, которым и дирижировал
знаменитый музыкант. Широко известна, благодаря использованию в отечественной
телепередаче «Человек и закон», которая транслировалась на одном из Федеральных
каналов с 2002 по настоящее время.

Оркестровая
транскрипция была создана дирижёром Леопольдом Стоковским уже в XX веке, и
использована Уолтом Диснеем для превосходного анимационного фильма «Фантазия».

У британской группы Muse есть песня
«Plug in Baby» с одним из лучших гитарных риффов XXI века. Это та самая Токката
и фуга ре-минор послужила серьёзным основанием для «Plug in Baby2. Бах
использовал различные вариации для обыгрывания своей темы, и одну из таких
вариаций позаимствовал лидер Muse Мэттью Беллами. Он её немного изменил, но цитата при этом
осталась отчётливой и различимой. Бах-Беллами – чудный тандем.

Музыку
Токкаты и фуги звучит во многих кинофильмах:

·      
Первому игроку приготовиться (2018);

·      
Удивительный мир Гамбола (2017);

·      
Лего Фильм: Бэтмен (2017);

·      
В поиске совершенного консонанса (2016);

·      
Маргарита (2015);

·      
Непутёвая учеба (2015);

·      
Когда я был жив (2014);

·      
Бабадук (2014);

·      
Конец света 2013: Апокалипсис по-голливудски (2013);

·      
Квартет (2012);

·      
Топ Гир (2007);

·      
Мое сердце биться перестало (2005);

·      
Авиатор (2004);

·      
Верхом на великанах (2004);

·      
Телепередача «Человек и закон» (1970).

2.3. А. Вивальди «Времена года»

«Времена
года» Антонио Вивальди принадлежат к числу самых популярных произведений всех
времен. Для многих само имя «Вивальди» является синонимом «Времен года» и
наоборот (хотя он написал массу других произведений). Каждому из концертов композитор
предпослал сонет — своего рода литературную программу.

Музыка
Вивальди, и, в частности, цикл «Времена года» получила широкое признание в
мире. Ее можно услышать в кинофильмах, мультфильмах, она получила своё
хореографическое воплощение в постановках известных хореографов, звучала и
звучит на спортивной арене в выступлениях фигуристов. Появилось большое
количество транскрипций цикла «Времена года».

В
конце 60-х гг. XX века выдающийся аргентинец Астор Пьяццолла создал
своеобразное подражание этому сочинению – цикл из четырех танго под названием
«Времена года в Буэнос-Айресе». Впоследствии этим произведением заинтересовался
российский композитор, выпускник Ленинградской консерватории Леонид Десятников.
На этом материале он создал транскрипцию для скрипки с сопровождением струнного
оркестра. При всей ее свободе и виртуозности, он постарался максимально усилить
связь с оригинальным творением Вивальди, и поэтому добавил в нее несколько
цитат, но учитывая различия сезонов противоположных в северном и южном полушариях,
например, в «Verano Porteño» («Лето») добавил элементы «L’Inverno» («Зима»)
Вивальди.

В
2016 году появилась первая аранжировка этих барочных концертов в жанре
симфоник-метал. А принадлежит она соотечественнику Вивальди, Джузеппе Ямпьери,
известному под псевдонимом Maestro Mistheria. Ямпьери выпустил музыкальный
альбом «The Four Seasons» под маркой Vivaldi Metal Project,
являющийся аранжировкой «Времён года» в жанре симфоник-метал. В
работе над альбомом приняли участие более 130 музыкантов рок- и классической
сцены.

2.4. Вольфганг Амадей Моцарт «Турецкий марш»

Великий
Моцарт. Учёные уже более двух веков стараются разгадать феномен этого
гениального композитора. Почему его поистине божественная музыка так
благотворно влияет на здоровье и энергетику человека? Почему она проясняет
сознание и повышает интеллект? Вопросов много и возможно люди всё-таки
когда-нибудь смогут найти на них ответ. Ну а пока человечество выражает
огромную благодарность маэстро за то, что он оставил потомкам столь драгоценное
творческое наследие, включающее в себя более шестисот бесценных шедевров, в
самых разных музыкальных жанрах. Популярность сочинений Моцарта весьма велика,
но среди них есть одно изящное творение, которое завоевало во всём мире особую
народную любовь. Композитор назвал это произведение «Rondo alla turca», хотя в
простонародье его принято именовать «Турецким рондо» или «Турецким маршем».

Существует
несколько версий о времени сочинения Моцартом фортепианной сонаты № 11, одной
из частей которой является знаменитое «Турецкое рондо». Например, австрийский
музыковед Людвиг фон Кёхель предполагает, что композитор написал это
произведение в Париже в 1778 году.

