Тема любви в лирике Тютчева, Любовная лирика Тютчева (в творчестве) сочинение
У Федора Ивановича множество стихов о любви. Многие из них очень известны. Например, «Она сидела на полу…», «Весь день она…» или «О, как убийственно…».
Конечно, многие поэты воспевают это чувство, но у каждого человека оно выражается немного по-своему. У Тютчева любовь рядом с восхищением, обожествлением своей возлюбленной. То она краше, чем темнота перед рассветом, когда роса ложится на травы – «Я знал её ещё…». То ей посвящается целая цепь эпитетов: незабвенная, непостижимая, недостижимая… И в итоге сравнение – «как звезда в небе» (в стихотворении «Ещё томлюсь…»). То Она – молодая фея, как в стихотворении «Я помню…».
Сама любовь для поэта, будто свет в тёмном «царстве». Вот стихотворение «В часы, когда…» описывает тоску автора, но тут появляется лучом света любовь. Поэт подчеркивает, что свет этот не даёт никаких ответов, но с ним легче жить. Любовь похожа у него на силу природы – стихию, но не философское понятие. В его стихах любовных больше психологии, но не философии.
Собственно, поэтому часто Тютчев чувствует себя недостойным её… истуканом! У которого не хватает пыла, чувств перед идеалом. Поэт постоянно обращается в стихах к любимой, как если б это было письмо или его речь к ней – признание.
Также в его творчестве присутствует мотив тайной любви. Пример: «К Н.Н», где показан тайный роман поэта с замужней женщиной, муж который, как ревнивый стражник, охраняет её. А она умеет скрывать своё чувство, даже виду не подаст, что любит Федора Ивановича, но это, на самом деле, так. Или стихотворение «Чуть брезжит в небе…» возлюбленная сравнивается с месяцем, который днём трудно разглядеть на небе, а вот ночью он проявляется во всей красе. Всё освещает, как её любовь, но тайно – без свидетелей. Ещё есть намёки на секрет и в других стихах, когда для любви нет «божьего согласья».
Очень редко Тютчев придумывает названия стихов, просто используя первую строку: «Не говори. Она меня…» или «Ещё томлюсь тоской…». Часто в названии – сравнение, например: «Как неразгаданная…», конечно, речь идёт о девушке-загадке. Также часто, подчеркивая эмоциональность, стихотворение начинается с восклицания-отрицания: «Как нас ни угнетай…» или «Как ни бесилося…».
Нужно сказать, что личная жизнь у Тютчева не складывалась. Дважды он был женат, были романы. Две его возлюбленные погибли молодыми. Был момент встречи через многие года с первой любовью («Я встретил…»). Чувства не остыли в поэте до самого преклонного его возраста, что видно в «Последней любви», где он просит очарование длиться дольше. Он понимает, что уже возраст не для романов, но не может не поддаться прекрасному чувству, которое ещё и, конечно, вдохновляет поэта.
В любви для поэта страдание и сладость, что находит отражение в таких стихах, как «Близнецы» (там Самоубийство и Любовь как Смерть и Сон), в «Предопределение» (роковой поединок влюбленных). В общем, не всегда чувство это делало его счастливым, но жить без него он не мог. По крайней мере, так я почувствовал в его стихах.
Вариант 2
Лирика каждого поэта в русской литературе своеобразна. Это объясняется индивидуальным отношением писателей к тому или иному явлению в жизни.
Тема любви в творчестве Ф. И. Тютчева — это часть его жизни и личной, и творческой. Неудачные любовные связи на его жизненном пути не сломили поэта. Наоборот, этот человек находил в каждом движении, мимике противоположного пола продолжение для вдохновения своему творчеству.
Тревожные и светлые мысли, душевные порывы, отраженные в его стихотворениях, до глубины души трогают сердце читателя. Для любовной лирики характерна настоящая искренность. Именно поэтому из его произведений можно узнать часть биографии. Но цель существования этого человека всегда была неизменной — он ни дня не мог прожить без страстных признаний, которые имели место на любом этапе жизни, несмотря на предыдущие потери и трагическую развязку.
Любовь, предательство, ложь и боль — каждое из этих чувств автор испытал на себе, поэтому так необыкновенно точно и искренне звучат его строки, созданы образы.
Пылкая ранняя влюбленность его выливалась со всей мощью в произведениях, посвященных Амалии Крюденер «Ни разу мне не довелось с ним повстречаться без волненья. «. В каждой строчке, имеющей отношение к этой девушке, он воспевал красоту, влечение и ежедневное наслаждение от присутствия рядом с ней. Однако эта история любви для поэта закончилась разочарованием. «Я помню время золотое» — слова, которые говорят о беспечности и страсти молодого поэта в прошлом.
Своей любящей жене Ф. И. Тютчев посвятил нежные признания: «Твой милый образ, незабвенный. «. Однако одновременно он не задумываясь встречался с Эрнестиной Дернберг, которая стала его спутницей в будущем. Но и эта женщина, которая вызвала массу чувств, была не последней в его судьбе.
Денисьевой Елене были посвящены лучшие строки его лирики: «И страшно грустно было мне. Как от присущей милой тени». Это восклицание поэта, которое можно отнести к его сущности в целом, так как Федор Иванович всю свою жизнь нуждался в новых чувствах и ощущениях.
Не щадя своих возлюбленных, он предавал, испытывая жалость, но не в силах был справиться с собой. Между тем каждое событие его нелегкой судьбы, мироощущение, связанное с любовью, были отражены в стихотворениях. Они создавались из расставаний с любимыми, совместных встреч утренних лучей солнца, из ощущения потерь.
Любовь в творческой деятельности поэта — высшая сила, способная творить волшебство. Автор осознает, что это чувство приходит внезапно и ощущает себя бессильным в борьбе с ним. Поэтому в его судьбе роковые моменты неизбежны, а сам автор уподобляет себя птице с изувеченными крыльями.
Сочинение Любовная лирика Тютчева (тема любви в творчестве Тютчева)
В то время русские писатели относились к лирике о любви с большим интересом и особым чувством, которое в них заражала особое вдохновение для их творчества. И появлялось целеустремленное желание творить все новые и новые шедевры для русской литературы. И можно сказать по этой причине, что чувство любви вызывает массу эмоций и душевных переживаний, являлось особой темой для поэзии.
Безусловно, каждое произведения Тютчева о любви, стало неотъемлемой часть его самого известного творчества, которое известно и по сей день. Ведь он в своем творчестве пишет о том, что твориться у него на сердце, выражает происходящие события с его любимыми женщинами. Каждая его строчка написана из прожитой личной жизни самого автора, словно с дневника. Передавая все тягости и душевные переживания из-за любовных чувств происходивших с ним в тот момент его прожитой жизни. Он даже после разрыва отношений вспоминает своих женщин.
Он всегда писал искренне, не скрывая своих чувств. Но многочисленные связи с разными особами довели его жену до смерти, с прискорбием он это принимает, но поделать уже не чего не может. Ведь что-то менять уже поздно. Спустя некоторое время, утихает боль о трате супруги и он жениться второй раз на любовнице, которой посвящает немало любовных произведений.
Тютчев в свое время разбил сердца многим женщинам, принеся им массу боли и разочарований.
Подводя итог любовной лирике Ф.И.Тютчева, можно с уверенностью сказать, что он творил шедевры для русской литературы, пусть даже не всегда со счастливым и успешным концом. Но поэт всегда писал о тонких своих душевных переживаниях, происходящих из-за любимых женщин встречавшихся у него на пути. И у него их было довольно не мало, Тютчев был любвеобильным. И ему постоянно хотелось познавать постоянно новые впечатления. Он немало своим возлюбленным посвящает стихотворений, в которых выражает свои глубокие чувства
Сочинение 4
Для большинства русских поэтов любовь является бессмертным чувством, которое в любом из своих проявлений становится источником вдохновения, зарождения новой мысли. Именно поэтому теме любви уделяется особое внимание.
Личная жизнь Федора Ивановича Тютчева с юношеских лет до зрелого возраста сопровождалась бурными страстными днями и ночами, романтическими связями с женщинами, минутами страданий и наслаждений, клятвами в верности и предательством. В связи с этим, в творчестве Ф.И. Тютчева нашли отражение его увлечения, которые иногда вносили в будни неповторимые мгновения счастья, но иногда были губительными для обоих влюбленных. Каждое творение его любовной лирики — это неотъемлемая составляющая самого автора. Это события, переживания, настроения, которые он извлекал из сердца, переносил их лично и запечатлевал на страницах сочинений.
В стихотворениях нашла отражение глубокая привязанность к любимым женщинам, достоверные факты о которых отражены в биографии. В произведениях нет упоминаний об именах, статусах возлюбленных. Полная картина создается после прочтения произведений. Проникая вглубь строк, разделяешь ощущения поэта, понимаешь его душевные терзания. Зная подробности его историй из биографических очерков, можно легко узнать в них каждого адресата.
Взаимные чувства поэта с Амалией были обречены на расставание. Он с нежностью и сожалением вспоминает время, проведенное вместе с утонченной баронессой: «Я помню время золотое». Восхищаясь ее внешностью, движениями со стороны, забывал обо всем: «Твой муж, сей ненавистный страж, любуется твоей красой послушной».».
Искренностью от испытанных чувств пронизаны стихотворения, посвященные Элеоноре Петерсон. Страсть продолжалась несколько лет. Преданность и уважение к мужу росло с каждым днем. Все это просматривается в строках, обращенных к ней. Однако новая тайная связь поэта стала ударом для супруги. Понимание ошибки наступает, но слишком поздно. Жена умирает, Тютчев выражает свою растерянность, скорбь: «Еще томлюсь тоской желаний».
Преодолев горе, он женится на любовнице, посвятив ей немало головокружительных признаний в стихотворениях: «Мечта», «Люблю твои глаза, мой друг», «Она сидела на полу». Они проникнуты отсутствием уверенности в продолжении будущих отношений.
Следующим адресатом, которому отнесен цикл под названием «Денисьевский», была Елена Александровна. Она быстро завладела горячим сердцем мужчины. «О как убийственно мы любим» — в этих словах крик души поэта, который вновь охвачен пламенем страсти. Осознавая его непостоянство, девушка продолжала до самой смерти беречь отношения. Чувство вины, укор, неверность звучат в этих стихотворениях: «и страшный груз минутно приподнимет», мечтательность «и в мерцанье полусвета веет легкая мечта», рок, фальшь, порой жестокая бесчувственность: «Любя, страдая, грустно млея, оно изноет наконец».
Одной из особенностей произведений, входящих в «Денисьевский цикл», является признание от имени Елены: «Могу дышать, но жить уж не могу», «Он жизнь убил». Душа поэта ненасытна, постоянно требует новых эмоций. Он растоптал чувства ни одной влюбленной в него женщины, что нашло отражение в его творчестве.
Каждое стихотворение, относящееся к любовной лирике Тютчева, можно назвать «шедевром». Несмотря на трагический исход, роковые обстоятельства, недолговечность длящихся отношений, автор стихотворений с невероятной эмоциональной окраской изложил все свои переживания, которые передают читателю каждое движение его богатой души.
Также читают:
Картинка к сочинению Тема любви в творчестве Тютчева
Популярные сегодня темы
Вырин был вдовцом, работал станционным смотрителем и являлся, по словам Александра Сергеевича, «сущим мучеником четырнадцатого класса», потому что путники постоянно бранили его за то
Данная сказка очень интересна по своему содержанию. Дети почерпнут в ней одно, а взрослые люди – другое. Автор показывает два взгляда на жизнь. Взгляд мужчины и мальчика. Однако, те мысли, которые говорит ребенок очень глубокие
Рассказ «Горячий камень» – произведение философское. Его основная тема – размышления о смысле жизни и поиске ответа на вечный вопрос:
Одна из выдающихся композиций И.К.Айвазовского «Бриг «Меркурий», атакованный двумя турецкими судами» была задумана еще в далеком детстве, которое прошло в окружении, будоражившем фантазию художника
При первом знакомстве читателя с Дубровским, складывается впечатление, что человек он уверенный в себе. Он молод и совершенно не мучает себя мыслями о деньгах. Вопрос денег никогда не стоял ребром для Владимира
Тема любви в творчестве Ф. И. Тютчева
Литературная слава пришла к Тютчеву поздно, на шестом десятке лет его жизни. Невелико по объему его литературное наследие. Но А. Фет в надписи на сборнике стихотворений Ф. Тютчева справедливо заметил:
Муза, правду соблюдая,
Глядит, и на весах у ней
Вот эта книжка небольшая
Томов премногих тяжелей.
Ф. И. Тютчев известен читателям как крупнейший поэт-лирик и как поэт-мыслитель. Его стихотворения о жизни, о природе, о любви и сейчас волнуют читателей глубиной и силой чувств, совершенством художественной формы.
Тема любви занимает важное место в творчестве Ф. И. Тютчева. Будучи человеком сильных страстей, он запечатлел в своей лирике все оттенки этого чувства. Как известно, за свою жизнь Тютчев пережил несколько любовных романов. Один из циклов стихотворений представляет собой лирическую повесть о любви поэта к Елене Денисьевой.
Уже в самом начале этого цикла любовь воспринимается как сильное, но трагическое чувство. В стихотворении «Предопределение» поэт переосмысливает распространенное понимание любви как соединенье двух сердец. Рассуждая о природе этого чувства, он воспринимает любовь как «поединок роковой». По мнению поэта, любовь — это борьба, в которой всегда слабее тот, кто больше любит:
И чем одно из них нежнее
В борьбе неравной двух сердец,
Тем неизбежней и вернее,
Любя, страдая, грустно млея,
Оно изноет наконец.
Тему трагической сущности любви Тютчев продолжает развивать в стихотворении «О, как убийственно мы любим. » Здесь поэт с горечью рассуждает о том, что люди слишком небрежно относятся друг к другу, а более всего к тем, кого они любят:
Мы то всего вернее губим,
Что сердцу нашему милей.
Любовь у Тютчева предстает как чувство настолько сильное и всепоглощающее, что оно ломает жизнь человека, губит его. Если при первой встрече возлюбленная была красива и мила, ее волшебный взор и «смех младенчески-живой» пленяли поэта, то уже через год красота ее поблекла:
Куда ланит девались розы,
Улыбка уст и блеск очей?
Все опалили, выжгли слезы
Горячей влагою своей.
Радостный период любви, связанный с зарождением этого чувства, воспринимается поэтом как слишком недолговечный. Он сравнивает его с коротким северным летом и «мимолетным гостем».
Нужно отметить, что в этом стихотворении таке нашли отражения личные переживания Тютчева во время его романа с Еленой Денисьевой. Их отношения продолжались четырнадцать лет, однако Тютчев не уходил из своей семьи. На долю Денисьевой выпали сплетни и пересуды. Поэт осуждает себя за то, что не сумел защитить любимую:
Судьбы ужасным приговором
Твоя любовь для ней была,
И незаслуженным позором
На жизнь ее она легла!
Более всего поэт ненавидит вмешательство других людей в отношения возлюбленных. Именно это обстоятельство, по его мнению, придает и без того роовому чувству еще более трагический характер:
Толпа, нахлынув, в грязь втоптала
То, что в душе ее цвело.
Ему хотелось бы отгородить свою любовь от внешнего мира, потому что именно влияние окружающих людей портит человеческие отношения. Радость любви уходит, оставляя лишь «боль злую, боль ожесточения».
И снова, убеждая читателя в трагической природе великого чувства, Тютчев завершает стихотворение той же строфой, что и начал. Только фраза «О, как убийственно мы любим!» теперь заканчивается не запятой, а восклицательным знаком. Если поэт начинал с рассуждения о природе любви, то теперь он подводит итог, убеждаясь в том, что любовь убийственна, трагична.
Таким образом, в понимании Тютчева, любовь — очень сильное чувство, но оно трагично с самого его возникновения, потому что в отношения двоих любящих людей проникает все зло и несправедливость внешнего мира. Однако, несмотря на это, в стихотворениях Тютчева не чувствуется пессимизма. Его стихи о любви завораживают своей силой и страстью. В творчестве Тютчева нередко звучали мотивы безнадежности и обреченности, но не в них значение его лирики. Притягательная сила его стихотворений в том, что поэт с особым мастерством передал в ней сложность, мучительность, напряженность и силу человеческих исканий и чувств.
Конкурсное сочинение на тему:«Любовь в лирике Ф.И. Тютчева
«Поэзия есть огонь, загорающийся в душе человека. Огонь этот жжет, греет и освещает», — так писал Лев Николаевич Толстой.
Скачать:
| Вложение | Размер |
|---|---|
| f.i.tyutchev_sochinenie.doc | 136 КБ |
Предварительный просмотр:
МБОУ « Приютненская средняя школа № 2»
Конкурсное сочинение на тему:
«Любовь в лирике
Выполнил: ученик 10 «а» класса
ВДОВЕНКО Ирина Алексеевна
О, как убийственно мы любим,
Как в буйной слепоте страстей
Мы то всего вернее губим,
Кто сердцу нашему милей!
«Говорят, сейчас другое время. Но ведь Поэзия осталась. Как остались рассветы и закаты, шорох листьев и осенняя звезда Альдебаран — звезда свиданий и разлук, без чего немыслимы и жизнь, и поэзия этой жизни, какой бы трудной она ни была», — так говорит наш современник, поэт Калмыкии Григорий Кукарека.
«Поэзия есть огонь, загорающийся в душе человека. Огонь этот жжет, греет и освещает», — так писал Лев Николаевич Толстой.
И действительно, настоящий поэт сам невольно и страданием горит, и жжет других. Таков Федор Иванович Тютчев, стихи которого мне очень нравятся.
Я думал, что со временем мои симпатии изменятся. Но вот мне уже шестнадцать лет, а Тютчев по-прежнему остается любимым поэтом. Возможно, мой характер, восприятие жизни в чем-то схожи с его, а может быть, я смотрю на мир его глазами. И хотя он жил более века назад, сила его чувств, мыслей волнует меня, как будто это писал мой современник. Да разве не современники нам все те великие люди, из сокровищницы гения которых мы черпаем и черпаем свои идеалы?
Имя Федора Ивановича я открыл для себя как новый мир, как новую планету. Тютчев многогранен, и каждая грань его творчества сверкает первозданной красотой откровенного и чистого сердца. Он — поэт Любви и Нежности, Страдания и Счастья, Преданности и воплощенной в любви Вечности, поэтому мне особенно дорога его любовная лирика.
Поэзия Тютчева о любви — это целая повесть, в которой есть свои прологи и начала, взрывы и кульминации, хаотические брожения души и гармонические разрешения. Есть и свои эпилоги.
Любовная лирика поэта пронизана глубоким трагизмом. Она наполнена драматическими, а нередко и мучительно неразрешимыми коллизиями, но в то же время олицетворяет высшую радость жизни.
Радость и горе в живом упоенье,
Думы и сердце в вечном волненье,
В небе ликуя, томясь на земле,
Жизни блаженство в одной лишь любви.
Любить и заставлять страдать — удел Тютчева. Осознание этого тяготило его, ужасало и отталкивало от собственного « я ». После смерти первой жены Элеоноры на жизненном небосклоне Поэта засверкали две звезды, одинаковые по силе и неизбывности своего чувства, высоте женского самопожертвования и великого Всепрощения. Два милосердных существа, два ангела, охраняющие его Творчество и Жизнь. Эти две звезды — две женщины — Эрнестина Федоровна Тютчева и Елена Александровна Денисьева — Нести и Леля. Это их слезы, чистые, как горное озеро, и горячие, словно огненная лава вулкана, обжигали душу поэта, заставляя ее страдать, в страдании очищаться и возноситься в поэтическое мироздание вселенского вдохновения.
Особое место в любовной лирике занимает « денисьевский» цикл. Эти стихи представляют собой лирическую повесть о любви, пережитой поэтом « на склоне лет» , — о любви к Елене Денисьевой.
Любовь немолодого поэта и девушки была « незаконна», ставила их в кризисное положение, а вся обстановка русской официальной и неофициальной жизни усугубляла эту кризисность.
Чему молилась ты с любовью,
Что, как святыню, берегла,
Судьбу людскому суесловью
На поруганье предала
Толпа вошла, толпа вломилась
В святилище души твоей,
И ты невольно постыдилась
И тайн и жертв доступных ей.
Их связь длилась четырнадцать лет, вплотную до смерти Денисьевой. Любовь эта была горька для обоих, но особенно тяжела для Елены Александровны, которую тяготило двусмысленное положение незаконной жены. В ее страданиях и ранней смерти Тютчев винил прежде всего себя:
Любила ты, и так, как ты любить —
Нет, никому еще не удавалось!
О господи. и это пережить.
И сердце на клочки не разорвалось.
Памятником остался « денисьевский» цикл — первый в русской литературе лирический роман, как бы поэтический аналог многим будущим романам Достоевского, да и толстовской «Анне Карениной» тоже.
В ряду лучших созданий поэта выделяются замечательные по своей психологической глубине стихотворения: « О, как убийственно мы любим. », « Предопределение», « Последняя любовь» и другие. Из всех мне особенно нравится стихотворение — «Предопределение».
Любовь, любовь — гласит преданье –
Союз души с душой родной –
Их съединенье, сочетанье,
И роковое их слиянье,
И. поединок роковой.
И чем одно из них нежнее
В борьбе неравной двух сердец,
Тем неизбежней и вернее,
Любя, страдая, грустно млея,
Оно изноет наконец.
Какие проникновенные строки! Я нередко задавался вопросом: « Почему же любовь — « поединок роковой?» Но когда внимательно прочитал биографию поэта, то понял, что это борьба между героями — Эрнестиной Федоровной и Еленой Александровной.
Глубокую любовь — привязанность, любовь — нежность, любовь — дружбу, любовь — уважение поэт испытывал к Нести, своей законной жене, которая вела себя достойно в этой сложной ситуации любовного треугольника. Нести в великой любви к Тютчеву возвысилась до понимания его испепеляющих сердце страданий. Удары судьбы, сыпавшиеся на Тютчева, она ослабляла своим присутствием, своей готовностью защитить, принять, простить, примиряла его с самим собой. Бичующий кнут самоистязаний и горьких раскаяний Нести приглушала своим прощением.
Настоящую любовь — страсть, сжигающую и опустошающую душу, поэт испытывал и к Леле. Но ни от одной любви Тютчев отказаться не мог.
Две параллели в жизни неслиянны
Неразделимо устремились ввысь
И осиялись светом первозданным –
В стихе одном два ангела сплелись.
В этом любовном поединке сердец, в котором одно, отдавшее себя полностью другому ( « им, им одним живу я »), стремится другое получить в свое безраздельное владение, а это невозможно, потому что высшее природное назначение женщины и мужчины разное.
Она пришла в этот мир, чтобы сохранить и продолжить жизнь в нем; в идее материнства — высшее ее назначение, здесь цель и смысл ее жизни; любовь, дети, семья — это главное.
Он пришел в этот мир, чтобы изменить его. Но как изменить и зачем, если все кончается смертью. Перед этими мучительно трудными вопросами он часто оказывается беспомощным. Любовь в его жизни — это только часть ее, другая часть — в действии, в борьбе, в идее. Она — « душа», он — «дух», и гармония между ними недостижима без « веры».
Гармония в любви, счастье с другим человеком в художественном мире Тютчева невозможны, потому что нет примирения человека с внешним миром, миром хаоса и « всепоглощающей бездны». Потому и любовь, и вся жизнь — это только сон:
Любовь есть сон, а сон — одно мгновенье,
И рано ль, поздно ль пробужденье,
А должен наконец проснуться человек.
Очень примечательно, что большая часть любовной лирики Тютчева носит ярко выраженный музыкальный характер. Вот строки одного из самых прекрасных, навсегда вошедших в наши души романса:
Я встретил вас — и все былое
В отжившем сердце ожило:
Я вспомнил время золотое –
И сердцу стало так тепло.
Комментаторы и исследователи жизни Тютчева скрупулезно устанавливают реальные факты, события и образы, стоящие за стихами. Эти замечательные строки поэт посвятил образу Амалии Крюденер. Поистине трогательный романс! Как проникновенно он звучит! Его слушает уже не одно поколение людей, и всегда он вызывает у всех восторженные чувства.
Музыкальность, символика и аллегория, многословность лирики поэта позволяют считать поэзию Тютчева истоком символического направления XX века.
Любовь, если глубже вглядеться, — это солнце поэзии Тютчева. Поэт наделен неутомимой потребностью любить, поклоняться, верить, и атмосфера любовной страсти воспоминаний о пережитой любви овевает всю его поэзию.
Тут не одно воспоминание,
Тут жизнь заговорила вновь —
И то же в вас очарованье,
И та ж в душе моей любовь.
Федор Иванович Тютчев — национальная гордость России. Пройдут десятилетия, отметят новые юбилеи, получат славу другие поэты, но имя Тютчева вечно будет занимать в их плеяде почетное место. А благодарные потомки всегда будут грустить и печалиться над стихами человека, который, подобно яркой комете, пронесся над Россией.
Сочинение на тему «Тема любви в лирике Ф.И. Тютчева»
Без него нельзя жить. Л.И. Толстой
С детских лет с нами стихи Федора Ивановича Тютчева. Я еще не умела читать, но уже знала наизусть:
Внимание!
Если вам нужна помощь с работой, то рекомендуем обратиться к профессионалам. Более 70 000 экспертов готовы помочь вам прямо сейчас.
Люблю грозу в начале мая,
Когда весенний, первый гром,
Как бы резвяся и играя,
Грохочет в небе голубом.
Не отобразилась форма расчета стоимости? Переходи по ссылке
В России все — от мала до велика — знают это стихотворение. Строки стихотворения “Весенняя гроза”, его образы и его звучание слились для меня с образом и звучанием весенней грозы, стали ее выражением. Оно давно стало наиболее емким и поэтически точным выражением грозы над полем, лесом, садом, над зелеными просторами зачинающейся весны в России.
Внимание!
Если вам нужна помощь с работой, то рекомендуем обратиться к профессионалам. Более 70 000 экспертов готовы помочь вам прямо сейчас.
Стихотворение “Весенняя гроза” по праву называют классическим. Оно выдержало труднейшее испытание временем и осталось живым произведением русской поэзии.
Несколько слов я хочу сказать о самом поэте. Федор Иванович Тютчев родился 5 декабря 1803 года в селе Овстуг Орловской губернии, в семье брянского помещика И.Н. Тютчева.
Первоначальное образование он получил дома, под руководством поэта Раи-ча, пробудившего в своем питомце любовь к литературе.
Пятнадцатилетним мальчиком за стихотворное подражание поэту Горацию Тютчев был избран сотрудником Общества любителей российской словесности. По окончании Московского университета Тютчев поступил на службу в Коллегию иностранных дел и в 1822 году был послан за границу. Там, в Германии и Италии, он прожил двадцать два года. Многолетнее пребывание за рубежом только внешне отдалило Тютчева от Родины.
На чужбине Тютчев вырос глубоко своеобразным поэтом-лириком, изумительным мастером русского слова.
Скидка 100 рублей на первый заказ!
Акция для новых клиентов! Разместите заказ или сделайте расчет стоимости и получите 100 рублей. Деньги будут зачислены на счет в личном кабинете.
Своеобразной была судьба Тютчева — поэта. Долгое время в читательских кругах его или попросту не замечали, или же считали поэтом “для немногих”. Когда-то И. С. Тургенев утверждал: “О Тютчеве не спорят, — кто его не чувствует, тем самым доказывает, что он не чувствует поэзии”. Но поэты бывают разные, и сама поэзия многолика. Любовь к тому или иному поэту зависит прежде всего от причин субъективных, индивидуальных, и навязать ее нельзя. Некогда Фет назвал Тютчева “одним из величайших лириков, существовавших на земле”.
Тютчева принято называть певцом природы. Автор “Весенней грозы” и “Весенних вод” был тончайшим мастером стихотворных пейзажей. Но в его вдохновенных стихах, воспевающих картины и явления природы, нет бездумного любования.
Когда я читаю и перечитываю стихотворения Федора Ивановича Тютчева, то размышляю о загадках мироздания, о вековечных вопросах человеческого бытия. Идея торжества природы и человека пронизывает собою лирику Тютчева, определяя некоторые основные особенности его поэтики. Для него природа — такое же одушевленное, “разумное” существо, что и человек: “В ней есть душа, в ней есть свобода, В ней есть любовь, в ней есть язык…” Через обращение к природе Тютчев нередко раскрывает сложный мир человеческой души во всем богатстве его переживаний.
К лучшим созданиям Тютчева принадлежат и любовные стихотворения, проникнутые глубочайшим психологизмом, подлинной человечностью, благородством и прямотой в раскрытии сложнейших душевных переживаний:
Я встретил вас — и все былое
В отжившем сердце ожило;
Я вспомнил время золотое —
И сердцу стало так тепло…
Это одно из самых моих любимых стихотворений. Читаешь его и слышишь неповторимый голос Козловского, поющего этот романс. Это одно из самых задушевных стихотворений поэта. На склоне лет Тютчев испытал самое большое в своей жизни чувство — любовь к Е.Л. Денисьевой. Именно с этой “последней любовью” связаны многие шедевры тютчевской лирики:
О, как убийственно мы любим,
Как в буйной слепоте страстей
Мы то всего вернее губим,
Что сердцу нашему милей!
Давно ль, гордясь своей победой,
Ты говорил: она моя…
Год не прошел — спроси и сведай,
Что уцелело от нея?
Или другие пронзительные строки:
Чему молилась ты с любовью,
Что, как святыню, берегла,
Судьба людскому суесловью
На поруганье предала.
Эти и другие стихотворения (“Не говори: меня он, как и прежде, любит…”, “…Весь день она лежала в забытьи…”), взятые вместе, образуют так называемый “денисьевский цикл”, по своей проникновенности и трагической силе в передаче сложной и тонкой гаммы чувств не имеющий равного не только в русской, но и в мировой любовной лирике. Эти лучшие образцы любовной лирики Тютчева тем замечательны, что в них личное, индивидуальное, пережитое самим поэтом, поднято до значения общечеловеческого. Тютчев писал о природе, писал о любви. Это и давало, казалось бы, основание относить его к жрецам “чистой поэзии”. Но великий критик Н.А. Добролюбов находил, что поэту доступны “и знойная страстность, и суровая энергия, и глубокая душа, возбуждаемая не одними стихийными явлениями, но и вопросами нравственными, интересами общественной жизни”. К числу таких дум о современности принадлежит и замечательное стихотворение “Русской женщине”, рисующее беспросветную женскую долю старой России:
Вдали от солнца и природы,
Вдали от света и искусства,
Вдали от жизни и любви
Мелькнут твои младые годы,
Живые помертвеют чувства,
Мечты развеются твои…
И жизнь твоя пройдет незрима,
В краю безлюдном, безымянном,
На незамеченной земле, —
Как исчезает облик дыма
На небе тусклом и туманном,
В осенней беспредельной мгле…
В другом стихотворении — “Эти бедные селенья…”, несмотря на славянофильскую идеализацию терпения и смирения, якобы присущих русскому народу, сказались свойственный поэту гуманизм, и гражданский пафос, и чувство Родины: “Эти бедные селенья, Эта скудная природа — Край родной долготерпенья, Край ты русского народа”.
Поэзия Тютчева — это своеобразная лирическая исповедь человека, посетившего “сей мир в его минуты роковые”, в эпоху “старых поколений”, вынужденных уступить дорогу “новому, младому племени”. И в то же время он сам — детище нового века — несет в своей душе “страшное раздвоение”. Как ни горько ему плестись “с изнемождением в кости, навстречу солнцу и движенью”, он испытывает не тоскливое томление о прошлом, а страшное влечение к настоящему.
Скидка 100 рублей на первый заказ!
Акция для новых клиентов! Разместите заказ или сделайте расчет стоимости и получите 100 рублей. Деньги будут зачислены на счет в личном кабинете.
Не о былом вздыхают розы
И соловей в ночи поет;
Не о былом Аврора льет, —-
И страх кончины неизбежной
Не свеет с древа ни листа:
Их жизнь, как океан безбрежный,
Вся в настоящем разлита.
Эти строки многое разъясняют в лирике Тютчева.
Стремление жить в “настоящем” было до конца дней присуще поэту.
Читая стихи Тютчева, я вновь и вновь поражаюсь неисчерпаемому богатству русского языка.
Взыскательное отношение к стихотворному мастерству отличает Тютчева. Несмотря на то, что поэт “не писал, а лишь записывал свои стихи”, он не раз возвращался к записанному, отделывал, отчеканивал то, что как бы невольно сорвалось с его пера, добиваясь предельной ясности и точности образа.
В своем знаменитом стихотворении “Silentium! (Молчание!)” поэт признавался:
Как сердцу высказать себя?
Другому как понять тебя?
Поймет ли он, чем ты живешь?
Мысль изреченная есть ложь.
Однако стихи Тютчева служат лучшим доказательством не бессилия, а могущества слова. Мысль никогда не оборачивалась в них ложью. И как бы ни был сложен в душе поэта строй “таинственно-волшебных дум”, они, вопреки его собственному сомнению, все больше и больше находят путь к сердцу другого.
Сочинение на тему «Любовная лирика Тютчева»
Любовь… Это слово чувственно замирает на языке. От него веет сладостью, негой. Оно вдохновляет, воодушевляет и будто бы воскрешает всё лучшее, что есть в душе человеческой. Считается, что Гении особенно тонко чувствуют всё, что происходит вокруг. Их мироощущение в тысячу раз более обострено, чем у обывателя. Поэты же, как звёздочки из плеяды Гениев, как нельзя больше нуждаются в чувствах, в эмоциях, которые позже выльются на бумагу в виде написанных дрожащей от волнения рукой строчек, с прыгающими буквами, с кляксами чернил на листках…
Любовь — то удивительно чистое, прекрасное чувство, без которого не может жить человек — он лишь существует. Именно поэтому не найдётся, пожалуй, ни одного поэта (даже у строгих классицистов) в лирике которого отсутствовала бы тема любви. Разумеется, у каждого стихотворца она своя: у Лермонтова, к примеру, неразделённая, болезненная, жестокая, а у Некрасова — сложная и многообразная.
Учитель проверяет на плагиат?
Закажи уникальную работу у за 290 рублей
Связаться с нами:
Абсолютно всегда любовная лирика связана с моментами биографии поэта. Его личные переживания, эмоции находят выражение в стихотворениях.
Федор Иванович Тютчев, как его называли, «певец природы», не был чужд влюблённости. Этот человек, видимо, как и А.С. Пушкин, нуждался в любви. Однако если «солнцу русской поэзии» важно было именно ощущать любовь в своём сердце, то Тютчев находил упоенье лишь в ответных чувствах зазнобы. В его жизни было четыре женщины, в которых он был безумно влюблён. С двумя из них он связал себя узами брака. Любовь к Тютчеву оборачивалась трагедией для трёх из них, но их жертва оказалась не напрасной — благодаря этому были созданы удивительные в своей красоте и тонкости произведения, которыми зачитывались современники поэта и которыми продолжают восхищаться потомки.
В Мюнхене Фёдор Иванович знакомится с красавицей Амалией фон Лерхенфельд. Молодой Тютчев горячо влюбляется в девушку и даже предлагает ей стать его женой, однако её родственники отказывают дипломату и выдают Амалию замуж за другого. Пламенная страсть проходит у обоих. Поэт посвящает Амалии стихотворения, самым известным из которых становится «Я помню время золотое…». Бывшие влюблённые навсегда сохранят дружеские отношения. К сожалению, это будет единственная женщина в жизни Тютчева, которая не пострадала от его любви. Будучи уже пожилым человеком, он вновь встречает Амалию в Карлсбаде. В его душе оживают воспоминания о прекрасных чувствах, и он создаёт бессмертное «Я встретил вас — и всё былое…». Это удивительное по силе и красоте стихотворение, в котором проскальзывает нотка о быстротечности жизни, о сладости и чистоте любви. Лирическая героиня и вовсе предстаёт в стихотворении как неземное существо — пожалуй, как Анна Керн, однажды воскресившая душу поэта, находящегося в ссылке в Михайловском.
В дальнейшем тютчевская лирика будет всё чаще приобретать минорную тональность. Своей первой супруге, Элеоноре Петерсон, он посвятит не так уж много произведений — и все они будут написаны лишь после трагической гибели супруги, не сумевшей справиться с нервным потрясением, которое она получила, спасая детей во время кораблекрушения. К десятилетию её кончины он напишет:
Еще томлюсь тоской желаний,
Еще стремлюсь к тебе душой —
И в сумраке воспоминаний
Еще ловлю я образ твой…
Элеонора Тютчева вынуждена была погибнуть от любви — да-да, именно так. Она с трудом перенесла предательство мужчины, которого любила всем сердцем, матерью троих дочерей которого она стала. Измены подкосили её здоровье, а продолжающийся на стороне роман окончательно добил слабую влюблённую женщину. Сложно сказать, был ли Тютчев влюблён в супругу. Однако он уважал силу её духа, её невыразимое достоинство, гордость. Своим родным он напишет: «Я хочу, чтобы вы, любящие меня, знали, что никогда ни один человек не любил другого так, как она меня… Не было ни одного дня в ее жизни, когда ради моего благополучия она не согласилась бы, не колеблясь ни мгновенья, умереть за меня» (по В. Кожинову). Эти слова окажутся страшным пророчеством: первая супруга поэта попытается свести счёты с жизнью, ударив себя кинжалом, чтобы не мучиться самой и, главное, позволить мужу быть счастливым с другой женщиной.
Вторая супруга Тютчева, Эрнестина, повторит судьбу Элеоноры Тютчевой. Выйдя замуж за горячо любившего её поэта, первые годы она будет купаться в его любви, но после в их жизни появится молодая Елена Денисьева, которой, впрочем, Тютчев так и не подарит радостей супружества.
Эрнестине посвящено множество стихотворений. Поэта восхищала красота супруги. Он писал:
Люблю глаза твои, мой друг,
С игрой их пламенно-чудесной,
Когда их приподымешь вдруг
И, словно молнией небесной,
Окинешь бегло целый круг…
Однако сладость супружеской жизни в его лирике вскоре уступит чувству вины. В период страшного духовного метания между двумя любимыми женщинами, Еленой Денисьевой и законной супругой Эрнестиной, будут созданы стихотворения, в которых любовь по Тютчеву становится страшным пороком, греховной страстью. Фёдор Иванович осознаёт, какую боль он причиняет и себе, и любимым, поэтому разделённая любовь для него есть проклятие. Он также ощущает безмерную вину перед Эрнестиной и чувствует благоговейный трепет перед её смирением и терпеньем. После его смерти в гербарии она найдёт написанное для неё стихотворение, в котором будут следующие строки:
Перед любовию твоею
Мне больно вспомнить о себе-
Стою, молчу, благоговею
И поклоняюся тебе…
Наибольшую известность получил так называемый «Денисьевский цикл» стихотворений, посвящённых любовнице пожилого поэта, своеобразная стихотворная летопись их отношений — и зашифрованный личный дневник Тютчева. В этом цикле остро проявляется двоякое отношение автора к любви: с одной стороны это сладость отношений с возлюбленной, но с другой — безмерное страдание, осознание неправильности происходящего — и болезненная невозможность отказаться от этих чувств. Поэт тяжело переживает жертву, на которую идёт Денисьева: от неё отворачивается отец, ей приходится забыть о карьере фрейлины, а многие светские дома демонстративно закрывают перед ней свои двери. Но несмотря на ужасающую в своей жестокости травлю красавица Елена отказывается от всех жизненных благ ради любви к поэту, ради счастья которого она так легко готова положить на алтарь собственную жизнь. Страдая, Фёдор Иванович посвятит Денисьевой следующие строки:
Судьбы ужасным приговором
Твоя любовь для ней была,
И незаслуженным позором
На жизнь ее она легла!
К тому же он остро ощущает окончание своей жизни. Его и пугает, и радует то, что отжившее, как могло показаться, сердце к концу жизненного пути вновь воскресает, может чувствовать. Этой теме посвящено произведение «Последняя любовь».
Елена Денисьева в произведениях Ф.И. Тютчева всегда представлена в обожествлённых образах: она то мученица, с достоинством несущая незаслуженный крест, то ангел, херувим, своей чистотой и невинностью спасающая лирического героя его стихотворений. Благодаря этому отношению к возлюбленной и создаётся такая невероятная одухотворённость и лёгкость любовной лирики Тютчева.
Любовь у Фёдора Ивановича — минорное настроение. Любовь — разрушительная, но притягательная стихия, в которой не получается не погибнуть. Она — борьба, безнадёжность и мучение. Любовная лирика у поэта невероятно трагична — и она не имеет аналогов ни в русской, ни даже в мировой литературе. Несмотря на то, что выхода из трагедии Тютчев так и не находит, его сердце остаётся открытым для чувств, для внутреннего горения. А память о своих возлюбленных он и вовсе пронесёт через всю жизнь.
