Павлопосадский платок восточная сказка

Восточные танцы — одно из самых интересных направлений мировой танцевальной культуры. Оно было и остается популярным и востребованным видом спорта для прекрасной половины человечества.

Содержание статьи

1. Восточная сказка: все о танце живота
2. Как танцевать танец живота
3. Польза танца живота

Восточные танцы — одно из самых интересных направлений мировой танцевальной культуры. Оно было и остается популярным и востребованным видом спорта для прекрасной половины человечества. Рассмотрим подробнее, какую пользу приносят регулярные занятия восточными танцами, а также сложно ли научиться танцевать их во взрослом возрасте.

Восточная сказка: все о танце живота

Танец живота или belly dance — это направление, пришедшее с Востока. Изначально это не было танцем в современной трактовке этого слова. Скорее это представляло собой своеобразный ритуал, предназначенный для проработки мышц малого таза, а также глубоких мышц брюшного пресса. Целью было развитие женственности и последующее упрощение родовой деятельности.

Сейчас многие женщины занимаются танцем живота для себя. В большинстве стран он уже не воспринимается как ритуал, однако его польза для женского организма неоспорима. Также этот танец является очень женственным и сексуальным.

На протяжении своего существования танец живота постоянно совершенствовался и слегка видоизменялся. Какие-то движения приходили в него из других танцевальных направлений, что-то, напротив, заимствовалось другими стилями танцев. Например, некоторые элементы фламенко берут свое начало у танца живота.

Мировую известность танец живота стал приобретать в XX веке, после массового увлечения этим направлением в Голливуде. Позже belly dance стали преподавать во многих танцевальных студиях и фитнес-центрах.

Belly dance танцуют в костюмах, состоящих из лифчика, шаровар или юбки с разрезами, пояса, украшенных бисером или жемчугом. Однако нет необходимости приобретать такой костюм для занятий в фитнес-центре. Вам будет достаточно удобных леггинсов и майки. Атмосферу создаст специальный набедренный платок, на который нашиты монеты или звенящие украшения, а также восточная музыка.

Как танцевать танец живота

Восточный танец состоит из таких движений, как удары, волны, стремительные и плавные изгибы тела, тряски. Начинающим рекомендуется в первую очередь разучить исходные позиции:

• Расставьте ноги на ширину, примерно равной длине вашей стопы.
• Колени удерживайте в мягком положении, они не должны смещаться. Не сгибайте их и не держите в напряжении.
• Расслабьте бедра и ягодицы. Проследите за наклоном поясницы — она не должна изгибаться, таз не должен выдвигаться вперед. Также расслабьте живот.
• Подайтесь грудью немного вперед, сведите лопатки. Во время танца важно следить за ровной осанкой, позвоночник должен быть вытянут.
• Вытяните руки по обеим сторонам. Расслабьте локти и раскройте ладони. Кисти должны плавно и мягко продолжать линию рук.
• Расслабьте шею, зафиксируйте подбородок в ровном положении, макушкой слегка тянитесь вверх.

Это исходное положение, которое важно освоить правильно изначально. После этого можно приступать к разучиванию основных элементов:

• Круг бедрами. При этом элементе верхняя часть зафиксирована в одном положении, ноги расставлены, колени удерживаются в мягкой исходной позиции. Бедрами очерчиваются круги с максимальной амплитудой движения. Также круги могут выполняться в позиции со сведенными ногами.
• Горизонтальный круг грудью. Элемент кажется легким только на первый взгляд. В повседневной жизни грудной отдел позвоночника практически не нагружается, поэтому на правильное освоение этого элемента, при котором движение происходит именно за счет груди, а не плеч, может уйти довольно длительное время.
• Волна снизу вверх и сверху вниз. Для этого элемента задействуются исключительно мышцы живота.
• Бочка. Круговые движения бедрами и грудью. Этот элемент выполняется с большой амплитудой, задействуется очень часто.
• Восьмерка. При этом элементе бедра работают изолированно. В зависимости от траектории движения бедра восьмерки делятся на горизонтальные, вертикальные, наружные и внутренние. В рамках элемента танцор делает полукруг бедрами, выкручивая одно бедро назад, после чего действия повторяются с противоположной стороны.