Музыкальный
материал «Турецкого рондо», найденного в 2014 году в Венгрии, имеет отличие от
нот, напечатанных в 1784 году. В авторской редакции произведение было впервые
исполнено в Будапеште 26 сентября 2014 года.

Венцы
впервые увидели и услышали военный оркестр янычар в 1699 году: тогда был
заключён Карловицкий мир. Интерес к диковинному музыкальному коллективу был
настолько велик, что ему пришлось сделать несколько публичных выступлений,
собравших большое количество любопытной публики.

На
самом деле турецкие военные строем под музыку никогда не ходили. Звуки оркестра
вдохновляли их перед боем и поддерживали во время баталий. На парадных смотрах
янычары никогда не маршировали, а ходили обычным и даже пританцовывающим шагом,
при этом они выкрикивали возгласы, прославляющие Аллаха. Вероятно поэтому их
военная музыка весьма отличается от наших бравурных маршей.

В Турецкой
Республике в нынешнее время Моцарт является одним из самых любимых классических
композиторов. В Стамбуле каждый год проводится музыкальный фестиваль, который
носит имя великого маэстро. В школах города мелодия «Турецкого рондо» звучит
как учебный звонок, а популярный турецкий рэпер Джеза придумал слова на музыку
этого произведения и снял забавный клип.

В
нынешнее время музыка произведения Моцарта «Rondo alla turca» является визитной
карточкой Турции и поэтому всегда звучит на правительственных приёмах этой
страны.

«Турецкое
рондо» со временем приобрело такую любовь и популярность, что его музыку в
нынешнее время часто используют в саундтреках многих кинолент. Их так много,
что перечислить просто невозможно, например, она звучит в вышедшем в прокат в 2019
году биографическом музыкальном фильме «Рокетмен» режиссёра Декстера Флетчера,
рассказывающем о жизни, становлении и творчестве музыканта Элтона Джона.

В
анимации музыку «Турецкого марша» можно услышать в таких всеми любимых
мультфильмах, как «Рио 2» и «Гриффины», а кроме того, она звучит в популярной
компьютерной игре Civilization (1991), где представляет немецкую цивилизацию.

«Турецкий
марш» — это ставшее классическим шлягером фортепианное произведение Моцарта и сегодня всё также привлекает своим
изяществом, блеском, жизнерадостностью как слушателей, так и музыкантов. Его
популярность достигла такой вершины, что переложения и аранжировки гениального
шедевра можно услышать в исполнении самых разных инструментов, рок ансамблей,
хоровых и симфонических коллективов.

Также
знаменита аранжировка этого произведения, исполненная вокальным ансамблем The Swingle
Singers.

2.5. Л. Бетховен. Лунная соната.

Сегодня
вряд ли найдется человек, никогда не слышавший «Лунной сонаты» Людвига ван Бетховена, ведь это одно из самых
известных и любимых произведений в истории музыкальной культуры. Такое красивое
и поэтичное название произведению дал музыкальный критик Людвиг Рельштаб уже
после смерти композитора. А если быть точнее, то не всему произведению, а
только его первой части.

Соната
для фортепиано No14 до-диез минор, написанная в 1800-1801 годах, была посвящена
Джульетте Гвиччарди. Маэстро был влюблен в нее и мечтал о женитьбе.

Стоит
отметить, что в этот период композитор стал все чаще ощущать ухудшение слуха,
но был все также популярен в Вене и продолжал давать уроки в аристократических
кругах. Впервые об этой девушке, своей ученице, «которая любит меня и любима
мной» он написал в ноябре 1801 года Францу Вегелеру. 17-летняя графиня Джульетта
Гвиччарди и Бетховен познакомились в конце 1800 года.
Бетховен учил ее музыкальному искусству, причем даже не брал денег за это. В
благодарность девушка расшивала ему рубашки. Казалось, что счастье ждет их,
ведь чувства у них взаимны. Однако планам Бетховена не суждено было сбыться:
юная графиня предпочла ему более знатного человека, композитора Венцеля
Галленберга.

Потеря
любимой женщины, усиливающаяся глухота, рухнувшие творческие планы – все это
навалилось на несчастного Бетховена. И соната, которую композитор начинал
писать в атмосфере окрыляющего счастья и трепетной надежды, завершилась гневом
и яростью.

За
все время своего существования, соната всегда вызывала неизменный восторг не
только у слушателей, но и у исполнителей. Ее очень высоко ценили такие
известные музыканты, как Шопен, Лист, Берлиоз. Многие музыкальные критики
характеризуют сонату, как «одну из вдохновеннейших», обладающую «самой редкой и
самой прекрасной из привилегий – нравиться посвященным и профанам». Не
удивительно, что за все время ее существования появилось очень много
интерпретаций и необычных исполнений.