Топ-10 лучших театров мира
Лепнина в Одесском оперном театре
Несмотря на то, что кинематограф существует уже давно, театры популярны как и в былые времена.
Да и может ли картинка сравниться с игрой актера “вживую”, когда ощущение духа спектакля буквально витает в зале?
И балет, и опера, и комедия, и мюзикл, любая постановка может всколыхнуть все чувства.
Так что сегодня мы поговорим о театрах, и хотя этот рейтинг, назван топом лучших театров, лучших или худших здесь нет и разделение условно.
Каждый театр уникален и неповторим, своей атмосферой, актерами, историей.
Так что в случае если не увидите здесь какой-то из знаменитых театров, не спешите с выводами, рассказать обо всех невозможно, а разделение, как уже сказано выше – условно.
Вадим Журавлев. “(Не)великолепная семерка. Лучшие оперные театры мира вчера, сегодня, завтра”
Ла Скала
1. Начнем с Италии, ведь ее можно назвать одной из колыбелей театра, ведь здесь, наравне с Греций и Францией, зарождались многие театральные традиции.
Здесь были театры во времена Рима и в эпоху Возрождения, так что вклад этой страны в театральное искусство неоспорим. Лучшим театром Италии заслужено считается “Ла Скала” в Милане.
Театр Ла Скала
Построен он был 1776-1778 годах, а своим названием обязан церкви “Санта Мария дела Скала”, которая располагалась на этом месте до театра.
Есть легенда, что при закладке фундамента была найдена античная глыба с изображением мима Пилада, словно благословение древних богов будущему театру. Зал театра вмещает до 2 800 человек. Кстати, сюда принято приходить одетым в черное.
В разные времена здесь очень любили творчество Беллини, Верди и Пуччини. Также в “Ла Скала” проходили балы и даже когда-то была коррида.
Гранд Опера
2. Во Франции самым знаменитым считает театр “Гранд Опера”, хотя официальное его название – “Национальная академия музыки и танца”. Основан в 1669 году поэтом Перреном и композитором Камбером с подписи Людовика XIV. Этот театр пережил века, Французскую революцию, сменил много названий, но так и остался одним из лучших.
Опера Гарнье
Здание, в котором он располагается сегодня построено архитектором Ш. Гарнье в 1875 году. Зал вмещает 2 130 человек. Спектакли, поставленные на сцене “Гранд Опера” за три с половиной века перечислить сложно.
Изначально это были произведения французских композиторов, потом итальянских и немецких. В двадцатом веке здесь состоялась премьера оперы “Мавра” Стравинского.
Венская опера
3. “Венскую оперу” тоже нельзя обойти вниманием. Австрия всегда гордилась своими композиторами, именно поэтому здесь так любят ставить оперы Моцарта. Также здесь прошла премьера всего Вагнеровского цикла “Кольцо Нибелунгов”.
Венская государственная опера
Построена “Венская опера” 1869 году, внутреннее убранство поражает роскошью и величественностью.
В конце 19 века это место было средоточием культурной жизни Европы. Здесь до сих пор по традиции ежегодно проходит знаменитый на весь мир “Оперный бал”, куда съезжаются со всего мира.
Ковент-Гарден
4.
Самый знаменитый театр в Англии – лондонский “Ковент-Гарден”. Основан он был в 1732 году. В том виде, в котором предстает сейчас, сохранился с последней реставрации в 1856 году. Отличается высоким уровнем игры актеров и соответствующими гонорарами.
Ковент-гарден
В 19 веке здесь пели лучшие исполнители того времени, такие как Малибран, Тамбурини, Джулия Гризи.
Само здание окутано таинственностью и легендами о призраках, так подходящими “Туманному Альбиону”. Рассчитан на 2 250 мест.
Метрополитен Опера
5. Нью-Йоркский “Метрополитен Опера” самый знаменитый театр в США и при этом самый современный из всех здесь перечисленных.
Метрополитен опера
Он основан в 1883 году, отличается отсутствием столь роскошного убранства, как в других театрах. Зато здесь применены многие современные технологии, как, например, бегущая строка в спинке кресла.
Изначально в Метрополитен Опера любили ставить Вагнера. Также как и в Англии здесь ставят оперы на языке оригинала.
Гонорары исполнителям здесь скромнее, чем в других местах, но петь на этой сцене все равно очень престижно.
Зал большой, вмещает 3 625 человек. Что интересно, театр не государственный и содержится на средства частных лиц и пожертвования фирм.
Большой театр
6. В России в один ряд с вышеназванными театрами можно поставить “Большой театр”. Он был основан в 1776 году, то здание где он располагается сейчас появилось в 1825 году.
Большой театр
Здесь прошли премьеры опер Чайковского – “Мазепа”, “Воевода”, “Черевички” и Рахманинова – “Скупой рыцарь”, “Алеко” и “Франческа да Римини”, а Рахманинов выступал в качестве дирижера.
На сцене “Большого театра” дают спектакли и приезжие труппы из “Ла Скала” и “Венской оперы”. Рассчитан на 2 155 мест.
Сиднейская опера
7. “Сиднейская опера” – шедевр скорее архитектурный, нежели театральный.
Сиднейская опера
Это место стало символом Австралии, здесь проходят как спектакли, так и различные шоу, нет привычного театрального оформления, да и репертуар не классический.
Но может это такое представление создателей о театре будущего, ведь “Сиднейская опера” была построена всего 37 лет назад. Кстати, открывала ее сама королева Елизавета.
Бродвейский театр
8. Еще один неклассический театр – “Бродвейский”.
Бродвейский театр
Это не здание, это традиции. Когда-то “Бродвейский театр” означало, что это один из небольших театров, расположенных на соответствующей улице Нью-Йорка, сегодня в это понятие вложен совсем другой смысл.
На “Бродвей” приглашаю актеров на один или несколько сезонов, там нет постоянной труппы, и спектакль идет, пока он интересен публике. Именно поэтому многих тянет сюда, из-за разнообразия. Традиции “Бродвейского театра” сложились около столетия назад.
Арена ди Верона
9. “Арена ди Верона”, аналогов этому театру нет во все мире, ведь он построен еще во времена императора Августа в первом веке нашей эры. Это овальный римский амфитеатр, и что самое интересное, функционирующий.
Арена ди Верона. Фото – Ennevi
Уже триста лет на этой сцене даются спектакли, а в римские времена здесь умирали гладиаторы и проводились турниры.
С 1913 года ежегодно летом здесь проходит оперный фестиваль. Ставят в основном зрелищные постановки, такие как “Аида”, открывшая первый из этих фестивалей, “Турандот”, “Кармен”. “Арена ди Верона” способна вместить до 16 000 зрителей одновременно, что не под силу ни одному залу классических театров.
Театр Колон
10. Самым крупным театром Южной Америки является “Театр Колон”. Он был основан в 1857 году.
Театр Колон
Располагается в городе Буэнос-Айрес и может вместить до 2 478 человек одновременно. На момент строительства первое здание театра было самым передовым среди опер, здесь применялось газовое освещение и устройства для спецэффектов.
Современное здание открылось в 1908 году, помимо сидячих мест рассчитано на 500-1000 стоящих людей. Здесь часто ставят русские спектакли, такие как “Борис Годунов”, “Садко”, “Евгений Онегин”.
ClassicalMusicNews.Ru
Театры мира
Театры мира
Мир театра
Театр все равно что музей: мы туда не ходим, но приятно знать, что он есть.
Колизей
Италия, Рим.
| Колизей – один из самых узнаваемых архитектурных памятников как в Италии, так и во всём мире. Почти две тысячи лет величественный амфитеатр, расположенный в самом центре Рима, собирает вокруг себя миллионы посетителей, желающих своими глазами увидеть это культовое сооружение. |
Одесский национальный театр оперы и балета
Украина, Одесса.
| Одесский национальный театр оперы и балета считается одним из великих архитектурных памятников Украины и одним из красивейших театров в мире. Опера – практически ровесник Одессы. Спустя десяток лет после основания города, знаменитый градоначальник де Ришелье задумался о постройке первого культурного заведения. |
Парижская Гранд Опера
Франция, Париж.
| Гранд-Опера или Опера Гарнье – главный театр французской столицы и одна из величайших оперных сцен мира. Роскошный дворец, где парижане впервые услышали бессмертные шедевры Прокофьева и Стравинского, легендарный театр, в котором над декорациями корпел сам Пикассо, а в качестве художника по костюмам выступала великая Шанель, был и остается частью мирового культурного наследия. |
Венская опера
Вена, Австрия.
| Венская государственная опера — крупнейший оперный театр в Австрии, центр музыкальной культуры. Венская опера известна не только в Австрии и Европе. На каждом представлении в зрительном зале можно встретить туристов со всего света от Японии до США и Канады. Попасть на спектакль в Венскую оперу мечтают и заядлые театралы России. |
Оперный театр Ла Скала
Италия, Милан.
| Ла Скала — знаменитый оперный театр в Милане. Даже если вы не поклонник оперы, обязательно воспользуйтесь возможностью посетить этот театр. Здесь прославился Россини, здесь состоялась первая постановка «Мадам Баттерфляй» Пуччини.  Это было воспринято как добрый знак. |
Метрополитен-Опера
США, Нью-Йорк.
| Метрополитен-Опера является одним из ведущих оперных театров и популярной достопримечательностью Нью-Йорка. Наряду с Венской государственной оперой и миланским Ла Скала, Метрополитен-опера входит в тройку самых престижных оперных площадок мира. |
Ковент-Гарден
Великобритания, Лондон.
| Театр Ковент-Гарден – один из самых знаменитых театров мира, расположенный в историческом центре Лондона. История культового театра началась в 1732 году. В наши дни в величественном здании, возведенном в середине XIX века, проходят выступления труппы Королевского балета и Королевской оперы, пользующиеся огромной популярностью у лондонцев и гостей британской столицы. |
Все идущие в Ковент-Гардене постановки отличаются высочайшим художественным уровнем. Сиднейский оперный театр
Австралия, Сидней.
| Сиднейский оперный театр – одна из самых узнаваемых построек ХХ в. Это выдающееся многофункциональное сооружение можно считать визитной карточкой города: именно его чаще всего фотографируют туристы. |
Дворец каталонской музыки
Испания, Барселона.
| Дворец каталонской музыки — популярный концертный зал и один из символов столицы Каталонии – города Барселоны. Он находится неподалеку от знаменитого Готического квартала и служит местом, где регулярно проводятся музыкальные спектакли, оперы, а также симфонические и камерные концерты. |
На сцене Дворца звучат каталонские песни, выступают звезды испанской поп-музыки и играют джазовые композиции. Здесь блистали многие мировые знаменитости, в частности, Монтсеррат Кабалье, Святослав Рихтер и Мстислав Ростропович. Ежегодно во Дворце каталонской музыки бывает около 0,5 млн человек. Театр Лисео
Испания, Барселона.
| Лисео – один из самых знаменитых оперных театров Испании, расположенный в историческом центре Барселоны. Театр был создан в 1847 году. Сегодня репертуар и исполнители театра Лисео известны по всему миру. |
Колыванова Мария ученица 8 А класса школы №22
5 самых известных театров мира
Близится пора отпусков, и каждый ищет себе отдых по душе.
Отдохнуть не просто телом, но душой, приобщиться к мировой культуре и насладиться лучшими театральными постановками вы можете, посетив самые известные театры мира.
1. Театр Диониса
Древние руины в Афинах являются колыбелью западной театральной традиции. Большая часть из того, что мы признаем сегодня настоящим театром, берет свои истоки именно в древнегреческом театре. Большинство архитектурных элементов, использованных в современных театральных зданиях, произошли именно от этого оригинального сооружения.
Сцена, на которой выступали еще древнегреческие актёры, впечатляет до сих пор. Сохранился и травянистый зеленый луг, где актеры отдыхали, когда у них было время перед своей сценой.
Пусть это здание не раз изменялось и перестраивалось, но оно сохранило в себе память множества театральных поколений. Только подумайте, в этом театре ставились трагедии Эвридипа и комедии Аристофана!
Сложно представить себе место, которое бы несло в себе такую же древнюю историю.
Дух захватывает от мысли, каким оно было в то время, когда на представлениях присутствовали сами императоры.
Пусть сейчас театр в полуразрушенном состоянии, его величие и красота до сих пор впечатляет каждого туриста, имевшего счастье ступить на древние руины. А возможность свободно побродить и прикоснуться к каждой частичке Театра Диониса точно сделает экскурсию незабываемой!
2. Шекспировский театр «Глобус»
Если Театр Диониса то же, что Вифлеем для Христианства, то театр Шекспира «Глобус», словно Ватикан для актёра. Уильям Шекспир, бесспорно, является самым великим драматургом в мире. И, даже если его и не существовало на самом деле (а таких версий существует множество, и с каждым годом их всё больше), его влияние на мир театра так обширно, что не один список известных театров не обойдётся без упоминания о «Глобусе».
В отличие от Диониса, шекспировский «Глобус» не просто дыхание истории.Хотя оригинальное здание театра остается всего лишь раскопанными фрагментами, новый театр «Глобус» был построен в Лондоне на Южном Берегу Темзы.
Это всего 300 метров от старого здания, и максимально точно копирует его первоначальный вид. Такая максимальная схожесть не мешает «Глобусу» быть оснащенным по всем правилам современного театра. Каждый ценитель театра должен хоть раз попасть в Шекспировский «Глобус».
Посетив этот великий театр, вы сможете насладиться не только точно воссозданной архитектурой 16 века, поучаствовать в различных мероприятиях (написание собственного сонета, бои на мечах и многое другое), но и увидеть одни из лучших театральных постановок в мире.
3. Оперный театр в Сиднее
Театру, расположенному на удалённом материке, абсолютно не соответствующему признанным канонам театров такого рода, должно было бы прийтись нелегко. Но Сиднейский Оперный театр является чем-то принципиально другим. Его уникальный дизайн и расположение делают его одним из иконических изображений Австралии, на одном ряду с кенгуру и тасманийским дьяволом.
Невероятные ощущения можно испытать даже просто находясь рядом с этим величественным зданием.
Окруженный со всех сторон водой, с крышей в форме парусов, Сиднейский оперный театр представляет собой живое воплощение человеческого гения в архитектуре.
Самый большой орган, самый большой занавес, самая смелая идея, притворённая в жизнь – все это вы сможете увидеть, решившись отправиться в Сиднейский оперный театр!
4. Ла Скала, Милан
Основанный на прежней территории поселения церкви Санта-Марии делла Скала, Ла Скала — самый известный оперный театр в мире, первый пункт каждой экскурсии по Милану. Тут ставились самые известные оперы всех времен, и тут впервые прозвучали такие имена, как Артуро Тосканини, Рикардо Мути, Гаваццени Джанандреа.
Этот оперный театр ведет свою блестящую историю с 18 века. Лучшие режиссеры и композиторы, лучшие певцы и актёры, великие примадонны выходили на сцену этого впечатляющего сооружения.
Роскошь и богатство Ла Скала не оставляет равнодушным ни одного зрителя. Каждый любитель оперы мечтает хоть раз попасть на оперу в Ла Скала, насладиться чудесной музыкой и пропитаться атмосферой великого искусства.
5. Большой Театр в Москве
Ну а если Вы не хотите или не имеете возможности ехать далеко за эстетическим удовольствием и яркими впечатлениями, стоит задуматься о посещении Большого Театра в Москве.
Другое такое великолепное и полное величия сооружение, без сомнения с яркой и противоречивой историей найти сложно. Большой Театр всегда привлекал туристов со всего света и имел мировое признание. А отличный репертуар, имеющий успех во многих странах, не оставит недовольным ценителя театрального искусства.
Топ-10 самых известных театров мира — DEZTOP
В крупных городах мира бурлит жизнь. Париж, Лондон, Милан, Нью-Йорк — сюда стекаются не только модники, блогеры и туристы с фотокамерами. В восторге от них и интеллектуалы — ценители архитектуры, театра, оперы, балета и музыки. И даже если вы точно не театрал, а последний раз в театре были еще во время школьной экскурсии, однако о следующих 10 театрах вы точно слышали.
И поверьте, они стоят того, чтобы их посетить хотя бы раз в жизни.
Самые известные театры мира: топ-10
Билеты на спектакли театров с мировым именем надо бронировать задолго вперед. Deztop попытается узнать, чем эти памятники так привлекают театралов и обычных туристов со всей планеты и почему вообще эти театры достойные звания лучших в мире.
10. Королевский театр
Мадрид, Испания
- Год открытия: 1850
- Вместительность: 1 750 человек
Оперный театр в столице Испании был торжественно открыт 7 мая 1850. По желанию тогдашней правительницы — королевы Изабеллы II — он был построен как раз напротив ее резиденции. Первым спектаклем поставленным в театре стала опера Гаэтано Доницетти «Фаворитка».
Кроме опер и балета, Королевский театр не отказывается и от других концертов. Так, к примеру, в 1969 здесь проходил популярный конкурс Евровидение.
9. Большой оперный театр «Лисеу»
Барселона, Испания
- Год открытия: 1847
- Вместительность: 2 292 человек
Театр «Лисеу» является одним из немногих театров Европы, построенных на средства частных лиц. Базой для основания театра стала «Филодраматична школа Монтесьйон», заложенная испанским военным батальоном под командованием Мануэла Жибер и-Санса. Изначально заведение предназначалось как для музыкального образования, так и для театральных представлений.
Сегодня Большой оперный театр «Лисеу» является одним из наиболее значительных театров Испании и вторым по величине в Европе (после Ла Скала).
8. Театр Колумба
Буэнос-Айрес, Аргентина
- Год открытия: 1908
- Вместительность: 2 487 человек
Театр Колумба по праву считается самым известным оперным театром в Латинской Америке и одним из самых известных в мире. Размер этого оперного театра составляет 8,200 квадратных метров, а вместить он способен 2487 зрителей. Зал театра известен прекрасной акустикой.
К слову, с 1960 по 1963 солисткой театра Колумба была украинка Галина Андреадис.
7. Опера Земпера
Дрезден, Германия
- Год открытия: 1841
- Вместительность: 1 300 человек
Саксонская государственная опера Дрездена, более известная как опера Земпера (в честь архитектора Готфрида Земпера) впервые приняла посетителей 12 апреля 1841.
Первым произведением, прозвучавшим с этой сцены, стала пьеса Гёте «Ифигения в Тавриде». Впоследствии здесь проходили премьеры многих опер Рихарда Вагнера.
Вторая мировая война уничтожила оперу Земпера — здание было полностью возобновлено только в 1985 году. Сегодня фасад здания украшают скульптуры из античной и немецкой мифологии и литературы, а также статуи великих драматургов.
6. Сиднейский оперный театр
Сидней, Австралия
- Год открытия: 1973
- Вместительность: 5 738 человек
Сиднейскую оперу можно назвать самой посещаемой в мире, но она безусловно является самым узнаваемым и оригинальным театром. Ее белые стены в виде парусов корабля стали одним из современных чудес света.
Торжественная церемония открытия театра состоялась в октябре 1973 года с участием королевы Елизаветы II.
Общая площадь здания превышает два гектара. Внутри вы встретите чуть ли не тысячу комнат, ведь здание является «штаб-квартирой» для Австралийской оперы, Сиднейского симфонического оркестра, Национального балета и Сиднейской театральной труппы.
А на освещение театра тратиться столько электроэнергии, что вполне хватило бы на обеспечение электричеством небольшого австралийского городка.
5. Королевский театр Ковент-Гарден
Лондон, Великобритания
- Год открытия: 1732
- Вместительность: 2 256 человек
Столица Великобритании богата на театры с историей. Именно на сцене лондонского «Глобуса» впервые были поставлены пьесы Шекспира. Но хоть»Глобус», который пережил две реконструкции, и работает по сей день, статус самого известного театра Лондона гордо носит Королевский оперный театр на Ковент-Гарден, домашняя сцена Королевского балета и Королевской оперы.
Современное здание уже третье. В 1732 году театр впервые открыл двери для зрителей, которые пришли посмотреть на постановку «Светские обычаи» по пьесе Уильяма Конгрева. Через 76 лет здание Ковент-Гардена уничтожил пожар. На восстановление ушло 9 месяцев. Однако прожил театр недолго — в 1856 году здание снова сгорело, но через два года возродилося из пепла таким, каким мы можем увидеть его теперь.
4. Метрополитен-опера
Нью-Йорк, США
- Год открытия: 1883
- Вместительность: 3 800 человек
Относительно молодой театр Метрополитен-опера уже удостоен звания проводного театра в США и одного из центров мировой музыкальной культуры.
Интересно, что Метрополитен-опера — это вообще единственный в США постоянно действующий оперный театр. Открыт он был в Нью-Йорке в 1883 году на средства акционерного общества «Метрополитен хаус-компани». Первым спектаклем театра стала опера «Фауст» Шарля Гуно, состоявшаяся 22 октября того же года.
На сцене Метрополитен-опера выступали такие украинские певцы как: Бэла Руденко, Анатолий Соловьяненко, Инна Бурская, Андрей Добрянский, Иванна Мигаль, Людмила Монастырская и другие.
3. Венская опера
Вена, Австрия
- Год открытия: 1869
- Вместительность: 1 709 человек
Австрия — родина многих композиторов-классиков: Гайдна, Моцарта, Бетховена, чья музыка легла в основу Венской классической музыкальной школы.
Возможно, именно поэтому самым известным оперным театром мира уверенно можно назвать Венскую оперу.
Здание оперы было построено в 1869 году. Во время Второй мировой войны театр был частично разрушен, однако в 1955 году состоялось его торжественное открытие.
По количеству спектаклей с Венской оперой не в состоянии сравниться ни один из других оперных театров. В течение 285 дней в году в этом здании ставятся около 60 опер. Ежегодно за неделю до первого дня Великого католического поста здесь проходит Венский бал — мероприятие, занесенное в список нематериального культурного богатства, охраняемого ЮНЕСКО.
2. Гранд-опера
Париж, Франция
- Год открытия: 1870-ті
- Вместительность: 2 200 человек
Ведущий театр мира и самый известный в Париже и во всей Франции в целом — Гранд-опера. В 1669 году Людовик XIV дал согласие на основание оперного театра поэту Пьеру Перрену и композитору Роберту Камберу. На протяжении веков театр несколько раз менял название и местоположение, пока в 1862 году не оказался в IX округе Парижа, в здании, построенном в 1875 году архитектором Шарлем Гарнье.
Роскошный фасад театра украшают четыре скульптуры (олицетворение Драмы Музыки, Поэзии и Танца) и семь арок. Венчает здание величественный сияющий купол. В здании Опера Гарнье размещена также Библиотека-музей, принадлежащая Национальной библиотеке Франции.
1. Ла Скала
Милан, Италия
- Год открытия: 1778
- Вместительность: 2 030 человек
Именно в Италии в эпоху Возрождения зародилось современное оперное искусство. В 1776 году миланскому архитектору Джузеппе Пьермарини понравился кусочек земли на месте разрушенной церкви Санта-Лючия делла Скала. Так и было решено построить на нем оперный театр, что в результате получил название от своего «предшественника».
При строительстве фундамента под землей нашли мраморную плиту с изображением древнеримского лицедея Пилада, что строители восприняли как знак свыше.
Много выдающихся опер возникло с назначением постановки именно на сцене Ла скала. В частности здесь состоялись премьеры таких опер, как «Пират» и «Норма» Винченцо Беллини, «Лукреция Борджа», «Набукко», «Отелло» и «Фальстаф» Верди, «Мадам Баттерфляй» и «Турандот» Пуччини.
В театре Ла Скала пели и выдающиеся украинские певицы и певцы — Соломия Крушельницкая, Евгения Зарицкая, Мария Стефюк, Виктория Лукьянец, Лев Сибиряков.
Сегодня Ла Скала по праву считается одним из самых известных театров мира. Это первое после Миланского собора, что осматривают туристы по прибытии в Милан.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:
ТОП-10 САМЫХ ИЗВЕСТНЫХ СКУЛЬПТУР МИРА
ТОП-10 САМЫХ ИЗВЕСТНЫХ КАРТИН МИРА
ТОП-10 САМЫХ КРАСИВЫХ ЗАМКОВ В МИРЕ, КОТОРЫЕ СТОИТ УВИДЕТЬ ХОТЯ БЫ НА ФОТО
Можно поделиться с друзьями:
10 лучших оперных театров мира
Каждый оперный театр является особенным, неповторимым произведением искусства. Список десяти лучших оперных театров мира, окунает в атмосферу величия и возвышенности.
Десятка лучших из лучших, по данным книги “The National Geographic”:
10. Линкольн-центр, Нью-Йорк, США
Линкольн-центр исполнительных искусств, в котором гармонично сочетается всё: и опера Метрополитена, и Нью-Йоркская филармония, и балет Нью-Йорка, также располагает библиотекой и двумя театрами.
Центр продвигает не только классику, но и инновации, что-то совершенно новое, не знакомое зрителю. Оперы в Метрополитене регулярно снимаются и предстают всеобщему обозрению в театрах по всему миру. Немала роль Центра искусств Линкольн-центра и в области образования: богатый репертуар способствует вдохновению и творчеству студентов и профессионалов.
9. Венская государственная опера (Штаатсопер), Вена, Австрия
Построенный в 1869 году, Штаатсопер был открыт спектаклем «Дон Жуан» Моцарта. Его репутация, как центра музыкальной жизни Венеции уже давно установлена, и Штаатсопер остается одним из лучших оперных театров мира. Хотя большая часть его была уничтожена 12 марта 1945 года, когда к концу Второй мировой войны союзники разбомбили город, главная лестница и некоторые другие общественные зоны чудесным образом выжили. Чтобы понять, как все выглядело до воздушного налета, стоит только пройти через главный вход в фойе. Театр, который вы видите сейчас, был вновь открыт по окончании русской оккупации Австрии, и первой пьесой, поставленной после долгих лет войны, стала «Фиделио» Людвига ван Бетховена, гимн свободе.
8. Королевская опера Версаля, Версаль, Франция
Интерьер Королевской оперы, расположенной в знаменитом роскошном дворце Версаля, отличается искусной работой. Деревянные стены были покрашены так, чтобы походить на мрамор (и действительно, отличить от оригинала практически невозможно). Золото гармонично сочетается с розовыми и зелеными оттенками мрамора, небесно-голубыми шторами и обивкой. Нарушая традиционный итальянский стиль ( которому соответствует большинство театров), Королевская опера окольцовывается двумя балконами а само здание, увенчано обширной колоннадой, которая, благодаря игре зеркал, словно, простирается в бесконечность. Эндж-Жак Габриэль построил театр в 1769 году в рамках подготовки к браку дофина, будущего короля Людовика XVI, и австрийской принцессы Мари-Антуанетте. После Французской революции театр использовался лишь изредка для различных мероприятий. Сегодня здесь часто проводятся специальные гала-представления.
7. Парижская опера, Париж, Франция
Главный фасад Оперы производит сильное впечатление, хоть, казалось бы, что в Париже, городе, где чудесные архитектурные изваяния буквально на каждом углу, уже невозможно удивить.
Великолепно украшенное здание с его венцом купола было построено в 1875 году. Большой театр внутри подходит как для балета, так и для оперы. Некоторые из самых больших церемониальных пространств в мире находятся здесь, в Парижской опере, где их величественность придает важности разного рода событиям. Богатые и яркие интерьеры отражают вкусы и настроения Второй империи Франции. В 1962 году Марк Шагал создал новые фрески в центре потолка Palais Garnier. Результат, не менее впечатляющий, тем более примечателен тем, что он не противоречит формальному характеру внутреннего декора.
6. Сиднейский оперный театр, Сидней, Австралия
Расположенный на клочке земли, выступающей в гавань Сиднея, потрясающий современный Сиднейский оперный театр имеет прекрасный вид на воду, сплошь усыпанную парусниками. Даже если посещение спектакля не входит в ваши планы, вам стоит посетить Сиднейский оперный театр, просто ради того, чтобы взглянуть на восхитительное здание. Конструкция была спроектирована Йорном Утзоном, чтобы предложить серию перекрывающихся снарядов и парусов.
Торжественное открытие состоялось в 1973 году. Первым выступлением в театре стала «Война и мир» Прокофьева. Внутри каждый театр обшивается панелями из разных пород древесины, чтобы улучшить акустику помещения, а также сделает его более эстетичным. Все основные зоны исполнения имеют свои фойе.
5. Большой театр, Москва, Россия
Один из главных театров России, известный одним из лучших симфонических оркестров в мире, — Большой Театр в Москве прошел через «огонь, воду и медные трубы», а если быть более точным, то пожар, войну и революцию.Его потрясающий неоклассический портик, увенчанный статуей Аполлона в его колеснице, является предвестником того великолепия, которое предстанет перед взорами посетителей, стоит только войти внутрь. В 2005 году театр был закрыт на реконструкцию и вновь открыт был только осенью 2011 года. Четыре балкона и топ-галерея окружают оркестр, где местами являются стулья Чиппендейла, обтянутые красным дамастом. Мировой славой пользуется балетная труппа московского театра.
Здесь известным хореографом Юрием Григоровичем были поставлены памятные спектакли «Лебединое озеро», «Золотой век» и «Романда».
4. Королевский оперный театр, Лондон, Англия
Королевский оперный театр был возведен в Ковент-Гардене в начале 18 века, и своего расположения не менял, однако современное здание театра – уже третье по счету расположенное на этом месте. Первые оперы Георга Фридриха Генделя были исполнены в стенах Королевского театра, и позже множество опер и ораторий были написаны немецким композитором для этого места, в частности. Он регулярно выступал здесь, начиная с 1735 года и самого дня своей смерти в 1759 году.
3. Театр Колон, Буэнос-Айрес, Аргентина
Чтобы не отстать от богатых промышленников США, аргентинцы, как страстные поклонники оперы, в 1908 году завершили сооружение Театра Колон. Определить стиль этого театра отнюдь не просто: в нем всего понемногу, он взял самое лучшее у различных европейских театров. И в этом нет ничего удивительного, ведь столько архитекторов было вовлечено в строительство.
Эта выдающаяся запись из огромного оперного театра, содержащая великие выступления, согласована только с группой известных артистов, когда-то украшавших его сцену. У театра есть свои изысканные костюмы и живописные строительные отделы.
2. Театр Сан-Карло, Неаполь, Италия
Великолепный красно-золотой театр Сан-Карло, построенный королем Чарльзом Бурбоном в 1737 году, является старейшим в мире, а до возведения театра Ла Скала он был также и самым престижным в Италии. Премьеры некоторых из наиболее популярных опер Джоачино Россини состоялись на сцене Сан-Карло.
1. Ла Скала, Милан, Италия
Миланский театр Ла Скала — это, пожалуй, самый известный оперный театр в мире. Именно он ассоциируется с классической оперой. С театром, построенным в 1778 году, связаны имена таких известных всему миру композиторов, как Джоаккино Россини, Винченцо Беллини, Джузеппе Верди и Гаэтано Доницетти. Одной из изюминок Ла Скалы является вогнутый канал под деревянным полом оркестра, с помощью которого в зале такая превосходная акустика.
Рекомендовано к просмотру:
Подробнее о номере 1 в нашем рейтинге, миланском оперном театре Ла Скала:
12 самых известных театров России
Самые известные театры России в основном находятся в Москве и Санкт-Петербурге. В других городах тоже есть подобные объекты культуры, которые славятся красивой архитектурой и превосходным репертуаром.
1. Большой театр
Большой – известнейший театр России, гордость страны. Впечатляет своими размерами и замечательной акустикой. Высота зрительного зала составляет 21 м, ширина — 26 м, а длина — 25 м. Состоит из пяти ярусов. Вызывают восторг окружающих великолепные росписи мастеров на потолке, большая люстра из хрусталя, состоящая из множества ярусов. Во все времена существования в театре работали самые известные и талантливые танцоры, дирижеры, певцы, хореографы, режиссеры-постановщики.
2. Мариинский театр
Самый известный театр Санкт-Петербурга.
Архитектура в стиле неоклассики Мариинского театра поражает своим величием. Здание представляет собой многофигурную постройку. Стены окрашены в цвет морской волны. Посадочные места оформлены бархатом синего оттенка. В театре ставят всемирно известные шедевры оперы и балета. Здесь можно увидеть представления классических произведений и постановки современных режиссеров.
3. Михайловский театр
Еще один известный театр России, расположенный в Санкт-Петербурге. Внутри помещение украшено серебром, бархатом, золотом, лепниной, произведениями живописи, хрустальными изделиями и зеркалами. В наши дни на сцене проходит ежегодно около 200 постановок. Театр славится хорошим репертуаром.
4. Новосибирский театр оперы и балета
Театр находится на центральной площади города. Насчитывает 6 корпусов. Театр прославился классическими балетными постановками: «Лебединое озеро», «Кармен», «Спящая красавица», «Золушка», «Борис Годунов», «Евгений Онегин».
5. Александринский театр
Один из старейших театров России. Находится на Невском проспекте Санкт-Петербурга. Главные элементы богатой архитектуры: статуи муз, размещенные в нишах; на лоджии построены 6 колон; с внешней стороны здания расположены павильоны Аничкова дворца; статуи Аполлона, Минервы; стены окружают орнаменты из масок. В театре регулярно проходят постановки классических произведений Александра Николаевича Островского, Александра Сергеевича Грибоедова, Антона Павловича Чехова.
6. Екатеринбургский театр оперы и балета
Театр постоянно творчески взаимодействует со странами Европы, Кореей и США. Здесь проводятся различные музыкальные фестивали международного уровня. В театре работают талантливые режиссеры, танцоры, дирижеры и оперные певцы. В репертуар входит много известных постановок оперы и балета.
7. Московский академический театр сатиры
Располагается этот известный театр Москвы на Триумфальной площади.
Изначально здесь проходили представления, которые не связанны с классикой. С начала 1930-х акцентируется деятельность на жанре бытовой комедии. С 2000 г. и по сей день руководит театром Александр Ширвиндт.
8. Ростовский государственный музыкальный театр
Здание по форме напоминает рояль. На протяжении всей своей истории Ростовский музыкальный театр считался одним из самых популярных среди оперных театров. Репертуар состоит из различных балетов, оперетт, выступлений симфонических оркестров, мюзиклов и музыкальных новелл.
9. Московский драматический театр имени А. С. Пушкина
Считается одним из самых популярных драматических театров России. Здание располагается на Тверском бульваре. На сцене театра демонстрируются спектакли для детей по мотивам сказок и постановки по классическим произведениям русской и зарубежной литературы.
10. Театр имени Евгения Вахтангова
Театр находится в сердце столицы на Старом Арбате.
Истоки берут начало в 1913 г., Вахтангов Е.Б. стал руководить студенческой драматической студией.
11. Зимний театр
Он является одной из главных достопримечательностей города Сочи. Окруженное коринфскими колоннами в количестве 88 штук, это консервативное здание сразу привлекает взгляд гостей курортной столицы России и является одним из лучших архитектурных памяток государственного значения. Театральный зал выполнен в золотом, синем и белом цветах. Здесь играли лучшие труппы со всего Советского Союза, и до сих пор выступают коллективы многих городов России, Украины, Грузии и других стран.
12. Театр «Современник»
Московский театр «Современник» основан группой молодых актеров в 1956 году. Основатели театра — Олег Ефремов, Галина Волчек, Игорь Кваша, Лилия Толмачева, Евгений Евстигнеев, Олег Табаков и другие, были недавними выпускниками Школы-студии Московского Художественного театра. Уже более тридцати лет руководит «Современником» Галина Борисовна Волчек — режиссер и актриса, с именем которой связаны многие победы театра.
Музыкальные театры мира | Введенская сторона
Когда попадаешь в огромный, сверкающий огнями зал оперного театра, чувствуешь себя словно окрыленным радостным предчувствием. Оркестранты уже настраивают инструменты. Публика неспешно рассаживается по своим местам. И этот пестрый шум обещает нечто таинственное, чудесное. Вот меркнет свет. Вспыхивает рампа. Светильники скрестили лучи на бархатном занавесе, расшитом золотыми узорами. Дирижер взмахнул палочкой, и оркестр зазвучал удивительно стройно. Начинается увертюра.
Оперный театр – совершенно особое здание. Ведь для того, чтобы проводить оперные и балетные спектакли, нужны большая сцена с техническим оборудованием (для перемещения кулис и декораций), оркестровая яма и зрительный зал, театральные мастерские, репетиционные помещения, а также кассы, гардероб, буфет и т.д. Конечно же, такому внушительному заведению требуется огромное количество работников самых разнообразных профессий. Среди них – солисты театра, хористы, оркестранты, балетная труппа, директоры, режиссеры, драматурги, балетмейстеры, костюмеры, швеи, работники сцены, специалисты по свету и звуку, вахтеры, работники гардероба, уборщики.
.. Каждый из оперных театров (их ведь не так уж много в мире) имеет собственную неповторимую историю. Вот некоторые из них, пожалуй, самые знаменитые.
«Гранд-Опера» («Большая опера»). ФРАНЦИЯ
Ни один оперный театр мира не был в течение целых столетий таким вершителем оперных судеб, как парижская Гранд-Опера. Сюда стремились оперные композиторы многих стран. К кому-то приходили слава и богатство, других же ожидали отчаяние и безнадежность. Здесь пришло признание к Кристофу Виллибальду Глюку, тут была с триумфом принята последняя опера Россини, здесь же жесточайшее разочарование постигло Вагнера. Именно в стенах Гранд-Опера получил наиболее полное воплощение тип грандиозного и роскошного оперного спектакля. Постановочные традиции этого театра оказали большое влияние на облик оперного спектакля крупных форм во всем мировом оперном искусстве.
Гранд-Опера – крупнейший центр французской музыкально-театральной культуры. Его официальное название – «Национальная академия музыки и танца».
В момент основания театр получил название «Королевская академия музыки». 3 марта 1671 г. состоялась первая постановка на новой сцене. Для этого торжественного события была выбрана музыкальная трагедия «Помона», написанная основателями театра поэтом П. Перру и композитором Р. Камберу.
В XVII-XVIII вв. в Гранд-Опера ставились преимущественно оперы французских композиторов, в частности, Люлли и Рамо. С конца XVIII в. появился также итальянский и немецкий репертуар. В XIX веке на сцене Гранд-Опера царили постановки с музыкой Россини, Доницетти, Верди. Среди премьер ХХ века отметим оперу «Мавра» Стравинского.
Свой современный облик здание театра получило в 1875 г., когда было закончено его строительство по проекту архитектора Шарля Гарнье. Фасад Гранд-Опера, обустроенный Гарнье, поражает обилием декоративных элементов. Здание стоит на возвышении, которое представляет собой несколько широких ступеней. Нижний этаж оформлен высокими арками и массивными пилонами, перед ними множество скульптурных групп.
Второй этаж отличается изяществом высоких парных колонн, обрамляющих огромные окна. Роскошен и интерьер театра. Большая лестница отделана великолепным белым мрамором, свод украшен фресками Исидора Пилза, плафон зрительного зала расписан в 1964 г. выдающимся художником Марком Шагалом.
На протяжении трех веков театр является одним из центров европейской оперной культуры. Здесь пели Виардо-Гарсиа, Джулия Гризи, Карузо, Шаляпин, выступали многие зарубежные труппы, шли спектакли дягилевской антрепризы.
«Ла Скала». ИТАЛИЯ
Второй крупнейший прославленный на весь мир оперный театр – «Ла Скала» – находится в итальянском городе Милане. Он появился во второй половине XVIII в., в пору расцвета музыкально-театральной жизни Италии. Здание воздвигнуто по проекту архитектора Джузеппе Пьермарини на месте старинной церкви Санта Мария делла Скала. Его архитектурный облик определяют античная простота форм, строгость и благородство. Итальянцы чрезвычайно почитают свой театр, его славные традиции, и по праву считают театр национальным достоянием.
Здание почти без изменений сохранилось до наших дней. В глубине нижнего фойе высятся четыре мраморные статуи. Это монументы великим композиторам Италии – Россини, Беллини, Доницетти и Верди. В музее театра «Ла Скала» хранятся реликвии, дорогие для поклонников: очки Россини, светлый локон волос Беллини, гипсовый слепок руки Шопена. Привлекает внимание и небольшая афиша, оповещавшая миланцев, что 3 августа 1778 г. оперой Антонио Сальери «Признанная Европа» открывается новый королевско-герцовский театр.