Восточный танец дополняется множеством других движений: ягодичными трясками, скрутками, прогибами, наклонами и выпадами. В танце также активно задействуются руки. Элементы движений добавляются постепенно, по мере освоения базовых упражнений.

Заняться восточными танцами может любой желающий, будь то женщина зрелого возраста с пышными формами или молодая худощавая девушка. Танец живота относится к щадящим видам физической нагрузки, при котором колени, голени и ступни не подвергаются чрезмерной нагрузке.

Польза танца живота

Восточные танцы делают тело более пластичным и гибким. Регулярные занятия помогают сформировать фигуру с ярко выраженной талией. Также танцы живота учат женщину в совершенстве чувствовать свое тело и контролировать работы глубоких мышц.

Танец живота благотворно влияет на:

• Сердечно-сосудистую систему. Ритмичные и энергичные движения являются отличным тренажером для сердца, позволяя укрепить его.
• Суставы. В процессе занятий повышается эластичность межпозвонковых дисков, улучшается осанка, развивается подвижность позвонков. Это является отличной профилактикой остеохондроза.
• Дыхательную систему. Движение диафрагмы и грудной клетки — это физиологичный массаж для внутренних органов. Регулярные занятия танцем живота позволяют повысить защитные функции организма и уменьшить частоту заболеваемости респираторными инфекциями.
• Женскую физиологию. Специфичные движения танца живота помогают активизировать кровообращение в тазовых органах, убирают застойные явления, помогают нормализовать работу яичников и состояние слизистой матки. Болезненные менструации также остаются в прошлом.
• Вес. Занятия танцем живота — это эффективный способ сбросить лишний вес и повысить упругость кожи.

Подводя итоги, можно сказать, что занятия восточными танцами — это оптимальный вид спорта, который позволяет развить гибкость и пластичность, не слишком нагружая суставы, а также держать мышцы в тонусе.

Источник

Конспект открытого занятия «Устное народное творчество. Потешки».

старшая группа

Подготовила: воспитатель Кузьминова Д.В.

Цель. Показать красоту русского языка через устное народное творчество, выраженное в песнях, припевках, закличках, колядках, обрядах.

Задачи.

Образовательные.

— закрепить знания детей о «потешках»;

— обогащение словарного запаса детей;

— формирование у детей интереса к детскому фольклору.

— расширение кругозора детей.

— формирование отношения к окружающему миру;

— формирование речи, навыков культурного поведения и умения правильно оценивать происходящее.

Воспитательные.

— воспитывать любовь к фольклору;

— воспитывать уважение к старшим, дружелюбия к себе и окружающим;

— воспитывать самостоятельность при выполнении заданий педагога.

Развивающие.

— развитие мелкой моторики;

— развитие познавательной активности;

— развитие фантазии, воображения, любознательности. 

Оборудование: цветные картинки с нарисованной ладонью, цветками

ромашки; «моталочка» для игры; мягкие игрушки

петушка и курочки.

Ход занятия.

І. Организационный момент.

— Здравствуйте, ребята! Сегодня замечательный день и я хочу поделиться с вами хорошим настроением. А для этого поздороваюсь за руку, назвав каждого по имени, а вы поздороваетесь в ответ.

Педагог здоровается с каждым ребенком по очереди, произнося имя. Затем каждый из детей так же здоровается с ребятами.

— Я надеюсь, что теперь у каждого из вас хорошее настроение!

Скажите, пожалуйста, а какое сейчас время года?

А чем оно отличается от других времен?

А, правда, что осень очень красивое время года? Ответы детей.