Так,
известный гитарист Марсель Робинсон создал переложение для гитары. Большую
популярность получила аранжировка Гленна Миллера для джазового оркестра.

Существует
аранжировка Лунной сонаты, сделанная известным немецким композитором,
аранжировщиком и дирижёром Джеймсом Ластом для своего оркестра.

А
теперь на минуту представьте, если бы Бетховен жил в наши дни, и для воссоздания этих
эмоций выбрал другой музыкальный инструмент. Какой, спросите вы? Тот самый,
который сегодня является лидером по воплощению эмоционально тяжелой,
переполненной эмоциями и кипящей страстями музыки – электрогитару. Ведь никакой
другой инструмент настолько ярко и точно не изобразит стремительный ураган,
сметающий все чувства и воспоминания на своем пути. На видеохостинге YouTube
можно увидеть много видеороликов, где Лунную сонату исполняет этот современный
нам музыкальный инструмент.

«Лунная
соната» Бетховена является одним из самых популярных произведений мировой
классической музыки. Её часто исполняют на концертах, она звучит во многих
кинофильмах, спектаклях, её используют для своих выступлений фигуристы, она
звучит фоном в видеоиграх.

Исполнителями
этой сонаты были известнейшие пианисты мира: Гленн Гульд, Владимир Горовиц,
Эмиль Гилельс и многие другие.

Интересно,
что музыка этого произведения звучит и в детских мультфильмах. Например, в 
российском полнометражном мультипликационном фильме
студии «Мельница»
и СТВ
«Иван-царевич и Серый волк 2».

2.6. А.П. Бородин. Опера «Князь Игорь»

К
числу самых известных музыкальных творений композитора относится опера «Князь
Игорь», написанная по мотивам древнерусского литературного памятника «Слово о
Полку Игореве». И по содержанию, и по колориту это произведение буквально
пропитано русским духом. Волею исторической судьбы один музыкальный фрагмент
этого сочинения преодолел не только пространство оперы, но и академической
музыки и русской культуры. Мелодия отправилась «гулять по свету», была
многократно адаптирована и послужила основой для многих произведений в разных
жанрах современной музыки – от джаза и классического кроссовера до хип-хопа и
металла.

Эта
мелодия – хор невольниц из танцевального эпизода «Половецкие пляски». У нас в
стране композиция хорошо известна по строчке «Улетай на крыльях ветра». С этим
названием она часто исполняется в качестве самостоятельной песни. В наши дни из
«классических версий» наиболее популярно исполнение солистки большого театра
Евгении Сотниковой.

История
гласит, что над оперой «Князь Игорь» Бородин работал урывками на протяжении 18
лет. В качестве даты написания конкретного музыкального фрагмента «Половецких
плясок» в источниках указывается 1875 год. Александр Порфирьевич сочинил эту
мелодию, находясь в Москве.

Опера
как целостное произведение, так и не увидела свет при жизни автора. Композитор
скоропостижно скончался в 1887 году, не завершив работу над ней. Творение
дорабатывали соратники музыканта К. А. Глазунов и Н. А. Римский-Корсаков.
Первая постановка состоялась в 1890-м году.

Время
жизни и творчества Александр Бородина и становление пласта музыкальной
культуры, обозначающегося собирательным понятием «современная музыка»,
разделяет примерно полвека. Благодаря мелодии «Улетай на крыльях ветра»
композитор посмертно попал в списки авторов популярных музыкальных произведений
многих исполнителей.

Первым
из заграничных музыкантов мелодию Бородина интерпретировал Артур Джейкоб
Аршавский, американский джазмен,
известный под псевдонимом Artie Shaw – Арти Шоу. Композиция называется «My
Fantasy». Мотив «Половецких плясок» распознается невооруженным ухом.

Следом
за Шоу тему «Половецких плясок» использовали многие музыканты, так или иначе
причастные к джазу. Например, в 1960 году композиция на её основе вышла на
пластинке Рея Коннифа «Say It with Music».

Под
названием «Stranger In Paradise» мелодия фигурирует и в многочисленных
инструментальных вариантах, и в виде песни с английским текстом, который по
содержанию не имеет ничего общего с русским оригиналом, прозвучавшим в опере.

Композиция
на английском языке, названная «Посторонний в раю», впервые прозвучала в
мюзикле «Кисмет». Эта постановка 1953 года основывается на восточных мотивах
«Сказок 1001 ночи», название переводится с арабского как «фатум» или «судьба».
Музыкальную основу спектакля составили мелодии Александра Бородина из «Князя
Игоря», адаптированные известными авторами бродвейских мюзиклов Робертом Райтом
и Джоном Фортестом. Так на американском Бродвее, в родственном опере
музыкально-театральном жанре музыка, написанная для древнерусского сюжета,
используется в арабском колорите и обретает «новую жизнь». Наибольшую
известность получила композиция «Stranger In Paradise». В оригинале исполненная
хором невольниц из «Половецких плясок» мелодия на американской сцене
превращается в дуэт двух влюбленных, в спектакле это произведение пели Ричард
Кили и Дорета Мороу.