История этого театра – одновременно и история итальянского оперного творчества и вокального искусства. В первой четверти XIX в. репертуар “Ла Скала” составляли произведения Чимарозы, Керубини, Цингарелли. Большую славу театру принесли постановки опер Доницетти, Россини, Беллини. Целую эпоху в развитии Ла Скала составили творения Верди. Здесь были поставлены все 26 опер композитора. Постепенно на сцене формировался стиль классического бельканто, что в переводе с итальянского означает «прекрасное пение».
Он отличался особой легкостью и красотой звучания, предельной выразительностью, оттачивался в операх композиторов Пуччини, Масканьи, Леонкавалло.
В 1901 г. в миланском театре произошло выдающееся событие. В новой постановке оперы А. Бойто «Мефистофель» впервые за рубежом выступил русский бас Федор Иванович Шаляпин. Затем он неоднократно исполнял на сцене «Ла Скала» свои лучшие роли («Борис Годунов», «Иван Грозный»), открыв итальянской публике красоту и мощь русской классической оперы. Шаляпин начал новую эру в итальянском оперном искусстве; после его выступления уже невозможно было просто исполнять свою музыкальную партию (пусть и очень хорошо), нужно было и великолепно играть, создавать образ в музыкальном спектакле. Итальянские певцы усвоили этот «русский» урок и стали больше внимания уделять актерскому мастерству.
Удивительно, но в «Ла Скала» нет постоянной труппы солистов. На ведущие партии приглашаются и певцы из других стран. Неоднократно там выступали Ирина Архипова, Елена Образцова, Владимир Атлантов, Евгений Нестеренко и многие другие русские вокалисты.
А итальянские артисты с огромным успехом давали спектакли на сцене Большого театра.
Берлинский оперный театр. ГЕРМАНИЯ
Старейший театр Европы. Он прошел долгий и трудный путь – от придворной труппы до ведущего музыкального театра. В XVIII в. на прусском престоле восседал король Фридрих II. Одним из украшений его двора были музыка и музыканты. Исполняя волю короля, придворный архитектор Георг Венцеслав фон Кнобельсдорф приступил к строительству театрального здания. Оно было торжественно открыто 7 декабря 1742 г. К этому же времени был создан оркестр и хор. Первым произведением, поставленным на сцене нового театра, стала опера придворного композитора Карла Генриха Грауна «Клеопатра и Цезарь». И если это произведение принадлежало перу немецкого автора, то в дальнейшем репертуар театра, как правило, включал модные тогда итальянские оперы. Это отвечало вкусам и самого Фридриха II, и его наследников.
После свержения монархии в 1818 году Берлинская опера стала государственной.
На ее сцене в этот период были поставлены десятки музыкальных сочинений. За дирижёрским пультом стояли выдающиеся Р. Штраус, Л. Блех, Э. Клейбер. В спектаклях участвовали лучшие мировые певцы: Э. Карузо и Б.Джильи.
Во время войны здание театра было разрушено. После восстановления с 1955 года в знаменитом театре снова идут бессмертные творения Генделя, Глюка, Вагнера, Штрауса. Театр осуществляет интересные постановки опер и балетов П. Чайковского, С. Прокофьева, А. Хачатуряна.
Венский оперный театр. АВСТРИЯ
Немалую роль в развитии оперного искусства Европы и мира сыграл Венский оперный театр. Здание Венской оперы было построено в 1869 г. по проекту архитектора Августа Зиккарда фон Зиккардсбурга, а интерьер разработал Эдуард ван дер Нюлль. Долгое время театр считался одним из красивейших в мире. Открытие этого здания театра было ознаменовано постановкой оперы Моцарта «Дон Жуан».
В 1897 г. во главе театра стал выдающийся композитор и дирижер Густав Малер, который привлек к работе таких мастеров, как Бруно Вальтер, Франц Шальк.
В тот период на сцене Венской государственной оперы были поставлены оперы «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Иоланта» Чайковского.
В 1945 г. здание пострадало во время бомбардировки. Десять лет спектакли шли на других площадках. Новый сезон в восстановленном театре начался в 1955 г. под руководством прославленного Герберта фон Караяна.
Венская государственная опера предлагает слушателям очень разнообразный репертуар, считаясь при этом хранительницей лучших традиций венской классической школы.
Продолжение следует.
Лариса Путинцева.
10 самых известных театров мира
Оглядываясь на историю театра, мы обнаружим, что вначале театральные пьесы разыгрывались на открытом пространстве.
На протяжении всей истории во всем мире было построено множество театральных зданий. Некоторые из них были разрушены, некоторые забыты, а некоторые до сих пор стоят.
Мы составили список 10 самых известных театров мира.
Вы можете согласиться или не согласиться с нами, но вы должны признать, что театры в нашем списке — известные и величественные здания.
1. Ла Скала де Милан: Этот театр в Милане, Италия, является достопримечательностью и самым известным оперным театром в мире, который невозможно пропустить. Здесь представлены многие из самых известных оперных спектаклей под управлением Артуро Тосканини, Риккардо Мути и Гаваццени Джанандреа.
2. Москва Большой театр: Еще один известный театр находится в Москве, Россия. Большой театр начал свою жизнь как частный театр князя Петра Урусова, где императрица Екатерина II подписала и даровала князю «привилегию» на организацию театральных представлений на десять лет.
Это одна из старейших и самых известных балетных и оперных трупп в мире, в которой участвуют более 200 танцоров.
3. Сиднейский оперный театр: Сиднейский оперный театр известен своей эстетикой и является самым современным зданием в мире. Он имеет квалификацию объекта всемирного наследия.
4. Convent Garden: Convent Garden находится в Лондоне, Англия, также известном как Королевский оперный театр.Convent Garden — это название района, где он расположен, это музыкальное заведение с национальной и международной репутацией.
5. Театр ла Фениче: Это один из лучших театров в мире. Исторический и очень старый театр, расположенный в Венеции, Италия. Он строился с 1790 по 1792 год и вмещает около 1500 зрителей.
6. Teatro Real de Madrid: Театр расположен в самом центре столицы Испании, Мадрида, напротив Королевского дворца на площади Пласа-де-Ориенте.Театр — очень представительный памятник в Мадриде, для испанской королевской семьи было очень важно насладиться лучшей оперой.
7. Метрополитен-опера: Этот оперный театр — лучший театр в Нью-Йорке, США. Это центр Линкольна, который многие называют конгломератом искусства с самыми передовыми технологиями в мире.
8. Wiener Staatsoper: Этот театр получил название Coliseum Hofburgtheater-памятник.Но в 1918 году его переименовали в Бургтеатр. Этот знаменитый театр расположен в Вене, стране классической музыки. Вена — столица музыкального спектакля, известного как «Ночь оперного бала», вечера, в котором великие личности танцуют под куполом Венской государственной оперы.
9. Театр Колон в Буэнос-Айресе: Театр Колон находится в Буэнос-Айресе, Аргентина. Это самый важный оперный театр в Латинской Америке и один из лучших в мире по качеству акустики.Площадь оперного театра составляет 8 200 квадратных метров, и он вмещает 2487 зрителей.
10. The Liceo de Barcelona: Этот театр расположен в Барселоне, Испания. Это один из старейших и лучших театров мира. Его еще называют престижем Барселоны, на его сцене выступали самые выдающиеся и известные оперные певцы мира.
10 самых красивых театров мира
Театры, вообще, красивые места.Большой или маленький, эстетически привлекательный или нет, у каждого есть своя история, свой характер, личность, которая часто становится такой же частью постановки, как и актеры. Но одни театры отличаются от других; в некоторые вы входите и знаете, что никогда не забудете тот момент.
Ниже мы рассмотрим несколько мест, которые, по нашему мнению, вам следует добавить в свой список желаний.
Minack Theater, Корнуолл, Англия
Театр Минак
© Лиз Смит
Минак в Порткурно, Корнуолл, был детищем Ровены Кейд, которая построила театр в конце своего сада для группы местных музыкантов.Театр «Девяносто лет» привлекает внимание посетителей и предлагает полную программу живых выступлений, включая музыку, драму, оперу и детский театр.
The Seebühne, Боденское озеро, Австрия
Источник изображения: amazingworldonline.com
Зеебюне, или плавучая сцена, находится на берегу Боденского озера и вмещает 7000 мест. Он используется как место для крупномасштабных оперных или музыкальных представлений во время фестиваля Брегенц. Место проведения показано в фильме о Джеймсе Бонде 2008 года « Квант милосердия ».
Зимний сад, Торонто, Канада
Источник изображения: Зимний сад
Построенный в 1913 году Зимний сад, расположенный на семи этажах выше театра Элгин в Торонто, является последним действующим двухэтажным театром в мире.
Одеон Герода Аттика, Афины, Греция
(© ampatheatre.org)
Источник изображения: Пол Уильямс
Завершено в 174 году нашей эры Одеон Герода Аттика, известный как «Геродеон», расположен на южных склонах Акрополя.За 52 года проведения Афинского фестиваля Иродеон устраивал музыкальные, танцевальные и театральные представления.
Глобус Шекспира, Лондон, Англия
Источник изображения: traveleastlondon.com
Основанный актером и режиссером Сэмом Ванамакером (отцом Зои Ванамейкер), «Глобус Шекспира» представляет собой реконструкцию театра «Глобус», елизаветинского театра, который был построен в 1599 году, разрушен пожаром в 1613 году, перестроен в 1614 году, а затем разрушен в 1644. Современная реконструкция открылась для публики в 1997 году с производства Henry V .
Театр Тампа, Флорида, США
Источник изображения: tampatheatre.org
Спроектированный архитектором Джоном Эберсоном, Театр Тампа открылся в 1926 году. Интерьер напоминает средиземноморский двор, а потолок украшен 99 лампами, напоминающими мерцающие звезды.
Palacio de Bellas Artes, Мехико, Мексика
Источник изображения: Panoramio.com
Дворец изящных искусств считается важнейшим культурным центром Мексики.В здании, построенном в 1934 году, проходят выставки и театральные постановки.
Sydney Opera House, Сидней, Австралия
Источник изображения: Сиднейский оперный театр
Сиднейский оперный театр был спроектирован датским архитектором Йорном Утцоном и официально открыт в 1973 году. Считающийся одной из самых известных достопримечательностей в мире, он включает в себя несколько концертных площадок, в которых ежегодно проводится более 1500 представлений, которые посещают около 1,2 миллиона человек. , что делает его одним из самых оживленных центров исполнительского искусства в мире.
Palau de la Música Catalana, Барселона, Испания
(© CC BY-SA 3.0 es)
Спроектированный архитектором Луисом Доменеком-и-Монтанером, он был завершен в 1908 году для Orfeó Català, хорового общества, основанного в 1891 году и являвшегося ведущей силой каталонского культурного движения. известный как Renaixença (каталонское возрождение).
Королевский Альберт-Холл, Лондон, Англия
Королевский Альберт-холл
© Garry Knight
Королевский Альберт-холл был построен, чтобы воплотить в жизнь замысел принца Альберта (супруга королевы Виктории) о «Центральном зале», который будет использоваться для содействия пониманию и признанию искусств и наук.Зал является зданием, внесенным в список Первой степени; и постоянно используется с момента открытия в марте 1871 года.
Загрузка …
Лучшие кинотеатры США
Супервысокие небоскребы и гламурные музеи могут поднять репутацию архитекторов или вернуть промышленный город на карту, но что касается архитектуры, никогда не следует упускать из виду один тип зданий: театр.
В качестве основы городской культуры театры в Соединенных Штатах веками собирали места.От опер до балетов и фильмов, искусство требовало зданий, которые были бы такими же красивыми, как и представления, которые они устраивали. Театры начала 19-го века были храмами с украшениями, облаченными в люстры с высокими потолками, тяжелыми шторами и со склонностью к золоту.
Сегодня театр остается важной частью жизни города, даже несмотря на то, что виды исполнительского искусства расширились. Современные театры — это чудо техники, сочетающее инновационную архитектуру с современной акустикой и видеопрограммами.
Хотя этот новый класс аудиторий, центров исполнительского искусства и концертных залов доказывает, что театр может принимать разные формы, все они подчеркивают одно убеждение: сейчас — более чем когда-либо — искусство имеет значение.
Именно в этом духе мы искали по всей территории США самые важные с архитектурной точки зрения театры. От старейшего постоянно действующего оперного театра нашей страны до нового здания в Чикаго — это 24 самых красивых театра Америки.
Центр исполнительских искусств Кауфмана в Канзас-Сити, штат Миссури,
Здание Центра исполнительских искусств Кауфмана было завершено в 2011 году в Канзас-Сити. Тупунгато / Shutterstock
Открытый в 2011 году Центр Кауфмана представляет собой объект площадью почти 285 000 квадратных футов, спроектированный всемирно известным архитектором Моше Сафди из Safdie Architects, с двумя основными залами для выступлений, каждый из которых имеет форму раковины.
Safdie облицовал корпуса панелями из нержавеющей стали и соединил два объекта с атриумом со стеклянными стенами высотой 20 метров, который прикреплен к земле стальными тросами. Стеклянный фасад также имеет панорамный вид на Канзас-Сити.
Театр Фокса в Детройте, штат Мичиган,
Маркус Ингрэм / Getty Images
Когда в сентябре 1928 года открылся Театр Фокса, 5 000 человек собрались, чтобы увидеть второй по величине театр в мире. 10-этажное гигантское здание с красными мраморными колоннами было спроектировано архитектором Чарльзом Ховардом Крейном. Детройтер, который когда-то работал на Альберта Кана, Крейн также проектировал Оркестровый зал, Капитолий на Бродвее и Государство на Вудворде.
Жемчужина надежной театральной сцены Детройта, Fox также примечательна тем, что она была первой в мире, построенной со встроенным оборудованием для говорящих фильмов. Это был флагманский кинотеатр сети Fox Theater, который в конечном итоге попал в Национальный реестр исторических мест и список национальных исторических достопримечательностей. Сегодня это самый большой сохранившийся кинотеатр 1920-х годов и оригинальные театры Фокса.
Центральный городской оперный театр в Централ-Сити, Колорадо,
Внешний вид Центрального городского оперного театра, расположенного в небольшом золотодобывающем городке в Колорадо. marekuliasz / Shutterstock
Несмотря на свои довольно маленькие размеры по сравнению с другими театрами, недостаток мест в Центральной городской опере компенсируется историей. Этот каменный концертный зал, построенный в 1878 году валлийскими и корнуэльскими золотодобытчиками, принимал выступления на протяжении десятилетий и является пятой старейшей оперной труппой страны.
Спроектированный денверским архитектором Робертом С. Рошлаубом, оперный театр на 550 мест нашел свое пристанище в этом крошечном городке в Колорадо благодаря репутации Централ-Сити как «самой богатой квадратной мили на земле».”Но когда золотые прииски закончились, здание пришло в упадок с конца 19 века до 1932 года. Добровольческие усилия привели к обширной реставрации и открытию оперного зала. Сегодня здесь проходит один из самых успешных летних оперных фестивалей в стране.
Театр Paramount в Окленде, Калифорния,
Предоставлено Visit Oakland
Разработан архитектором из Сан-Франциско Тимоти Л.Pflueger и завершенный в 1931 году театр Paramount в Окленде — первоклассный образец дизайна в стиле ар-деко. Первоначально дворец кино в 1930-х годах, Paramount пострадал от трех десятилетий забвения и упадка. В 1972 году Оклендский симфонический оркестр приобрел здание, чтобы вернуть ему былую славу.
Театр сейчас внесен в Национальный реестр исторических мест и является национальным историческим памятником со всеми современными технологиями театрального театра. Здесь находится Симфонический оркестр Окленда, а также постоянно меняющийся список концертов и шоу.
Radio City Music Hall в Нью-Йорке, Нью-Йорк
Интерьер Radio City Music Hall в Нью-Йорке. Шон Павон / Shutterstock
Ни один список архитектурно значимых театров не будет полным без упоминания нью-йоркского Radio City Music Hall, одного из самых знаковых концертных залов США.
Построенный в 1932 году как часть Рокфеллер-центра, Radio City Music Hall был спроектирован в стиле ар-деко архитектором Эдвардом Дуреллом Стоуном и промышленным дизайнером Дональдом Дески, создавшими интерьеры.
Театр превосходен во многих отношениях: это самый большой закрытый театр в мире, в нем есть самый большой в мире сценический занавес, сверкающий золотом. Многие считают, что это одна из самых прекрасно оборудованных сцен из когда-либо построенных.
Центр исполнительских искусств Дарема в Дареме, Северная Каролина,
Внешний вид Даремского центра исполнительских искусств в ночное время. Через Szostak Design Inc.
Завершение строительства всемирно известного театра на 2800 мест, спроектированного компанией Szostak Design Inc., расположенной в Чапел-Хилл.помогла восстановить бывшую промышленную заброшенную площадку в центре Дарема. Помимо наполненного светом и просторного дизайна, Центр исполнительских искусств Дарема также отличается недостаточным бюджетом при общей стоимости проекта в 46 миллионов долларов — менее половины стоимости сопоставимых площадок.
Здание с многоуровневыми стеклянными стенами, вестибюлем с дневным освещением и видом на городской пейзаж. Две замысловатые лестницы и бело-красная цветовая палитра оживляют пространство, побуждая гостей подниматься и проходить через вестибюль.
Kleinhans Music Hall в Буффало, Нью-Йорк,
Википедия Commons
Спроектированный знаменитой финской командой отца и сына Элиэля и Ээро Сааринен вместе с архитекторами Ф. Дж. И В. А. Кидд, Kleinhans Music Hall сочетает в себе элегантную красоту конструкции с необыкновенной акустикой. Форма внешней кирпичной конструкции и главного зала напоминают корпус струнного инструмента, и Элиэль Сааринен стремился создать «архитектурную атмосферу … чтобы настроить исполнителей и публику в нужном настроении для исполнения и восприимчивости». соответственно.”
С момента своего открытия в 1940 году, этот результат был назван одним из самых идеальных залов в мире с точки зрения акустики. Он расположен в зеленом районе, а концертный зал, похожий на барабан, отражается от тихого бассейна без видимых окон и входов. Это мирный и изящный взгляд на театральный дизайн.
Симфонический центр Шермерхорна в Нэшвилле, Теннесси,
Интерьер Симфонического центра Шермерхорн в Нэшвилле. Предоставлено Нэшвиллским симфоническим оркестром
Нашвилл может быть известен во всем мире своей музыкой в стиле кантри, но этот концертный зал в неоклассическом стиле доказывает, что столица Теннесси также может похвастаться процветающей сценой классической музыки. В этом месте, расположенном в районе Собро в центре города Нэшвилл, проводится широкий спектр музыкальных мероприятий и проводится Нэшвиллский симфонический оркестр.
Зал на 1800 мест, открытый в 2006 году, является одним из немногих, где естественный свет проникает через 30 звуконепроницаемых окон.Дизайн может быть похож на концертные залы 19 века в Европе, но технология совсем не устарела: продвинутая система подвижных баннеров и панелей может регулировать акустику в соответствии с различными музыкальными жанрами и звуками. В концертном зале также есть трансформируемая система сидений.
Концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе, Калифорния,
Концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе, где находится филармонический оркестр Лос-Анджелеса, спроектирован Фрэнком Гери. f11photo / Shutterstock
Концертный зал Уолта Диснея, где находится филармония Лос-Анджелеса, представляет классическую музыку, современную музыку и джаз любителям культуры из Лос-Анджелеса и других стран.
Уникальное здание было спроектировано Фрэнком Гери в виде серии волнистых кривых из нержавеющей стали, символизирующих музыкальное движение и движение Лос-Анджелеса. Внутри возвышающийся концертный зал без колонн оформлен в теплых тонах, его акустика на высшем уровне, а на одной стене находится замысловатый орган, сделанный из букета из 6 134 изогнутых труб.
Чтобы узнать больше о Концертном зале Уолта Диснея, отправляйтесь в Curbed Los Angeles.
Военный мемориальный оперный театр в Сан-Франциско, Калифорния,
Внешний вид Военного мемориального оперного театра в Сан-Франциско. Через Военный мемориал и Центр исполнительских искусств Сан-Франциско
Военный мемориал и Центр исполнительских искусств Сан-Франциско — это огромный комплекс с общей вместимостью почти 7000 мест.Но нашим любимым зданием остается Военно-мемориальный оперный театр.
Спроектированный Артуром Брауном-младшим — тем же архитектором, что спроектировал ратушу Сан-Франциско — Оперный театр военного мемориала был одним из последних построек изящного искусства, построенных в США, когда он открылся в 1932 году. Грандиозные колонны, декоративные детали и главное лобби с высокими потолками высотой 38 футов служит одновременно памятником тем, кто служил в Первой мировой войне, и подходящим домом для Оперы Сан-Франциско.
Яйцо в Олбани, Нью-Йорк,
Ночной вид на Яйцо в Олбани, Нью-Йорк. Феликс Липов / Shutterstock
Неудивительно, что это заведение в Олбани называется именно так: похожее на скульптуру здание выглядит как яйцо на пьедестале. Но архитектура Egg сложнее, чем может показаться. Разработанный в середине века нью-йоркской фирмой Harrison & Abramovitz в рамках проекта Empire State Plaza, Egg строился за 12 лет и открылся в 1978 году с двумя театрами.
Хотя кажется, что яйцо стоит на основании, стебель, удерживающий овал, на самом деле укоренен на шести этажах в земле.Изогнутые линии экстерьера продолжаются внутри, а в конструкции отсутствуют прямые линии или резкие углы.
Вместо этого внутренние стены изгибаются вверх, чтобы встретиться с вогнутыми потолками, а задняя часть площадок для выступлений обдувается веером для создания более интимной и уютной атмосферы. Эти уникальные особенности сделали яйцо важной частью истории архитектуры Нью-Йорка.
Театр Saenger в Новом Орлеане, штат Луизиана,
Интерьер театра Сенгера в Новом Орлеане. Предоставлено Театром Сенгера
Построенный в 1929 году за внушительные 2,5 миллиона долларов, Театр Сенгера в период своего расцвета описывался как «акр мест в саду флорентийского великолепия». Тщательно продуманный декор напоминает итальянскую виллу и внутренний двор 15-го века, а самой яркой особенностью театра является голубой куполообразный потолок в форме неба с мерцающими звездами.
Согласно веб-сайту Saenger Theater, ураган Катрина разрушил театр в 2005 году, но проект восстановления стоимостью 53 миллиона долларов восстановил здание до его былой славы, что позволило открыть его снова в 2013 году.Сегодня в театре проходят бродвейские шоу, концерты комиков и другие мероприятия.
Театр Калиты Хамфрис в Далласе, Техас,
Театр Калиты Хамфрис, спроектированный Фрэнком Ллойдом Райтом. Elle Studios
Театр Калиты Хамфрис — одно из последних зданий знаменитого американского архитектора Фрэнка Ллойда Райта и один из немногих уцелевших театров. Он представляет собой потрясающее дополнение к архитектуре Далласа, штат Техас.
В здании есть круглый сценический барабан, который возвышается над основной структурой и является примером органической философии Райта. Изогнутые стены доминируют в дизайне, а сама сцена находится на поворотном столе, что позволяет создавать несколько сцен и декораций одновременно.
Хотите узнать о других зданиях Райта? Здесь мы нанесли на карту 40 его самых важных построек.
Театр в Эйсе в Лос-Анджелесе, Калифорния,
Театр Эйса в Лос-Анджелесе, ранее Объединенный театр художников. Фото Элизабет Дэниэлс через Curbed LA
Первый открытый в конце 1927 года театр United Artists в центре Лос-Анджелеса был спроектирован известным театральным архитектором К. Ховардом Крейном по заказу United Artists, центра киноиндустрии, основанного Мэри Пикфорд, Дугласом Фэрбенксом, Чарли Чаплином и Д.У. Гриффит.
Превосходное здание в испанском готическом стиле, которое с 1989 по 2009 год служило штаб-квартирой церкви, теперь является частью отеля Ace, но все еще доступно для проведения концертов, премьер, частных показов и представлений.
Это хорошо, потому что мы не хотели бы упустить из виду богато украшенные сводчатые потолки театра, замысловатую металлическую конструкцию, расписные фрески и массивный купол над центром зала, покрытый тысячами зеркальных дисков и хрустальных подвесок.
Чтобы узнать больше о Theatre at Ace, отправляйтесь в Curbed Los Angeles.
Театр писателей в Чикаго, штат Иллинойс,
Театр писателей, спроектированный бандой Studio, в Иллинойсе. Фото Стива Холла и любезно предоставлено Studio Gang
Расположенное в Чикаго, поселке Гленко на северном берегу, это новое здание для признанного на национальном уровне театра писателей открылось в 2016 году с целью расширения присутствия заведения и привлечения новых посетителей.
Здание, спроектированное Studio Gang, включает в себя два новых пространства для выступлений в виде главной сцены на 250 мест и небольшого помещения «черного ящика», которое может быть сконфигурировано для размещения от 50 до 99 посетителей.Самым интересным элементом сооружения является приподнятая лоджия, окруженная деревянной решеткой, в которой находится просторный и многоцелевой вестибюль.
Чтобы узнать больше о Writers Theater, отправляйтесь в Curbed Chicago.
Королевский театр в Бруклине, Нью-Йорк,
Интерьер недавно отреставрированного Королевского театра в Бруклине. Фотография Макса Туи через Curbed NY
Самый большой театр в Бруклине недавно подвергся реставрации за 94 миллиона долларов после четырех десятилетий упадка, в результате которого заброшенное здание опустело.Построенный в 1929 году, театр Loew’s King был иконой своего времени, зрелищем, созданным для кино и живых выступлений.
Но с появлением мультиплексов в 1970-х годах одноэкранные «Короли» не могли конкурировать. Он был вынужден закрыть из-за низкой посещаемости, высоких затрат на обслуживание и упадка окрестностей.
Теперь театр вернулся и стал лучше, чем когда-либо, с оригинальной штукатуркой и картинами, старинным ковром и сиденьями, историческими осветительными приборами и всеми лучшими новейшими технологиями.
Отправляйтесь в Curbed NY, чтобы узнать больше.
Фишер-центр в Аннандейл-он-Гудзон, Нью-Йорк,
Здание исполнительского искусства в Бард-колледже было спроектировано Фрэнком Гери, и на его строительство ушло три года. Нэнси Кеннеди / Shutterstock
Расположенный в Бард-колледже в Нью-Йорке, Центр исполнительских искусств Ричарда Б. Фишера стоимостью 62 миллиона долларов был спроектирован Фрэнком Гери и открылся в 2003 году. В общей сложности здание занимает 107 000 квадратных футов и построено из шпона ели, бетона и нержавеющей стали. -стальная черепица, покрывающая крышу, и более 1000 тонн обычной и гнутой стали.
Самая яркая особенность здания — его фасадный фасад. По словам Гери, дизайн представляет собой «театральную маску, которая закрывает необработанное лицо пространства представления» и подготавливает посетителя к представлениям, которые происходят внутри.
Музыкальная академия в Филадельфии, штат Пенсильвания,
Вход в Музыкальную академию на проспекте Искусств в Филадельфии. Фернандо Гарсия Эстебан / Shutterstock
Музыкальной академии, которой уже более 150 лет, принадлежит Ассоциация оркестров Филадельфии, она известна как «Великая старушка с Саранчовой улицы».”Впервые открывшееся в 1857 году здание было построено по образцу миланского театра Ла Скала и является старейшим постоянно действующим концертным залом в Соединенных Штатах.
Построенная в римско-коринфском стиле по проекту архитектора Наполеона ЛеБруна, Музыкальная академия недавно подверглась обширным работам по восстановлению театра в его первоначальном виде. Теперь большие фрески, золотые украшения и стеклянные люстры сияют так же ярко, как и в 1860-х годах. Снаружи здание из кирпича и коричневого камня свидетельствует о богатой истории Филадельфии.
Kresge Auditorium в Кембридже, Массачусетс,
Kresge Auditorium находится на территории кампуса Массачусетского технологического института и был построен в 1955 году. Shutterstock
Несмотря на то, что его стремительные линии похожи на некоторые из современных зданий, Kresge Auditorium в Массачусетском технологическом институте восходит к 1955 году. Он был спроектирован финско-американским архитектором Ээро Саариненом и был приведен в качестве примера оптимистичного духа времени в послевоенной Америке.
Сааринен, который также проектировал терминал TWA и арку ворот Сент-Луиса, использовал свой скульптурный фон для создания зрительного зала, одного из первых крупномасштабных бетонных зданий с тонкой оболочкой в Соединенных Штатах.
Усеченный купол немного похож на лист, а здание хвалили как за его элегантность, так и за прозрачные окна во всю высоту с обеих сторон. Внутри нет плохих сидений благодаря отсутствию внутренних опор для сводчатого купола. Сегодня в зале проходят спектакли, мероприятия и другие мероприятия Массачусетского технологического института.
Центр Нового Мира в Майами, Флорида,
Зал для представлений в Центре Нового Света в Майами, спроектированный архитектором Фрэнком Гери и акустиком Ясухисой Тойота, открылся в 2011 году. Предоставлено Центром Нового Света
Дом Симфонии Нового Света — оркестровая академия под художественным руководством ее соучредителя и удостоенного премии Грэмми дирижера Майкла Тилсона Томаса — Центр Нового Света в Майами представляет собой выдающееся архитектурное сооружение в самом сердце Саут-Бич.
Еще одна жемчужина, спроектированная Фрэнком Гери, концертный зал, открытый в 2011 году, чтобы разрушить барьеры между артистами и публикой. Как пишет New York Times , New World Center стремится «вдохнуть новую жизнь в вид искусства, который часто воспринимается как душный и старомодный».
Таким образом, довольно приглушенный экстерьер (по крайней мере, по стандартам Гери) уступает место потрясающему концертному залу на 756 мест, где Гери спроектировал большие акустически отражающие «паруса», которые окружают аудиторию и служат в качестве поверхностей для видеопроекции.В концертном зале также есть пространство площадью 2,5 акра, на котором проводятся мероприятия для публики.
Театр Орфей в Фениксе, Аризона,
Фрески в Театре Орфей в Фениксе. История театра Via Phoenix
Расположенный в центре города Феникс, театр Орфей на 1364 места был построен в 1929 году и претерпел несколько воплощений под разными владельцами.
Необычное здание в стиле испанского барокко украшено огромными детализированными фресками, которые призваны создать у посетителей впечатление, будто они наслаждаются представлениями на свежем воздухе.В настоящее время здание представляет собой эклектичное сочетание театра, живой музыки, танцев и комедии и было вновь открыто в 1997 году после обширной реставрации за 14 миллионов долларов.
Центр исполнительских искусств Вагнера Ноэля в Мидленде, штат Техас,
Внешний вид Центра исполнительских искусств Вагнера Ноэля в Техасе. Викикоммонс
Расположенный между Мидлендом и Одессой, штат Техас, Центр исполнительских искусств Вагнера Ноэля был спроектирован Bora Architects и построен в 2011 году.
Принадлежащее Техасскому университету здание отличается архитектурой, вдохновленной геологией Пермского бассейна, нефтедобывающего региона Техаса. Он выделяется среди пустынных ландшафтов и включает в себя современный главный концертный зал на 1800 мест и концертный зал на 200 мест.
Театр Alex в Глендейле, Калифорния,
Храм всего ар-деко, театр Глендейла на 1413 мест, построенный в 1925 году, первоначально принимал водевильские представления, немые фильмы и местные спектакли.Он работал до 1980-х годов, когда Alex был вынужден закрыться после нескольких лет упадка. Агентство реконструкции Глендейла приобрело театр в 1992 году и потратило 6,2 миллиона долларов на восстановление его былого великолепия.
Знаменитая архитектура с ее египетско-греко-американским подтекстом была сохранена. Сегодня театр также является домом для Молодежного оркестра Глендейла и Камерного оркестра Лос-Анджелеса.
Arena Stage в Вашингтоне, округ Колумбия,
Вашингтон, Д.C.’s Arena Stage, спроектированная Bing Thom Architects. Via Bing Thom Architects
Разработанная Bing Thom Architects и завершенная в 2010 году, заново изобретенная в округе Колумбия Arena Stage увеличила размер здания вдвое, а также усовершенствовала технологии и удобства театра. Внутри архитекторы отреставрировали два существующих исторических театра, в том числе оригинальный театр вокруг, и добавили новый экспериментальный театр на 200 мест в форме овала.
Снаружи драматическая покатая крыша и стеклянная конструкция возвышаются над тремя театрами и предлагают вид на соседний канал Вашингтон и памятник Вашингтону.
Расстроены тем, что ваш любимый театр, концертный зал, оперный театр или центр исполнительских искусств не попал в список? Мы знаем, что есть еще много достойных кандидатов. Дайте нам знать, какие ich здания мы пропустили, и почему они вам нравятся, в комментариях.
15 величайших театров мира — Путеводитель Fodors
Влад Г / Shutterstock
Если «весь мир — это сцена», как знаменитый Шекспир написал, то мировые сцены — лучший способ исследовать драму, существующую в культуре.В некоторых театрах есть не только одаренные певцы, танцоры, музыканты и актеры, но и их архитектурные элементы достойны аплодисментов. Эти 15 роскошных и экстравагантных театров являются одними из самых чудесных мест в мире, где можно увидеть все, от оперы до фламенко и зажигательных ракет Rockettes.
Кэтлин Сквайрс
аншар / Shutterstock
Большой театр, Москва
ГДЕ: Москва, Россия
Крупнейшая в мире балетная труппа, основанная в 1776 году, насчитывает более 200 танцоров, чья изысканная подготовка всегда обещает великолепное исполнение.Большой в Москве, известный как дом Чайковского, также представил русскую оперу Борис Годунов . Недавняя реконструкция постройки XIX века стоимостью 700 миллионов долларов придала шестиуровневому зрительному залу особый блеск.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Москве Fodor’s
Театры Элджин и Зимний сад, Торонто
ГДЕ: Торонто, Канада
Единственный оставшийся в мире двухэтажный театр начинался с двух отдельных водевильных залов, построенных в 1913 году.Отель Elgin известен своим интерьером, отделанным листовым золотом, а декор Зимнего сада основан на шекспировском произведении «Сон в летнюю ночь» . Сегодня посетители могут посмотреть мюзиклы, концерты и фильмы или отправиться на экскурсию.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель Fodor’s Toronto Guide
Юриз / Dreamstime.com
Театр Кабуки-За Кабуки, Токио
ГДЕ: Токио, Япония
Самый культовый театр Японии, кабуки, с богато украшенными костюмами, тщательно продуманным гримом, песнями и танцами для представления продолжительностью от четырех до пяти часов.Кабуки-За, достопримечательность Токио, сохранила тот же императорский фасад, что и в 1889 году, несмотря на пять реконструкций. Те, кто не хочет брать на себя обязательства на всю ночь, могут выбрать вариант одноактного билета.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель Fodor’s Tokyo Guide
Moreno Soppelsa / Shutterstock
Ла Скала, Милан
ГДЕ: Милан, Италия
Открытый в 1778 году, это воплощение оперного театра, в котором хочется надеть черный галстук или вечернее платье.Среди гениев, украшавших сцену Ла Скала, — Верди и Мария Каллас. Также стоит посетить музей с картинами, либретто и костюмами. Доступны экскурсии.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Милану Fodor’s
тестирование / Shutterstock
Национальный центр исполнительских искусств, Пекин
ГДЕ: Пекин, Китай
Известный как «гигантское яйцо», этот гигантский яйцевид из титана и стекла может выглядеть так, как будто космический корабль приземлился в искусственном озере, но это полностью современное место для танцев, музыки и театра.Открытый в 2007 году, интерьер Национального центра включает три помещения: оперный театр, концертный зал и театр. Экскурсии для публики проводятся ежедневно.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Пекину Фодора
кречет / Shutterstock
Одеон Герода Аттика Акрополь, Афины
ГДЕ: Афины, Греция
В этом древнем одеоне, построенном в римском стиле около 160 г. н.э., ежегодно с мая по октябрь проводится Афинский фестиваль.Хотя такая поп-звезда, как Стинг, может выступать здесь среди руин, в непосредственной близости от Акрополя, трудно не представить себе классический греческий хор на сцене одного из самых атмосферных театров под открытым небом.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Афинам Fodor’s
Arturoosorno / Dreamstime.com
Palacio de Bellas Artes, Мехико
ГДЕ: Мехико, Мексика
Этот колоссальный оперный театр из белого мрамора является местом, где можно увидеть знаменитый балет Folklórico de México , а также полюбоваться фресками Диего Риверы.Открытый в 1934 году стеклянный занавес, изображающий два вулкана за пределами Мехико, столь же интересен, как и представления. Внутри также есть два музея: в одном проходят художественные выставки, а в другом — архитектура.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Мехико от Фодора
Влад Г / Shutterstock
Palau de la Música Catalana, Барселона
ГДЕ: Барселона, Испания
Фламенко, опера, госпел, оркестр — в Palau de la Música Catalana слышна вся музыка.Здание в стиле ар-нуво, построенное в 1908 году, украшено великолепным витражным куполом с великолепным разнообразием исполнителей. Стоит также взглянуть на властный орган. На территории отеля также есть несколько ресторанов и ежедневные экскурсии.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель Fodor’s Barcelona Guide
mary416 / Shutterstock
Palais Garnier Opera, Париж
ГДЕ: Париж, Франция
Эта жемчужина изящного искусства, впервые открытая в 1875 году, с позолоченным фасадом, грандиозной мраморной лестницей, фойе с колоннами и потолками Шагала — мечта архитектора.Призрак оперы, как известно, часто посещал его залы в романе Гастона Леру, а Дега рисовал здесь балерин. Узнайте все об увлекательной истории дворца Гарнье во время ежедневных экскурсий с гидом и посетите музей, чтобы увидеть увлекательные макеты декораций в постоянной галерее.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Парижу Fodor’s
Сепаво / Dreamstime.com
Radio City Music Hall, Нью-Йорк
ГДЕ: Нью-Йорк, Нью-Йорк
Самый большой закрытый театр в мире с самым большим сценическим занавесом может также претендовать на самую выдающуюся танцевальную труппу из существующих: легендарный Rockettes.Детальное рождественское шоу — большая традиция в Radio City Music Hall. Знаменитый неоновый шатер — маяк центральной части Манхэттена. Ежедневно доступны потрясающие закулисные туры.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Нью-Йорку Fodor’s
ян кранендонк / Shutterstock
Королевский Альберт-Холл, Лондон
ГДЕ: Лондон, Англия
Терракотовый фасад Королевского Альберт-холла является визитной карточкой лондонского квартала Кенсингтон.Построенный в честь любимого принца-консорта королевы Виктории Альберта и воплощения его мечты, фриз по периметру изображает «Триумф искусств и наук». Сегодня посетители могут насладиться необычным послеобеденным чайным туром или насладиться выступлениями, от концертов BBC «Променад» до певца Эрика Клэптона.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите лондонский путеводитель Fodor’s
Арапов Сергей / Shutterstock
Сиднейский оперный театр
ГДЕ: Сидней, Австралия
Трудно представить город без этой иконы, построенной всего 40 лет назад.На создание крыльев уникальной формы, напоминающей раковину Сиднейского оперного театра, потребовалось 15 лет. Внутри семь залов для мюзиклов, концертов, танцев и, конечно же, оперы. Тур за кулисами, посвященный 40-летию, освещает испытания и невзгоды его создания.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель Fodor’s Sydney Guide
гэри йим / Shutterstock
Театро Амазонас, Бразилия
ГДЕ: Манаус, Бразилия
В этом кирпичном здании в стиле прекрасной эпохи посреди тропических лесов находится филармонический оркестр Амазонки.Перед тем, как принять участие в представлении в Teatro Amazonas, полюбуйтесь облицованным керамической плиткой куполом на расстоянии. Каждое украшение раскрашено в цвета флага Бразилии: зеленый, желтый и синий. Около 200 люстр из муранского стекла привлекают внимание посетителей.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите бразильский путеводитель по Амазонке от Fodor
Анибал Трехо / Shutterstock
Teatro Colón, Буэнос-Айрес
ГДЕ: Буэнос-Айрес, Аргентина
Почти идеальная акустика привлекла в этот роскошный зал всех, от Тосканини до Паваротти.Опера, балет и концерты постоянно заполняют семиэтажный зал театра Колон в форме подковы, а галереи, украшенные мрамором, витражами и мозаикой, заслуживают прогулки отдельно. Захватывающие туры знакомят посетителей с костюмами, изготовлением париков, пейзажами и многим другим.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель Fodor’s Buenos Aires
Джерри Буган / Shutterstock
Концертный зал Уолта Диснея, Лос-Анджелес
ГДЕ: Лос-Анджелес, Калифорния
Дом филармонии Лос-Анджелеса и его главный хорал. Этот шедевр, спроектированный Фрэнком Гери, имеет все отличительные черты знаменитого архитектора: отсутствие прямых углов и волнообразный силуэт.Концертный зал Уолта Диснея, построенный из нержавеющей стали, открылся в 2003 году, и местные жители сразу же приняли его с посещаемостью выше 90% с момента открытия. Доступны туры.