— Я предлагаю вам прогулку по осеннему лесу. А пойдем мы с помощью наших пальчиков. Давайте их рассмотрим внимательно и вспомним, как они называются. (Картинка с нарисованной ладонью.) ответы детей.

— А теперь мы посмотрим на свои пальчики и хором назовем каждый из них.

III. Основная часть.

Настало время отправляться в путешествие.

Дети загибают пальцы, произнося потешку.

Мизинец – Этот пальчик в лес пошел.

Безымянный – Этот пальчик гриб нашел.

Средний – Этот пальчик жарить стал.

Указательный – Этот все на стол подал.

Большой – Этот сел и все съел, от того и потолстел.

Дети стучат кулачком по коленке с оттопыренным пальцем.

Повторяем потешку с другой рукой, затем с двумя руками сразу.

— Дети, вы ведь любите сказки? Так послушайте, что я вам сегодня расскажу. (Педагог повязывает павлопосадский платок, представляется Бабушкой Варварой и рассказывает сказку от себя.)

Игра – потешка «У Варвары куры стары».

Тары — бары, растабары, у Варвары куры стары

Стары — старенькие, растабаренькие,

Пропевание скороговорки с различные эмоциональными и фонапедическими фильтрами. Например:

■Узнали куры, что Варвара считает их старыми и хочет сварить в супе, — расстроились куры (дети поют скороговорку очень грустно, жалобно);

■Но Варвара передумала: старые, — значит, мудрые, опытные; куры обрадовались и даже возгордились (петь важно, с достоинством, весомо);

•Но тут на птичий двор пробралась лисица — куры затаились на насесте, (пропевание скороговорки piano);

■В сарай к курам пожаловали гуси и утки и начался у них настоящий птичий базар: гуси и утки гогочут о своем, а куры — о своем;

(исполнение скороговорки активно, азартно, энергично);

■Варвара пришла кормить кур, а они так увлеклись своей похвальбой, что никак остановиться не могут: вот так то строчку скороговорки про себя споют, то корму поклюют (расширение формы скороговорки: после каждой строчки — равная ей фраза пауз, наполненная двигательной или ритмической импровизацией);

•Куры нашли брошенную кем-то жевательную резинку, попробовали её, и клювы у них склеились;(пропеть скороговорку, собрав губы в трубочку или сквозь зубы):

•Пришлось Варваре вызвать ветеринара, он почистил курам клювы, но они никак не могут поверить, что клювы снова свободны:

(пение с утрированным открыванием рта активным разминанием артикуляционного аппарата), и. так далее.

Оздоровительный этап.

Игра – разминка «Три кота».

Дети идут по кругу, произнося слова потешки и повторяя движения за педагогом.

Шли по крыше три кота, три кота Василия. (Шагают по кругу)

Поднимали три хвоста прямо в небо синее. (Руки вверх)

Сели киски на карниз; (Присели лицом в центр круга)

Посмотрели дружно в низ – (Наклонили голову)

И сказали три кота:(Прыжок и хлопаем в ладоши)

«Красота, красота!»

Игра «Моталочки».

Выбираются два игрока. В руки им даются палочки, связанные ниткой друг с другом. Середина нитки отмечена красным бантом. По команде дети накручивают нитку на палочку. Кто первый доберется до банта, тот и победитель. Чтобы пальчики весело работали надо сказать «волшебные» слова.

Дети хором говорят:

Котик ниточки мотает,

На клубочек навивает.

Раз, два, три.

III. Заключительная часть.

Подведение итогов занятия.

-Дети, напомните мне, какую сегодня новую потешку мы с вами выучили?

Вам она понравилась? Вам было интересно путешествовать в осеннем лесу?

А давайте в это путешествие вы возьмете своих папу и маму! Расскажите им эту удивительную историю про пальчики.

— Вам понравилось наше занятие? У всех хорошее настроение? Тогда каждый из вас возьмет по ромашке и положит цветок в эту корзинку. Вот какой большой букет из ромашек у нас получился! Пора сказать всем:

«До свидания!»