В том
же 1953 году «мужскую версию» песни из мюзикла представил Тони Беннет, издав
композицию «Stranger
in Paradise» на своём альбоме Alone at Last with Tony Bennett.

В его
исполнении композиция становится международным хитом, покоряет американские и
британские чарты. На волне популярности композиции выходит ещё пять версий от
различных музыкантов. В их числе был, например, Бинг Кросби.

В
разные годы «Strangers in Paradise» продолжала перепеваться и переигрываться в
разных странах. Отметим вариант итальянской певицы Катарины Валенте.

Будучи
«родом из оперы», произведение не могло не обратить на себя внимания
академических исполнителей и артистов, работающих в нише «классического
кроссовера». В 2011 году, когда Тони Беннету, прославившему произведение, уже
стукнуло 85, он перезаписал песню совместно с оперным певцом Андреа Бочелли.

Одна
из самых известных англоязычных версий принадлежит британской кроссовер-диве
Саре Брайтман. Эстетичное яркое исполнение композиции на музыку Александра
Бородина представлено на альбоме «Harem» 2003 года.

Получившая
всемирную популярность мелодия воспроизводилась не только в англоязычной
музыке. Например, она нашла своё отражение в творчестве мэтра испанской эстрады
Хулио Иглесиаса, став основой для его песни «Quereme» — «Люби меня». Композиция
датирована 1979 годом.

К
слову, в песенном наследии испанца это не единственный случай интерпретации
мелодии, рожденной в русскоязычном культурном пространстве. Известно, что его
популярный хит «Nathalie» очень сильно перекликается с романсом «Очи черные».

К
наследию классических композиторов нередко обращаются в своём творчестве
представители различных направлений тяжелой музыки. На сочетании эстетики двух
пластов музыкальной культуры сформировалось целое музыкальное направление –
симфоник-металл. Классикой в тяжелой обработке сегодня никого не удивишь. Не
обошли металлисты стороной и популярную мелодию из оперы «Князь Игорь».
Малоизвестная широкой аудитории испанская симфо-металл команда «Níobeth» из городка
Альбасете на пластинке «Silvery Moonbeams» 2011 года выпустила трек под
оригинальным названием, переведенным на английский язык «Polovtsian Dances».
Это инструментальная композиция, вместо текста звучит вокализ в исполнении
солистки Итеи Бенедикто.

На
родине мелодии музыка легендарного соотечественника также звучала в исполнении
металлистов. Инструментал «На крыльях ветра» от легендарной группы «Ария» стал
одним из трех треков сингла «Поле битвы», выпущенного в 2009 году. Аранжировку
сделал Владимир Холстинин.

Кавер-версию
с оригинальным текстом на русском языке представила московская фолк-металл
группа с финно-угорским названием «Калевала». Вокальная партия звучит голосом
фронтвумэн Ксении Маркевич. Среди поклонников отечественной тяжелой музыки
песня «Улетай на крыльях ветра» стала заметным хитом в репертуаре коллектива.

«Даже
не знаю, что сказать про эту песню. Наша версия половецких плясок великого
русского композитора Александра Бородина» — так Ксюша Маркевич
прокомментировала композицию на одном из живых выступлений.

На
первый взгляд академическая музыка и хип-хоп – два полярных проявления
музыкальной культуры, и дистанция между ними кажется непреодолимой. Но
современная музыка неоднократно доказывала, что в ней возможно всё. В 1997 году
видные фигуры американской рэп-музыки пригласили к сотрудничеству оперных див
европейского континента и записали вместе целый альбом, «начитывая» свои треки
под аккомпанемент узнаваемых произведений композиторов-классиков. Выпущено всё
это дело было под названием «Rapsody: Hip Hop Meets Classic». Особо широкой
популярности у аудитории этот проект не снискал, однако одна песня оттуда всё
же стала хитом. Трек «Prince Igor» — результат коллаборации рэпера Уорена
Гриффита, известного как Warren G и известной классической певицы Сиссель из
Норвегии. Для нас особенно приятно, что оперная часть из уст норвежки звучит на
языке оригинала.

В
каком бы жанре ни использовалась эта мелодия, она почти всегда звучит органично
и добавляет композиции элитарности, что только подтверждает её универсальность
и талант автора.