ПЛАНИРУЙТЕ ПОЕЗДКУ: Посетите путеводитель по Лос-Анджелесу Fodor’s
15 самых зрелищных театров мира
Во всем мире проходят празднования 450-летия Уильяма Шекспира. У Рози Томкинс CNN есть больше.
Предоставлено Шекспировским глобусом
В знак уважения к непреходящему наследию Барда через 450 лет после его рождения, а также к театральной истории Великобритании, вот несколько сцен, которые стоит увидеть, независимо от того, идет ли пьеса или нет.
Театр Шекспира «Глобус» (Лондон )
Оригинальный театр «Глобус» был построен труппой Шекспира «Люди лорда Чемберлена» в 1599 году, но сгорел в 1613 году.
Реплика была построена в 1997 году всего в нескольких метрах. с исходного сайта, с историческими записями, используемыми в качестве руководства.
Хотя внешне она почти идентична оригиналу, новая конструкция на 857 мест имеет несколько современных особенностей, включая спринклеры на крыше и бетонную театральную яму, в отличие от усыпанной соломой конструкции 1599 года.
Точно воссозданная особенность — это крыша — у Шекспировского шара есть первая и единственная соломенная крыша, разрешенная в Лондоне после великого пожара 1666 года.
Düsseldorfer Schauspielhaus (Дюссельдорф, Германия )
История этого Немецкий театр восходит к 1818 году, когда король Пруссии Фридрих Вильгельм II подарил его жителям Дюссельдорфа.
Современный театр, который сейчас стоит на прежнем месте, был построен в конце 1960-х годов.
Его изогнутые волнистые линии напоминают театральный занавес.
Дизайн архитектора Бернхарда Пфау был выбран на конкурсе.
The Balboa: Как выглядит реконструкция стоимостью 26 миллионов долларов.
Предоставлено SanDiegoTheatres.org
Театр Бальбоа (Сан-Диего)
Театр Бальбоа был построен в 1924 году и назван в честь испанского исследователя Васко Нуньеса де Бальбоа — первого европейца, открывшего Тихий океан.
Имущество пришло в упадок, но в 2002 году началась его капитальная реставрация.
Реплика вывески театра, изображающая корабль Васко, была создана с использованием оригинальных цветов, идентифицированных по фотографиям, а трафареты были использованы для кропотливого воссоздания рисунка гобелена, который когда-то украшал стены.
«После ремонта стоимостью 26 миллионов долларов, этот элегантный театр водевиля был полностью отреставрирован с единственными в своем роде полностью действующими внутренними водопадами», — говорит Кен Штайн из Лиги исторических американских театров.
«Если бы вы могли суммировать красоту города Сан-Диего в одном дизайне, то это было бы то, что нужно».
BAM Harvey Theater (Нью-Йорк )
BAM Harvey открылся в 1904 году как место проведения шекспировских пьес, водевильных ревю и мюзиклов.
Он был преобразован в кинотеатр в 1942 году, прежде чем танцор Харви Лихтенштейн поручил архитектору Хью Харди отремонтировать интерьер, чтобы он снова мог использоваться как театр.
Сегодняшняя структура включает оригинальные колонны и окрашенные водой потолки, что придает помещению греко-римский колорит.
«Реставрация 1987 года сохранила богато украшенные детали и сохранила их исторические ассоциации, при этом восстановив сцену и убрав ее до голой кирпичной стены», — говорит профессор Арнольд Аронсон из программы театрального искусства Колумбийского университета.
«Это была одна из самых ярких реконструкций театра за последние три десятилетия».
В токийском театре Но спектакли могут длиться весь день.
Courtesy Rekishi no Tabi Photography
Национальный театр Но e (Токио)
Забудьте о цементе и гипсокартоне. Японский театр Но был построен в 1983 году из 400-летних кипарисов бишу-хиноки.
Он открыт с трех сторон, а сиденья расширяются от сцены веерообразно.
Несмотря на традиционные элементы, здесь много технологий — каждое сиденье имеет индивидуальную систему субтитров, которую можно переключить с японского на английский одним нажатием кнопки.
Но (что означает «умение» или «талант») — это форма традиционной японской музыкальной драмы, и спектакли часто длятся весь день.
Зал Ришелье (Париж )
Зал Ришелье, также известный как Французская Комеди, был построен в конце 1600-х годов.
На парадной лестнице установлены бюсты выдающихся деятелей прошлого театра — бюст французского драматурга Корнеля изрядно потрепан из-за веры в то, что прикосновение к нему принесет удачу.
«Это архетипический театр — похожая на утробу кривая из красного плюша и золота», — говорит профессор Ян Кларк из Международной федерации театральных исследований.
«Это также живой музей, в котором хранятся предметы, артефакты, картины и скульптуры, представляющие огромный интерес для истории французского театра, в том числе кабинетный актер Жан-Батист Поклен, которого снял в« Le Malade Imaginaire »всего за несколько часов до своей смерти.»
Театр Minack: будем надеяться, что дождя не будет.
Предоставлено minack.com
Minack Theatr e (Корнуолл, Великобритания)
В этом театре на краю утеса обстановка настолько потрясающая, что вы можете отвлечься.
С другой стороны, ревущие волны могут быть благословением для тех, кто забыл выключить свой телефон.
Театр был детищем покойной Ровены Кейд, которая решила разрешить ее сад будет использоваться местной театральной труппой.
В 1932 году Кейд с помощью своего садовника вытащила несколько тонн камня с пляжа внизу и создала более постоянное место, которое она открыла для публики.
Сегодня спектакли проходят с июня по сентябрь, хотя театр открыт круглый год.
Государственный театр e (Сидней)
Сиднейский государственный театр открылся в 1928 году.
Он был спроектирован австралийским архитектором Эли Уайтом, но его решение основать свой шедевр на работе американца Джона Эберсона привело к смесь стилей готики, итальянского и ар-деко.
Театр включает в себя вторую по величине люстру в мире и бесценный орган Вурлитцера и признан Национальным фондом Австралии, который классифицировал его как «здание большого исторического значения и высокого архитектурного качества, сохранение которого является считается важным для нашего наследия «.
Маргравиальный оперный театр (Байройт, Германия )
Построенный в 1745 году Маргравиальный оперный театр, внесенный в список всемирного наследия ЮНЕСКО, считается лучшим театром в стиле барокко в Европе.
Сцена имеет глубину 27 метров и была самой большой в Европе до 1871 года.
Большая часть оригинальных материалов сохранилась (в том числе огромные пространства окрашенного холста и дерева), а также оригинальные конструкции, такие как двойные лестницы, ведущие вплоть до личной ложи маркграфа Бранденбургского-Байройтского и его жены, заказавшей театр.
Эти лестницы были спроектированы таким образом, чтобы зрители внизу могли наблюдать, как пара поднимается на свои места.
Театро Амазонас: сейчас выглядит хорошо, подождите, пока вы не войдете внутрь.
Courtesy Amazonas Theater
Teatro Amazonas (Манаус, Бразилия )
Посреди тропических лесов Амазонки не может быть много театров, и Театро Амазонас, безусловно, является самым впечатляющим.
Театр был построен в конце 19 века во время резинового бума по проекту итальянского архитектора Небесного Сакардима.
Работа заняла 15 лет, во многом благодаря решению закупать материалы со всего мира: черепица пришла из Эльзаса во Франции, лестницы и колонны были сделаны из итальянского мрамора, а стальные стены были доставлены из Глазго.
Прекрасные элементы включают 198 люстр, также привезенных из Италии, и центральный купол, покрытый 36 000 керамической плиткой, окрашенной в цвета национального флага Бразилии.
Дворец Гарнье (Париж )
Дворец Гарнье был самым дорогим зданием, построенным в Париже во времена Второй Французской империи (1852-1870 гг.), И был местом действия романа Гастона Леру «Призрак оперы».
Интерьер наполнен мраморными фризами, бронзовыми бюстами и богато украшенными светильниками, самая известная из которых — шеститонная люстра.
В 1896 году один из противовесов люстры пробил потолок, убив зрителя — инцидент, который послужил вдохновением для создания сцены в знаменитой пьесе Леру.
Театр Тампа (Флорида )
Театр Тампа — работа архитектора Джона Эберсона, который также спроектировал театр Парамаунт в Остине, штат Техас.
Основные моменты включают в себя орган Wurlitzer с 900 трубками и 99 ламп, встроенных в потолок, чтобы напоминать мерцающие звезды.
Когда он был построен в 1926 году, он считался одним из самых изысканных театров в мире, а интерьер — несколько резкий взрыв цветов и сердитых горгулий — напоминает средиземноморский двор.
«Упрощенная красота Paramount Theater подтверждает, что Эберсон был гением в проектировании домов водевилей», — отмечает Кен Штайн из Лиги исторических американских театров.
«Но когда вы видите Тампу с ее сложностью и продуманным атмосферным дизайном, вы понимаете, что Эберсон также был безумным гением».
Tampa Theat re , 711 N Franklin St., Тампа, Флорида; +1 813 274 8981
На Мальте один из старейших театров Европы.
Courtesy Teatru Manoel
Teatru Manoel (Valetta, Мальта )
Teatru Manoel — один из старейших рабочих театров Европы — он был построен в 1731 году на средства от рыцарей Мальты, западного христианского военного ордена.
Он остался невредимым во время обеих мировых войн, несмотря на то, что во время второй использовался в качестве бомбоубежища, и сохранились многие оригинальные черты, в том числе красивые расписные деревянные панели и потолок, украшенный серебряными листьями.
Центр искусств Мейбл Тейнтер (Висконсин )
Если этот крохотный театр и есть что посмотреть, то больше, конечно, не значит лучше.
В этом здании посетители найдут витражи, камины, много латуни, ореха и дуба, а также орган на водяной трубе.
«Он был построен в 1889 году Харви Эллисом в память о дочери капитана и миссис Эндрю Тейнтер», — говорит Кен Штайн из Лиги исторических американских театров.
«Этот театр, похожий на шкатулку с драгоценностями, кажется, был вдохновлен детским кукольным домом».
The Elgin and Winter Garden Theater Center (Торонто )
На самом деле это два театра, поставленных друг на друга, чтобы создать единственный в мире действующий двухэтажный театр.
Театр Winter Gardens расположен на семь этажей над театром Элгин в центре Торонто.
В Elgin есть танцующие херувимы, искусно украшенные шкатулки, огромные пространства сусального золота и гипса, покрытые тонкими листами алюминия, в то время как Зимний сад имеет расписанные вручную стены и потолок, украшенный высушенными листьями бука.
Самые зрелищные театры мира.
Театры, вообще, красивые места. Большой или маленький, эстетически привлекательный или нет, у каждого есть своя история, свой характер, личность, которая часто становится такой же частью постановки, как и актеры.Но одни театры отличаются от других; в некоторые вы входите и знаете, что никогда не забудете тот момент.
Ниже мы рассмотрим несколько мест, которые, по нашему мнению, вам следует добавить в свой список желаний.
1.
Дворец Гарнье
Дворец Гарнье — оперный театр на 1979 мест, построенный с 1861 по 1875 год для Парижской оперы.
2.Большой Театр — Россия Москва
Большой театр — исторический театр в Москве, Россия, спроектированный архитектором Жозефом Бове, в котором проводятся постановки балета и оперы.
3.СТАРЫЙ МАРИИНСКИЙ ТЕАТР
Мариинский театр — исторический театр оперы и балета в Санкт-Петербурге, Россия. Открытый в 1860 году, он стал выдающимся музыкальным театром России конца 19 века, где много сцен.
4.Театр Колон, Буэнос-Айрес
Театр Колон — главный оперный театр Буэнос-Айреса, Аргентина. По мнению National Geographic, он занимает третье место среди лучших оперных театров мира, а по акустике входит в пятерку лучших концертных залов мира.
5.Михайловский театр — Россия
Михайловский театр — один из старейших театров оперы и балета России. Он был основан в 1833 году и расположен в историческом здании на площади Искусств в Санкт-Петербурге. Он назван в честь Великого князя Русского Михаила Павловича
.
6.НОВАЯ СЦЕНА МАРИИНСКОГО ТЕАТРА
Вторая сцена Мариинского театра — вторая часть театрального комплекса, состоящего из оригинального Мариинского театра 1860 года и Концертного зала Мариинского театра 2007 года. Завершилась вторая сцена, и 2 мая 2013 года состоялся праздничный концерт, посвященный открытию, с участием таких знаменитостей, как Пласидо Доминго, Рене Папе, Анна Нетребко и многих других.Концерт также отметил шестидесятилетие музыкального руководителя Валерия Гергиева.
7.
Бостонский оперный театр, США
Бостонский оперный театр был построен как памятник владельцу водевильного театра Бенджамину Франклину Киту в 1928 году.Он начал свою жизнь как кинотеатр и для живого водевиля, но в 1980 году он стал домом для Оперной труппы Бостона
8.
Концертный зал Уолта Диснея, США
Шедевр Фрэнка Гери, Концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе, был спроектирован как одно из самых акустически сложных заведений в мире, когда он был построен в 2003 году.
9.Оперный театр Гуанчжоу, Китай
Оперный театр Гуанчжоу фотографии: Вирджил Саймон Бертран
Футуристический, пышный Оперный театр Гуанчжоу на юге Китая был спроектирован Захой Хадид
10.Копенгагенский оперный театр, Дания
Фото: Адам Мерк / Henning Larsen Architects
На острове Холмен в центре датской столицы находится Копенгагенский оперный театр . Стоимость строительства в размере около 300 миллионов фунтов стерлингов — что сделало его одним из самых дорогих когда-либо построенных оперных театров — покрыла датский судоходный магнат Мэрск Мак-Кинни Мёллер
11.Гран Театро Ла Фениче, Италия
Фото: Мишель Крозера
Венецианский театр «Ла Фениче» представил мировые премьеры опер Россини, Доницетти и Верди. Название театра переводится как «Феникс», что вполне уместно, поскольку за свою 224-летнюю историю он дважды сгорел.
12.
Fox Theater, США
Фото: Christian Dionne
Театр Fox Theater , Детройт, был построен для Fox Film Corporation в 1928 году.Его дизайнер С. Ховард Крейн использовал смесь африканских и азиатских мотивов — то, что он назвал «камбоджийской готикой»
Топ-15 самых известных театров мира
Стив Коллис, через
Wikimedia Commons
Entertainment — это краеугольный камень современной культуры и представление
пьесы, оперы, а также фильмы были очень важны для общества.
По всему миру.Взглянув на разные театры, можно сказать
немного о самой культуре и ценностях, которыми они дорожат. Большинство из
театры по всему миру были богато украшены, чтобы предоставить еще больше
доверие к важности искусства. Некоторые считают, что это просто показывает нашу
готовность приобщиться к богатству, посещая шоу, которые только самые богатые могут
наслаждайтесь, но на самом деле эти дворцы созданы, чтобы прославлять искусство и
презентация формы искусства. Вот 15 самых известных театров в
мир сегодня.
15) Бостонская опера
Дом
Говоря о вычурных и экстравагантных театрах, невозможно не говорить
о Бостонском оперном театре, расположенном в Бостоне, штат Массачусетс. Он открыл свои двери в 1928 году и впервые был известен
как Мемориальный театр Б.Ф. Кейта. Назван бизнес-партнером
Кейт как дань уважения и быстро стал прекрасным местом для наслаждения такими выступлениями,
такие как: водевиль, опера и многое другое. Театр известен своими
богато украшенный потолок и оттенки золота вместе с красным, которые, кажется, исходят из каждого
угол.
Внешний вид Бостонского оперного театра
Акустика Бостонского оперного театра позволяет получить хорошее место
слышать спектакли независимо от того, где кто сидит в театре и
обзор с каждого места обеспечивает хороший вид на сцену, вы не пропустите
что-нибудь.
Бостонский оперный театр недавно прошел реконструкцию стоимостью 50 миллионов долларов.
которой театру вернули его первоначальную славу и тем, кто был
годами приходя в оперный театр, были поражены, увидев, насколько прекрасны
Бостонский оперный театр был.Это больше, чем просто прекрасное место для просмотра оперы; Это
теперь сайт, который стоит увидеть.
Сцена Бостонского оперного театра
14) Палау де ла
Msica Catalana
Palau de la Msica Catalana находится в Испании и имеет великолепное стекло.
потолок, который опускается посередине, образуя стеклянную люстру. Весь стакан
потолок окружен витиеватыми узорами, которые, кажется, расходятся наружу, а
верхние уровни разделены очень изысканным дополнением к столбцам на обоих
сбоку с изображением цветов и воинов на лошадях.Это один из
театры, внесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Внешний вид Palau de la Msica Catalana
Здание было построено на деньги города в 1905 году.
и 1908 г .; Официально он был открыт 9 февраля 1908 года. Архитектор был почти
немедленно награжден в 1909 году Городским советом Барселоны. Он был построен
в основном за счет вкладов богатой буржуазии и преднамеренно
сделано, чтобы быть богато украшенным, как праздник того образа жизни, который им нравится вести.
С 1982 по 1989 год Palau de la Msica Catalana пережил обширные
реставрации, чтобы вернуть зданию его первоначальную славу. Теперь любой, кто
посещает театр или смотрит постановку внутри него, сможет
испытать это почти так же, как и в начале 1900-х годов.
Палау де ла Мсика Каталана сцена
Хосеп Реналиас, через
Wikimedia Commons
13) Сиднейская опера
Дом
Немногие оперные театры также являются достопримечательностью страны такого же масштаба, как Сидней.
Оперный театр.Видимый как с океана, так и с мостов, он является одним из
самые знаковые оперные театры современности. Это дом для Сиднея
Симфонический оркестр, Сиднейская театральная труппа, Австралийский балет и опера
Австралия. Ежегодно здесь проводится более 1500 спектаклей.
и туристы со всего мира стекаются, чтобы увидеть национальное достояние.
Независимо от того, приехали ли вы посмотреть оперный театр в качестве туриста или вы
действительно смотрят спектакль, нельзя отрицать величие этого
место проведения.
Внешний вид Сиднейского оперного театра
Открывшись в 1973 году, он был спроектирован и построен благодаря кропотливым усилиям, чтобы обеспечить
он поднялся бы до положения одного из самых титулованных театров в
весь мир. Это было достигнуто, поскольку большинство изображений Австралии имеют
Сиднейский оперный театр находится где-то на фотографии.
Акустика и линия территории были главными при строительстве Сиднейского
Оперный театр. Внутри залов вы услышите ультрасовременный шум.
отмены и акустические творения, созданные, чтобы предоставить людям на каждом месте лучшее
место в доме.
Сцена Сиднейского оперного театра
Койка, через
Wikimedia Commons
12) Palacio de
Bellas Artes
Дворец изящных искусств также известен как Дворец изящных искусств; это находится
в Мехико, Мексика, и многие считают его одним из самых важных культурных
центры во всем Мехико. Он расположен в западной части Мехико,
который также известен как исторический раздел. Первоначальное сооружение было названо
Национальный театр Мексики, но многие не считали его достаточно грандиозным.Чтобы отпраздновать столетие войны за независимость Мексики, новое здание
был построен на его месте и назывался Palacio de Bellas Artes.
Внешний вид Palacio de Bellas Artes
Мексиканская революция помешала строительству здания в 1913 году, но
строительство возобновилось в 1932 году и было завершено в 1934 году.
здание определенно выполнено в стиле ар-деко, а экстерьер выполнен в стиле ар-нуво. Там
фрески по всей структуре для посетителей, чтобы они могли наслаждаться, пока они ждут
для начала шоу, и есть три уровня, позволяющие более 10 000
посетителей в неделю.В 1987 году Дворец изящных искусств был внесен ЮНЕСКО в список памятников архитектуры.
художественный памятник.
11) Одеон Герода
Atticus
Если вы ищете театр, уходящий корнями в историю искусства
затем загляните в Одеон Герода Аттика. Он расположен в Афинах, Греции и
является одним из оригинальных мест для спектаклей, а также исполнительского искусства всех
виды. Театр был построен в 161 году н.э., и раньше здесь была крыша.
на структуре, но это было разрушено в 267 году; это не остановило грека
культура от наслаждения театром в течение следующего тысячелетия.Театр имел
реставрационные работы выполнены в 1950 году, но не реконструировали крышу, потому что она была
принято как прекрасное место без крыши.
Одеон Герода Аттика
Театр был построен на 5000 зрителей и до сих пор используется в
современное время, чтобы ставить пьесы, а также балеты среди других мероприятий; даже
Здесь же на сцене проходил конкурс «Мисс Вселенная 1973 года». Художник, как Элтон
Джон, выступали там, и его посетили некоторые из самых
известные люди во всей истории.Строительство театра в то время велось.
инновационные и использованные кресла в стиле амфитеатра, которые позволили каждому
хороший вид на сцену без необходимости сидеть слишком далеко.
10) Роял Альберт
Зал
Королевский Альберт-холл в Лондоне, Великобритания, был построен для видения принца Альберта.
имел центральный зал, наполненный музыкой и искусством. Он был построен и имеет
использовался постоянно с 1871 года. Правительство не финансирует зал, и он
зарегистрированной благотворительной организации, которая полностью самодостаточна деньгами, которые она
делает из различных мероприятий, а также из представлений в течение года.
Внешний вид Королевского Альберт-Холла
Королевский Альберт-холл — это здание I степени, которое идеально подходит для награждения.
церемонии, научные беседы, общественные собрания, выставки и концерты.
Он расположен в поместье Южный Кенсингтон, в непосредственной близости от музеев, а также
а также другие места обучения.
Зал оформлен как внутри, так и снаружи, как королевское здание, потому что он
был построен с королевской целью. Государство помогло построить его, но
с тех пор он может поддерживать себя посредством мероприятий и концертов.
которые проводятся здесь круглый год.Это также туристическое направление, поэтому
зарабатывает деньги, предлагая экскурсии по объекту за плату.
Сцена Королевского Альберт-Холла
Юичи, через
Wikimedia Commons
9) Театро Амазонас
Театро Амазонас, также известный как Театр Амазонки, находится в Бразилии. Три
этажного здания открылось 31 декабря 1896 г. и состоялось первое выступление в г.
7 января 1897 года. Здание в стиле ренессанс было характерно для
период, в который он был построен, и сама кровля покрыта черепицей из Эльзаса,
Франция.Италия ответственна за найденные колонны, статуи и лестницы
по всему объекту; сам купол был создан с использованием 36000 украшенных
керамическая плитка для формирования флага Бразилии.
Внешний вид театра Амазонас
От LecomteB, через
Wikimedia Commons
Театр Амазонас использовался в качестве оперного театра прежде всего потому, что это был его
по назначению, но также известно, что здесь размещалась филармония Амазонки.
Оркестр. Музыкальные концерты, хоры и многое другое выступали там, потому что
акустика достаточно хороша, чтобы обеспечить нужный звук для всех в
жилой дом.
В популярных
культура, и это было недавно упомянуто в State of Wonder Энн Патчетт.
Романы — основное место, где появляется оперный театр, но он появился в
фильмы, такие как Фитцкарральдо Вернера Херцога. Фильм снят в 1982 году и является одним из
герои направлялись в оперный театр, чтобы послушать Вивальдиса Эрнани.
Театр Амазонас сцена
Radio City Music
Hall
Среди мест, которые люди могут увидеть, находясь в Нью-Йорке, Нью-Йорк — это
Radio City Music Hall; Это настолько популярное место среди местных жителей и туристов, что в 1978 году оно было внесено в список городских достопримечательностей.Прозвище для музыки
холл является выставочным центром нации, и он по-прежнему входит в число лучших мест
для туристов, чтобы путешествовать, находясь в городе, даже если это уже не
ведущее туристическое направление.
Внешний вид мюзик-холла Radio City
Radio City Music Hall сначала был назван Международным мюзик-холлом, а позже
получил свое название потому, что Radio Corporation of America была среди первых
арендаторы здания; они дали свое имя зданию после того, как надели
внутри много радиопрограмм.
Radio City Music Hall в настоящее время принадлежит Мэдисон Сквер Гарден.
Компания и место проведения крупных мероприятий, таких как: Драфт НФЛ, Тони
Награды, MTV Video Music Awards и Grammy Awards. Он был закрыт на некоторое время
но вновь открылся в 1980 году благодаря тираде Джона Белуши.
Radio City Music Hall сцена
Автор flickr4jazz, через
Wikimedia Commons
7) Дворец Гарнье
Дворец Гарнье в Париже, Франция, также известен как Дворец Гарнье, и это опера.
дом 1875 года постройки.Стиль здания в основном второй ампир.
но присутствие Beaux Arts тоже присутствует повсюду. Он предназначен для переноски
акустика без необходимости усиления звука и сиденье 1979 г.
оперный театр был самым большим местом для всех, кто хотел посмотреть оперу в
Париж в то время, когда он был построен, пока Опера Бастилии не была
построен.
Внешний вид дворца Гарнье
Эрик Пухье, через
Wikimedia Commons
Сегодня оперу во Дворце Гарнье обычно не смотрят, потому что балет — это
событие выбора в этом учреждении большую часть времени.Золотые фигуры на любом
сторона конструкции приветствует вас по прибытии, а каменный фасад заставляет вас чувствовать
приветствуется в характерном парижском стиле строительства.
Чтобы правильно использовать объект, Дворец Гарнье используется для размещения
Библиотека и музей Парижской оперы. Есть экскурсии по Дворцу Гарнье, которые проходят
в течение года и попав в музей, вы воспользуетесь преимуществами
объект, которым управляет Национальная блиблиотека Франции. Ты тоже
Добро пожаловать на экскурсию по музею без сопровождения, если хотите.
Сцена Пале Гарнье
Автор: scarletgreen, via
Wikimedia Commons
6) Театро Солис
Театро Солис, или Театр Солис, является старейшим театром в Уругвае и был построен.
в 1856 году он принадлежит правительству Монтевидео. В
правительство потратило 110 000 долларов на покупку двух колонн, разработанных Филиппом Старком.
из Соединенных Штатов Америки в рамках капитального ремонта и
проект реконструкции, призванный сделать театр более привлекательным для
общественность.
Внешний вид театра Солис
Неизвестно, через
Wikimedia Commons
Театр Солис в настоящее время ставит оперу, балет и концерты для
паблик по цене. Он был закрыт с 1998 по 2004 год для обновления внешнего вида.
помещения и акустика были улучшены с помощью Джерома Фалала из
Французская студия AVEL ACOUSTIQUE гарантирует, что каждое выступление будет достойным
получили.
Театр Солис был домом первой уругвайской национальной оперы.
это произошло 14 сентября 1878 г .; Спектакль был Томас Гирибалдис
«La Parisina», и публика обожала ее.Он задал тон другим событиям
это последует в ближайшие годы, и с тех пор он был провозглашен великим
место, чтобы испытать оперу.
Сцена Театро Солис
Маркос Мендизбал, через
Wikimedia Commons
5) Les Celestins
Театр де Лион
Театр де Лион также называют Les Celestins, и это центральное место для
искусство в Лионе, Франция.Это оперный театр, в который большинство обратится, когда они
ищет отличное представление и может вместить более 1030 человек.
Галерея в форме подковы разделена на несколько уровней, чтобы гарантировать, что даже
тем, кому приходится сидеть далеко от сцены, все равно будет хорошее место, а
акустика также создана, чтобы гарантировать, что звук будет распространяться на самые дальние расстояния.
строка.
Вся конструкция отделана красным и золотым внутри и
представляет все поверхности с роскошным, почти царственным характером; в
снаружи здания немного более аскетично со статуями, установленными в
портики.
Les Celestins — это место для тех, кто хочет смотреть успешные фильмы.
оперные спектакли, концерты, спектакли и другие драматические постановки всех
видов более двух веков.
Внешний вид Les Celestins
4) Театр Чикаго
Есть несколько музыкальных площадок, которые настолько популярны, что в них можно посмотреть целые мюзиклы.
написано после них, и это то, что вы найдете в Чикагском театре. Этот
сцена, созданная для показа музыкальных концертов, выступлений, комедий, волшебных шоу,
театральные постановки и многое другое было в списке достопримечательностей города Чикаго,
Иллинойс с 1921 года.Первоначально он был создан как флагманский театр Балабана и Каца.
группа, которая представляла собой организацию, состоящую из двух братьев и их
партнер, который руководил театрами по всему городу.
Внешний вид Чикагского театра
Даниэль Швен, через
Wikimedia Commons
Чикагский театр был добавлен в Национальный реестр исторических мест в июне.
6 августа 1979 года Чикаго решил добавить его в качестве ориентира для города, а также в
28 января 1983 г.Хотя шатер не предназначался для этого, он
стать неофициальной эмблемой города. Ведь не часто видишь
название города красуется на стороне здания. Сам знак был
изображены на многочисленных открытках, фотографиях и произведениях искусства, чтобы обозначить, что
События происходят в Чикаго.
Сцена театра Чикаго
3) TCL китайский
Театр
Китайский театр TCL — один из самых знаковых кинотеатров в США.
Штаты, и это место, где проходят большинство премьерных мероприятий
новейшие фильмы.Лимузины выстраиваются в очередь за пределами кинотеатра, поэтому все участники
в проекте и желающие посмотреть фильм получают шанс увидеть
это раньше всех.
Внешний вид китайского театра TCL
Театр оформлен в декадентском стиле и изначально создавался как театр Маннов.
Китайский театр позже стал Китайским театром Граумана. Теперь есть
называется Китайский театр TCL, потому что он был куплен корпорацией TCL.
Он расположен на Голливудской аллее славы в Голливуде, штат Калифорния, и является одним из
множество остановок, которые туристы должны увидеть, находясь в этом районе.
Кинотеатр имеет великолепный вход, который выглядит как фасад
Китайская пагода со статуями и массивной фреской с драконом; Там есть
ничего похожего на этот кинотеатр. Хотя это один из старейших театров в
области, он недавно прошел преобразование IMAX, чтобы показывать еще больше фильмов. Это
объявлен исторической достопримечательностью и является одним из немногих мест, достаточно больших, чтобы
принимайте Оскар, а также другие церемонии награждения.
TCL Сцена китайского театра
Бобак Ха’Эри, через
Wikimedia Commons
2) Элгин и Винтер
Garden Theater Center
Нет ничего лучше Театрального центра Элгина и Зимнего сада в
Торонто, потому что с того момента, как вы приходите в театр, вы чувствуете себя так, как будто
вы трансформируетесь не только во время, но и в другое место.Освещенный
фасад здания прекрасно освещает кассу, которая в большинстве театров
больше нет, и это идеальный способ увидеть богато украшенный фасад
двери здания.
Внешний вид Театрального центра «Эглин» и «Зимний сад»
Автор Huguette Dion, via
Wikimedia Commons
Когда вы войдете в Театральный центр Элгина и Зимнего сада, вы увидите
снова сдулся. Произведение искусства — это что-то другое, но это зеленый потолок, который
действительно привлечет ваше внимание и заставит почувствовать себя в джунглях
вместо того, чтобы сидеть на удобном сиденье и ждать начала представления.Это
один из театров, который каждый должен попробовать хотя бы раз в своем
жизнь, чтобы увидеть, насколько она прекрасна.
В то время как Театральный центр Элгина и Зимнего сада создавался для оперы как
а также балетные постановки — это еще не все, для чего он используется. Театр может быть
сдаётся в аренду для корпоративных встреч и различных мероприятий.
Центральная сцена театра Эглин и Зимний сад
Антон Белоусов, через
Wikimedia Commons
1) Театр Минак
Те, кто никогда не был в театре Минак в Корнуолле, Великобритания, не знают
во что они идут; они могут подумать, что идут в любой другой театр
но они могут чувствовать
как будто они были перенесены во времена Римской империи.Просто глядя на название
театр может дать вам лучшее представление о том, чего ожидать, поскольку minack
означает каменистое место в Корнуолле. Сама территория представляла собой идеальное акустическое образование.
до 1930-х годов этим наслаждались только чайки.
Театр Минак
Который повернулся червем,
через Wikimedia Commons
С 1931 по 1983 год Театр Минак был местом, где Ровена Кейд снимала
отметка в мире. Театр был высечен прямо в камне, пытаясь
сохранить как можно больше естественного камня.Видя, как
формирование уже было акустически исправным, не нужно было ничего делать, кроме
построить сидения. Сцена была не чем иным, как плоской поверхностью, на которой
актеры могли собираться перед толпой, но их могли видеть и слышать
каждый член аудитории. Количество мест ограничено, но это не беспокоит
толпы, которые в полной мере наслаждаются пространством.
Заключительные слова
Как видите, на всей территории есть много отличных театров, которые стоит посетить.
Мир.Хотите ли вы увидеть одно из главных выступлений на TCL?
Китайский театр или вы хотите насладиться гораздо меньшим залом Минак
Театр, вы можете наслаждаться всем этим. Если вы потратите время на путешествие по миру, вы сможете
посмотреть, что там есть. Также исследуйте прямо в своем городе, чтобы узнать о
некоторые из менее известных мест, которые все еще производят очень занимательное искусство.
Наслаждайтесь самим зданием или его акустическими свойствами, чтобы улучшить ваше
опыт, и вы будете рады, что сделали.
Адреса
Лучшие списки:
15 удивительных рукотворных островов
Топ 15 удивительной готической архитектуры во всем мире
Топ 15 интересных фактов о Ниагарском водопаде
Топ 15 увлекательных фактов о Великой Китайской стене
Топ 15 самых красивых горных хребтов в мире и как ими пользоваться
Топ 15 знаменитых замков, дворцов и башен
Топ 15 лучших зоопарков мира
Топ 10 самых холодных мест в мире
Топ 15 самых красивых городов мира
15 увлекательных фактов об Эйфелевой башне
Топ 10 лучших музеев мира
Топ 15 самых известных театров в мире
Топ 15 крупнейших соборов в мире
Топ 15 знаменитых дворцов в мире
Топ 15 крупнейших библиотек в мире
15 уникальных и красивых туристических достопримечательностей, созданных по ошибке
Топ 15 лучших шоколадных направлений в мире
Топ 15 городов с лучшей кухней для гурманов
15 удивительных статуй, неизвестных миру
Топ 10 природных чудес света
Топ 10 ночных жизнь Города мира
.