2.7. Жорж Бизе. Опера «Кармен»

Сюжет
оперы Ж. Бизе «Кармен» взят из одноименного романа П. Мериме. В центре
круговорота событий — красивая, страстная и свободолюбивая цыганка, своим
образом жизни и поступками меняющая жизни окружающих ее людей. Это последняя
опера композитора, прошедшая тернистый путь к славе и сценам мировых театров.
Она считается кульминацией творчества Жоржа Бизе и его жизненным фиаско.

Премьера
спектакля состоялась 3 марта 1875 года и закончилась полным провалом. А ровно
через 3 месяца после нее не стало и самого композитора. О причинах его смерти
до сих пор спорят. По одной из версий, Бизе не смог пережить фиаско «Кармен» и
той «безнравственности», в которой его обвинили после премьеры. Опера казалась
публике неприличной, ведь ее героями были бандиты, курящие работницы фабрики,
контрабандисты и простые солдаты. А характеризуя главную героиню оперы, ценители
искусства и вовсе не стеснялись в выражениях — она была истинным воплощением
вульгарности и грязи.

Однако
позже опера получила мировое признание, что заставило французов снова
заинтересоваться ей. Один из композиторов того времени, Эрнест Гиро, решил сделать
свою редакцию – он заменил все разговорные диалоги в творении Бизе
речитативами, а также украсил финал оперы яркими хореографическими сценами.
Опера была поставлена в Париже в данном варианте в 1883 году, и на этот раз
прошла с настоящим триумфом. Через 21 год столица Франции увидела юбилейное,
тысячное представление «Кармен».

На
русской оперной сцене роковой образ Кармен создала непревзойденная Елена
Образцова, на эстрадной сцене певица Лариса Долина, а вот мужскую версию
знаменитой «Хабанеры» можно услышать в мультфильме «Лунтик и его друзья» в
исполнении Пупсеня (274 серия. «Волшебный голос Пупсеня»).

2.8. С.В. Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром №2.

Второй
концерт Сергея Рахманинова стал знаковым для композитора, прочно войдя в
историю мировой музыки и заняв там особое место. До сих пор он остается едва ли
не самым популярным произведением Рахманинова, благодаря своей необыкновенной
красоте, эмоциональности, художественному замыслу и воплощению. Исследователи
по праву называют этот концерт гениальной поэмой о Родине.

Второй
концерт для фортепиано с оркестром до минор был написан в 1900 году. Во
Втором концерте композитор предстает перед публикой уже как зрелый художник, со
своим особым мастерством, стилем, полностью и весьма ярко владеющий всеми
доступными выразительными средствами, как настоящий мастер крупной формы.
Творческий путь, намеченный еще в Первой симфонии, теперь окончательно определяется
– это преобладание лирико-эпического симфонизма, который неизменно опирается на
национальную мелодику и метроритм. Все яркие события детства, посещение служб в
московском Андрониковом монастыре, изучение хоровых произведений А.
Кастальского – все это оказало огромное влияние на формирование его
индивидуального стиля.

В
1904 году Сергей Васильевич получил Глинкинскую премию за свой Второй концерт,
утвержденную известным меценатом М. Беляевым.

Обретя
популярность, рахманиновский концерт вошел в репертуар большинства именитых
пианистов, среди которых Святослав Рихтер, Денис Мацуев, Ван Клиберн, Артур
Рубинштейн и многие другие.

У
Второго концерта очень обширная фильмография. Музыку этого прекрасного
произведения можно услышать во многих фильмах: «Рай» (2016), «Женщина и
Мужчина» (2010), «Частная жизнь» (1982), «Поэма о крыльях» (1979), «Весна на
Заречной улице» (1956), «Ветка сирени» (2007), «Бинго-Бонго» (1982), «Короткая
встреча» (1974), «Бункер», мультфильм «Свинья-копилка» (1963) и др.

Впервые
прозвучав в исполнении самого композитора, Второй концерт сразу же приобрел
небывалую популярность и признание публики. Он тут же начинает триумфальное
шествие по различным городам нашей страны и за ее пределами, каждый раз
восхищая публику, вызывая неизменный восторг. До сих пор концерт Рахманинова остается одним из самых ярких его
произведений и заслуженно входит в сокровищницу мировой музыки.

Также
эту удивительную музыку можно услышать в аранжировках эстрадных исполнителей:

·                  
Блистательная Катерина Валенте к 1960-му году успела попробовать
себя во всех существовавших стилях поп-музыки. Выпущенный в том году альбом «Сlassics
with a chaser» означал успех её «охоты на классиков» — уникальный
на протяжении всей карьеры. Песня «Full Moon And Empty Arms».