| Разделы сайта: | Содержание Для начала обратимся к самому простому в графике Пушкина – иллюстрациям. Достаточно большое количество пушкинских рисунков в рукописях являются автоиллюстрациями или носят иллюстрированный характер. Они появляются и в черновиках, и в перебеленных текстах, могут быть размещены по тексту или на отдельных незаполненных листах. Иллюстрировал Пушкин свои произведения на протяжении всего своего творческого пути, но расцветом иллюстрации считается болдинский период, в большинстве случаев «иллюстративность» пушкинских рисунков определить нетрудно, особенно если это жанровые сценки или детали, предметы, на которые указывает литературный контекст. Во многих случаях мы так и не сумеем определить кто же изображен: герой литературного произведения, его реальный прототип или это вообще собирательный образ. Мария, бедная Мария, Краса черкасских дочерей! Не знаешь ты какого змия Ласкаешь на груди своей. (II,100). Это – выражение образа, но в его первичном значении. Не раз встречаются на полях «Полтавы» пирамидальные тополя (рис.20). Они уже ближе к образам поэзии, давая графическую параллельность стихам: Тиха украинская ночь. Прозрачно небо. Звезды блещут. Своей дремоты превозмочь Не хочет воздух. Чуть трепещут Серебристых тополей листы. (II,105). Как уже было замечено С.М. Бонди, Пушкин словно бы проверял своими рисунками точность своего выражения.48 Есть у Пушкина наброски, ближе других стоящие к понятию «иллюстрации». Такая иллюстрация появится в двадцатые годы, а по-настоящему разовьется только десятилетие спустя.  К ним можно отнести рисунки выполненные в перебеленной рукописи «Кавказского пленника». Среди них композиция: вооруженный черкес на фоне Бештау (рис.21). на ближней из трех гор дозор: фигура черкеса в бурке. Рисунки иллюстрируют стихи:И видит неприступных гор Над ним воздвигнулась громада, Гнездо разбойничьих племен, Черкесской вольности ограда. (II, 5). На другом листе, на полях стихов Луною чуть озарена, С улыбкой жалости отрадной, Колено преклонив, она К его устам кумыс прохладный Подносит тихою рукой (II, 7).- рисунок: девушка с распущенными волосами опустилась на одно колено, в руках у нее сосуд (рис.29). В конце первой части сначала четверостишие: Стрела выходит из колчана – Взвилась и падает казак С окровавленного кургана (II,11), и лишь потом Пушкин стал работать над предшествующими этому строками: О чем ты думаешь казак? Вспоминаешь прежни битвы…(II,11) Между этими двумя группами стихов Пушкин провел разграничительную черту и поверх нее нарисовал два профиля: русского и черкеса (рис.  23). здесь Пушкину превосходно передать черты двух разных национальных типов. После второго четверостишия Пушкин поставил обычную концовку – спираль и нарисовал сторожевого казака на кургане и подплывающую корягу. Это рисунок любопытен тем, как сам Пушкин толкует строки: «К берегам причалил тайный враг…» и т.д. Он изобразил ветвистую корягу, подплывающую к берегу, и меж ее сучьев – лук и колчан. Можно предположить, что их держит невидимый прильнувший к стволу черкес. По всей вероятности Пушкин, мысленно представив отрывки и прочтя их, как надлежало, скрепил зарисовкой будущее правильное расположение строк. Обе зарисовки являются зрительным воспроизведением текста, его графическим толкованием.Вот еще рисунок в начале рукописи «Цыган» (рис.24), расположенный внизу страницы, после черновых набросков стихов: Все живо посреди степей: Заботы мирные семей, Готовых с утром в путь недальний, И песни жен, и крик детей, И звон походной наковальни. Но вот на табор кочевой Находит сонное молчанье, И слышно в тишине степной Лишь лай собак да коней ржанье.  Огни везде погашены, Спокойно все, луна сияет Одна с небесной вышины И тихий табор озаряет. В шатре одном старик не спит; Он перед углями сидит, Согретый их последним жаром, И в поле дальнее глядит, Ночным подернутое паром. (II, 62). Следующие за этим строчки перечеркнуты, а после дано изображение: медведя в ошейнике и двух шатров. В одном из них женщина кормит младенца грудью. Между шатрами – набросок медведя. Этот рисунок ,надо полагать, рожден во время написания поэмы. К плечу головушка склонилась. Сорочка легкая спустилась С ее прелестного плеча…(II,238) Сделан рисунок после окончания строфы.  Как уже упоминалось, это вариант рисунка, сделанного страницей раньше; там Татьяна стоит, в полуспущенной с одного плеча сорочке, подперев левой рукой склоненную голову; здесь она сидит на постели, обозначенной рисунком спинки с шаром и откинутым покрывалом; при этом вся фигура склонена не вправо, как в первом наброске, а влево, т.е. с опорой на правую руку, обнаженным левым плечом. «В позе Татьяны – по мнению Петропавловской, — передана не только усталость. Рисунок воссоздает силу чувства, целиком захватившего Татьяну, непосредственность, цельность ее натуры. Мы понимаем, глядя на рисунок, что Татьяна пишет не просто письмо, а письмо, «где сердце горит, где все наружу, все по воле»»50 .Есть в пушкинской графике, пожалуй, единственный образец, так сказать официальной иллюстрации – это автоиллюстрация 1-ой главы XXLVIII строфы «Евгения Онегина», в которой Пушкин не только зрительно пояснил свое произведение (это мы встречали раньше и будем еще встречать в более позднюю болдинскою пору), но и давал художнику обязательную схему для «картинки» к «Евгению Онегину» (рис.  С душою полной сожалений, И опершися на гранит, — Стоял задумчиво Евгений, Как описал себя пиит.  Все было тихо; лишь ночные Перекликались часовые, Да лрожек отдаленный стук С Мильонной раздавался вдруг; Лишь лодка, веслами махая, Плыла по дремлющей реке: И нас пленяли вдалеке Рожок и песня удалая… Но слаще, средь ночных забав, Напев Торкватовых октав! (II,203). Но почему Пушкин так хотел воспроизвести эту «картинку»? ответ на этот вопрос можно найти у известного исследователя творчества Пушкина И.Л. Фейнберга : «… это был способ – очень наглядный – отделить себя в глазах читателя от своего героя, оставаясь близким к нему: «Онегин – добрый мой приятель…»».53 Пушкин заботился о том, чтобы читатель не ставил знака равенства между ним и Евгением Онегиным, так как читатель еще не привык к реалистическому методу изображения действительности и, по романтической традиции, все еще отождествлял автора с героем.  И. Гейтмана с оригинала А.В. Нотбека, в основу которой был положен проект пушкинской иллюстрации (см.№28). Указания Пушкина были выполнены более точно, чем сделал это он сам (например, парусная лодка заменена лодкой с веслами). Но «картинка» автора «Евгения Онегина» не удовлетворила и как следствие этого появилась эпиграмма «На картинке к «Евгению Онегину» в Невском Альманахе»:Вот перешед через мост Кокушкин, Опершись ….. о гранит, Сам Александр Сергеевич Пушкин С мосьё Онегиным стоит. Не удостаивая взглядом Твердыню власти роковой, Он к крепости стал гордо задом: Не плюй в колодец, милый мой (I,461). Так же и другая иллюстрация Нотбека, к письму Татьяны вызвала следующие стихи: Пупок чернеет сквозь рубашку, Наружу …… — милый вид! Татьяна мнет в руке бумажку, Зане живот у ней болит: Она затем по утру встала При бледных месяца лучах И на …… изорвала Конечно «Невский Альманах» (I,461). Мы уже говорили, что периодом расцвета иллюстрации у Пушкина является болдинская осень.  Рисунки к « Болдинской осени» открывают собой цикл иллюстраций, сделанных Пушкиным осенью 1830 года. (рис.29). они находятся на обороте листа с концом «Сказки о попе и работнике Балде». Эта иллюстрация является самой большой по размерам и самой сложной по технике. «Пушкин сделал её частью карандашом, частью чернилами, частью тем и другим вместе. Он набросал зарисовки не сразу, смешивая приёмы и технику, а постепенно, «…» , необычайной для него графической манере и свидетельствующей, что он придавал значение этому своему иллюстрационному «опусу». Он сначала сделал общую карандашную пропись всех персонажей и околичностей, затем стал проходить по ней чернилами, выверяя и уточняя мысли, далее местами принялся работать одними чернилами, декорируя и играя штрихами, наконец – куски иллюстрации, сделанные в карандаше, не тронул совсем, оставляя их в этой мягкой манере»54. Пушкин соединил в одной иллюстрации несколько эпизодов сказки, их расположение: по бокам – действия (состязание Балды с бесёнком; расплата с попом), в центре – посрамлённый бес. К этому же времени относится целая серия иллюстраций, выполненных в рукописи «Гробовщика». Первый рисунок иллюстрирует сцену угощения гробовщиком сапожника Шульца чаем (рис.30). Он сделан внизу страницы после слов: «Таким образом беседа продолжалась у них ещё несколько времени; наконец сапожник встал и простился с гробовщиком, возобновляя своё приглашение».(III, 71). Это одна из наиболее законченных пушкинских автоиллюстраций. Фигуры и лица персонажей очень выразительны: добродушный толстяк Шульц и худой насупившийся бородач Адриан Прохоров. Следующий рисунок находится в черновиках «Гробовщика» и замыкает собой нижнюю часть страницы.(рис.31) Пушкин перечеркнул на ней одиннадцать последних строк и под заключительной фразой : «…тут ноги его подкосились» (III, 73), — набросал рисунок, воплотивший сон гробовщика.  «По художественной выразительности и лаконизму приёмов этот рисунок лучший во всей небольшой группе пушкинских иллюстраций к своим произведениям. В нём есть соответствие сардонической мрачности сна гробовщика, — тот же гротеск, где трагическое и смехотворное сливаются. Превосходен рисунок и по разработке темы, и по графической живописи»55. рисунок представляет собой высокий катафалк, на каком возили покойников, возница в огромной шляпе, провожающие. Рисунок вытянутый, это создаёт эффект бесконечности движения по городу.Последние наброски в «Гробовщике» являются заключительными (рис.32). Они находятся между концом сна Адриана и заключительным абзацем повести: «Солнце давно уже освещало постелю, на которой лежал гробовщик».(III, 74). Таким образом они были сделаны во время паузы при переходе к финалу. Пушкин нарисовал покойника и покойницу – с заострившимися носами и запавшими глазами, скелет в остатках одежды и в ботфортах, распятие со свечкой. Из трёх рисунков, составляющих группу иллюстраций Пушкина к «Гробовщику», эти наброски лишены бытовых черт, которые присущи первым двум композициям.  Разрозненные очерки на этом рисунке носят, скорее всего, обобщающий характер. В этом отношении надо отметить постепенную убыль реализма сцен: «Чаепитие» — жизненно, «Похоронная процессия» — полуусловна; так как изображения людей даны в общих чертах, последние наброски – отвлечённы.В то же время Пушкиным были сделаны иллюстрации и к «Домику в Коломне». Эти рисунки возникли не в черновиках произведения, а в перебелённом тексте, куда Пушкин стал вносить поправки и изменения. Рисунки не носят обычного необычного характера, свойственного наброскам черновых рукописей, но представляют собой иллюстрации в прямом смысле слова, — картинки к тексту, переводящие словесные описания в зрительные образы. Однако следует отметить, что оба рисунка сделаны не у тех мест повествования, которые они иллюстрируют, а в самом финале вещи, у заключительных строф и после них. В строфе XXX Пушкин так описывает облик стряпухи: За нею следом, робко выступая, Короткой юбочкой принарядясь, Высокая, собою недурная, Шла девушка и, низко поклонясь, Прижалась в угол, фартук разбирая. (II,144). Именно к этому месту относится рисунок, сделанный на полях более поздней, XXXIX строфы (рис.33). Здесь изображена фигура Мавры, мужчины, перерядившегося в юбку. По мнению А.М. Эфроса рисунок показывает, что изобразить Маврушку, как надлежало бы, Пушкину не удалось: в наряде кухарки «торчит» настоящий мужлан, которого менее всего можно принять за миловидную девушку56. Вторая иллюстрация к «Дом в Коломне» изображает переломный момент повествования: старуха, мать Параши, застаёт кухарку за бритьём (рис.34). Рисунок сделан Пушкиным уже после окончания исправления, перебелённого текста и нанесён на чистую страницу за финалом произведения. Но между текстом и иллюстрацией есть расхождения: по тексту, вдова, обшарив лачужку и кухню, входит «к себе в покой» и там застаёт бреющуюся Маврушку, — на иллюстрации старуха прямо подходит к окну и сквозь него, с улицы, застигает разоблачающую сцену. Рисунок выражает усмешку автора и замешательство изображаемых героев: растопыренные пальцы рук старухи, условная раставленность ног и рук Мавруши.  Картина эта по распространённой в то время манере заключена в овал, — Пушкин сделал её как проект будущей иллюстрации. Такая иллюстрация появилась. Она была исполнена художником Галактионовым для альманаха «Новоселье», вышедшего в 1833 году. Следующая иллюстрация этого периода сделана в рукописи «Каменного гостя» (рис.35). рисунок иллюстрирует заключительные стихи первой сцены произведения: Дон Гуан Однако уж и смеркалось. Пока луна над нами не взошла И в светлый сумрак тьмы не обратила, Взойдём в Мадрит. Лепорелло Испанский гранд как вор Ждёт ночи и луны боится – боже! (II, 456) Пушкин набросал этот финал уже на перебелённом тексте «Каменного гостя», вместо первоначального перечёркнутого варианта. Рисунок возник в связи с этой переработкой и является её графическим выражением; он был сделан после того как были написаны финальные две строки: Проклятое житьё. Да долго ль будет Мне с ним возиться? Право, сил уж нет.(II,456). На рисунке изображён Дон Гуан поддеревом, выжидающий темноты, чтобы выйти в город, откуда изгнан.  В перспективе очертания Мадрида. Крепостная стена. Вдали высокие силуэты зданий. Быть может, подобная иллюстрация представлялась воображению поэта, когда он думал об издании «Каменного гостя».Автоиллюстрации, как мы уже говорили, не всегда находятся на тех же листах, на которых расположены черновые и беловые автографы произведений (как, например, в повести «Гробовщик»). Рисунки в тетрадях Пушкина очень часто предшествуют текстам и помогают проникнуть в «творческую лабораторию поэта», в которой можно искать «зарождение его замыслов». К этой группе рисунков относится набросок, выполненный на листе, не имеющем текста, сумасшедшего дома (рис.36). На странице находится три группы рисунков; поверху пейзаж: столб, кустарник, деревья; в середине – сцена в сумасшедшем доме: абрис человека, полулежащего на полу, и очерчённый бледными чернилами контур другого человека, сидящего на корточках, ниже, человек, полулежащий на полу, виден чётко. На нём рейтузы, рубашка, галстук (или шарф) и шляпа с квадратными полями.  Далее другая фигура: человек в длинной рубахе, с бородой и в какой-то странной высокой шляпе. Следующая фигура – человек с выражением ужаса на лице. Волосы взъерошены, видны бакенбарды. В.Л. Биттнер предполагает, что это своего рода образ самого автора, то есть автопортрет в виде персонажа стихотворения57. Над двумя последними фигурами находится окно с решёткой и сидящей на подоконнике кошкой. Третья группа рисунков: двое мужчин в сапогах со шпорами; костюмы, в которые одеты люди, явно не русские; последним объектом на листе является изображение коня. А.М. Эфрос в своей работе пишет, что этот рисунок является иллюстрацией к стихотворению 1833 года «Не дай мне бог сойти с ума», где есть строки действительно близкие к сюжету рисунка:…Посадят на цепь дурака и сквозь решётку как зверька Дразнить тебя придут(I,523)58. В.Л. Биттнер эту версию уточняет. Она предполагает: «…источник этих рисунков <…> один из сюжетов романа английского писателя Чарльза Метьюрина. Именно в «Мельмоте Скитальце», в третей главе, мы находим подобную сцену»59.  Обращаясь к трудам известных пушкинистов (Лотмана Ю.М., Алексеева М.П.) Биттнер В.Л. доказывает, что Пушкин это роман читал, впервые в 1823 году во французском переводе и вновь перечитывает в 1832 году, уже в подлиннике60. Но как всё это связано со стихотворением «Не дай мне бог сойти сума»? по мнению В.Л. Биттнер, рисунок является своеобразным «мостом» между прочитанной сценой из романа и стихотворением, то есть речь идёт о преобразовании от текста к рисунку, а позднее к стихам61.Этому же наброску близок рисунок на перебелённой и вновь исправленной части «Странника» (рис.37). Он расположен в нижней части страницы; по левому краю, у строк: …Кто поносил меня, кто на смех подымал, Кто силой ворожить соседям предлагал…(I, 573). Данный набросок значительно отличается от первого. Сначала Пушкин передал сюжет за счёт внешних атрибутов, характеризующих облик умалишённых, во втором же рисунке Пушкин сосредоточил внимание на внутреннем состоянии изображаемых лиц: кротость лица мужчины вверху; сосредоточенность на своих мыслях, сидящего на полу человека; возбуждение жестикулирующей женщины.  Подобная психологизация очень редка в пушкинских рисунках. Следует отметить черты автопортрета (линия профиля, глаза, бакенбарды), которые Пушкин придал верхнему рисунку, примерив к себе ещё один образ. Он как бы смешивает своего вымышленного «странника» с самим собой.К пушкинским иллюстрациям примыкает достаточно большая группа рисунков – «титульные листы». Перебеливая поэмы, прозаические вещи, готовя сборники стихов, поэт иногда оформлял титульный лист предполагаемого издания. Привычка оформлять «титульные листы» осталась у Пушкина с лицейских времён, когда лицеисты традиционно «украшали» свои сочинения. Одним из первых опытов подобного рода можно назвать титульный лист к лицейским стихам Пушкина (рис.38) Для нас титульные листы интересны, прежде всего тем, что на них графика поэта представлена, так сказать, в «чистом виде» и выполнена на сознательном уровне. Это синтез рисунка, каллиграфии (росчерк и подпись) и семантика слова. Образцом такого титульного листа можно назвать рисунок на заглавном листе поэмы «Кавказ» (первоначальное название «Кавказского пленника»), выполненный 24 августа 1820 года соответственно пометке Пушкина на этом же листе (рис.  39). этот лист представляет собой декоративные росчерки и надпись. Спиральными и волнистыми росчерками Пушкин оформляет надпись «Кавказ (поэма) 1820» и ниже росчерками рисует гористую местность и облака. Данный лист – редкий случай законченного и тщательно отделанного пейзажа, кстати, единственного в таком завершённом виде на титуле.В 1830 году Пушкин пополняет свою серию графических титульных листов. Как пишет Т.Г. Цявсловская, «эстетическое чувство побуждало Пушкина и обложки к своим рукописям превращать в художественные композиции»62. Обложка к «Маленьким трагедиям» (рис.40). Под заглавием «Драматические сцены» и датой «1830» — статичная фигура рыцаря в доспехах со спущенным забралом, со щитом и мечём. У основания фигуры рыцаря расположены рыцарские эмблемы, нарисованные в большом масштабе: знаменем, стрелами, секирой, литаврой, шлемом с забралом. Записанные сбоку варианты заглавия – «Драматические изучения», «Опыт драматических изучений», «Драматические очерки» — нанесены, вероятно, Пушкиным позднее, так же как и наброски куста и дерева и очерк головы.  Они в общую композицию титульного листа не входят. Возможно, что эта обложка рисовалась Пушкиным к «Скупому рыцарю», так как на обороте листа в перечне болдинских работ пометка «Скупой» предшествует остальным названиям драматических сцен.Немного позднее появляется ещё один титульный лист к «Сказке о золотом петушке». Голова Дадона, щит с копьём и кольчуга с шлемом, крепость со сторожевой вышкой и корабль на воде, а в центре в большем масштабе – фигура золотого петушка, объединяющая лист (рис.41). На наш взгляд, этот рисунок можно считать образцом графических титульных листов Пушкина. Вероятно, Пушкин сделал его как образец оформления титульного листа для будущего издания книги. Но что же всё-таки значил титульный лист для Пушкина? Литературная работа закончена или почти закончена… Перебелённый текст – это текст, переписанный с удовольствием. Появляются спиральные завитки над буквами, в почерке становится важным элемент декоративности. В этом проявлялась потребность чисто эстетического свойства.  Оформляя титульный лист к рецензии на «Фракийские элегии» Теплякова, Пушкин по центру листа начинает размещать заголовок, однако фамилия Теплякова, если её написать полностью нарушила бы композицию – и Пушкин переносит два последних слога на другую строчку:Фракийские элегии Стихотворения Виктора Тепля- кова.1836. После заголовка набросан портрет В. Теплякова (рис.42). Это не единственный титульный лист с портретом. В это же время Пушкин оформляет заглавный лист к статье о Вольтере, где помещает его портрет (рис.43). Это лишь небольшая часть пушкинских рисунков к своим произведениям. Но она даёт нам представление о мире иллюстрации Пушкина. Итак, они находятся в черновиках и перебелённых текстах, могут быть размещены по тексту или на отдельных листах. Но иллюстрация это лишь небольшая часть графики Пушкина. Самая большая и наиболее интересная группа графики, на наш взгляд, портретная. |
Рисунки А. С. Пушкина. Герои Пушкина
Читайте также
ГЕОГРАФИЯ В ЭСТАМПАХ, С ПОВЕСТЯМИ И КАРТИНАМИ ПО ПРЕДМЕТАМ ГЕОГРАФИИ.
Сочинение Ришома и Альфреда Вингольда. Рисунки Людовика Лассаль. На французском и русском языках. С.-Петербург. 1847 *** КУРС ФИЗИЧЕСКОЙ ГЕОГРАФИИ. Сочинение Владимира Петровского, профессора Ришельевского лицея. С.-Петербург, 184
ГЕОГРАФИЯ В ЭСТАМПАХ, С ПОВЕСТЯМИ И КАРТИНАМИ ПО ПРЕДМЕТАМ ГЕОГРАФИИ. Сочинение Ришома и Альфреда Вингольда. Рисунки Людовика Лассаль. На французском и русском языках. С.-Петербург. 1847
***
КУРС ФИЗИЧЕСКОЙ ГЕОГРАФИИ. Сочинение Владимира Петровского, профессора
Предисловие Пушкина
Предисловие Пушкина
В окончательном тексте изданий 1833 и 1837 гг. после сорока четырех авторских примечаний идет авторский же комментарий, озаглавленный «Отрывки из „Путешествия Онегина“», в котором Пушкин приводит первые пять стихов строфы, выпущенной из восьмой
Предки Пушкина
Предки Пушкина
Фамилия дворянского рода Пушкиных прослеживается до Константина Пушкина, родившегося в начале XV в.
, младшего сына некоего Григория Пушки. От Константина идет прямая нисходящая линия к Петру Пушкину (ум. в 1692 г.), предку обоих родителей нашего поэта (прадед
Творчество А. С. Пушкина
Творчество А. С. Пушкина
Творчеству Пушкина – величайшего русского поэта и писателя – посвящено множество статей, книг, исследований, воспоминаний и т. п. В эту книгу вошли лишь те статьи, которые являются образцовыми, хрестоматийными, в наибольшей степени раскрывающими
2 Неизвестные записки и рисунки В. Маяковского и Л. Брик
2
Неизвестные записки и рисунки В. Маяковского и Л. Брик
Целую родных Кисевбуду названивать во все телефонные колоколаСчен
Из этих записок публиковались только рисунки без текста
Рисунки из американских альбомов
Рисунки из американских альбомов
Прошло немало времени, прежде чем мы смогли увидеть репродукции лермонтовских рисунков из альбомов А.
М. Верещагиной, отделившихся от коллекции профессора М. Винклера и ставших собственностью Колумбийского университета.В 1973 году в
Рисунки русских писателей
Рисунки русских писателей
В Праге художник Н.В. Зарецкий открыл выставку автографов, рисунков и редких изданий русских писателей, начиная от Ломоносова и кончая современными нам писателями.Ядро выставки составляет коллекция самого Н.В. Зарецкого. Часть книг
Сочинения Пушкина
Сочинения Пушкина
Впервые опубликовано в «Современнике», 1855, No№ 2, 3, 7, 8.В связи с выходом второго посмертного издания сочинений Пушкина под редакцией П. В. Анненкова (СПб, 1855), значительно пополненного по сравнению с предыдущим собранием сочинений поэта, Н. Г. Чернышевский
Судьба Пушкина
Судьба Пушкина
I
Есть предметы, о которых можно иметь неверное или недостаточное понятие – без прямого ущерба для жизни.
Интерес истины относительно этих предметов есть только умственный, научно-теоретический, хотя сами они могут иметь большое реальное и практическое
Взгляд на русскую критику. – Понятие о современной критике. – Исследование пафоса поэта, как первая задача критики. – Пафос поэзии Пушкина вообще. – Разбор лирических произведений Пушкина
Взгляд на русскую критику. – Понятие о современной критике. – Исследование пафоса поэта, как первая задача критики. – Пафос поэзии Пушкина вообще. – Разбор лирических произведений Пушкина
В гармонии соперник мой
Был шум лесов, иль вихорь буйной,
Иль иволги напев
Брожу ли я вдоль улиц шумных. Создаем рисунок по мотивам стихотворения А.С. Пушкина в Оренбурге 2021, афиша и билеты, Музей ИЗО
30 сентября 2021 года в 15.
00 пройдет занятие «Брожу ли я вдоль улиц шумных…». Создаем рисунок по мотивам стихотворения А.С. Пушкина» к 188-летию со дня прибытия поэта в Оренбург. Занятие состоится в главном здании Оренбургского музея изобразительных искусств (пер. Каширина, 29).
Вопрос о смысле жизни – один из самых актуальных и, в то же время, самых неразрешимых вопросов человечества. Размышления на эту тему, внутренние ощущения и переживания человека, пытающегося постичь тайны мироздания и своей судьбы, прекрасно передал в своём стихотворении «Брожу ли я вдоль улиц шумных…» (1829) Александр Сергеевич Пушкин.
На занятии будут рассмотрены иллюстрации московского художника Сергея Романовича из собрания музея к данному произведению. Романович всю свою жизнь занимался иллюстрацией книг любимых писателей: Александра Пушкина, Михаила Лермонтова, Николая Гоголя, Николая Некрасова, Уильяма Шекспира и многих других.
В практической части занятия будет предложено нарисовать рисунок к стихотворению «Брожу ли я вдоль улиц шумных…» гуашевыми красками.
Стоимость занятия – 250р. для всех категорий посетителей, 0+
В рамках проекта «Пушкинская карта»
Записаться можно по тел.: +7(3532)77-64-83,
Viber, WhatsApp: +79325474053
Ведущая: Эльвира Халитов
| Организатор мероприятия: | ГАУК «Музей ИЗО» |
| ИНН/ОГРН: | 5610013708/- |
| Юридический адрес: | г Оренбург, пер Каширина, д 29 |
Приглашаем посетить выставку «Творчество А.С. Пушкина в иллюстрациях» в общем читальном зале ТОУНБ им. А.С. Пушкина
«Какое счастье, что Россия имеет Пушкина! Его
существо чрезвычайно солнечно. В то же время его
чувства и мысли человеческие, но необычные.
Только
необычайны чистотой и высотой, и поэтому мы
можем к ним приобщиться. Как же страшно иллюстрировать
его! Но помогает его строгость и определенность».
В.А. Фаворский
Приглашаем посетить выставку «Творчество А.С. Пушкина в иллюстрациях» в общем читальном зале ТОУНБ им. А.С. Пушкина.
Произведения А.С. Пушкина становились источником вдохновения для многих художников. В первом разделе выставки можно посмотреть работы художников и графиков, отражающие их взгляды на творения поэта. Иллюстрации к произведениям Александра Сергеевича выполняли известные художники – Николай Васильевич Кузьмин, Александр Николаевич Бенуа, Николай Николаевич Ге, Владимир Андреевич Фаворский и другие. Все мы помним известную картину Михаила Александровича Врубеля «Царевна-Лебедь», посвященную персонажу оперы Н.А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» (по одноименной сказке А.С. Пушкина), иллюстрации к «Маленьким трагедиям» А.С. Пушкина. На выставке представлены красочные издания сказок А.
С. Пушкина с прекрасными иллюстрациями Ивана Яковлевича Билибина.
| В.А.Милашевский. Сказка о попе и работнике его Балде | Е.П.Самокиш-Судковская. Евгений Онегин | М.А.Врубель. Моцарт и Сальери | ||
Графики также проявляли неподдельный интерес к творчеству А.С. Пушкина. Книжной графикой увлеченно занимался М.В. Добужинский («Евгений Онегин», «Барышня-крестьянка»), также пользуются популярностью рисунки П.Л. Бунина («Руслан и Людмила», «Медный всадник», «Капитанская дочка»).
Другой раздел выставки представляют рисунки А.С. Пушкина – еще одна грань творческой натуры поэта. Выдающийся пушкинист Татьяна Цявловская так писала о пушкинских рисунках: «Сила художественного воздействия рисунков Пушкина неотразима – так свободен и артистичен штрих, так пластична линия». Сюжеты рисунков поэта разнообразны.
Это и мгновенные наброски (деревья, кустики, женские ножки, птицы), и иллюстрации к своим произведениям, и автопортреты, и профили. Большинство портретов в рисунках Пушкин создавал по памяти. Пушкинское искусство графики так же лаконично, выразительно и пластично, как и искусство слова.
Ждем всех желающих по адресу: ул. К. Маркса, 14, холл перед 25 каб.
Выставка продлится до конца февраля.
ГМИИ им. Пушкина представил пять веков истории европейского рисунка — Российская газета
Решение ГМИИ им. А.С. Пушкина показать все великолепие своей графической коллекции в одном проекте — смелый и амбициозный шаг. Первый шаг был сделан в Париже. Когда в прошлом году ГМИИ им. А.С.Пушкина представил свое собрание графики в парижском Фонде Кустодиа, для многих зрителей уровень произведений и масштаб коллекции стал открытием.
Дело не только в количестве (а 27000 листов только рисунков говорят сами за себя), не только в славных именах — «от Дюрера до Матисса», как лаконично заявлено в названии проекта, но в качестве и провенансе работ.
Музейное собрание графики складывалось полтора столетия и восходит к Гравюрному кабинету Московского публичного и Румянцевского музея. Именно этому музею, основой которого стала легендарная коллекция канцлера Николая Петровича Румянцева, император Александр II в 1861 году подарил 20170 гравюр из собрания Императорского Эрмитажа. Среди них были офорты Дюрера, Луки Лейденского, Рембрандта, Хосе де Риберы, Жака Калло, Франсуа Буше, Уильяма Хогарта… Позднее коллекция пополнялась дарами собирателей, а после 1917 года — работами из национализированных собраний. В 1924 году, когда здание Румянцевского музея и библиотека стали частью Библиотеки им. В.И.Ленина, собрание европейской графики было передано Музею изящных искусств.
Нынешняя выставка фактически продолжает сюжет парижского проекта в Фонде Кустодиа, но уже в родных пенатах. Зрители в России с коллекцией ГМИИ им. А.С.Пушкина знакомы лучше, чем европейцы. Благо большие выставки графики были традиционно приурочены к выходам каталогов-резоне отдельных национальных школ.
Так, собрание итальянского рисунка XV-XX веков показывали в 2013, французского рисунка XIX-XX веков — в 2011, нидерландского, фламандского и голландского XVI- XVII веков — в 2002 году. Но сейчас впервые ставится задача представить crème de la crème графической коллекции целиком, собранной за полтора столетия. Впечатляет решимость музея отдать до ноября не только Белый зал и пространство колоннады под собрание европейского рисунка «от Дюрера до Матисса», но и соседние залы, где среди современной им живописи разместились рисунки Жака Луи Давида и Джованни Доменико Тьеполо. Графика, камерный по определению жанр, фактически показывается в формате блокбастера.
27 тысяч рисунков насчитывает собрание Пушкинского
А это значит, что музей ждет не только ценителей графического искусства — всех тех художников, знатоков, коллекционеров, которым приносят удовольствие тонкости техники, знают сюжеты, не говоря уж об именах художников, но и обычных любопытствующих зрителей. Тех, кто придет скорее на известные имена, будь то Дюрер, Рембрандт, Рубенс, Ван Гог или Матисс… Выбор для постера на фасаде музея образа девочки с единственного в России рисунка Ван Гога (он в собрании Пушкинского), разумеется, безошибочная ставка на уникальность шедевра.
Но интересно, что только сознанием великолепия собственного собрания музей не ограничился. Сейчас уже и не скажешь, что было первым — жизнь онлайн во время самоизоляции, когда виртуальные туры, экскурсии, перформансы и рассказы хранителей музея стали вдруг повседневным опытом для десятков тысяч людей, или программа, разработанная именно для этой выставки, помогла найти ключ к музейной жизни в Сети. Но факт тот, что выставка фактически сегодня живет в двух форматах — онлайн и офлайн. А это означает, что вы можете на сайте музея заранее найти работы, которые больше всего хочется увидеть живьем. Для кого-то это будет рисунок Ван Гога или Ренуара, а для кого-то — рисунок Дега «После ванны», где чуть ли не впервые нагая женщина не позирует в роли богини или одалиски, а просто занята тем, что моется и вытирает ноги.
Средства первого знакомства — на выбор. Есть аудиогид. Есть несколько экскурсий с куратором проекта Виталием Мишиным и хранителями национальных коллекций рисунков. Есть минисериал «Открытый музей» на «Культуре», опубликованный в Сети… Наконец, можно отправиться в виртуальный тур, чтобы увидеть расположение работ в залах, их соседство, прочитать историю каждого рисунка, в том числе и то, как он оказался в музее.
В итоге на выставке вы оказываетесь в знакомом пространстве. Рисунки как старые френды, с которыми ты общался в Facebook, и, наконец, — вы встретились офлайн.
Но это не единственная интрига выставки. Отказавшись от представления графики по национальным школам, кураторы не стали делать исключения и для отечественной школы. Работы русских художников представлены как органическая часть истории европейского искусства. «Спящая турчанка» романтика Брюллова, образ которой навеян «Бахчисарайским фонтаном» Пушкина, соседствует с акварелью Делакруа тоже с ориентальным мотивом. Абстрактные композиции Кандинского — в одном зале с графикой Пауля Клее, его соратника по Баухаусу.
Рисунки как старые френды, с которыми ты общался в facebook, и наконец вы встретились офлайн
Впрочем, сама история графической коллекции Пушкинского — лучшее доказательство тесной связи отечественного и мирового искусства. Достаточно вспомнить Ивана Ивановича Бецкого, который для студентов Императорской Академии художеств закупает в мастерской Грёза порядка двухсот рисунков.
Эпоха романтизма принесла новые ориентиры. Пейзажи Каспара Давида Фридриха полюбили наши поэты-романтики, особенно Жуковский. Русские заказчики, среди которых была и великая княгиня Александра Федоровна, жена будущего царя Николая I, поддерживали Фридриха, даже когда он заболел и его популярность в Германии сошла на нет. Возможно, сепия позднего периода творчества Каспара Давида Фридриха «Двое мужчин на берегу моря», которая повторяет в рисунке одноименную картину 1817 года, делалась по заказу из России. Среди самых удивительных работ — рисунок Тьеполо «Геракл и Антей» (XVIII век) из личной коллекции хранителя Эрмитажа Андрея Сомова. Возможно, этим рисунком любовались сын Сомова Костя со школьным приятелем Шурой Бенуа. «Мир искусства» вырос из дружеского общения «одноклассников», плененных XVIII веком, стилем рококо, салонами, театром и строго расчисленными парками эпохи классицизма.
Но и авангардные «московиты», вопреки собственным манифестам, знали и ценили современное им искусство.
Свидетельством тому — яркая и нежная акварель «Животные» Франца Марка, сделанная незадолго до Первой мировой войны, на которой его убьют. В 1912 году на мюнхенской выставке «Синего всадника» он подарил эту кубистическую работу русской художнице Наталье Гончаровой. Из ее коллекции акварель в итоге и пришла в музей. Творческий диалог Гончаровой с художниками «Синего всадника» выглядит несколько неожиданно. Обычно вспоминают влияние парижских впечатлений на ее творчество. Но очевидно, что поиск Гончаровой, Ларионова и Франца Марка шел в сходном направлении. Кубистическая манера письма Марка находит отклик в работах Гончаровой, аобразы буренки и черно-белой свинки обнаруживают параллели в портретах живности на полотнах Михаила Ларионова.
170 рисунков с конца XV до середины XX века представлены на выставке
Наконец, соседство жесткой лаконичной графики Георга Гросса и ранних акварелей Юрия Пименова, тогда члена Общества станковистов (ОСТ), напоминает, как многим раннее советское искусство обязано немецким экспрессионистам.
Сегодня, когда из-за пандемии закрыты границы, выставка «От Дюрера до Матисса» позволяет нам путешествовать по векам, щедро дарит встречу с искусством, позволяющим увидеть современность через призму рисунков Дюрера и Гросса, Домье и Дега, Тьеполо и Ван Гога, Врубеля, Билибина, Кандинского…
«Какое счастье, что у России есть Пушкин!» или «Сначала был Пушкин»
Имена двух больших художников — Татьяны Мавриной и Николая Кузьмина — на выставке из собрания Всероссийского музея А.С. Пушкина соседствуют не случайно: они не просто творцы изобразительной пушкинианы, мыслители и истолкователи пушкинских произведений. Большую часть своих жизней они прожили вместе, влияли друг на друга, спорили до хрипоты, отстаивая свои художественные принципы, восхищались работами друг друга, но могли и безжалостно критиковать их.
И Кузьмин, и Маврина в конце двадцатых годов прошлого века входили в группу художников «13». Свои ранние работы, посвященные Пушкину, Николай Кузьмин представил на первой совместной выставке этой группы в 1929 году.
Н.В. Кузьмин. Автопортрет. Россия. 1920-е гг.
Он был с детства буквально зачарован пушкинским стихом, его ритмом, его движением. Обладая и литературным даром, вот как описывает он свою детскую влюбленность в стихи Пушкина:
«Всю нашу жизнь он сияет над нами, как незаходящее солнце. Он входит в память каждого из нас с детства. Я вспоминаю, как в мае 1899 года в нашей школе справляли столетний юбилей поэта. Хор спел кантату, потом учитель прочитал по бумажке, какой великий поэт был Пушкин и почему мы должны его чтить. Любители из местного драматического кружка представили сцену в келье Пимена из «Бориса Годунова». Потом опять пел хор и читали стихи ребята. Я читал «Утопленника». Мне было восемь лет, я впервые выступал и очень волновался.» Это высокое, творческое волнение не покидало Кузьмина всю жизнь, как и «одержимость» желанием рисовать, переводить на язык рисунка пушкинские строки. Но этот «перевод», это перевоплощение должны быть предельно точны и аутентичны, ни в коем случае не насильственны. Вот как об этом пишет сам художник: «Художник-иллюстратор, как и талантливый исполнитель музыкального произведения, должен помочь читателю понять идеи писателя, но ни в коем случае не навязывать ему (читателю) свою точку зрения. Только при наличии особого «избирательного сродства» между писателем и иллюстратором случается чудо слияния зрительного и литературного образа в нерасторжимое единство, и тогда иллюстрация остается в сознание читателя постоянным спутником книги».
«Чудо слияния зрительного и литературного образа» произошло, когда художник принялся иллюстрировать «Евгения Онегина». Казалось бы, казарма военного городка в захолустье совсем не располагает к погружению в «даль свободного романа», но именно во время воинской службы под Саратовом Кузьмин «дерзнул» нарисовать, проиллюстрировать роман в стихах Пушкина: «Дерзновенная мысль проиллюстрировать «Евгения Онегина» зародилась у меня осенью 1928 года, когда я был на курсах переподготовки комсостава в Саратове. Там, в «военном городке», каждый вечер я уходил в библиотеку и читал «Евгения Онегина».
Там-то я и прочитал впервые по-настоящему этот роман». Потом были встречи и дружба с пушкинистами — семьей Цявловских, Ашукиным, Вересаевым. Художник с головой уходил в эпоху, вникая в детали быта, костюма, интерьера… Но, главное было в том, как передать не движение персонажей, а движение стиха.
Н.В. Кузьмин. «Евгений Онегин». Иллюстрация. Россия, Москва. 1930-е гг.
Изучение биографических трудов пушкинистов дало художнику необходимую свободу: «Благодаря этим биографиям, в документах многие места «Онегина» открыли для меня свой автобиографический смысл, и казалось заманчивым попытаться расшифровать для себя и для читателя эти места графическими комментариями. Я, вопреки традиции, выбрал для иллюстрирования такие места, как «Нет презренней клеветы, на чердаке вралем рожденной и светской чернью, ободренной», или даже черновые варианты, драгоценные авторскими признаниями, как «Уже раздался звон обеден; среди разбросанных колод дремал усталый банкомет, а я, все так же бодр и бледен, надежды полн, закрыв глаза, гнул угол третьего туза».
Меня увлекала новизна этого активного подхода к иллюстрированию, и я, может быть нарочно, объезжал стороной иные традиционные темы: Татьяна и няня, Татьяна за письмом, Онегин танцует с Ольгой, а Ленский ревнует… Имел ли я на это право? Я полагал, что имел: лирические отступления занимают в романе не меньше трети строф и судьба героя то и дело перекрещивается с биографией самого поэта».
Н.В. Кузьмин. «Евгений Онегин». Проект титульного листа.
Москва. 1930-е гг.
Н.В. Кузьмин. «Евгений Онегин». Фронтиспис чешского издания. Пушкин у окна.
Россия. 1937
Н.В. Кузьмин. «Евгений Онегин». Иллюстрация.
Россия. 1935
Кузьмин нашел свой стиль, он не слепо копирует легкий, быстрый рисунок на полях пушкинских рукописей, а, давая отсылку к нему, как делал бы это настоящий пушкинист, работая над пушкинскими черновиками, создает свой мир пушкинского романа. За несколько лет было сделано более 150 иллюстраций! «Моим рисункам посчастливилось — издание «Онегина» было включено в план издательства «Academia»».
«Я не подражал (попробуйте подражать!) рисункам Пушкина, а лишь следовал его методу рисования пером: сразу, без повторительного карандашного контура. Это трудный метод: изведешь вороха бумаги, прежде чем добьёшься желаемого результата» — так писал о своей работе художник. За эти иллюстрации художник получил «Гран-при» и Большую золотую медаль на Всемирной выставке книги в Париже в 1937 году.
«Евгений Онегин». Иллюстрация.
Москва. 1930-е гг.
«Евгений Онегин». Иллюстрация. Пушкин в Одессе.
Москва.1930-е гг.
«Евгений Онегин». Иллюстрация.
Москва. 1930-е гг.
«Евгений Онегин». Иллюстрация.
Москва. 1935
«Евгений Онегин». Иллюстрация к Х главе.
Москва. 1936
«Евгений Онегин». Иллюстрация. Пушкин и Онегин на набережной Невы.
Москва. 1937
Кузьмин прожил очень большую и яркую жизнь, вошел в историю русского искусства как прекрасный график и самобытный, яркий живописец, оставил не только мемуары, но и прекрасным слогом написанне литературный произведения.
Несколько раз на протяжении своей очень долгой жизни, а художник не дожил до столетия всего 3 года, Кузьмин обращался к творчеству Пушкина, иллюстрировал «Графа Нулина» в 1957 году, а в 1979 — «Эпиграммы». Но высочайшее мастерство графического воплощения пушкинского текста предстает перед нами в иллюстрациях к роману в стихах «Евгений Онегин». И на этой небольшой виртуальной выставке мы с гордостью показываем великолепне работы замечательного художника, хранящиеся в коллекции музея.
«Евгений Онегин». Иллюстрация.
Россия, Москва. 1950-е гг.
«Граф Нулин». Иллюстрация.
Москва 1957
«Ура! в Россию скачет…» (Сказки. Noel).
Москва 1972
Иллюстрации к поэме «Полтава» Пушкина (картинки, рисунки)
Поэма «Полтава» является одним из самых известных произведений великого поэта А. С. Пушкина.
В этой статье представлены иллюстрации к поэме «Полтава» Пушкина (картинки, рисунки) таких художников-иллюстраторов, как К. И. Рудаков, В. Высоцкий, М.
С Родионов.
Смотрите:
Все материалы по поэме «Полтава»
Все материалы по творчеству Пушкина
Иллюстрации к поэме «Полтава» Пушкина (картинки, рисунки)
Художник К. И. Рудаков
| Мазепа и Мария, сбежавшая из дома |
| Искра едет с доносом на Мазепу |
| Мария с Мазепой после побега |
| Мать сообщает Марии о предстоящей казни Кочубея |
| Гонцы едут на поиски Марии |
| Мазепа и Карл XII сбегают после поражения |
Художник В.
Высоцкий
Художник М. С Родионов
| Казак везет донос на Мазепу |
| Петр I в Полтавской битве |
| Петр I с соратниками отмечает победу |
Это были иллюстрации к знаменитой поэме «Полтава» А.
С. Пушкина (картинки, рисунки) — работы художников-иллюстраторов К. И. Рудакова, В. Высоцкого, М. С Родионова.
Смотрите:
Все материалы по поэме «Полтава»
Все материалы по творчеству Пушкина
В Fondation Custodia, 500 лет рисунков из ГМИИ
Каспар Давид Фридрих, Двое мужчин на берегу моря, 1830-1835, ГМИИ им. А.С. Пушкина
И снова Fondation Custodia предлагает нам исключительную выставку редко увиденных рисунков. Воспользовавшись закрытием Пушкинского музея на ремонт, директора Кустодии и Пушкинского музея Гер Луйтен и Марина Лочак согласились впервые показать этих шеф-поваров в Париже.Из 27 000 рисунков, хранящихся в собраниях Русского музея, 195 вывешены на улице Лилль. Эти работы Альбрехта Дюрера, Карпаччо, Рембрандта, Пуссена, Матисса и Пикассо, нарисованные на протяжении пяти веков, показывают, какими страстными коллекционерами были русские в XIX веке и каким великим глазом был создатель коллекции Иван Цветов. , было в 1912 году, когда он открыл галереи рисунков.
Это умопомрачительное зрелище с древними рисунками на первом этаже и ХХ веком в подвале.
Жак Луи Давид, Эскиз фигуры Герсилии, 1796, ГМИИ
Атмосфера в галереях была продуманной и сосредоточенной. Любители старинных рисунков — обычно серьезные ценители искусства. И все же уединенная атмосфера этого частного дома, превращенного в музей, делает его успокаивающим и прекрасным моментом для посещения. Мне очень понравилась «Юная спящая женщина» Франсуа Буше, висящая над камином, и разноцветные «Скалы на берегу» Алларта ван Эвердингена, и я задавался вопросом, почему так много Каспара Давида Фридриха, который является моим любимцем.Что ж, видимо, русские коллекционеры приглянулись к его искусству, когда немцы стали от него уставать. «Гроб на свежей могиле» — настоящий «современный» шеф-повар.