·                  
Творчество британской рок-группы MUSE впитывает в себя элементы
самых разных направлений. Вокалист Мэттью Беллами — поклонник музыки Сергея
Рахманинова, произведения которого он иногда цитирует в песнях. «Space Dementia».
«Butterflies And Hurricanes».

Space
Dementia была написана под влиянием одной из самых фундаментальных работ
маэстро – Второго концерта для фортепиано с оркестром c-moll. Беллами здесь
использует неточные цитаты, но дух Второго концерта вполне уловим.
Рахманиновские цитаты встречаются у Muse повсеместно, а если не встречаются, то
стиль и манера игры остаются схожими. На концертах, во всяком случае ранних,
Muse частенько исполняли отрывки из его произведений. На одном из них Беллами
исполнил Прелюдию g-moll, дополненную композицией Screenager с альбома Origin
of Symmetry.

«Butterflies
And Hurricanes». Здесь Рахманинов неточно цитируется с отметки 3.18. Тема,
которая тут звучит, у Рахманинова олицетворяет волю и любовь к жизни. Так что
она подыгрывает главной идее песни: «Ты должен быть лучшим и изменить этот
мир».

·                  
Для канадской звезды Селин Дион перепевка сделанного Эриком
Карменом сиквела стала международным хитом, достигнув, среди прочего, 4 места в
США (в Billboard Hot 100). Пожалуй, это был её наибольший успех после
«Титаника». Celine Dion — All by Myself.

·                  
Исполнитель каверов всемирно известных песен на альт-саксофоне Фаусто
Папетти редко обращался к классике. Альбомов с её переработками у него не
выходило, но на некоторых (он выпускал альбомы под порядковыми номерами) их всё
же удалось обнаружить.

·                  
Ярчайший представитель певческой эпохи середины ХХ века, Фрэнк
Синатра прекрасно понимал значение классического наследия в формировании
музыкального вкуса поколения. В 1945-м году он записал «Романс»
Чайковского, 15 лет спустя — коллаж из произведений Рахманинова.

·                  
Панамский пианист Данило Перес, совмещающий латиноамериканскую
народную музыку и джаз, продвигает свою музыку с элементами музыкальных
наследий, как многомерный мост между людьми. Сочинение Рахманинова вполне
соответствует его творческому замыслу. If I Forget You.

·                  
Автор упомянутой выше композиции All By Myself Эрик Кармен
полагал, что музыка Рахманинова перешла в общественное достояние. Когда
наследники композитора ему объяснили, что это не так, он согласился отчислять
им роялти за обе песни, в которых были использованы отрывки из произведений
Рахманинова. Never Gonna Fall in Love Again.

2.9. С.С. Прокофьев. Симфоническая сюита «Поручик Киже» и балет «Ромео
и Джульетта»

Два самых известных заимствования из музыки Прокофьева касаются
песен, в которых речь заходит о России:

Песня британского исполнителя Стинга «Russians».

Песня написана во времена холодной войны (1985 год). Стинг боится ядерных ударов и надеется, что
«русские тоже любят своих детей», а значит, это поможет удержать мир от
страшной войны. В проигрыше этой песни о русских Стинг использовал мелодию
«Романса» из сюиты «Поручик Киже» русского композитора Сергея
Прокофьева.

Вторая песня – это композиция британского певца Робби Уильямса «Party
Like a Russian» о кутейниках земли русской. И опять точное заимствование, на
этот раз из «Танца рыцарей», музыки к балету «Ромео и Джульетта» (1935).

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

 

Классическая
музыка — это то, что делает нашу жизнь прекрасной, привносит в нее романтику,
свежие чувства, праздничное настроение. Она никогда не утратит своей прелести,
глубины и значительности, всегда будет в модной и востребованной во всех
областях нашей жизни.

Еще
Пифагор создал свою «школу мудрости», положив в ее основу два искусства – музыку
и математику. Он считал, что гармония чисел сродни гармонии звуков, что оба
этих занятия упорядочивают хаотичность мышления и дополняют друг друга. Интерес
к классической музыке никогда не иссякнет, так как ее возможности безграничны.
Это то, что никогда не будет забыто.

Для
проверки выдвинутой гипотезы была проведен поиск, исследование и анализ
Интернет-источников и книг. По результатам этой работы был сделан вывод,
что классическая музыка в современной обработке пользуется большой
популярностью. Давно знакомые и любимые многими музыкальными ценителями
классические вещи обретают новое звучание, новый стиль, новый характер
благодаря интеграции различных жанров. Вовлечение непривычных для классики
музыкальных инструментов, смелые аранжировки, вокальные партии дают еще одну
жизнь музыкальному произведению, доносят его к той аудитории, которая еще не
была знакома с ним, посвящая тем самым все большее количество людей в
таинственный и прекрасный мир классики.

Таким
образом, классическая музыка в современной обработке становится все более
распространенной как среди почитателей традиционных канонов жанра, так и среди
тех, кому больше по душе другие стили – поп-музыка, альтернативный рок, рэп,
электронные жанры и многие другие. Меняются времена, меняются люди, меняется
сама жизнь. Конечно же, меняется и искусство, и, в первую очередь, — музыка. Но
мне очень хочется, чтобы и в наше время композиторы сочиняли великие
произведения, которые и через века будут с замиранием сердца и слезами восторга
на глазах слушать люди во всех уголках нашей огромной планеты!

СПИСОК ИСТОЧНИКОВ

В мире музыки. О музыке, авторах исполнителях
http://vmiremusiki.ru/10-ka-samyx-izvestnyx-kompozitorov-v-mire.html

Кравченко Т.Ю.
Композиторы и Музыканты/ Издательство: АСТ, Астрель, Ермак ,2004г. –
512с.

Музыка Великих
Композиторов — Коллекция классики от «Комсомольской Правды» №2 (2010-2011)

Крунтяева Т. Словарь иностранных
музыкальных терминов/ Изд-во: Музыка, 2004

О композиторах http://www.allcomposers.ru/

http://vmiremusiki.ru/

http://classic-mobile.ru/

http://www.classica.fm/2013/02/13/v-telefonakh-rossyskikh-abonentov-zazvuchit-klassicheskaya-muzyka/comment-page-1/

10.  http://www.topauthor.ru

11.  https://ru.wikipedia.org

http://www.youtube.com/watch?v=iBsDtd3VbjI http://www.youtube.com/watch?v=Im_-T3G9rPo

http://www.youtube.com/watch?v=iBsDtd3VbjI

http://school-collection.edu.ru/collection/ http://www.musenc.ru/

http://www.youtube.com/watch?v=_3d2tPxVm2Q

https://ru.wikipedia.org/wiki/Классическая_музыка Дата
обращения 22.01.2021.

https://ru.wikipedia.org/wiki/Шедевр Дата обращения
25.01.2021.

https://ru.wikipedia.org/wiki/Аранжировка#:~:text=Аранжиро́вка%20—%20переложение%20музыкального%20произведения,новой%20или%20хорошо%20известной%20мелодии

https://ru.wikipedia.org/wiki/The_Swingle_Singers

О кларнете

Музыка всегда была, особенно для впечатлительных людей, прекрасной возможностью свободно выражать свои эмоции, чувствовать себя независимыми и непринужденными. Музыкальные инструменты, используемые при исполнении произведений, дают нам прекрасную возможность наслаждаться приятными слуху тембрами. Среди них кларнет играет важную роль, завоевывая признание даже среди музыкантов, не являющихся профессионалами.

В статье ниже вы найдете различную информацию о том, что такое кларнет и как он появился, каковы его компоненты, о его роли в оркестре, и узнаете разные вещи, менее известные широкой публике.

Очарование музыки неоспоримо для большинства людей, неравнодушных к красоте. Есть энтузиасты, которые признаются, что их чувства резонирует со звуком кларнета, которому удается передать массу эмоциональных оттенков.

Тем, кто хочет научиться играть на этом инструменте, предстоит очень долгий путь к разгадке этих загадок. Для начала они должны развить свои музыкальные навыки, овладеть понятиями теории музыки и инструментальной техники, а затем, благодаря интенсивному обучению, они смогут перейти к более продвинутым техникам.

Что такое кларнет

Кларнет — это деревянный музыкальный инструмент с простой тростью и цилиндрическим корпусом. Он появился как реальное усовершенствование французского инструмента, названного «chalumeau», а также в результате эволюции другие типов музыкальных инструментов, таких как труба или флейта.

Кто изобрел кларнет

Этот инструмент был изобретен в Германии в семнадцатом веке Иоганном Кристофом Деннером. После долгих доработок кларнет отлично справился с более широким тональным диапазоном и, таким образом, был представлен на больших концертах. Композиторы создавали специальные сложные для интерпретации партитуры только для этого музыкального инструмента.

Модель немецкого кларнета, изобретенная Деннером, до сих пор используется в Германии и Австрии, но есть и другие типы: кларнет Альберта, который имеет нижнюю тональность и используется в джазовой и восточной музыке, кларнет Бема, широко распространенный во Франции, США, Великобритании, а также и в других регионах мира. Модель, наиболее используемая сегодня, сформировалась к 1839 году.