Гюстав Моро, «Ночь», 1880–1882
«Ночь» Гюстава Моро акварель и белая гуашь очень красивы, а редкий «Портрет молодой женщины» Винсента Ван Гога уникален. Внизу, пройдя коридор, где запах свежих лилий меня очень обрадовал, я влюбился в «Композицию» Кандинского 1991 года, «Польский шляхтич» Владимира Татлина и целую комнату Пикассо.
«Рыбак» Матисса, «Дитя в поле» Малевича, Хуана Гриса и нескольких Джорджа Гроса — все это очаровало меня.
Иоганн Адам Кляйн, «Художник Кристоф Эрхард в своей мастерской», 1818 г.
В рисунках есть что-то сдержанное и интимное, что идет вразрез с современной модой. И это то, что мне особенно нравится в Custodia: ничего не делается для того, чтобы произвести впечатление на массы. Каждое шоу красиво оформлено, и люди это знают, потому что очереди становятся все длиннее и длиннее. Обязательно посетите это новое шоу, которое продлится до 12 мая.
Винсент Ван Гог, Портрет молодой женщины (Ла Муме), 1888
Издан каталог, который можно приобрести в магазине. Fondation Custodia, 121 rue de Lille, недалеко от Национальной ассамблеи.
Россотрудничество
24 сентября, несмотря на продолжающуюся пандемию коронавируса, в РЦНК в Ченнаи прошла торжественная программа «Тихая поэзия», посвященная Дню русского языка. Мероприятие организовала Ассоциация российских соотечественников из Ченнаи.
«Тихая поэзия» началась с открытия выставки «Еще одно измерение» с рисунками и зарисовками А.С. Пушкин. Эти изображения были подготовлены и представлены общественности ранее в виртуальном формате на странице Face book РЦНК Ченнаи, посвященной дню рождения поэта. Название выставки «Еще одно измерение» связано с теорией «Трех совершенств». Этот подход азиатского искусства исследует взаимосвязь между поэзией, каллиграфией и живописью. Картина считалась «тихой поэзией», а поэзия — «картиной со звуком». Искусство письма или каллиграфии также является очень важным элементом и инструментом в этой доктрине как один из важнейших эстетических средств самовыражения.Рисунки Пушкина полны экспрессии, эмоций, очень близки по настроению и внутреннему содержанию его стихов. Его тахография в рисунках отражает богатое импульсивное творчество, которое требует немедленного проявления в различных формах.
В своей презентации «Еще одно измерение» Евгения Соловчук, преподаватель курсов русского языка, подробно рассказала о новых измерениях творчества великого русского поэта и концепции выставки «Таинственный рисунок А.С. Пушкина».
Самой красивой частью вечера стало выступление солистки Башкирского государственного театра оперы и балета Лилианы Шайхи (Сопрано), исполнившей романсы на стихи А.С. Пушкин.
Также была проведена викторина «Рисунки по шашкам Пушкина». Гости программы с удовольствием гадали, какие рисунки иллюстрируют стихи, а кому из друзей Пушкина принадлежат портреты поэта.
В ходе мероприятия были награждены дети, участвовавшие в конкурсе рисунков по сказкам Пушкина.
Семьи соотечественников приняли участие в программе, которая проводилась с соблюдением всех санитарно-эпидемиологических норм.
Из собрания Пушкина к «Дам де Пик», автор Esprit de France
Фонд Custodia Foundation, скромное место, расположенное недалеко от отеля d’Orsay, владеет обширной коллекцией старинных рисунков. Здесь также проходят качественные выставки, например, нынешняя, на которой представлено 200 работ на бумаге из Музея Пучкина в Москве. Исключительная коллекция знакомит посетителей с хронологической историей рисунка, от немецкого и итальянского Возрождения до европейского и русского авангардизма 20 века.Присутствуют все школы, а также все крупные художники. Так, Дюрер трется плечом к плечу с Карпаччо, Рембрандт — с Рубенсом и Пуссеном, а Фрагонар — с великолепным Аттаком — опережает «Двое мужчин у моря» Фридриха. Что касается современности, то она столь же блестяще представлена: XIX век Тулуз-Лотреком, Ренуаром и Дега — не говоря уже о трогательном Портрете молодой женщины, написанном в 1888 году Ван Гогом — до того, как вас настигнут художники двадцатого века. ‘работает. Важная коллекция рисунков Матисса с сильными и чистыми линиями, шкаф, посвященный шести большим листам Пикассо в ярких цветах и ритмах, а также работ Фернана Леже, Модильяни и Де Кирико.Также необходимо упомянуть произведений русских мастеров, будь то известные в Европе, такие как Шагал, Кандинский, Татлин и Малевич, или другие, которые были обнаружены, такие как Купреянов с его очаровательной Красной лошадью или Дейнека . Превосходный выбор, который нельзя упустить!
Имя Пушкина может вызвать у многих ассоциацию идей, «Пиковая дама», знаменитый роман, написанный Александром Пушкиным в 1834 году.
Но сегодня La Dame de Pic («Пиковая дама» на английском языке) — это ресторан, который вы можете обязательно посетить во время вашего пребывания в Париже. .Войдите в мир Анн-Софи Пик, единственной женщины-шеф-повара, имеющей 3 звезды Мишлен. Она происходит из семьи талантливых поваров в Валенсии и разработала очень индивидуальную кухню, основанную на необычных ароматах и таких ингредиентах, как лимон, вербенна, лакрица, ревень, свекла и другие. Ее композиции, такие как треугольников Freiberg fondu в игристом перцовом бульоне Sansho или краб на тонком мандариновом желе , раскрывают ее способность балансировать вкусы, используя стимулирующие контрасты. Точность ее работы демонстрирует редкое чувство изысканности, в результате чего получаются уникальные гастрономические впечатления!
События фестиваля «Красочная Москва» / Новости / Интернет-сайт Москвы
На XI Межнациональном молодежном фестивале «Красочная Москва» пройдет шоу стрит-арта, уроки граффити и футбольные игры Panna.Он состоится 13 июля в парке «Сокольники». В программе бесплатные мастер-классы по спорту и искусству, соревнования по брейк-дансу и стритболу, показательные выступления по слэклайну.
«В этом году фестиваль« Красочная Москва »приурочен к 220-летию со дня рождения Александра Пушкина. Основная идея мероприятия — познакомить москвичей с молодежными субкультурами и познакомить их с историями выдающихся произведений русского классика через стрит-арт», — сообщает пресс-служба Московского Дома национальностей.
Начало фестиваля в 15:00 на четырех площадках «Сокольники»: на участке проезда Сокольнического круга между главной и Песочной переулками, рядом со Скейт-парком, у центрального фонтана и на сцене Ротонда. Подробная программа фестиваля размещена на сайте Московского Дома национальностей.
Посмотреть граффити по произведениям Пушкина
Центральная фестивальная площадка будет расположена на участке проезда Сокольнического круга между главной и Песочной аллеями.Здесь будет проводиться традиционный конкурс граффити-работ. Профессиональные уличные художники изобразят сюжеты и персонажей « Бахчисарайский фонтан», «Руслан и Людмила» и «Сказка о царе Салтане» стихов Александра Пушкина на 24 досках размером 6х6м. Понаблюдать за созданием граффити картин можно с 15:00 до 19:00.
На площадке также пройдет стрит-арт-шоу, где художники за 10-15 минут рисуют пейзажи из произведений Пушкина.
с 15:00 до 20:00 на проезде Сокольнический круг пройдут мастер-классы по граффити.Уличные артисты проведут для всех индивидуальные занятия продолжительностью от 5 до 15 минут. Они помогут гостям фестиваля нарисовать персонажей из сказок Пушкина — Золотого петушка, Золотую рыбку или мудрого кота. Перчатки, аэрозольная краска и маски будут доступны на месте.
Играйте в футбол Panna и ходите на нейлоновой повязке
Впервые в истории фестиваля у гостей будет возможность проявить себя в панна футболе. Это разновидность уличного футбола, где игроки сражаются один на один.Вы найдете землю у центрального фонтана. Это футбольное поле диаметром 6 метров, огороженное сеткой высотой 2 метра. Правила таковы: один из двух игроков должен атаковать ворота соперника, бросая мяч между ног, чтобы получить два очка. Один матч длится 3 минуты. С 15:00 до 18:00 любой желающий может принять участие в турнире под руководством профессионального судьи.
Рядом с центральной площадкой фестиваля пройдут демонстрации слэклайнов.Slacklining — это ходьба по специальным полиэфирным или нейлоновым стропам, натянутым между неподвижными объектами или станциями, такими как деревья, столбы или стены зданий. В отличие от ходьбы по канату, стропа провисает, и ходунку приходится удерживать равновесие без какой-либо поддержки. Как правило, спортсмены ходят босиком на слинге. Струна длиной 20 м натянута на 1 м над землей.
В Сокольниках между деревьями будет натянута стропа, под которой будут размещены защитные коврики. Демонстрации будут проходить с 15:00 до 18:00.Во время перерывов спортсмены проведут мастер-класс по слэклайну для посетителей любого пола, возраста и физической подготовки.
Посмотреть соревнования по брейк-дансу и стритболу
с 15:00 до 17:00 на площадке у Скейт-парка пройдут соревнования по стритболу (уличному баскетболу) среди команд-победителей чемпионата Москвы. По окончании конкурса у гостей будет возможность сыграть в эту игру самостоятельно.
Соревнования по брейк-дансу пройдут на площадке «Ротонда» на центральной Парковой аллее.В нем примут участие более 10 команд из разных городов — Москвы, Мурома, Твери, Иванова и Липецка. Смотрите зрелищные танцевальные соревнования с 15:00 до 19:00.
В 20:00, после подведения итогов конкурса и конкурса, на сцене Ротонды состоится церемония награждения. Завершится фестиваль «Красочная Москва» концертом молодежных фолк-коллективов и коллективов, исполняющих различные музыкальные стили, такие как рэп, битбокс, фолк и фьюжн.
Это будет XI Красочный Московский межнациональный фестиваль молодежи.Его поддерживают Московский Дом национальностей и Департамент национальной политики и межрегиональных связей города Москвы. В прошлом году фестиваль был посвящен чемпионату мира по футболу.
Сергей Кузнецов подарил в ГМИИ книгу своих рисунков :: Архсовет :: Статьи
Главный архитектор Москвы представил книгу рисунков, изданную в Милане издательством «Скира», и рассказал о том, как развивается мода на архитектурную графику. взаимосвязано с профессией архитектора.
«Я думаю, что для любого архитектора рисунок — это не всегда часть образования, но и часть повседневной практики», — сказал Сергей Кузнецов. Пушкинский музей изобразительных искусств — одно из моих любимых мест работы. Директор музея Марина Лошак напомнила, что история архитектурного рисунка неразрывно связана с традициями музея, который всегда был наполнен студентами, юными художниками, копирующими произведения искусства из его коллекции. А одним из его постоянных зрителей и исполнителей, по словам Марины Лошак, является Сергей Кузнецов, который часто приходит в музей рисовать вместе с семьей.
«Я всегда верил в классическое образование и считаю, что в МАрхИ очень сильная школа графики с особым вниманием к деталям. Для меня изучение архитектурного наследия не только литературой, но и природой всегда было важной частью творческой деятельности », — сказал главный архитектор. — Краеугольным камнем для этого является работа с наследием и изучение искусства мастеров прошлого. Знания, которые мы можем найти в нем, бесценны ».
В книгу рисунков вошло около 120 работ, большинство из которых были вдохновлены мотивами богатого архитектурного наследия Италии. Очень много картин посвящено Венеции. Венеция также связана с несколькими важными проектами Сергея Кузнецова, разработанными для архитектурной биеннале.
Во время работы над выставкой «Фабрика Россия» 2010 года, посвященной редевелопменту индустриального наследия в малых городах России, была представлена серия этюдов Вышний Волочок.При участии Сергея Кузнецова к Биеннале 2012 в российском павильоне был спроектирован цифровой купол с экспозициями о СКОЛКОВО. «Однако даже в этой современной форме невозможно не увидеть исторического сходства с формой римского Пантеона», — признал главный архитектор Москвы.
«Страсть к Италии» родила идею выставки «Только Италия» в Третьяковской галерее, в которой принял участие Сергей Кузнецов. «Что ясно в этих картинах Кузнецова — это стремление восстановить первоначальный облик каждого произведения по самым известным и интересным памятникам Италии, исследуя их составные части и дойдя до самых основ современного искусства», — написано во вступительной части. книга известного испанского архитектора Сантьяго Калатрава.
Тем не менее, многие архитектурные пейзажи других стран стали сюжетами для зарисовок архитекторов. Он много путешествует, везде таскает припасы и делает быстрые зарисовки живописных уголков городов мира — Мексики, Киото, Токио, Сингапура, Нью-Йорка …
Все работы выполнены в разных техниках — Кузнецов, по его собственным словам, любит экспериментировать, пробовать новые формы и виды рисунка. В последнее время он интересовался рисованием акварелью, а его наставником стал известный акварелист, мастер архитектурных пейзажей и почетный президент Американского общества архитектурной графики (ASAI) Томас Шаллер, который был специальным гостем презентации.
«Мне кажется, Сергей даже не могу представить, чтобы куда-нибудь пойти без моей записной книжки для набросков», — говорит Шаллер. По словам художника, любое хорошее здание — это результат хороших рисунков и хороших идей, и выразить эти хорошие идеи можно только через практику рисования.
Сергей Кузнецов согласен с этой идеей: многие проекты, по его словам, пришли в дизайн из творческой графики. Например, волнообразные окна на фасаде офиса компании «НОВАТЭК» в Москве или мотивы «стрельчатых арок» в строительстве Дворца водных видов спорта в Казани, появившиеся, когда он рисовал множество эскизов.
Детская музыкальная школа № 12
Раннее обучение детей гармонии в классе фортепиано.
Преп. МОУДОД «ДМШ № 12» г. Саратов. Дубатовская Е.Г.
Содержание.
1.Введение.
2.Раннее обучение детей гармонии в классе фортепиано.
3.Заключение.
4.Приложение.
Введение.
Заниматься обучением детей с первого класса навыкам гармонии я начала ещё в 2000-е годы. Что меня натолкнуло на эту идею? Проработав несколько лет после окончания консерватории и освоившись с ролью преподавателя, я столкнулась с рядом сложных вопросов:
Как сделать урок интересным, чтобы ребёнок, который пришёл только после детского сада, где основным занятием его были игры, не испугался, не заскучал от навалившихся на него сложных, не понятных упражнений, этюдов и пьес? Я поняла, чтобы сделать урок интересным, его нужно сделать разнообразным.
Первые занятия должны проходить в привычной для детей форме (пение, движение под музыку). Ещё занятие нужно обогатить творческими заданиями. Пока начинающий ученик не разучился играть, выдумывать, фантазировать, ему будет легче даваться и музыкальное творчество. А воспитывать через художественное творчество необходимо по ряду причин:
1.Для воспитания человека, ибо ничто не раскрывает так полно и рельефно натуру человека, его душу, как то, что он творит.
2.Для воспитания культурного слушателя, слушателя-художника, ибо тот, кто сам ощутил радость творчества в какой либо области искусства способен лучше воспринимать и оценивать то, что делают другие.
3.Для воспитания профессионального музыканта, музыканта – художника, ибо полноценным музыкантом может стать лишь тот, кто прошёл через творчество.
Я работала в школе, где ежегодно выпускалось 30-35 пианистов, из них только человек 6,7 поступало в музыкальные училища страны, остальные становились слушателями. И зачастую в результате того, что обучение сводилось (и не только в нашей школе) к разучиванию ряда музыкальных произведений, наши выпускники после окончания школы их благополучно забывали и в лучшем случае могли себе по нотам аккомпанировать простенькую песню, а в худшем — вообще не подходили к инструменту.
Что меня ещё привело к мысли раннего обучения детей навыкам гармонии — это резкое несоответствие темпов развития музыкального слуха на уроках сольфеджио и темпов инструментально – игрового освоения музыкального материала. «Прогресс фортепианной методики,- пишет М.Фейгин — привёл к тому, что техника овладения инструментом продвигается очень быстро. Соответственно быстро возрастает сложность изучаемой школьниками литературы; причём это относится не только к исполнительски одарённым учащимся, быстрые темпы, развития которых можно признать закономерными, но и к массе рядовых, «средних» школьников. Форсированные темпы продвижения тревожат одних педагогов; другие считают такие темпы вынужденными, неизбежными; третьи гордятся ими, видя в них успехи советской школы.
Как бы не относиться к этому вопросу, надо признать, что слуховые навыки не поспевают за развитием технических; вероятно слух и не может развиваться форсированными темпами; так, руки ученика на втором году обучения свободно берут четырёхголосные аккорды, однако слух его ещё не воспринимает сложной гармонии…Разрыв этот с годами углубляется…». Пьесы с гармоническим сопровождением появляются с первого года обучения игре на фортепиано, а ученик к тому времени не только не распознаёт на слух ни интервалы, ни гармонические функции, но и вообще не имеет о них никакого представления. Зачастую учащийся даже старших классов не в состоянии проанализировать гармонию простейшего этюда Черни, но тогда как же он должен разучивать составляющие пьесу «много-много» нот, расчленяющиеся в его сознании в лучшем случае на мелодию и аккомпанемент. Детей с хорошим от природы слухом, эта способность выручает и они оказываются в состоянии заучивать пьесы, не анализируя их, у тех же, кто имеет средние данные, возникают «провалы памяти» и одну и ту же пьеску приходится зубрить чуть ли не по полгода.
Не понимая логику построения музыкального материала, ребёнок теряет интерес к занятиям музыкой и нередко бросает музыкальную школу.
Напрашивается вывод:
1.Без раннего знакомства с музыкальной гармонией при обучении игре на фортепиано систематически нарушается один из законов доступности изучаемого материала.
2.Между развитием детского творчества и систематическим ранним обучением гармонии существует тесная связь. Без занятий гармонией продукты детского творчества становятся примитивными и не удовлетворяют самого ребёнка.
Большую помощь в освоении и разработке методики преподавания раннего обучения детей практической гармонией мне оказал опыт ряда Санкт-Петербургских педагогов; все эти преподаватели по образованию пианисты, ученики и бывшие студенты преподавателя кафедры педагогики и методики С.М. Мальцева. Раннее обучение практической гармонии и импровизации мыслится не как самоцель, а как необходимый компонент,органичное сочетание которого с традиционными формами инструментального обучения создаёт возможность более полноценного развития ребёнка.
Мало научить чему — то новому, необходимо дать новые знания не в ущерб развитию в традиционном направлении, не теряя,а выигрывая в общих темпах развития. И именно органичность сочетания нового со старым и есть самое трудное в организации педагогического эксперимента.
Общей теоретической предпосылкой, которая была положена в основе экспериментов с ранним обучением детей практической гармонии, была практика раннего обучения генерал- басу в эпоху Барокко. Как известно из истории, обучение генерал – басу служило в эпоху Барокко фундаментом всего образования музыканта. Общая схема образования клавириста в 18 веке была следующей: в основе её лежало раннее и систематическое обучение генерал-басу, помимо того клавириста обучали умению исполнять хоралы (т.е. гармонические 4-хголосные последовательности со строгим голосоведением), учили исполнять пьесы по нотам и наконец, учили импровизации или фантазированию. Главная задача, — это не воспитание импровизатора, а воспитание музыканта, грамотно владеющего всеми элементами музыкального языка, поэтому все задания опираются не на свободное фантазирование, а на ограниченную импровизацию, либо по сохранившейся в памяти модели, либо по определённым правилам.
Раннее обучение детей гармонии в классе фортепиано.
Я считаю необходимым более подробно описать ход учебного процесса на начальном этапе, чем на последнем. Особенность системы С.М. Мальцева, которую я взяла за основу, заключается в том, что усложнение материала по гармонии идёт параллельно с приобретением всё больших технических навыков учеником. На первых уроках дети знакомятся с инструментом, регистрами, октавами, вводится понятие «выше-ниже», разучиваются голосом, потом на инструменте мелодии знакомых детских песенок и записывается их ритмический рисунок (нотные примеры №1-6).Песенный материал постепенно усложняется, от песен, содержащих 2,3 звука, переходим, спустя месяц, к песням, содержащим 4 звука. Все песни обязательно транспонировались от всех 12 клавиш. За это время были изучены все ноты первой октавы и дети могли самостоятельно записывать не только ритм, но и звуковысоту песен. Помимо этого учениками сочинялись мелодии, темы на заданные слова.
На начальном этапе очень важная задача научить грамотно и осмысленно сочинять темы. Для этого ребятам объясняются следующие правила:
а) Как можно меньше звуков и как можно больше красоты и смысла.
б) Повторяемость ½ музыкальных построений(мотивов, фраз, предложений), обеспечивающее единство интонации.
Сначала выбираем слова, дающие возможность различных трактовок, например «Андрей – воробей». Музыка на эти слова может быть и весёлой, и суровой, и жалобной, и грустной. Позднее сочиняем мелодии на стихи, предлагающие определённый образ, настроение, например « Белая берёза, под моим окном», «Колыбельная», «Слоник», песня про «Ёлку».После того, как ученики освоят построение темы, перехожу к упражнению «вопрос – ответ».Дети импровизируют мелодии на тексты, содержащие вопрос и ответ, удачные варианты записываем. Правила игры: вопросительная фраза должна оканчиваться неустойчиво, то есть на любом звуке лада, кроме Т; фразу – ответ нужно привести к Т.
К 4-й неделе обучения ученики познакомились с простейшей формой сопровождения к песням — тонической квинтой, бурдоном. К этому времени в курсе сольфеджио были объяснены понятия тоники — устоя, неустоя. Параллельно было дано упражнение: построить квинты от белых
(а чуть позже — и от чёрных) клавиш. Записать и играть их сначала каждой рукой отдельно, потом 2-мя руками и по очереди (пример № 7). Таким образом, песни стали представлять собой мелодию с бурдоном. Все песни проходились в вертикально – подвижном контрапункте октавы; сначала мелодия в правой руке, бурдон в левой, затем наоборот. Такая перестановка стала одним из принципов освоения материала.
Примерно со 2го месяца начали играть легато по 2 звука подряд 2м и 3 м пальцами по белым клавишам. Выучили 2 этюда Е.Гнесиной (пример 8).Транспонировали их сначала от белых, а потом от чёрных клавиш. Три урока спустя была объяснена Д в виде сексты 7-5 ступени,Т-Д6-Т(пример 9).Эти упражнения дети играли от всех 12 клавиш подряд, выполняя при этом одно из следующих заданий:
1.
Петь каждый интервал вверх.
2.Называть функции (Тоника-доминанта-тоника)
3.Называть словами интервалы (квинта-секста-квинта)
4.Называть тональности.
Выполнение последнего задания исподволь приводило учеников к всё более прочному осознанию тонального центра. Некоторые из пройденных ранее песен были гармонизованы изученными функциями Т Д6.(пример 10-17).
Эти песни также записывались в разных тональностях, а иногда одна и та же песня записывалась в нескольких тональностях. Объём задания зависел от способности ученика. Некоторые дети смогли освоить до 10-12 песен. Каданс ТД изучали примерно месяц. Параллельно осваивали другие интервалы в пределах октавы: играли, пели, определяя на слух, закрепляя тем самым материал, пройденный на сольфеджио.
Таков материал, пройденный за 1-ю четверть.
За это время в курсе сольфеджио и хора учащиеся получили следующие знания:
1.Основные средства музыкальной выразительности (мелодия, аккомпанемент, темп, штрихи, нюансы).
2.Понятия: звуковысотность, песенная форма.
3.Нотная запись: начертания нот, штилей, линеек.
4.Метрическая пульсация. Понятия метра и ритма, размер, затакт, сильная доля, 2/4.
5.Понятия: лад, тональность, тоника, устой, неустой, строение гаммы.
6.Основные тяготения в тональности Ре мажор и ре минор.
7.Понятие интервал (консонанс, диссонанс, чистый).Количественная величина интервалов.
8.Секвенция, транспонирование.
Темп изучения материала на сольфеджио несколько опережал освоение этого материала на уроках фортепиано. Хотя это и облегчало задачу преподавателя по фортепиано, но необходимо было привести в соответствие программы 2-х дисциплин.
Во второй четверти на уроках фортепиано наряду с дальнейшим освоением non legato, перешли к изучению legato. Легато на 3 звука отрабатывали на соответствующих этюдах и упражнениях (пример 18).Успевающим детям была дана песня с противоположным движением во 2-м голосе (нотный пример 19).
От параллельного движения терциями отказалась, так как это давалось детям нелегко. Следующей песней была песня «Про Степана»(пример 20). К концу 3 го месяца обучения была введена субдоминанта, данная поначалу в виде сексты в аккомпанементе 1-6 ступени (пример 21).
Были пройдены песни с соответствующей гармонизацией, только Т-S (примеры 22-25).И через несколько уроков стали использовать все 3 функции (пример 26).После овладения последовательностью на данные функции изучается группа песен со стандартной гармонизацией. Такие группы песен оседают в сознании и слухе ребёнка как мелодические варианты на стереотипный гармонический инвариант. Такая систематизация песен позволяет давать детям задания на стереотипную гармонизацию и для самостоятельного выполнения и ученики обычно легко с ними справляются. Гармонизованные песни транспонируются во все тональности, постепенно транспонирование становится привычным и перестаёт вызывать затруднения (примеры 27-29).На данном этапе не все справлялись с этой программой одинаково успешно, плохо успевающие учащиеся к этому времени прошли только ТД6.
В декабре мною были даны секвенции. Некоторые наиболее способные и организованные дети осваивали следующие секвенции (пример 30,31). Играя их вверх и вниз по полутонам, ученики должны были делать и устный гармонический анализ, быстро вслух называя исполняемые в данный момент на фортепиано функции : например, доминанта к Ре ь мажору, тоника Ре ь мажора, доминанта к Ре мажору и т.п. Считалось, что с заданием справлялись те, кто успевал играть хорошо и называть, для этого нужен не только слух, но и сообразительность. Кадансы и секвенции были даны детям в нескольких вариантах: на чередовании рук, разложенные интервалы вверх и вниз,2-мя руками (пример 32),при игре этих вариантов учащиеся не только знакомились с различными фактурными формулами, но и закрепляли различные пианистические приёмы.
В 3-й и 4-й четверти материал, изучаемый по фортепиано, распределяется непропорционально, в феврале делается акцент на игре кадансов, секвенций, в марте — апреле на прохождение пьес.
Следует отметить, что кадансы и секвенции преподносятся детям не сухо, а в вариантах и со словесными подтекстами, при этом кадансы служили одновременно материалом для овладения различными пианистическими навыками. Например, каданс ТS64 Д6Т сначала дан в виде подготовительного упражнения к дублирующему 3-хголосному изложению, а затем в аккордовом складе с подтекстовкой (пример 33,34)на элементе его, пройденном ранее в фактурных вариантах, дети знакомятся с вопросо — ответной структурой, используя соответствующие тексты.
Чем мы слышим?- Ушками.
Чем мы ходим?- Ножками.
Чем мы видим?- Глазками (пример 35).
Далее этот же каданс осваивается в разных фактурных вариантах, одновременно служа материалом для пианистической работы над техникой и подготовкой для импровизации этюдов на заданную гармоническую основу.Главная задача для меня научить детей понимать принцип, по которому строится этюд, художественное воплощение у нас ещё довольно примитивно. Обычно при сочинении этюда ученикам задаётся определённая гармоническая формула и определённый тип фактуры. Часто этюд строится в 3-х частной форме, где в качестве средств контраста применяются:
1.Смена лада.
2.Тональности.
3.Регистра.
4.Гармонии.
На самом начальном этапе лучше сочинять этюды в форме периода или простой 2-хчастной форме.
После сдачи экзамена в апреле,в мае дети с удовольствием выучивают ещё несколько пьес и исполняют их на классном концерте.
Заключение.
При разучивании этих пьес у детей уже явно чувствуется повышенный интерес к занятиям, им не только хотелось выучить больше новых пьес, но небезразлична была и качественная сторона исполняемого (образность, динамика, фразировка). Учащиеся охотно анализировали исполняемое произведение по форме и гармонической структуре.
Занятия с детьми, даже слабо одарёнными показали, что все способны развиваться в избранном направлении. Занятия практической гармонией, подбором на слух, транспонированием вызывает у ребят стойкий интерес, позволяют им более полно проявлять себя в музыке и понять, для чего они обучаются.
Наблюдается увеличение объёма художественного материала, дети быстро разбирают и запоминают наизусть. Отмечается интенсивное развитие слуха и мышления. Все ученики подбирают на слух, все хорошо ориентируются на клавиатуре, неплохо читают с листа. Эта методика раннего обучения детей навыкам практической гармонии, которую я использую в своей работе уже больше десяти лет, очень помогает мне и сейчас при освоении и реализации дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программы в области искусств «Фортепиано»,что мы ввели в нашей школе с 2013года.
Список литературы:
1.Булаева О.П., Геталова О.А. Учусь импровизировать и сочинять: гармония, аккомпанемент. СПб.: 1999.
2.Кирюшин В. В. Сказка о глупой жирафе Октаве. М.: Тритон, 1995.
3.Кирюшин В.В. Развитие ладофункционального слуха участников самодеятельных хоров// Хоровой коллектив. М.: Профиздат, 1976.
4.Мальцев С.М. Раннее обучение гармонии путь к детскому творчеству// Музыкальное воспитание в СССР / Ред.
Л.А.Боренбойм. — М.: Советский композитор, 1985. — Вып.2.
5.Мальцев С.М. Опыт обучения детей гармонии и импровизации//. Выпуск 1, Факультет повышения квалификации, 1986г.
6.Медушевский В. В. О закономерностях и средствах художественного воздействия музыки. М.: Музыка, 1976.
7.Милка А.П. Теоретические основы функциональности в музыке. Л.: Музыка, 1982.
8. Никитин А.А. Импровизация как средство обучения начинающих пианистов. Хабаровск: 1978.
9.Paрe Ю.Н. Проблемы воспитания музыкального слуха (о соотношении учебного предмета сольфеджио с художественной практикой)// Вопросы воспитания музыкального слуха: Сб. науч. тр. Л.:1987.
10.Ражников В.Г. Диалоги о музыкальной педагогике. М.:ЦАПИ, 1994.
11.Ражников В. Г. Некоторые вопросы теории музыкальных способностей в свете современной педагогики //Психологические и педагогические проблемы музыкального образования. Новосибирск: 1986.
12.Ригина Г.С. Восприятие инструментальной музыки младшими школьниками //Музыкальное воспитание в школе: Сб.
статей / Сост. О. А. Апраксина. Вып. 10. — М.: Музыка, 1975.
13.Ригина Г.С. Формирование тембрового слуха младших школьников и его роль в восприятии инструментальной музыки //Музыкальное восприятие школьников /Ред. Руммер М.А. М.: Педагогика, 1975.
14.Фейгин М. Цит. соч..
15. Шатковский Г. И. Развитие музыкального слуха. М.: Музыка, 1996.
16.Шеломов Б. И. Детское музыкальное творчество на русской народной основе. СПб.: Композитор, 1997.
Хереско Музыкальные картинки Пособие для дошкольников
ОТ РЕДАКТОРА
Ребенок с раннего детства любит подходить к фортепиано н стучать по клавишам;
он часто говорит взрослым, что «умеет играть». Еще задолго до того возрасте,
когда детей принимают в музыкальную школу, его любопытство и интерес к
музыке могут быть разбужены чутким отношением старших: покажите малышу
какую-нибудь простую песню, и он с большим удовольствием будет играть
ее.
Можно постепенно начать с ним регулярно заниматься по нескольку минут
в день. Вначале нужно, чтобы ребенок слушал побольше доступной ему музыки,
при том следует рассказывать ему образно содержание, затевать под эту
музыку различные игры, а затем время от времени подводить малыша к фортепиано
и понемногу посвящать в тайны музыкального искусства.
Цепь данной книги и заключается а том, чтобы помочь родителям, умеющим
играть на фортепиано, а домашнем музыкальном воспитании детей дошкольников.
Ее автору Лидия Петровна Хереско (1886—1964), всю свою жизнь посвятила
музыкальному воспитанию детей. Плодом ее многолетней практики и явилась
настоящая работа, проникнутая любовью к ребенку, пониманием его души.
При подготовке к изданию редактор внес ряд изменений с целью сделать работу
более последовательной в методическом отношении и более близкой современным
детям. Был значительно расширен раздел, посвященный самому начальному
этапу обучения, — добавлены популярные детские песенки в нетрудных переложениях.
Некоторые номера заманены другими — более современными пьесами и ансамблями.
Кроме того, значительно расширен раздел «Методические замечании»— а него
внесен ряд указаний, необходимых руководителям, не являющимся по своей
профессии педагогами фортепиано.
При составлении предлагаемого пособия автор исходил из того,
что для малыша очень трудным является усвоение нотной грамоты.
Прежде чем начинать знакомство с ней, ребенок должен приобрести
первоначальные слуховые навыки и навыки движения под музыку, научиться
играть простенькие песенки и пьесы. Очень полезно играть песенки от разных
нот. Это способствует развитию слуха и помогает лучше ориентироваться
на клавиатуре.
Первому знакомству с музыкой и с игрой на инструменте посвящен большой
раздел книги. Он в основном состоит из переложений детских песен, взятых
из сборника Н. Мет лова. Все эти песенки следует разучивать «с рук», а
когда ребенок уже начинает ориентироваться в направлении движения мелодии,
— и опираясь на его слух.
Регулярно, с самых первых уроков нужно давать
ребенку задачи, связанные с развитием слуха: сперва это будут простые
вопросы: какой из двух звуков выше (вначале ребенок слушает звуки, расположенные
далеко друг от друга, затем—ближе и, наконец,—соседние), в каком направлении
движется мелодия: затем постепенно знакомят ребенка с величиной интервала
(конечно, он не должен знать сложные для него названия, но иногда при
игре пальцевых упражнений можно и упомянуть слова «терция», «квинта»).
Песенки, приведенные в первом разделе, расположены в порядке увеличения
диапазона, и ребенок, особенно если он будет пытаться транспонировать
выученные произведения, очень быстро уловит связь интервалов с определенным
положением пальцев на клавиатуре. Когда ребенок играет песенки, надо все
время обращать его внимание на выразительность исполнения. Но, само собой
разумеется, с первых же шагов необходимо приучать ребенка и к работе над
техникой.
В методических замечаниях в конце книги даются упражнения ко
многим пьесам. Конечно, вначале это будут самые простые упражнения, но
ими не нужно пренебрегать, потому что каждое из них рассчитано на преодоление
трудности, встречающейся в пьесе.
Упражнения и этюды следует играть немного, но регулярно, обязательно каждый
день, причем необходимо время от времени повторять ранее пройденный материал.
В методических замечаниях даются советы родителям, как подходить к разучиванию
той или иной пьесы.
Отсюда ужо остается один шаг до нестоящем нотной записи, и, если малыш
имеет навык такого «графического изображения» песен, она не представит
для него никаких трудностей.
Точно так же с самого начала нужно обращать, внимание ребенка и на ритмическое
строение песни (уже выученной). Если, играя песню, предложить ему равномерно
хлопать в ладоши (например, по четвертям), то он очень скоро заметит,
что существуют ноты, на которые делается по два и по четыре хлопка.
Это
подведет его к пониманию записи ритма. Но все-таки и в дальнейшем маленький
пианист не сразу научится читать по нотам все ритмически трудные места.
И причина не в том, что ребенок не способен уловить сложный ритм (ведь
дети часто воспринимают на с пух очень сложные ритмы), а в неумении правильно
прочитать его (в записи ритма очень много связано со счетом, с еще не
знакомой детям областью арифметики — дробями). В данном пособии автор
стремился во многих пьесах (в том числе сложных) помочь малышу, подтекстовывая
музыку. Образное содержание этих незамысловатых стишков повысит интерес
ребенка к разбираемой пьесе.
Разумеется, что когда ребенок выучит произведение, он должен его только
играть, а не петь, но первоначально, когда взрослый сыграет ему пьеску
и разучит с ним слова, ритм пьесы надолго запомнится ему, и разбор по
нотам будет таким образом наполовину облегчен.
Затем, когда пьеса уже
усвоена, необходимо по нотам проанализировать ее ритм — это облегчит разбор
тех пьес, в которых нет подтекстовки.
Как уже было сказано, уроки с малышами должны быть занимательными. Оживит
урок и облегчит понимание к месту сказанная шутка или стишок. Такие шутки,
стихотворные объяснения, игры и за гадки имеются и в нестоящей книге.
Хорошо подтолкнуть воображение ребенка, рассказать ему какую-нибудь историю
(не противоречащую, конечно, характеру музыки). Необычайно полезна для
детей и ансамблевая игра, которая широко рекомендуется здесь. Большинство
песенок, помещенных в начале книги, переложено для совместной игры ученика
и учителя. Это может быть игра в четыре руки, в три руки (ученик играет
мелодию одной рукой) или в две руки (каждый участник играет по одному
голосу). В дальнейшем даются уже настоящие четырехручные ансамбли («Петя»
из сказки С.
Прокофьева). Обращаем внимание на то, что при игре лесенок,
помещенных в начале книги, ребенок должен сидеть нормально, посредине
клавиатуры (а не как при ансамблевой игре — сбоку), а взрослый — слева.
Кроме пьес, которые ребенок должен разучивать сам, дается ряд более трудных
произведений: ребенок будет их слушать в исполнении взрослых, определять
характер, иногда устраивать игры под музыку.
Не следует утомлять ребенка — лучше заниматься несколько раз в день, но
понемногу. Самое страшное — сухой педантичностью оттолкнуть его от занятий,
внушить ему отвращение к музыке.
После прохождения и хорошего усвоения всего материала, помещенного в книге,
можно будет приступить к изучению педагогического репертуаре детской музыкальной
школы.
Н. Копчевский
1. Фортепиано. Стихи М. Пляцковского
2. Играй по слогам. Стихи М. Пляцковского. Море и небо
3.
Октава
4. Пять маленьких братьев
5. Воробушек
6. Ледяная гора. Мелодия народной песни «Заплетися, плетень»
7. Кукушка. Н. Потоловский
8. Восьмое марта. Е. Тиличеева. Слова М. Долинова (в четыре руки)
9. Две тетери
10. Чикиг чикиг чикалочки. Мелодия из сборника «Гусельки», слова народные (в три руки)
11. Соловей. Русская народная песня
12. Ай-ай-ай! М. Раухвергер. Слова О. Высотской (в четыре руки)
13. На зорьке. Стихи М. Пляцковского
14. Счет. Г. Лобачев. Слова народные (в три руки)
15. Кот-лакомка
16. Кто у нас хороший! Ан. Александров. Слова народные (в четыре руки)
17. Про Машу. Из детской оперы «Гуси-лебеди». Ю. Вейсберг, слова С. Маршака
18. Воробей. Зара Левина. Слова С. Прокофьевой (в четыре руки)
19. Ивушка. Русская народная песня
20. Мишка.
М Раухвергер. Слова А. Барто ( четыре руки)
21. Савка и Гришка. Белорусская народная песня
22. Фиалка. Ан. Александров. Слова С. Прокофьевой (в четыре руки)
23. Голубок. Из сборника М. Анцева (в четыре руки)
24. В городах и селах детвора растет. А. Филиппенко. Слова Т. Волгиной (в четыре руки)
25- Паук и мухи. Мелодия и слова из сборника «Гусельки»
26. Новогодняя хороводная. А. Островский. Слова Ю. Леднева (в четыре руки)
27. На черных клавишах. А. Гедике
28. Автобус. М. Иорданский. Слова О. Высотской
29. Дуда. Ан. Александров. Слова народные
30. Со вьюном я хожу. Русская народная песня
31. Корова. В. Карасева. Слова Н. Френкель
32. Скерцо. Д. Кабалевский
33. Дед Мороз. В Витлин. Слова С Погореловского (в четыре руки)
34. Кукла. М. Старокадомский. Слова О. Высотской (в четыре руки)
35.
Зайчик. Украинская народная песня. Перевод М. Клоковой (в три руки)
36. Трамвай. М. Иорданский. Слова О. Высотской (в три руки)
37. Пусть всегда будет солнце. А. Островский. Слова Л. Ошанина (в четыре руки)
38. Загадка. Эхо
39. Беседа. Стихи М. Пляцковского
40. Уезжаем!