Из чего состоит кларнет

Прежде чем изучать ноты или различные техники игры на кларнете, каждый ученик должен знать, как устроен этот невероятно красивый по звучанию инструмент. Кларнет представляет собой трубку диаметром 67 см, изготовленную из черного дерева, обычно цилиндрической формы, в основном конической на концах, состоящую из:

Головка (её еще называют мундштуком) с простой тростью, в которой образуется звук, создаваемый потоками воздуха при дыхании того, кто играет на инструменте;

Бочонок — служит для регулировки кларнета;

Верхняя и нижняя части корпуса (здесь имеются отверстия с клапанами, которые управляются системой рычагов);

Флаг или раструб — служит для усиления особенно последних низких звуков.

Существуют кларнеты разных размеров, их цель — охватить как можно более широкий диапазон звуков:

• маленькие кларнеты (для высоких звуков);
• средние кларнеты;
• бас-кларнет.

Корпус кларнета может быть изготовлен из дерева, пластика, металла, смолы или эбонита. Каждый материал обладает различными акустическими характеристиками.

Технические и выразительные возможности кларнета и его роль в оркестре

Среди кларнетов чаще всего исполнители используют кларнеты си-бемоль, потому что у них яркое, сочное звучание.

Можно выделить несколько типов выразительных возможностей:

в регистре низких и высоких частот кларнет обладает драматической интенсивностью, которая может превратиться в фортепианный нюанс, создавая впечатление плавности;

в среднем регистре звучит сдержанно, нежно;

в высоком регистре звук кларнета яркий, пронзительный.

В оркестре используются два типа кларнетов. Они используются в основном для усиления струной группы, либо для поддержки нот в аккорде на необходимой высоте.

Кларнет в классической музыке

Кларнет широко используется в классической музыке, являясь частью стандартного инструментария оркестра и концертного ансамбля. В настоящее время для обеспечения разнообразия звучания используются несколько типов кларнетов: A, B, сопрано E или D, альт, бас или контрабас и т. Д.

Культовая музыка для кларнета появилась в эпоху позднего барокко, и первым композитором, который использовал этот инструмент, был Жан Филипп Рамо.

Джазовый кларнет

Этот инструмент играл центральную роль в джазовой музыке. Известным кларнетистам удавалось творить музыкальные чудеса с помощью музыкальных инструментов. Кларнет, труба и тромбон вступали в сказочную дуэль с ритмовыми инструментами — бас, барабаны, банджо, фортепиано. Вот некоторые известные представители использования кларнета в джазе: Арти Шоу, Вуди Герман, Герцог Эллингтон, Пи Ви Рассел.

Постепенно место кларнета в джазовых оркестрах занял саксофон, потому что его было проще использовать, и он имел гораздо более громкий звук. Однако кларнет не исчез полностью, и сегодня он используется в этом жанре музыки.

Кларнет и другие музыкальные жанры

Другие музыкальные жанры также используют этот инструмент, хотя некоторым людям может быть труднее поверить в то, что кларнет действительно может производить фурор.

Рок-музыка. Его использовали в своих альбомах известные рок-группы, такие как Beatles, Pink Floyd, Radiohead, Aerosmith, Билли Джоэл, Том Уэйтс;

В бразильском хоро и музыке самбы используется кларнет;

Албанский фольклор;

Болгарская свадебная музыка — великий кларнетист Иво Папазов;

Греческая традиционная музыка;

Турецкая народная музыка.

Малоизвестные сведения о кларнете

У кларнета до сих пор много поклонников. Он появился в Италии пятнадцатого века и стал очень популярен в Европе шестнадцатого и восемнадцатого веков;

Его также называют «маленькой трубой», и он очень популярен в музыке для вечеринок по всему миру;

Он является частью большого семейства духовых инструментов, включая такие, как гобой, тарагот, флейту, фагот и саксофон;

Самое изысканное музыкальное произведение для кларнета принадлежит Моцарту «Концерт для кларнета ля мажор, K 622»;

В оркестре из 50 музыкантов обычно 10-12 кларнетов, играющих на 3 голоса.

Известные исполнители, игравшие на кларнете

Этот музыкальный инструмент сумел привлечь множество страстных музыкантов, сумевших взволновать широкую публику чувствами, которые он так легко передает.

Антон Штадлер — был одним из первых музыкантов, начавших играть на кларнете, хотя в свое время это был довольно элементарный инструмент. Именно он вдохновил Моцарта на создание многих своих творений.

Иоганн Симон Хермстедт — внес много улучшений в кларнет. Ему приходилось играть партитуры Шпора, которого не слишком интересовало, как музыкант может применить их на практике.

Бенни Гудман — настоящий мастер в использовании кларнета в джазовой музыке, обладавший безошибочным стилем, который, кроме того, позволил создать новое направление в интерпретации музыки с помощью кларнета.

Арти Шоу — кларнетист, композитор, писатель и актер.