41. Песенка. Д. Кабалевский
42. Друзья
43. Столовая. Ритмическая игра-говорилка
44. Две трубы
45. Зима. Татарская народная песня
46. Квартет
47. Лестница
48. Охотник. Н. Потоловский
49. Гули (Колыбельная песня)
50. Этюд. Г. Беренс (Мелодические упражнения, соч. 62 № 11)
51. Маленькая полька. Д. Кабалевский
52. Китайская мелодия. А. Гедике
53. В моем прекрасном замке. Испанская детская песня.
54. Чижики (диалог)
55. Украинская песня. Л. Бетховен
56.
Две октавы
57. Заинька. А. Гедике
58. Дождик накрапывает. Ан. Александров
59. Волжская припевка. М. Черемухин
60. В поход. Т. Салютринская
61. Кукушка и перепел. А. Гедике
62. Весенняя. В. Моцарт (в четыре руки)
63. Маленький барабанщик. (Немецкая революционная песня). По обработке А. Давиденко. Русский текст М. Светлова (в четыре руки)
64. Песня о встречном. Д. Шостакович (в четыре руки)
65. Словацкая народная песня (в четыре руки)
66. Смело, товарищи, в ногу! Русская революционная песня (в четыре руки)
67. Слети к нам, тихий вечер (в четыре руки)
68. Четыре октавы
69. Этюд. Е. Гнесина
70. Все октавы
71. Радиосигнал
72. Невиданный скрипач. Стихи Л. Квитко. Перевод М. Светлова.
73. Петя. Из симфонической сказки «Петя и Волк». С. Прокофьев.
Переложение в четыре руки С. Стемпневского.
74. Кошка. Из симфонической сказки «Петя и Волк». С. Прокофьев. Переложение в четыре руки С. Стемпневского.
75. Этюд. Е. Гнесина
76. Тамбурин. Ж. Рамо. Переложение М. Мейчика
77. Спи, мой хороший. Колыбельная (отрывок). Д. Шостакович (в четыре руки)
78. Iхав козак за Дунай. Украинская народная песня. В. Золотарев (в четыре руки)
79. У каждого свой музыкальный инструмент. Эстонская народная песня. Обработка X. Кырвитса. Перевод М. Ивенсен
80. Радуга. А. Гедике (Этюд, соч. 32 № 7). Стихи М. Пляцковского
81. В садике. С. Майкапар
82. Венгерская песня
83. Пьеса. Б. Барток
84. Этюд. Л. Шитте (соч. 160 № 17)
85. Пьеса. Б. Барток («Детям», № 3)
86. Как у наших у ворот. Русская народная песня. А. Живцов (в четыре руки)
87. Любопытная курочка. Л.
Шитте (Этюд, соч. 160 № 4)
88. Марш. Дж. Кларк
89. Менуэт. X. Дьёпар
90. Ригодон Г. Телеман
91. Менуэт. И. С. Бах
92. Маленькая сказка. А. Гречанинов («Детский альбом»).
93. Марш. А. Гречанинов («Детский альбом»)
94. Мячик. Л. Шитте (Этюд, соч. 160 № 6)
95. Немецкий танец. Л. Бетховен
96. Этюд. И. Беркович
97. Клоуны. Д. Кабалевский
98. Птички. А. Караманов
99. Колыбельная. Е. Голубев
100. Осень к нам пришла. А. Гречанинов («В разлуке». Из «Детского альбома»), стихи М. Пляцковского
101. Гавот. Ф. Госсек. Переложение М. Мейчика
102. Волынка. И. С.Бах
103. Тирольская песня. Л. Кёлер
104. Славянский танец (отрывок). А. Дворжак (в четыре руки)
105. Седьмая симфония (отрывок). С. Прокофьев (в четыре руки)
106. Песенка.
Ан. Александров
Методические замечания
Скачать пособие
Как самому научиться играть на пианино.
Играть свои любимые мелодии, разучивать песни из фильмов, развлекать друзей на вечеринках и даже просто помогать своему ребёнку в обучении музыке – вот несколько причин научиться играть на пианино самостоятельно. Тем более что сейчас есть цифровые инструменты, которые не загромождают комнату, имеют выходы для наушников и позволяют играть без непрошеных слушателей.
Научиться играть на пианино не так сложно, как кажется, но и не так легко, как, скажем, кататься на роликах. Без пары советов специалистов тут не обойтись. Поэтому обучающих программ, видео-уроков и других помощников огромное множество. Но какую бы программу вы ни выбрали, важно знать и соблюдать несколько правил.
Правило №1. Сначала теория, потом практика.
Большинство педагогов, особенно тех, кто работает со взрослыми людьми вне стен музыкальной школы, в один голос утверждают: сначала теория, потом практика!! Понятно, что читать литературу далеко не так интересно, как нажимать на клавиши.
Но если вы, особенно поначалу, будете в равной степени сочетать практику и теорию, то ваше обучение не зайдет в тупик после разучивания нескольких попсовых мелодий. Вы сможете развиваться в области игры на инструменте, и рано или поздно наступит момент, когда вы будете подбирать любимые мелодии на слух, создавать аранжировки и даже сочинять свою музыку.
Что в теории особенно важно:
1. Нотная грамота. Это способ передачи звуков с помощью знаков на бумаге. Сюда входят обозначения нот, длительностей, темпа и т.д. Эти знания дадут вам возможность читать с листа любое музыкальное произведение, тем более что ноты популярных мелодий найти сейчас не проблема. Со знанием нотной грамоты вы сможете разучивать всё, что пожелаете, – от гимна Америки до песен Адель.
На нашем сайте есть хороший базовый курс для достижения цели №1 – “Основы фортепиано”.
2. Ритм и темп. Музыка – это не просто набор звуков, это ещё и порядок их исполнения. Любая мелодия подчиняется какому-то ритму.
Правильно выстраивать ритмический рисунок помогут не только тренировки, но и элементарные знания о том, что такое ритм, каким он бывает и как его создавать. Данные о ритме и темпе в ещё одном базовом курсе – “Основы музыки”.
3. Гармония. Это законы объединения звуков между собой таким образом, чтобы получилось красиво и приятно для слуха. Здесь вы изучите разные тональности, интервалы и звукоряды, законы построения аккордов, сочетания этих аккордов и т.д. Это поможет понять, как самостоятельно подобрать аккомпанемент для мелодии, создать аранжировку, подобрать на слух мелодию и т.д.
После того, как вы натренируетесь перекладывать мелодии в разные тональности, подбирать аккомпанемент, перед вами откроются двери в мир прекрасной музыки, в том числе сочиненной самостоятельно. Для таких мастеров, каким вы станете, тоже есть обучающие курсы, например, “Импровизация на цифровых клавишных”.
Правило №2. Практики должно быть много!
Тренироваться нужно много и часто, лучше всего каждый день! Опытные педагоги утверждают, что ежедневные занятия даже по 15 минут – это лучше, чем 2-3 раза в неделю по 3 часа.
Если за 15 минут вы ещё не успеваете изучить много, разделите произведение на части и изучайте кусочками, но каждый день!
Относитесь к занятиям, как спортсмен к тренировкам! Выделите время, когда вам не будут мешать и когда вы точно будете дома, например, утром перед работой или вечером за час до сна (наушники тут очень пригодятся). И не отменяйте занятия, иначе потом сложнее к ним вернуться, а результат – потеря формы и всего того, что вы наработали.
Что делать на практике:
- Разучивать мелодии по нотам. Как только вы изучите нотную грамоту, скачивайте в интернете ноты любимых мелодий – и разучивайте их, пока не сможете играть без подсказки и в нужном темпе.
- Играть “с оркестром”. На многих цифровых пианино есть эта функция: записано оркестровое сопровождение к определенным мелодиям. Вы можете разучивать эти мелодии и играть их с оркестром для развития темпа, ритма, способности играть в группе.
- “Перекладывать” в другие тональности.
Как только изучите гармонии, можете перекладывать произведения в другие тональности, подбирать разный аккомпанемент к ним и даже создавать собственные аранжировки. - Играйте каждый день гаммы! Это отличное упражнение для тренировки пальцев и заучивания тональностей!
Как только изучите гармонии, можете перекладывать произведения в другие тональности, подбирать разный аккомпанемент к ним и даже создавать собственные аранжировки.Правило №3. Вдохновляйте себя!
Мы говорили об этом, когда давали советы по обучению музыке детей (читайте здесь). Но и со взрослыми это тоже работает.
Когда ощущение новизны пройдет, начнётся настоящая работа и станет трудно. Часто не будет хватать времени, вы захотите перенести занятие на завтра, а потом на выходной – и не один раз! Вот здесь важно вдохновлять себя.
Что делать? Смотреть видео с вашими любимыми музыкантами, слушать музыку, от которой захватывает дух, разучивать те мелодии, от которых “прёт” по-настоящему! Нужно играть и создавать то, что вам самому интересно слушать.
Как только получится что-то стоящее, играйте семье и друзьям, но только тем, кто будет вас хвалить.
Критиков и “специалистов” выгоняйте вон! Цель таких “концертов” – повысить вашу самооценку, а не забросить занятия.
Вам в копилку вдохновляющее видео:
Если вы ещё не выбрали инструмент для первых шагов в мире музыки, можно почитать статьи в нашей Базе знаний. Или звоните – 8 (800) 200-70-15 – наши специалисты помогут выбрать то, что нужно именно вам!
Автор Елена Воронова
Вступайте в
это скидки на ВЕСЬ товар магазина от 7 до 20%.
Дети и музыка. Картинки и фото.
Фото детей, играющих на музыкальных инструментах. Дети и музыка! Это прекрасно!)
Играет мальчик старательно на скрипке. Музыка завораживает! )
Малыш на фото слушает музыку в наушниках!) Как красиво! Дети знают толк в музыке! )
Приятно посмотреть на трио музыкантов на фото! )
Мальчики с удовольствием учатся играть на гитаре. Дети обожают музыку! )
На фото дети играют на музыкальных инструментах. В детском саду все дети любят музыку! )
Вот это да! Настоящий музыкальный ансамбль! Дети и музыка-это здорово! )
На фото симпатичная девчушка поёт песенку! Настоящая певица! ))
На этой прикольной картинке с детьми один мальчик на трубе играет, другой на барабане, в девочка на скрипке! )
Играет мальчик на трубе для своих игрушек мишек! ))
Льётся песня на просторе. На картинке дети поют и дирижёр у них есть, всё как полагается! ))
Одна подружка играет на тромбоне, а другая ей ноты держит! Вот что значит друзья! )
Забавные ребята! Хоть и малыши, а музыку любят! )
Детишки любят музыку и умеют играть на разных инструментах! )
Мальчуган сам играет на пианино и хлопает себе тоже сам! ))
Мальчик на фото слушает музыку и сам поёт.
Послушайте: я очень хорошо пою!))
Вот какой развесёлый ансамбль детей! Сами играем и поём! ))
Три подружки играют на пианино! Совсем маленькие детишки, а интересуются музыкой! )
Молодая мама с маленьким сынком за пианино. Сынок берёт первые аккорды! ))
Маленькие дети с интересом разглядывают гитару!Как же на ней так красиво играют? Надо научиться! ))
Этому ребёнку нравится бить в барабан! Буду барабанщиком! ))
Посмотрите только: у мальчика настоящий барабан-ударник! ))
Дети играют на музыкальных инструментах:девочка играет на скрипке, а мальчик на флейте!
На фото такой симпатичный дуэт: папа и сын! )Сидят и играют на гитарах! )
Мальчуган интересуется саксофоном. Нажимает на кнопки, но пока только ногами! ))
На прикольной картинке дети слушают граммофон и наслаждаются музыкой! )
Эти смешные детишки-малышки очень любят музыку! ) С нею веселее! )
Старательно учится мальчик играть на гитаре.
Девочка приготовилась петь караоке. Стесняется и робеет, а спеть очень хочет! ))
Какие дружные ребята! Музыку слушают вместе с одними наушниками! ))
Юная гитаристка выступает перед публикой и получает огромное удовольствие! ))
Малыш с радостью играет на пианино. Нот пока не знает, а музыку обожает! ))
На забавной картинке дети играют на музыкальных инструментах! А дирижёром у них мышонок! ))
Занятный малыш с интересом изучает ноты! ) Какие забавные крючки, палочки и загогулинки! ))
Сохранить
Сохранить
Сохранить
Как выбрать цифровое пианино для обучения в музыкальной школе
В этой статье вы узнаете
Здравствуй, дорогой читатель. Осталось совсем немного до наступления школьного сезона, который подразумевает под собой поступление наших любимых детей не только в общеобразовательное учреждение, но и музыкальную школу.
И перед родителями возникает неимоверное количество вопросов: какую школу выбрать, какой инструмент, как сойтись с преподавателем, как увлечь ребенка учебой и нужно ли это вообще?
Сегодня, я решила высказать свое мнение и, возможно, помочь решить хотя бы один из тысячи вопросов. Статья будет очень интересна родителям, чьи дети поступили по классу фортепиано, ведь в ней мы рассматриваем очень важный вопрос: какой инструмент (из множества моделей и видов клавишных) выбрать для занятий ребенка дома. Постараюсь максимально аргументировать собственное мнение и оказаться полезной. Итак, поехали!
1. Синтезатор или пианино?
Наверно, это самый распространенный вопрос, который возникает у родителей. Приобретать домой акустическое пианино для многих проблематично (хотя бы даже за счет габаритов, ведь далеко не каждый готов отдать столько места на инструмент), поэтому почему бы не взять синтезатор? Он легких, компактный, и ведь он тоже относится к клавишным инструментам!
А по такой логике можно тогда смело брать мелодику, ведь она тоже относится к этому списку. Ну или сразу аккордеон! Да, тут со мной можно поспорить, что синтезатор очень похож на пианино внешне. Но необходимо знать, что количество клавиш, принцип их работы, звучание инструментов и задачи совершенно разные.
Самое важно это, конечно же, клавиатура. Пианино подразумевает собой тяжесть клавиш, молоточковую механику, хорошую отдачу. В синтезаторе же стоят пружинки и, если опуститься до простого и понятного языка, клавиши являются «кнопками». Почему это различие так важно при занятии в музыкальной школе по классу фортепиано? Приведу пример, который, возможно поможет вникнуть в ситуацию.
Итак, представьте, что до семи лет вы не использовали столовых приборов для еды. Да, звучит абсурдно, но постарайтесь представить, что вы все это время ели руками. И тут вам дают китайские палочки и говорят: «вот тебе час, учись есть ими». Вы вроде уже слегка наловчились, стараетесь правильно «скручивать пальцы» и держать «инструмент» в руках. Но час закончился и вам пора домой. Дома же, вам говорят: «Вот тебе вилка… тренируйся кушать палочками на ней». Вы в недоумении, ведь это два разных прибора. Но вас убеждают, что держать ее нужно в той же руке и ей тоже можно есть, поэтому особых различий то и нет. И вот у вас только-только стало получаться, как вам снова вставляют в руки «китайские» палочки. Да, спустя долгое время изнурительных тренировок у вас –семилетнего ребенка, может и получится кушать и тем и тем, но легкость обращения что с вилкой, что с палочками, скорее всего будет ниже 50 %, а скорость прогресса будет не такой и большой. Но с вероятность в 90 % вы решите, что есть столовыми приборами совершенно не ваше и со спокойной душой продолжите трапезу руками.
Да, возможно пример не самый подходящий, но, на мой взгляд, он демонстрирует ту мысль, что я хотела бы донести. У ребенка возникает диссонанс от разности инструментов. Человеческий организм имеет мышечную память. Именно поэтому ребенку придется не то, что изучать дополнительный инструмент, а переучиваться. Ведь дома у него не будет доступа к пианино, только к синтезатору. Поэтому обучение будет очень долгим, ребенок не будет видеть собственного прогресса и скорее всего просто бросит занятия музыкой по причине «У меня не получается». Поэтому очень важно, чтобы во время обучения был доступ к пианино. Будет ли инструмент дома, или же вам предложат соседи заниматься у них (в мое время именно так и было), не важно. Главное помнить, что все-таки основное обучение, а именно повторение пройденного материала и изучение нового самостоятельно, проходит вне учебного заведения.
2. Акустическое пианино или же цифровое?
Ну после прочтения первого пункта не стоит расстраиваться и паниковать. Это еще не говорит о том, что вам нужно заставить свою и так небольшую квартиру огромным инструментом. И это не говорит о том, что вам придется терпеть по часу игры гамм вашего ребенка в квартире и тратить деньги на настройку инструмента. Ведь прекрасной заменой будет цифровое пианино.
И да, да, я знаю, что множество преподавателей стоят на защите «настоящего» акустического инструмента.
И это не есть ни хорошо, ни тем более плохо, это просто факт. Очень жаль, что эти же преподаватели не хотят входить в ваше положение, и категорически не понимают, что даже настройка инструмента – дело не дешевое. Подолгу службы, могу сказать, что если у человека есть возможность и желание приобрести именно акустическое пианино, а так же «содержать его», никто никогда не будет спорить и пытаться «перебить» настрой человека. Но мы обязаны предупредить о некоторых нюансах, а именно:
1. Цена инструмента. Зачастую это первый и последний пункт перехода к цифровому пианино. Новые акустические инструменты стоят не так уж и дешево (самые бюджетные от таких брендов как Kawai или Yamaha имеют стоимость около 5000 $), про бу поговорим немного позже.
2. Содержание инструмента: если инструмент новый, то настройка требуется около 1 раза в пол года, если же Вам достался инструмент бу не в самом «шикарном» состоянии, то настройка раз в два или три месяца гарантирована. Стоимость такой процедуры в зависимости от мастера (которых тоже не так много) и «запущенности» инструмента составит от 25 $.
3. Соблюдение влажности. Инструмент хоть и имеет грозный и массивный вид, на самом деле очень хрупок и «тонок». Ведь сделан он из дерева. И, как и любое дерево, реагирует на изменение влажности в помещении.
4. Громкость, которую никак нельзя изменить без «ухудшения» тембра инструмента. А ведь именно для «настоящего» звучания вы и склоняетесь к акустическому пианино. И да, прийти ребенку после музыкальной школы в районе 4 вечера, немного погулять, сделать уроки и сесть за любимый инструмент, не предоставляется возможным. Боюсь ваши, пусть и тоже творческие, соседи не готовы к такому изменению. Да и сами родители зачастую признаются, что первые года обучения очень тяжелые. Ребенок учится, и говорить о приятной мелодичной игре просто не приходится. Мой отец, человек военный и далеко нетворческий, затыкал проемы в дверях полотенцами, закрывал меня, закрывался сам и включал телевизор на полную громкость. Плоды его терпения, конечно, появились, и он уже вел своих друзей и величественным голосом произносил: «Голубые береты — синева».
Гордости его не было предела, но это было спустя долгое время. Поэтому тут нужно отдавать отчет, что как бы вы не любили своих детей, с самого начала вас обязательно будет раздражать короткая, но столь агрессивно-исполненная песенка с ошибками, которую повторяют раз за разом очень долгое время.
5. Отсутствие функционала. Это будет только звук пианино. Все. Никаких других возможностей, только пианино. 6. Габариты. Нужно понимать, что инструмент крупногабаритный, тяжелый, чтобы поднять его в квартиру необходимо несколько грузчиков. Поэтому передвинуть пианино, чтобы протереть сухой тряпочкой пыль за ним, не получится. А говорить о перемещении по квартире- даже и не стоит думать. Вот основные вещи, по причине которых многие не выбирают себе акустическое пианино.
И да, обещала пообщаться, про бу инструменты. Итак, если вы нашли объявление «Отдам даром» или «Отдам, только вывезите» и уже радостно прыгаете от экономии, то не спешите радоваться. Тут нужно брать мастера по пианино в руки и ехать только с ним (естественно не бесплатно).
Нужно знать, в каких условиях содержался инструмент, сколько поменял хозяев, каково его состояние. Ведь привезя домой (а это как минимум заплатив грузчикам не маленькие суммы), поставив инструмент дома, вы можете наблюдать как он разваливается у вас прямо на глазах. Еще раз повторюсь: пианино-это тонкий инструмент, который не любит плохого обращения. Поэтому будьте внимательны. Иногда приобретение такого инструмента может упасть в копейку, а радости не принести. Получить хороший инструмент практически даром очень сложно. Люди, которые имеют действительно крутые пианино у себя дома, вряд ли, будут выставлять их на продажу, а тем более отдавать.
Что же касается цифровых пианино. После долгих размышлений я решила «отдать» свои два акустических фортепиано и взять именно электронное.
….. Небольшое отступление. Пианино, которое приобрела себе Оля в разных цветах.…..
снят с производства
снят с производства
снят с производства
И могу сказать, что уже 4 года не жалею об этом ни разу.
Почему? А потому, что мой муж может спокойно работать, не слыша мое исполнение агрессивных саундов из «Ведьмак 3». Потому что я могу, придя с работы в 10 вечера, расслабиться и поиграть «для души» в наушниках. Потому что я обожаю играть тембрами пианино и струнных одновременно, придавать «старым» композициям новое звучание. Играть в четыре руки, не имея при этом второго человека. Просто записываю «нижнюю» партию, воспроизвожу и играю «верхнюю». Потому что люблю часто делать в нашей пусть и небольшой музыкальной комнатке перестановку (да, постоянная смена картинки не дает мне грустить, есть такой тип людей) и это не вызывает у мужа никаких негативных эмоций. Ведь ему не приходится грузить свою спину и руки тяжелой бандуриной. И т.к. комнатка маленькая, как я уже говорила, то компактность было первым пунктом при выборе инструмента. Тут мы плавно переходим в пункт: какое цифровое пианино выбрать? Но сначала закончим с этим. Очень хотелось бы добавить, что такого мнения придерживаюсь не только я.
Один известный преподаватель консерватории советуют своим ученикам покупать цифровое пианино ради удобства. Так же огромное количество учителей, которые приходят в салон и «пробуют» цифровое пианино, абсолютно адекватно понимают, что это не так уж плохо. На нем легко можно обучаться без вреда для техники исполнения, ведь механика молотков сохранена, а звук зачастую записан с «живого» инструмента. И многие преподаватели потом возвращаются, чтобы приобрести себе!!!! цифровое пианино.
Резюме: Если вы готовы к габаритам, громкому звуку, стоимости и усилиям по содержанию инструмента, а так же к цене нового пианино (если вы все таки решитесь на такой вариант), узкому функционалу, при этом, в замен получив настоящий «живой» звук с огромным количеством оттенков и натуральную клавиатуру, то берите смело акустическое пианино. Если нет, то переходим к цифровым пианино и их разнообразию!
3. Как выбрать цифровое пианино?
Итак, начнем с того, что моделей цифровых пианино огромное количество.
Все они разного размера, внешнего вида, механики клавиатуры, функционала, имеют разные звуковые процессоры, динамики и звучат, соответственно, по-разному. Ну и, конечно, цены….
Чтобы не брать что попало, необходимо просто обязательно сходить в магазин и послушать инструменты. Если такой возможности нет, то хотя бы обзоры вам в помощь и обязательная консультация с профессионалами в этой области. Консультанты из музыкальных магазинов вполне подойдут. Но нужно понять, общаетесь ли вы с человеком, который хочет вам помочь, или же просто ему нужно что-то продать вам (на своем опыте поняла, что таких людей очень много). Один из таких маячков, это заинтересованность в вашей проблеме. Часто сама посещала музыкальные магазины с целью посмотреть работу. Я просто заходила, спрашивала пианино и мне сразу предлагали вариант. Даже не уточнив никакой информации. Поэтому вариант, где вас спрашивают: «Для каких целей нужен инструмент? Смотрели ли вы что-то самостоятельно? Переносной или в корпусе? Какой бюджет? Какой цвет? И т. п.» — это правильная волна, в которую как минимум можно войти и послушать. И вам необходимо знать ответы на эти вопросы, поэтому подготовьтесь заранее. Итак…
А) Для каких целей инструмент?
Обязательно подумайте и решите, хотите вы ли вы пианино только для обучения игре, или же ваш ребенок будет заниматься творчеством и развиваться в сторону написания музыки. Это очень важно. Ведь существуют цифровые пианино с синтезаторными функциями (большое количество разных тембров, автоаккомпонементов, многодорожечная запись и т.п.). С другой стороны существуют пианино, которые не имеют даже функции записи. И «приделать» со временем функционал просто не получится. Поэтому заранее подумаете, какие возможности вы бы хотели видеть в инструменте.
Б) Переносной или в корпусе?
Итак, переносной инструмент представляет из себя только клавиатуру. В комплекте всегда есть адаптер питания, пюпитр (это подставочка для нот), педалька сустейн и инструкция. Т.е. отдельно вам необходимо приобрести как минимум стойку. Чем такие инструменты интересны. Первое и самое главное- это мобильность. Вы можете брать инструмент с собой (вес около 11 кг), легко перевозить на дачу, к бабушкам, убирать его на полку (если совсем нет места) и в принципе легко транспортировать.
Второй плюс- это цена. Да, переносные инструменты стоят дешевле корпусных. Но тут есть некоторые нюансы. Если вы приобретаете инструмент переносной, докупаете к нему деревянную (стационарную) стойку и блок из трех педалей, то по стоимости он выйдет вам как тот же инструмент в корпусе (конечно, мы берем полный аналог по звуку и механике), но при этом у вас не будет крышки на инструмент.
….. Небольшое отступление. Инструмент в корпусе- эти пианино, которое уже находится в стойке, имеет три педали и крышку, что закрывает клавиатуру….
А так же нужно осознавать, что корпусные инструменты больше любят сами производители, поэтому уделяют им больше внимания и усилий. Поэтому, зачастую, у инструментов в корпусе просто нет переносных аналогов. Так что придется подумать и решить. Если вы хотите инструмент прям «ВАХ ВАХ», то все-таки придется сделать выбор в пользу корпусных инструментов.
В) Стоимость.
Не стоит бояться этого вопроса никогда. Очень часто люди категорически не хотят дать ответ. И это усложняет работу. Получая: «Вы мне показывайте, а я Вам скажу нормально или нет», ты просто начинаешь рассказывать про все, что, конечно, отнимает время и у тебя и у людей. Так же, если идти от верхушки инструментов (а цены электронного пианино начинаются от 500 $ и заканчиваются бесконечностью), люди, которые не рассчитывали на такие суммы, сразу тушуются. И консультант, по сути, не успел рассказать, что есть и крутой инструмент за 700 $, а человек уже сразу решил, что не купит инструмент за 3000$ и поэтому тут ему делать нечего. Так что обязательно ограничивайте бюджет рамками. После предложенных моделей, обязательно спросите, если расширить бюджет на 100 $- может быть что-то лучше. Зачастую так бывает, и упускать возможности купить классный инструмент вложив не такую огромную сумму, не стоит.
И вот, после расспросов, ответов и подборов, вам предложили несколько вариантов, которые вам подходят по сумме, по цвету, по габаритам. Но какой из них выбрать? Вот несколько важных моментов:
1. Выбираем тот, который имеет больше сенсоров в механике клавиатуре. От этого зависит чувствительность и отзывчивость инструмента.
2. Выбираем тот, который имеет звучание настоящего акустического инструмента (сэплированный, т.е. звук записан с «живого» пианино).
3. Выбираем тот, который большую мощность. Эта цифра влияет не только на громкость. Большая мощность позволит даже на минимальной настройке звучать инструменту «вкусно», объемно и насыщенно.
Но самое главное надо выбирать тот, который нравится вам и вашему ребенку. Доверьтесь себе. Ведь именно вам слушать этот инструмент каждый день. Если вам и вашему ребенку он не нравится, то подходить к нему ученик не захочет, а вас даже его редкие подходы будут только раздражать. Главное помните, что предложенных вариантов должно быть несколько, а не «берите вот это и все». И да, хотелось бы добавить, что правило: «чем дороже, тем лучше» действует только в 90 % случаев. Пусть и не много, всего 10 %, но такое бывает, что можно найти инструмент лучше другого, но при этом чуть дешевле его (речь не идет о суммах в 500 $).
Надеюсь, моя демагогия была полезна для тебя, мой дорогой читатель и ты хоть немного разобрался в столь сложной тематике. По крайней мере, я постаралась рассказать все понятно и лаконично. Не бойтесь сложности выбора инструмента. И самое главное: выбирайте только правильные и специализированные магазины, в которых работают действительно профессионалы своего дела. Тогда поиск инструмента может стать даже очень интересным и увлекательным занятием!
Статья написана специалистом по клавишным инструментам Piano.by — Ольгой Шайтор.
PS. И напоследок. 2 познавательных видеобзора — как выбрать цифровое пианино, от еще одного эксперта по клавишным инструментам Piano.by — Марии
Как выбрать фортепиано для обучения. Часть I
23.08.2019
Накануне нового учебного года у родителей юных музыкантов, возможно, будущих Моцартов и Паганини, встает самый больной вопрос: выбор и покупка музыкального инструмента. И если для большинства инструментов есть готовые пути решения (ученические модели, возрастные б/у инструменты и т.д.), то у пианистов все гораздо сложнее.
В чём проблема?
Акустическое фортепиано — это дорогой инструмент, требующий не только большой суммы денег для покупки, но и регулярного обслуживания (настройки). Еще его крайне сложно транспортировать или даже перемещать в пределах одной комнаты — детских пианино, как, например, гитар, попросту не существует. А уж если инструмент однажды потребует ремонта…
Предположим, искомое все же было найдено, куплено и доставлено. Следующий этап — ежедневные многочасовые музицирования (вы и не знали, как можно ненавидеть песенку про кузнечика или “Во поле березка стояла”!), которые повлияют не только на родительские нервы, но и на отношения с соседями.
Какие могут быть альтернативные варианты?
Казалось бы — а что делать, искусство требует жертв! Но прогресс идет по планете семимильными шагами и проникает во все сферы, в том числе творческие, такие как музыка. Вряд ли кто-то из музыкантов никогда не слышал про цифровые пианино, электроскрипки, сайлент-гитару или сурдины для трубы. Собственно цифровое пианино или синтезатор с фортепианной клавиатурой отлично решают все возникающие проблемы, но с некоторыми оговорками.
Можно купить ребенку синтезатор, при следующих условиях:
- и вы, и ваш юный музыкант точно знаете, что музыка не будет дальнейшим выбором ребенка, вряд ли он как-либо свяжет свою жизнь с классической музыкой и вообще все это затеяно “для общего развития”;
- вашему ребенку интереснее играться с сэмплами и разбираться в возможностях той или иной техники, чем до посинения оттачивать этюды или сонаты;
- ваш ребенок будет обучаться не в классической музыкальной школе с соответствующими канонами и репертуаром, а с частным репетитором.
Если же с целями и перспективами вы не определились, то ваш вариант — цифровое пианино. Собственно, хорошая “цифра” — это и есть решение проблемы, обрисованной в самом начале. И вот почему:
- даже действительно крутое новое цифровое пианино стоит в разы дешевле акустических инструментов;
- новые модели цифровых пианино почти не отличимы от акустических: полноценная, практически такая же как у акустических инструментов клавиатура на 88 клавиш с реалистичной механикой, качественные рояльные сэмплы, хорошая акустика — все, что требуется для успешного обучения юного пианиста;
- все цифровые пианино снабжены выходами под наушники, а это значит, что заниматься можно хоть 24 часа в сутки — музыкант никому не помешает;
- инструмент не нуждается в настройке, легко транспортируется и при необходимости перемещается по квартире. Наиболее распространенный ремонт — замена резинок под клавишами — нельзя назвать ни сложным, ни дорогостоящим;
- даже если в конце концов окажется, что юный пианист наигрался и теперь хочет стать гитаристом, программистом или космонавтом, цифровое пианино можно продать с гораздо меньшей потерей в стоимости, нежели акустическое, или оставить дома как стильный предмет интерьера и, учитывая качество и надежность, будущее наследство внукам.
В чем подвох?
Цифра — отличный вариант для постановки рук, разучивания произведений и регулярной практики. Но любой хороший преподаватель будет настаивать: акустический инструмент заменить нельзя. Ни одно цифровое пианино не будет так звучать и ощущаться, как концертный рояль. Собственно, именно это и становится, как правило, камнем преткновения №1 при выборе инструмента: “Учитель в школе сказал, что нужен полноценный акустический инструмент”.
Это мнение имеет право на жизнь, но цифру можно и нужно использовать для домашнего музицирования. Об этом и о том, как переубедить непреклонных классических педагогов, мы поговорим в следующий раз.
КАК ВЫБРАТЬ ФОРТЕПИАНО ДЛЯ ОБУЧЕНИЯ. ЧАСТЬ II — ВЗВЕШИВАЕМ ВСЕ “ЗА” И “ПРОТИВ” >>>
КАК ВЫБРАТЬ ФОРТЕПИАНО ДЛЯ ОБУЧЕНИЯ. ЧАСТЬ III — МОДЕЛИ И ЦЕНЫ >>>
Возврат к списку
секреты роялей Steinway & Sons — Российская газета
Почему рояли Steinway & Sons выбирают 9 из 10 концертирующих пианистов? Задавшись таким вопросом, корреспондент «РГ» побывала на фабрике компании в Гамбурге и узнала массу подробностей об этих знаменитых музыкальных инструментах.
Рояли Steinway & Sons с середины XX века фактически стали эталоном в музыкальной индустрии: они участвуют в большинстве крупных фортепианных концертов и студийных звукозаписей. Причиной тому яркость и мощность звучания, рассчитанного на большие залы. Впрочем, любители относятся к «стейнвеям» не менее трепетно, чем профессионалы. А кроме того, свыше 160 консерваторий, колледжей и музыкальных школ в мире укомлектованы инструментами исключительно этой марки.
Стоимость их довольно высока: самый обычный серийный рояль стоит около 100 000 евро. Помимо этого, выпускаются специальные лимитированные серии, о которых мы расскажем подробнее.
Немецкие музыкальные корни
Не все любители музыки знают, что у американской компании Steinway & Sons не одна, а целых две фабрики: в Нью-Йорке и Гамбурге. И что основателем компании был немецкий иммигрант Хайнрих Энгельхард Штайнвег. Когда-то он в Германии занимался изготовлением фортепиано (под названием, конечно же, Steinweg), в 1850 году эмигрировал в Америку, через три года основал в Нью-Йорке компанию по производству роялей Steinway & Sons, а затем официально сменил имя на более благозвучное для американского слуха — Генри Э. Стейнвей.
Рояли новой компании были весьма продвинутыми, в них постоянно что-то улучшалось с технической и акустической точек зрения: почти половина из 128 запатентованных компанией изобретений были сделаны двумя первыми поколениями семьи Стейнвеев. Например, патент на чугунную раму рояля получен еще в 1885 году.
Чтобы выйти на европейских клиентов, желавших приобрести фортепиано Steinway, но при этом избежать высоких европейских налогов на импорт, в 1880 году сыновья Стейнвея основали фабрику в немецком городе Гамбурге. В 1890 году компании удалось стать поставщиком двора английской королевы Виктории, а затем эти инструменты «пришлись ко двору» правящих семей Италии, Норвегии, Персии, Португалии, Румынии, Испании, Швеции и России. Фабрики Steinway & Sons в Гамбурге и Нью-Йорке регулярно обменивались опытом и продолжают делать это по сей день. В Германии изготавливаются 7 моделей роялей (они отличаются размерами) и 2 модели пианино.
Steinway & Sons в цифрах:
12 000 — число деталей инструмента
88 — число клавиш
1 год — средний срок производства рояля,
100 дней — столько рояль «расслабляется» после изготовления (при 29,5 градусов Цельсия и 45% влажности)
Дорогие и знаменитые
Самый дорогой рояль в мире был создан в 2008 году под заказ на фабрике Steinway & Sons в Гамбурге. Его стоимость составила 1,2 миллиона евро.
А самым дорогим пианино стал инструмент, изготовленный на той же фабрике фабрике в Гамбурге в 1970 году — тогда его приобрёл Джон Леннон, причем всего за $1500. Он на нем сочинил и записал знаковую песню Imagine. Это пианино присутствует в фильме, снятом в доме Леннона в Англии в 1971 году: в том эпизоде, где Джон поёт Imagine своей жене Йоко Оно. В 2000 году пианино, ставшее знаменитым, было выставлено британским коллекционером на аукцион, и его приобрел Джордж Майкл, предложив 1,67 млн британских фунтов ($2,1 млн).
Картинки с выставки
С конца XIX века в компании существует отдел искусства: здесь создаются инструменты ограниченных серий в коллаборациях с художниками, дизайнерами или даже компаниями (мы обнаружили рояль, созданный совместно с Lalique). В 2003 году в честь 150-летия Steinway & Sons уникальное пианино, названное «S.L.E.D.», создал дизайнер Карл Лагерфельд, уроженец Гамбурга: это пианино было выполнено в драматическом сочетании красного и черного цветов. Через 10 лет известный американский дизайнер мебели Дакота Джексон создал пианино «Arabesque» из индонезийского макассарового дерева, и оно в 2014 году получило престижную премию в сфере дизайна — Red Dot Awards.
Рояль, созданный в сотрудничестве с производителем хрусталя Lalique. Фото: Оксана Бугрименко
Интереснейший рояль в 2017 году был посвящен великому русскому композитору Модесту Мусоргскому и его циклу фортепианных пьес «Картинки с выставки». Идея оформления принадлежала пианисту с титулом Steinway Artist Полу Уайзу. Интересно, что Пол Уайз — не только пианист, но и известный североамериканский художник-портретист (его работы висят в Национальной Портретной Галерее, в Смитсоновском Институте и в Палате общин Канады).
Рояль, посвященный циклу композитора Мусоргского «Картинки с выставки», оформлен пианистом и художником Полом Уайзом. Фото: Steinway & Sons
Над этим роялем компания работала более 4 лет, и это первый инструмент Steinway & Sons, посвященный музыкальному произведению. С помощью звучания рояля Steinway и своих картин на нем Уайз приглашает зрителей в многомерное путешествие. Корпус и крышка рояля расписаны маслом, на них изображены образы русской музыкальной истории и фольклора. Уникальные ножки выполнены в виде избушки Бабы Яги. «У этого рояля своя собственная жизнь, — подчеркивает Уайз, — Для меня это попытка понять загадочную русскую душу и все ее грани: сказки, были, историю и увлекательную политику, которые соединяются удивительным и вместе с тем драматическим образом воедино».
Черный бриллиант
В апреле этого года компания Steinway & Sons представила рояль Lang Lang Black Diamond («Черный бриллиант Лан Лана»). Инструмент был специально создан для американского пианиста-виртуоза китайского происхождения Лан Лана. Работать над дизайном пригласили давнего друга компании — Дакоту Джексона. «Черный бриллиант» получил название за блеск и отражения поверхностей, а также бесконечную игру бесконечных звуковых возможностей, перекликающуюся с манерой исполнения Лан Лана. Дизайн Black Diamond Lang Lang совмещает в себе элегантность классического черного эбенового дерева и дерева макассар с его насыщенной глубиной. Три тонких силуэта в форме бриллианта — на ножках, крышке и обратной стороне корпуса. Небольшой силуэт бриллианта выгравирован в серебре над клавиатурой.
Специальный выпуск Black Diamond ограничен 88 роялями (по числу клавиш) модели B и дополнительными 8 концертными роялями модели D с отделкой из эбенового дерева мaкассар. Все модели оснащены новейшей технологией Spirio R.
Lang Lang Black Diamond, Limited Edition, модель B, цена в России 315 000 евро (в рублевом эквиваленте). Модель оснащена новейшей технологией Spirio R. Фото: Steinway & Sons
Технология Steinway Spirio
Что же такое технология Spirio, одним из первых почитателей которой оказался Лан Лан? Не случайно ею оснащена модель его имени. Это инновационная система воспроизведения музыки на фортепиано в высоком разрешении, которая позволяет записывать свою собственную игру и затем воспроизводить её на том же самом фортепиано.
Принципиальное изобретение Spirio состоялось 70 лет назад, но с тех пор эта система постоянно совершенствовалась компанией в соответствии с техническим прогрессом. Деликатный акцент громкости звука, тонкая фразировка, мягкие перепады и громоподобные фортиссимо не представляют никакого труда для Steinway Spirio. Скрытые от глаз детали устройства воспроизведения (это несколько сотен «ключей» к каждой клавише) незаметны при прикосновении или во внешнем облике фортепиано. Это подтверждается тем, что фортепиано с системой Spirio используется, помимо записи, так же, как и любое другое обычное фортепиано — просто для игры на нем.
Фото: Оксана Бугрименко
Сегодня система, контролируемая через iPad, создает новые способы взаимодействия с инструментом и наслаждения музыкой. Например, Spirio обладает собственным музыкальным каталогом выступлений великих музыкантов разных жанров, от классики до джаза, в высоком качестве. Причем эта система совмещена с видеозаписью того или иного выступления (такая кропотливая работа по «переводу» видео- и звукозаписи в Spirio занимает несколько месяцев). В итоге во время воспроизведения складывается ощущение — магическое, но вместе с тем даже чуть пугающее, — что специально для владельца «стейнвея» в этом пространстве играют Владимир Горовиц или Телониус Монк.
Для управления системой Spirio рояль снабжен iPad, который подключается к нему при помощи беспроводной технологии. Фото: Оксана Бугрименко
Полный каталог выступлений Steinway предоставляется покупателям в комплекте к покупке Steinway Spirio без дополнительных взносов и (впервые в индустрии воспроизведения игры фортепиано) обновляется каждый месяц. Увлекательное и простое в использовании приложение для Steinway Spirio обеспечивает доступ к библиотеке выступлений музыкантов мирового уровня.
Редкие виды
«Драгоценности короны Steinway» — это серия инструментов с использованием виниров из редких сортов древесины. Фортепиано этой серии уходят от традиций полировки черного эбенового дерева в пользу использования необычных, визуально запоминающихся виниров. Используется палитра ярких цветов и драматических оттенков на тщательно отобранных редких сортах древесины. Компания демонстрирует мастерство специалистов, а клиенты понимают, каким уникальным инструментом они обладают.
Фото: Steinway & Sons
Древесина для виниров — это индонезийское макассаровое дерево, восточно-индийское розовое дерево, кевазинга бубинга, янтарное дерево, красное дерево, индийское яблоневое дерево. В каждом отдельном случае древесина отбирается и приобретается специалистами Steinway по дереву из надежных источников и обрабатывается экспертами для подготовки производства фортепиано.
Тонкость каждого отдельного винира составляет всего лишь 0,5 мм: он на ощупь как тонкая бумага. Перед нанесением винира мастера обеспечивают идеальную стыковку пластин от одного края к другому, включая скошенный угол крышки инструмента.
В шоуруме фабрики в Гамбурге выставлены рояли и пианино разных размеров, из разных пород дерева, разной стоимости. Но всех их объединяет прекрасное качество, великолепный звук и то, что сделаны они людьми, искренне любящими свое дело.
Чтобы убедиться в этом, можно съездить в гости к Steinway & Sons. Правда, экскурсионные туры сейчас проводятся только на фабрике в Нью-Йорке, но индивидуальные туры для клиентов возможны и в Нью-Йорке, и в Гамбурге. Впрочем, для начала можно и не отправляться так далеко, а посетить шоурум Steinway & Sons в подмосковном Красногорске и почувствовать, какую атмосферу создают лучшие в мире концертные рояли.
Детские картинки — Детский альбом, Тетрадь 1 — Соло для фортепиано
Ряд:
Пианино
Издатель: Sikorski
Пианино
Композитор:
Арам Хачатурян
Этот том содержит 10 произведений, в том числе все восемь произведений, ранее изданных как «Приключения Ивана.»
Содержание: Андантино (Иван поет), Сегодня не ходить (Иван не может выйти сегодня), Лядо серьезно болен (Иван болен), День рождения (Иван идет на вечеринку), Учеба (Иван очень занят) ), Музыкальная картина (Иван и Наташа), Кавалерия (Ивановский конь), Инвенция, В народном стиле (Повесть о чужих краях), Фуга.
Список песен
Распечатать
- АНДАНТИНО
- ЭТЮД — ОБУЧЕНИЕ
- FUGE — FUGUE
- GEBURTSTAG — ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ
- HEUTE KEIN SPAZIERGANG — СЕГОДНЯ НЕ ПРОГУЛКА
- ИЗОБРЕТЕНИЕ
- LJADO IST SEHR KRANK — ЛЯДО СЕРЬЕЗНО БОЛЕЗНЕН
- MUSIKALISCHES BILD — МУЗЫКАЛЬНАЯ КАРТИНА
- REITEREI — КОЛЬЦА
- ВОЛЬКСТУМЛИЧ — В НАРОДНОМ СТИЛЕ
21 доллар.00
(НАС)
Инвентарный номер HL 50484189
UPC: 073999223323
Код издателя: SIK2144
Ширина: 8,25 дюйма
Длина: 11,75 дюйма
31 стр.
Цены и наличие могут быть изменены без предварительного уведомления.
10 лучших произведений классической музыки для детей
1 декабря 2020, 09:40
Классическая музыка для детей.
Картина:
Getty
От волшебных балетов Чайковского до бурных оркестровых прелюдий Бизе — некоторые из величайших классических произведений идеально подходят для детей младшего возраста.
Вот наша подборка лучших произведений классической музыки для детей.
1. Сен-Санс — Карнавал животных
«Великая зоологическая фантазия» Сен-Санса одновременно прекрасна, забавна и остроумна.«Лебедь», одно из самых знаковых движений, написано для двух фортепиано и соло для виолончели с успокаивающей мелодией для виолончели, представляющей легкое скольжение птицы, в то время как катящиеся аккорды фортепиано рисуют музыкальную картину скрытых ног лебедя, яростно гребущего под водой.
Слушайте новый подкаст Classic FM для детей, представленный Дэвидом Уоллиамсом>
Каждое из 14 движений пьесы представляет различных животных, включая льва, осла и слона, а также окаменелости, аквариум, вольер и — шутка Сен-Санса — пианисты, возможно, самое опасное животное из всех…
2. Чайковский — Лебединое озеро
От изящного вальса в I действии до игривого «Танца лебедей» — эта музыка просто волшебна. Балет Чайковского рассказывает историю обреченной любви принца Зигфрида и принцессы Одетты, которую злой барон фон Ротбарт превратил в лебедя.
Заклинание можно разрушить, только если тот, кто никогда раньше не любил, поклянется в вечной любви и пообещает жениться на ней. Принц признается Одетте в любви и обещает быть верным ему вечно … но их конец не такой уж и приятный.
3. Прокофьев — Петя и Волк
Если вам нужны известные имена, то симфоническую сказку Прокофьева для детей рассказали одни из лучших в этой сфере. Дэвид Боуи, Патрик Стюарт и Александр Армстронг озвучили детскую историю русского композитора.
Каждый персонаж сказки представлен инструментом в оркестре: утка — гобоем, дедушка — фаготом, птица — флейтой, волк — тремя рогами.Перед выступлением детям обычно показывают инструменты, что помогает им понять уникальное звучание каждого оркестрового инструмента.
4. Бетховен — Für Elise
Багатель № 25 ля минор Бетховена редко упоминается в столь грандиозных выражениях; вместо этого все, кто его знает и любит, называют его просто по прозвищу «Für Elise».
Захватывающая фортепианная мелодия коротка, сладка и красиво проста — и если когда-либо существовала пьеса, которая могла бы вдохновить музыкально настроенных детей на занятия на фортепиано, то это она.
5. Штраус — Прекрасный Голубой Дунай
Именно из-за этого своего самого известного музыкального произведения Иоганн Штраус Младший получил прозвище «Король вальса». От мерцающих струн в начале до фантастической мелодии вальса и насыщенной музыки виолончелей — Штраус отправляет нас в великолепно описательное музыкальное путешествие.
6. Моцарт — Eine Kleine Nachtmusik
Настоящее название этого многолетнего фаворита Моцарта — Serenade No.13 в G, хотя неофициальное название пьесы «Eine Kleine Nachtmusik» прижилось.
Написанная, когда Моцарту был всего 31 год, это воодушевляющее музыкальное произведение, идеально подходящее для юных слушателей, отличается великолепно мелодичными струнами.
7. Чайковский — Щелкунчик
От элегантного «Вальса цветов» до захватывающего «Русского танца» партитура очаровательного балета Чайковского — это праздник прекрасных мелодий. Среди других фаворитов — «Танец фей сахарной сливы» и «Танец тростниковых флейт».
Несмотря на свою непреходящую способность очаровывать рождественскую публику, музыка Щелкунчик обожает семьи и маленькие дети круглый год.
8. Handel — Water Music
Handel’s Water Music состоит из трех замечательно веселых оркестровых сюит, приятных для слуха и жизнерадостных.
Заполнено запоминающимися и известными мелодиями, каждое движение основано на танцевальном стиле, но это Сюита No.1, который является самым популярным. В одиннадцати разделах он начинается красивой Ouverture во французском стиле, продолжается бойким «Bourée», величественным «менуэтом», и заканчивается грандиозным «Alla Hornpipe».
9. Элмер Бернштейн — Великий побег
Веселая, торжественная, запоминающаяся и чрезвычайно веселая тема Элмера Бернстайна — идеальное сопровождение к этому фильму о Второй мировой войне, в котором Стив Маккуин, Джеймс Гарнер и Ричард Аттенборо вдохновляют массовый побег от немца. лагерь для военнопленных.
Веселый ритм и мучительная тема делают этот саундтрек неизменным фаворитом юных слушателей.
10. Бизе — Увертюра к Кармен
Вторая опера Бизе настолько наполнена запоминающимися мелодиями, что гарантировала почти постоянное положение самой популярной и часто исполняемой оперы в мире.
Начальный номер спектакля лихорадочный и волнующий, с волнующей мелодией в струнных и постоянно ритмичным аккомпанементом в секциях духовых и литавр.Если эта грозная прелюдия еще не застряла в голове у вас и вашего ребенка, то теперь это будет…
фортепианная музыка для детей | Записи Божественного Искусства
Возможно, они написаны для детей, но не все эти пьесы так просты, как следует из названия! Миниатюрные современные шедевры величайших композиторов ХХ века.
Раймонд Кларк — признанный мастер репертуара 20 века, и его предыдущие записи получили безмерную похвалу.Его называют «потрясающим пианистом с исключительным даром».
Трек-лист
Бела Барток:
Игорь Стравинский:
Сергей Прокофьев:
Дмитрий Шостакович:
Арам Хачатурян (1903-1978):
Аарон Копленд:
Антон Веберн:
Бела Барток:
Обзоры
Журнал DSCH
«
Приверженность Рэймонда Кларка музыке 20 века не вызывает сомнений. Технически и эмоционально детской музыке может не хватать глубины, хотя большая часть этого диска доказывает, что это не всегда так … но они достаточно приятны, чтобы заслужить ответный визит, особенно в руках Кларк. Записи Кларка — настоящий бонус. Разнообразие представленных стилей гарантирует, что диск никогда не превзойдет своего желанного
”- Джон Райли
Брэттлборо Реформатор
«
… пианист Раймонд Кларк приводит веские аргументы в пользу каждой [пьесы]… учителя фортепиано наверняка захотят получить копию этой программы… Остальные из нас могут просто наслаждаться музыкой
”- Фрэнк Беренс,
Журнал BBC Music
«
… демонстрация того, что композиторы высокого уровня могут писать с простотой без ущерба для своего стиля… [Раймонд Кларк] очень хорошо умеет быстро задавать настроение каждой пьесе… ⭐️⭐️⭐️⭐️
”- Мартин Коттон
MusicWeb
«
Не знаю, чьей идеей был этот компакт-диск, но он был гениальным.Само собой разумеется, что [Кларк] технически хорошо владеет этой музыкой, а его выступления уравновешены, образны и ярко выражены. К компакт-диску прилагается научный и информативный буклет с записями самого Раймонда Кларка, а фортепиано — превосходная модель D от Steinway в Университете Ньюкасла. Больше Пожалуйста!
»- Гвин Парри-Джонс,
Журнал Пианист
“
Это сборник прекрасной музыки… очень приятной… запись для наслаждения
”- Стивен Прист
Чернокожие дети играют на пианино Стоковые Фото
-
400-07036241
Портрет маленького ребенка, играющего музыку на черно-белой клавиатуре пианино
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-07507676
Маленькая девочка пытается играть на пианино своими мизинцами.
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-07036247
Портрет маленького ребенка, играющего музыку на черно-белой клавиатуре пианино
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-04736009
Руки матери и ребенка играют на пианино
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-05041013
женщина передает клавиши пианино, черный фон
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-05104384
детские руки, играющие на клавиатуре
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-07036246
Портрет маленького ребенка, играющего музыку на черно-белой клавиатуре пианино
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-04433467
Ребенок, играющий на пианино
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
-
400-08433243
Мальчик играет на пианино с нотами.Мальчик-фортепиано. Пианист.
Бюджет без лицензионных отчислений и подписка
Как исправить положение руки у юных пианистов с помощью супер-простого трюка!
Вопрос: Одна из самых больших проблем в обучении игре на фортепиано — это положение рук. Я перепробовал так много разных стратегий — обсуждал и демонстрировал естественную круглую форму руки, играл на их руке, их голове, демонстрировал на клавишах, заставлял их кататься на моей руке, используя такие фразы, как « вытащить звук из пианино, не нажимайте на клавиши, держите запястье расслабленным, пусть они чувствуют мое расслабленное запястье и т. д., и т. д.! Мои попытки развить правильную технику, кажется, все еще оставляют меня с теми немногими учениками, которые, чем бы я ни занимался, не могут перестать играть с «летающими пальцами» и напряжением в руках.Хотелось бы услышать ваши стратегии по исправлению этого положения!
Исправление положения рук у юных учеников, изучающих игру на фортепиано. находится в центре внимания учителя игры на фортепиано при обучении юного новичка, поскольку мы слишком хорошо знаем, что от плохих навыков игры на фортепиано трудно избавиться. И поэтому мы, учителя фортепиано, можем сказать… «Не забывай пузырь! Держи теннисный мяч! Не давите котенка! » … или мой личный фаворит, «Руки из кекса, а не руки из блинов!» И хотя эти образы подходят для некоторых студентов, изучающих фортепиано, другие продолжают многократно лопать пузырь, терять мяч и превращать котенка в блин.Результат не очень приятный.
Перед тем, как начать… Проверить…
Приступая к задаче по исправлению положения руки ученика-пианиста, сначала проверьте общую картину, на которой ученик-пианист сидит на скамейке. Они:
1. Правильное расстояние от ключей? Если они находятся слишком близко, это значительно увеличивает шансы «блинных рук».
2. Правильная высота на скамейке? Учащиеся, расположенные слишком низко по отношению к клавиатуре, вынуждены неправильно наклонять запястье, чтобы дотянуться до клавиш.Инвестиции в регулируемую скамью нужны для действительно крошечных.
3. Показано напряжение в плечах, локтях и запястьях? Если это так, то в порядке вещей поднять руки вверх, а затем вниз к клавишам. При этом детям нужна звуковая помощь, чтобы добиться нужной грациозности (большинство детей не приходят по милости естественным образом). Пока мы делаем это упражнение, я включаю запись спокойной фортепианной музыки, и это действительно помогает им расслабиться.
4.Играете слишком далеко на или слишком низко на клавишах? Некоторым детям нравится, что их пальцы зажаты между черными клавишами, другие опасно балансируют близко к краю. Убедитесь, что их пальцы лежат на клавишах в естественном месте.
Фиксация положения руки… с гусем!
Это правильно? Для большинства начинающих учеников игры на фортепиано источником проблем с положением рук является неправильное положение большого пальца (). Большой палец — единственный палец, который не нажимает на клавиши кончиком.И хотя это, безусловно, доминирующий палец, если он повернут под неправильным углом, это создает проблемы для остальной группы пальцев. Но не бойтесь. Гусь здесь.
Повеселитесь со своим учеником и нарисуйте глупые глазки по бокам его рук. Затем научите их делать руки в форме гусиного клюва (см. Рисунок). Вы не можете сделать настоящего гуся, если у вас не будет большого пальца в удобном положении для игры на пианино! Как только они найдут «гусиную позу», повеселитесь «посигнальте» или сделайте теневые куклы на стене.(Да, вам за это платят)… а затем попросите их возложить руки на клавиши пианино. Учащиеся должны осторожно раздвинуть пальцы, но пальцы должны оставаться неизменными. Как только их «клюв» расслабляется, их большой палец (и, следовательно, остальная часть руки) должны находиться под идеальным углом для удобного положения руки. Забавные глазки, оставленные на их руках, служат постоянным напоминанием о том, чтобы сохранить эти гусиные пальцы!
Как избежать проблем с положением рук у студентов, изучающих фортепиано , принесет огромные выгоды.Итак, смени свой жаргон; Избавьтесь от блинчика с котенком, который надувает пузыри и держит теннисный мяч, и променяйте их всех… на гуся. Ваши ученики будут вам за это благодарны.
Запоминающиеся моменты обучения рождаются из памятных материалов! Будь то исправления техники или теоретические концепции, если вы можете заставить вашего ученика смеяться и веселиться, тогда вы гигантский шаг вперед! Наши игры PianoGameClub позволяют легко развлечь занятия и теорию слуха. Всего за 8 долларов в месяц вы получите 4 новые игры, которые принесут смех и обучение в вашу студию.Узнайте больше здесь.
4 способа использования Instagram в My Piano Studio
Если у вас есть смартфон, скорее всего, вы уже используете Instagram. С более чем 800 миллионами пользователей это довольно большая проблема ? И хотя вы, вероятно, уже публикуете фотографии своей кошки, вашего обеда, рожка мороженого ваших детей и вашего последнего похода в свою личную учетную запись … добавляя учетную запись для своей студии обучения игре на фортепиано на самом деле может быть довольно удивительным и мотивирующим средством обучения!
Помимо использования учетной записи студии Instagram для рекламы, вы также можете использовать это приложение как способ связи со своими подростками и учениками-подростками и как средство мотивации для детей всех возрастов.Сегодня мы расскажем о 4 способах использования Instagram в качестве обучающего инструмента, о , но прежде чем мы это сделаем … давайте убедимся, что вы используете его в максимальной степени для рекламы из уст в уста!
Что такое Instagram?
Instagram — это бесплатное приложение для фотографий, которое позволяет пользователям делать фотографии, добавлять забавные эффекты фильтров и делиться ими со своими подписчиками (вы также можете оставить их в секрете). Это стремительно развивающаяся тенденция, и в результате появилось множество потрясающих небольших предприятий, которые удовлетворяют все ваши потребности в Instagram. Примечание: мы ссылаемся на одну из этих услуг ниже, но «прикидываем», мы никоим образом не связаны ни с одним из этих предприятий.
Instagram можно бесплатно скачать, где бы вы ни находились. Если у вас уже есть Instagram, вы можете добавить вторую учетную запись в свою личную учетную запись (и вы можете сделать свою личную учетную запись частной, если вы не хотите, чтобы ваши семьи из студии не видели эти фотографии). Чтобы добавить вторую учетную запись , просто щелкните значок «шестеренка» в правом верхнем углу, прокрутите вниз и выберите «Добавить учетную запись».Вам нужно будет подтвердить свой адрес электронной почты, создать пароль и т. Д., Но это займет всего несколько минут.
Я рекомендую выбрать имя пользователя для вашей студии, которое ясно показывает, что вы изучаете фортепиано в студии. Используйте свой логотип как аватарку или профессиональную фотографию себя. Включите свое местоположение в свою биографию, чтобы пользователи знали, находитесь ли вы поблизости. Вы можете включить хэштег в свою биографию и ссылку на свой веб-сайт, если захотите.
** Всегда получайте письменное разрешение родителей, прежде чем размещать какие-либо фотографии в социальных сетях **… это очень, очень важно.
Хранение учетной записи для преподавания игры на фортепиано отдельно от личной означает, что вы можете полностью сосредоточиться на фотографиях, связанных с фортепиано, и создать учетную запись, которая наглядно демонстрирует те удивительные вещи, которые вы делаете в своей студии. Поощряйте свои семьи в студиях подписываться на вас и включайте в свои сообщения соответствующие хэштеги, чтобы привлечь внимание. Вы также можете связать свою учетную запись Instagram с учетной записью Facebook, чтобы все, чем вы делитесь в Instagram, также отображалось на вашей странице Facebook.
Помимо публикации фотографий студентов (с разрешения), включите изображения учебных ресурсов, которые вы используете, настройки вашей студии, видео с учащимися, играющими и т. Д. И psst… , если вы используете наши ресурсы, обязательно отметьте нас #WunderKeys или #TeachPianoToday, чтобы мы увидели! Наши бесплатные фото-реквизиты Piano Studio постоянно появляются в Instagram и являются отличным способом повысить интерес к вашему аккаунту! Найдите их здесь.
Instagram можно использовать не только для рекламы, построения бренда и создания сообщества. Ознакомьтесь с четырьмя способами использования Instagram в качестве учебного пособия в своей студии:
1. Освоенные меры
Создайте большой плакат для зоны ожидания и нанесите на него трафарет «Попался!». Вы создали доску «Mastered Measure». В каждой фортепианной пьесе всегда есть «те меры», которые сложнее других. Чтобы поощрить тренировку и овладение этой мерой, позвольте вашим ученикам по игре на фортепиано сфотографировать эту конкретную меру (когда она будет доведена до совершенства) и выбрать свой собственный забавный фотоэффект.Опубликуйте свой Mastered Measure в своей учетной записи Instagram, указав (имя) ребенка и то, что они сделали, чтобы освоить его.
После того, как вы соберете кучу отлаженных мер, перейдите в Social Print Studio и добавьте все свои фотографии Mastered Measure в одну из их стикеров. Вы получаете 252 стикера за заказ, и они входят в симпатичную книжку. Затем ваши ученики могут разместить свои «Основные меры» на доске с наклейками в зоне ожидания и написать свое имя внизу. Это интересный способ избавиться от сложных частей пьесы.На самом деле, ученики, скорее всего, попросят фортепианные пьесы, которые сложнее заработать, просто наклеив наклейку на доску! Принесите свой плакат «Mastered Measure» на свой вечерний вечер и покажите его, чтобы родители могли увидеть, как их дети усердно трудятся в течение года.
* 252 — это много наклеек… так что вы можете использовать эту книгу наклеек для множества других целей! Все дети-пианисты любят наклейки … представьте, если бы у них были наклейки, которые они могли бы собрать, с их любимой книгой, игрой на пианино, их выступлением на вашем концерте, талисманом фортепианной студии домашнего любимца, который находится под вашим пианино … нет предела!
2.Мини-музыкальный ежегодник
Для студентов, изучающих фортепиано, которым для мотивации к завершению пьесы требуется нечто большее, чем просто галочка или наклейка, или для тех, кто выполняет «задачи из 100 пьес» и т. Д., Сфотографируйте своего ученика, держащего свою книгу по фортепиано, открытую для последних. кусок, который они «отметили». Затем вы можете легко распечатать мини-альбом (прямо из Instagram) с местом для 100 фотографий каждый. Когда учащиеся в вашей студии набирают 100 завершенных произведений, каждый из них получает мини-альбом с фотографиями из них и завершенных произведений. Дети любят все мини — это отличный мотиватор, чтобы завершить эти работы и набрать 100 (как соло, так и в группе). ).Эти маленькие книжки стоят 2 штуки по 15 долларов. Родители были счастливы покрыть расходы.
3. Маркеры стимулирования практики
Каждый раз, когда в студии проводится программа поощрения за практику, я использую не просто имя студента, а его фотографию в Instagram. Когда мы не отслеживаем время тренировок, эти фотографии «живут» под вывеской в зоне ожидания с надписью «Наши студенты — звезды». Это хорошая реклама ( «Посмотри, сколько у меня студентов!» ), и она создает чувство общности в студии ( «О! Эйдан Джонс тоже берет уроки здесь! ) Печать мини-фотографий действительно экономична, вы можете получите 48 за 15 долларов здесь.
4. Стартеры состава
У меня есть стопка ламинированных фотографий в Instagram, на которых запечатлено все, от кошки до водяной лилии. Они отлично подходят для начала сочинения — ученики, играющие на фортепиано, случайным образом выбирают «карточку» из шляпы или стопки и создают мотив и настроение для своей композиции на основе того, что изображено на картинке. Это отличный способ дать толчок их воображению и заставить задуматься о том, как пианино может передавать смысл. Детям нравится, что фотографии в Instagram маленькие, квадратные и красивые (фотофильтры действительно могут создавать изящные эффекты).Если вам удастся привлечь их внимание с помощью материалов, которые вы используете, вы на шаг впереди всех.
Так что зайдите в магазин приложений, скачайте Instagram бесплатно и получайте клики! Используйте свое воображение и воспользуйтесь огромными возможностями, которые предоставляет Интернет, чтобы привнести уникальные и новаторские идеи обучения в вашу фортепианную студию.
Нужны «крутые» вещи для включения в свой аккаунт в Instagram? Изображения наших книг PianoBookClub и игр PianoGameClub привлекают внимание и показывают всему миру, что вы используете самые современные творческие материалы! Узнайте, как всего за 8 долларов в месяц можно собрать репертуарную библиотеку или собрать коллекцию игр вашей мечты.
11 различных типов фортепиано
В вашей гостиной может появиться элегантный фокус, например, пианино. Убедитесь, что выбранное вами пианино соответствует вашей семье и образу жизни.
Фортепиано было изобретено в 1709 году в Италии мастером клавесина Бартоломео ди Франческо Кристофори. Он назвал его gravicèmbalo col piano e forte , что означает «клавесин с громким и мягким звуком». Позже его сократили до «фортепиано» и, наконец, до «фортепиано».«В течение почти столетия только аристократы и члены королевской семьи могли себе их позволить, потому что самые ранние модели были очень дорогими.
Crystal Piano считается самым дорогим фортепиано и продано на аукционе за 3,22 миллиона долларов. Он имеет прозрачный корпус и был разработан канадским производителем Heintzman Pianos. Впервые в нее сыграли публично во время Олимпийских игр 2008 года в Пекине китайский пианист Ланг Ланг.
Типы
Пианино пианино
Источник: Yamaha
Пианино пианино одно из самых распространенных на рынке.Их часто можно увидеть в церквях США. Прямое пианино легче вписывается в чей-то дом или здание, чем его старшая сестра, рояль. Они не обязательно маленькие; они просто не такие большие и широкие, как рояли.
Вы можете очень удобно установить пианино прямо у стены. Это позволяет поставить пианино в углу комнаты и держать его подальше. Эти пианино менее желательны для живых выступлений, поскольку пианисту будет трудно видеть толпу или быть замеченным толпой.В этом случае пианист смотрел бы на стену или на само пианино. Эти пианино в основном используются дома, в школах или для воспроизведения музыки на церковных службах.
Самая большая разница между пианино и роялем состоит в том, что струны и действие вертикальны в вертикальной версии этого инструмента. В результате пианино работает совершенно иначе, чем рояль, и при игре на нем будет отличаться от рояля. Если вы привыкли играть на одном, не испытывая другого, вы можете быть шокированы, почувствовав разницу на себе.По большей части вы можете играть на обоих одинаково, но у пианино будет уникальное ощущение, когда вы нажимаете на клавиши.
На рынке представлены пианино разных стилей и размеров. Вы найдете некоторые очень крошечные, а другие довольно высокие. В большинстве случаев люди предпочитают покупать пианино среднего размера из доступных. Эти пианино немного доступнее роялей, но все же остаются дорогими инструментами.
Рояли
Источник: GistPianoCenter
Иметь настоящий рояль — особая привилегия для тех, кто им владеет. Многие люди годами откладывают деньги на покупку этого типа пианино. Эти инструменты сделаны безупречно, и их цена будет соответствовать этому удивительному мастерству. Это, безусловно, предмет роскоши; тем не менее, пианист сможет найти ему хорошее применение. Эти прекрасные пианино идеально подходят для живых выступлений и сочинения музыки, поэтому серьезный музыкант будет в восторге от обладания одним из них.
Как и следовало ожидать, рояль довольно большой. Для многих это не будет практичным выбором, так как он займет много места. Цена на этот тип пианино также может быть непомерно высокой для многих людей. Если вы неопытный пианист, то это красивое и тонко сделанное пианино может вам совсем не понравиться.
Однако у рояля есть несколько преимуществ перед вертикальной моделью. Например, вы можете использовать механизм двойного спуска для быстрого последовательного нажатия клавиш при использовании одного из этих пианино.Этот механизм не встроен в пианино, а это означает, что на этом пианино возможны определенные музыкальные приемы, которые не применимы к вертикальным моделям. Это одна из многих причин, по которым люди, любящие фортепиано, хотят владеть роялем больше всех остальных.
Вероятными покупателями этого предмета будут профессиональные музыканты или люди, которые просто неравнодушны к игре на фортепиано. Звук, исходящий от тщательно продуманного рояля, просто великолепен. Он способен создавать одни из самых эмоциональных тонов, поэтому для многих он будет стоить огромной цены.Этот особенный рояль сделан вручную и выглядит потрясающе.
Красивый внешний вид рояля — тоже часть его привлекательности. Это зрелище, и это одна из причин, по которой вы увидите исполнителей, использующих эти типы фортепиано на больших концертах. Легендарные музыканты, такие как Элтон Джон, играют на роялях, и рояль помогает этим музыкантам создать зрелище, которое понравится массам. Причины вашего желания могут быть более тонкими, но вам понравится владеть им, если вы истинный поклонник фортепиано.
Цифровые пианино
Источник: BestBuy
Хотя многие люди вообще не считают цифровые пианино настоящими пианино, они определенно играют свою роль в мире фортепиано. Они работают не так, как традиционное пианино, но могут иметь похожий звук. Некоторые предпочитают классифицировать цифровые пианино как клавишные, но они воспроизводят ощущения и тембры традиционных пианино. Цифровые пианино за последние годы прошли долгий путь, и это пианино является хорошим примером высококачественного цифрового музыкального инструмента.
Когда вы играете на сложном цифровом пианино, вы чувствуете, как будто играете на традиционном пианино. Он очень хорошо воспроизводит ощущение ударов молотков по клавишам. Они разработали клавиши на этом пианино так, чтобы они были тяжелее, чтобы ощущения были максимально приближены к реальным. Хотя оно отличается от традиционного пианино, оно гораздо более доступно, что делает его отличным вариантом для многих.
Существование таких пианино помогает людям иметь доступ к пианино.Многие люди могут играть на пианино из-за доступности цифрового пианино. Чтобы передать этот инструмент будущим поколениям, разумно, чтобы производители продолжали выпускать такие высокофункциональные цифровые пианино. Он более доступен для людей и является прекрасным инструментом для обучения молодежи игре.
Некоторые цифровые пианино могут подключаться даже к интеллектуальным устройствам. Это позволяет получить доступ к определенным функциям фортепиано и поэкспериментировать с настройками.Вы также можете записывать свои музыкальные сеансы, чтобы вы могли послушать, чтобы узнать, насколько хорошо у вас все получается. Приобретая такой цифровой инструмент, вы получаете такие удобства, которыми вы не можете наслаждаться с традиционными моделями.
Детское игрушечное пианино
Если у вас есть дети, то, возможно, будет выгодно купить им одно из этих игрушечных пианино, имеющихся на рынке. Если вы привыкли играть на пианино, ваш ребенок, возможно, захочет научиться играть, чтобы стать такими же, как вы.Ваш ребенок очень вами восхищается, и он хочет иметь возможность чувствовать, что идет по вашим стопам. Это может быть очень приятно видеть, и если позволить вашему ребенку играть на игрушечном пианино, это может действительно помочь подготовить его или ее к урокам игры на фортепиано в один прекрасный день.
Хотя большинство этих игрушечных пианино не позволяют играть на законных основаниях, ребенку может быть очень весело играть с ними. Эта конкретная модель будет демонстрировать несколько разных песен, поэтому ваш ребенок сможет почувствовать, что он или она играет песню, даже если ваш ребенок не знает, что он или она делает.Игрушечное пианино поставляется с маленьким сиденьем для пианино, так что ваш ребенок сможет сесть для выступления, как настоящий пианист. Это очень забавная игрушка, которая поможет дать волю детской фантазии.
Многие люди, которые покупают для своих детей подобные игрушки, обнаруживают, что ребенок со временем полюбит пианино и в конечном итоге захочет научиться играть на настоящем пианино. Если ваш ребенок увлечен музыкой, но он не в подходящем возрасте, чтобы брать уроки, то это будет для него или нее забавный предмет.Он не очень большой, поэтому не займет много места ни в одной комнате вашего дома. Это будет заветная игрушка, которая будет радовать долгие годы.
Имейте в виду, что это игрушечное пианино не прослужит вечно. Он в основном состоит из пластиковых деталей, поэтому со временем он изнашивается. Срок службы игрушечного пианино будет зависеть от того, насколько грубо с ним играет ребенок. Это очень недорогое игрушечное пианино, поэтому большинство людей могут купить замену, если потребуется.
Купить на Amazon
Стили
Фортепиано Spinet
Источник: MusiciansFriend
Фортепиано Spinet — это пианино наименьшего размера из пианино. Они идеально подходят для тех, кто хочет иметь доступ к пианино в своем доме, но у кого просто недостаточно свободного места. Эти пианино обычно покупают люди, которые живут в кондоминиумах или в других местах, где пространство может быть проблемой. Меньший размер спинета ни в коей мере не делает его менее впечатляющим, чем другое фортепиано.
Хотя есть те, кто считает эти пианино скорее игрушками, вы должны знать, что это настоящие музыкальные инструменты. Это сложные и красивые фортепиано, способные воспроизводить сложную музыку. Покупаете ли вы это пианино, чтобы играть для себя, или ищете пианино для своего ребенка, оно обязательно пригодится. Он дешевле, чем многие другие пианино, поэтому его можно купить с любым бюджетом.
Некоторым людям нравится учить своих детей игре на пианино на самом маленьком доступном инструменте.В этом случае спинет-пианино — идеальный выбор. Это пианино достаточно велико, так что ребенку будет несложно пользоваться им, а новичкам будет легко учиться играть на клавишах. Также помогает то, что это пианино может поместиться в комнатах самых разных размеров, поэтому это отличный вариант для тех, кто хочет иметь доступ к пианино прямо в своей спальне.
Клавиатура этого пианино со спинетом примерно вдвое меньше, чем у взрослого пианино. Вы можете найти пианино спинет, которые больше подходят для взрослых рук, но если вы хотите научить ребенка, то этот размер будет идеальным.Вы можете легко использовать это в качестве учебного пособия, и это будет увлекательным занятием для ребенка. Подарить ребенку музыку — одно из лучших поступков, которые вы можете для него сделать.
Консольные пианино
Источник: MusiciansFriend
Консольные пианино
относятся к наиболее распространенным типам пианино, которые покупают люди. Они кажутся подходящими по размеру для того, чтобы люди могли получать от них удовольствие, и они не такие большие, чтобы мешать.Это консольное пианино, которое здесь исследуется, представляет собой цифровую модель. Вы сможете найти множество различных акустических типов консольных фортепиано, если вы более склонны идти по этому пути.
Это пианино способно воспроизводить красивую музыку и станет фантастическим инструментом, на котором можно учиться. Консольные пианино обычно покупают люди, которые хотят научиться играть на пианино. Они не слишком пугающие, и новичкам легко привыкнуть к размеру этого пианино. Это тоже очень качественный инструмент, а это значит, что он пригодится вам, когда вы станете пианистом.
Вообще говоря, вы сможете приобрести цифровое консольное пианино по разумной цене. Цифровые модели будут значительно дешевле акустических. Акустические инструменты всегда будут стоить дороже, но вы можете выбрать тот, который подходит для ваших целей. Эти цифровые пианино очень хороши в своем деле.
Если вы хотите купить красивое пианино, которое будет отлично смотреться в вашем доме, то покупка консольного пианино — отличная идея. Это очень легко поместится в жилых комнатах или берлогах большинства людей.Вы можете установить его у стены, и вы сможете получить к нему доступ, чтобы проигрывать музыку, когда вам захочется. Это один из самых удобных вариантов владения пианино у себя дома.
Студийные пианино
Источник: MusiciansFriend
Пианино
Studio довольно большие, их средняя высота составляет от 43 до 47 дюймов. По этой причине их чаще можно найти в студиях, чем в жилых домах. Некоторые люди будут покупать студийные пианино для дома, потому что они привыкли к размеру и ощущениям от этих инструментов.Профессиональные музыканты, привыкшие к вертикальному стилю пианино, будут тяготеть к этой модели.
Эти пианино чаще всего используются для написания музыки. Когда люди пытаются придумать мелодии или обдумывают различные музыкальные идеи, они часто используют студийное фортепиано. Они идеально подходят для того, чтобы помочь музыкально талантливым людям работать над своим творческим процессом. Наличие одного в вашем доме окажется очень полезным, если вы хотите иметь возможность создавать свою собственную музыку у себя дома.
Как и во многих других типах фортепиано, вы можете выбирать между акустическими студийными фортепиано и цифровыми студийными фортепиано. Цифровая модель станет намного доступнее. В результате он стал наиболее часто используемым. Цифровые студийные пианино имеют очень разумные цены, поэтому вы сможете приобрести их для своей студии или дома, не тратя слишком много с трудом заработанных денег.
Бэби Гранд
Детские рояли — самые маленькие рояли среди классификаций роялей.Это рояли, которые обычно можно встретить в жилых домах. Большинству людей будет довольно сложно разместить в доме большой рояль, поскольку он может занимать довольно много места. Детские рояли по-прежнему довольно большие, но для них можно выделить место в специальной музыкальной комнате или даже в вашем кабинете. Вы сможете разместить его, не доставляя себе неудобств.
Интересно, что эти пианино стали довольно популярными среди людей, которые вообще не умеют играть на пианино.Некоторые люди покупают великолепные детские рояли и используют их в качестве украшения. Они, безусловно, излучают ауру изысканности и элегантности, поэтому вполне логично, что людям понравится иметь их в своих домах. Однако они продаются по солидной цене, так что это пианино не у каждого энтузиаста.
Если вы хотите научиться играть на пианино и хотите что-то, что сделает ваш дом еще красивее, то покупка этого пианино — отличная идея.Вы сможете научиться эффективно играть на пианино, имея в своем распоряжении такой прекрасный инструмент. Цена на них может отпугнуть некоторых людей от покупки, но вы можете купить цифровой детский рояль, чтобы сэкономить немного денег. Цифровые детские рояли, представленные на рынке, по-прежнему выглядят потрясающе, и они также превосходно звучат.
Купить детский акустический рояль может быть довольно сложно. Их нет в каждом местном музыкальном магазине, поэтому вам придется обратиться в специализированный магазин, чтобы сделать эту покупку.Цифровые детские рояли немного более распространены, и вам будет намного легче найти один из них. Если вы только учитесь играть, то использование цифрового варианта будет для вас наиболее удобным.
Купить на Amazon
Средний Гранд
Источник: MusicsFriend
Рояли среднего размера на шаг впереди маленьких роялей. Они немного больше, что делает их в целом немного дороже. Вы можете ожидать, что средний акустический рояль среднего размера будет иметь длину от 5’6 до 6’6.Это может сделать их немного громоздкими для размещения в вашем доме, но если у вас большая жилая площадь, это может не быть проблемой.
Это инструмент, который профессиональные музыканты довольно часто покупают, чтобы попрактиковаться в игре на фортепиано у себя дома. Он достаточно большой, чтобы выглядеть действительно впечатляюще, но его размер не мешает поместиться в специальной музыкальной комнате. Если у вас есть талант, вы сможете создавать фантастическую музыку на одном из этих фортепиано. Общий вид среднего рояля также очень впечатляет, поэтому есть много причин, по которым вам понравится иметь его.
Рояли среднего размера не всегда можно купить в музыкальных магазинах. Даже когда дело доходит до цифровых роялей, их не так много. По этой причине вы обнаружите, что детские рояли гораздо более распространены. Если средний размер подходит для ваших целей, вы можете сделать все возможное, чтобы найти его.
Салон Гранд
Источник: AntiquePianoShop
Эти кабинетные рояли обычно имеют длину от 7 футов до 7 футов 6 дюймов.В результате их может быть очень сложно разместить в любом месте вашего дома. Они чаще встречаются среди очень серьезных музыкантов и иногда используются в качестве гастрольных произведений для музыкальных исполнителей. Название «parlor grand» происходит от того, что в прошлом эти пианино использовались в гостиных.
В наше время такие рояли не очень распространены. Их размер затрудняет поиск места для них, но они, несомненно, великолепны. Если вы хотите иметь большой рояль, которым можно было бы наслаждаться в музыкальной комнате, то это может быть идеальным вариантом.Это, безусловно, будет впечатляющим, и вам понравится, насколько фантастично будет звучать музыка.
Цифровые пианино для салонов доступны для покупки.
Концертный Гранд
Наконец, концертный рояль — самый большой рояль, который вы найдете. Эти огромные пианино могут иметь размер от 9 футов и более. Некоторые невероятно грандиозные концертные рояли были размером 10 футов или чуть больше. Самые распространенные концертные рояли будут стоять около отметки 9 футов.
Чаще всего люди используют эти рояли для музыкальных представлений. Как упоминалось в разделе о роялях, популярные музыканты часто берут с собой рояли в тур. Концертные рояли идеально подходят для этой цели, так как они впечатляют на вид и могут издавать объемные, красивые звуки. Всегда интересно увидеть гастролирующего музыканта с впечатляющим концертным роялем.