7 видов платков, которые делают в разных регионах России

Lorado/Getty Images; Алана Хугати

В прошлом шелковые турецкие платки или европейские кружевные шали были всегда желанным подарком как для молодой девушки, так и для женщины в годах. Однако и внутри страны на мануфактурах и фабриках выпускалось великое множество платков. Вот самые известные.

1. Оренбургский пуховый платок

Платки из козьего пуха, которые вяжут в Оренбурге, считаются один из символов России, наряду с матрешкой и балалайкой. Дело в том, что эти платки практически невесомы, но согревают даже в сибирские морозы. Все дело в местной породе коз. Их пух – самый тонкий в мире и очень прочный. Оренбургские козы разводятся только в этом регионе, а платки из их шерсти производят сегодня две мануфактуры, причем платки вяжут вручную, как и 300 лет назад, или частично вручную, выполняя определенные узоры на вязальной машинке.

А так выглядит оренбургская коза.

Чем тоньше нитка у мастера и чем сложнее узор, тем дороже изделие. Конечно, самыми красивыми получаются платки, сделанные вручную из нитей с добавлением шелка. Машинная вязка делает платок более грубым.

2. Павлопосадский платок

Участница Масленичных гуляний на Площади Революции в Москве.

Самый популярный платок в России делают в подмосковном городе Павловском Посаде. Мануфактура появилась здесь еще в конце 18 века. Рисунки павлопосадские платков очень яркие и узнаваемые: огромные розы и георгины на красном, черном или белом фоне, которые распускаются на углах шерстяной ткани. Узоры симметричные, правильной формы. Такие платки стоят недорого (1500-4000 рублей), хорошо защищают от холода и всегда современно выглядят. Служат они долгие годы. Сегодня мастера, помимо шерсти, изготавливают платки и из шелка, и из хлопка – на лето.

3. Кубачинский платок

Свадьба в окрестностях поселка Кубачи.

Женщины дагестанского села Кубачи и сегодня носят белые платки-казы, расшитые золотыми нитями. У незамужних орнамент (цветы, перья) мелкий и бахрома коротка, у замужних – крупный рисунок и длинная бахрома. Невесты нередко дополняют современное свадебное платье традиционным свадебным платком – он называется «лумкитабказ» и отличается бахромой. Если у обычного каза она пришита лишь с одной стороны, то у торжественного – с обеих. Также обязательно должна быть пришита тесьма. У жительниц села Кубачи принято передавать по наследству свою бахрому и многократно ее перешивать на новые платки.

4. Дагестанские платки гюльмендо

В разных регионах Дагестана этот платок называют по-своему: «гумельди», «гюльмендо», «гормендо», «калгаи» (так назывался вид шелка), «келагаи», но по сути, речь идет о шелковых платках с набивным рисунком. Они пришли в Дагестан из Ирана и Азербайджана и стали признанным культурным достоянием этой горной республики. В переводе с тюркского название платка означает «мой цветок». Основной узор – цветочные мотивы и растительные символы, однако нередко на платке появляются рыбы и птицы. Цена такого платка начинается от 20 тысяч рублей и выше.

5. Кружевные платки из Вологды

Вологда знаменита своим кружевом, плетеным на коклюшках. Кажется, что мастера могут выполнить любой рисунок из тонких ниток, от классических цветов до сказочных персонажей. Кстати, в советские годы местная кружевная мануфактура делала кружевные скатерти и палантины с изображением мавзолея Ленина и серпа и молота.

Современные шали и платки из вологодского кружева – это легкие аксессуары для прохладного летнего вечера или выхода в свет. Кружево, которое выглядят как морозные узоры на окне, выглядит очень элегантно и необычно.

6. Золотое шитье Торжка

Золотошвеи Торжок (CC BY-SA 4.0)

Небольшой старинный город в Тверской области прославился старинным искусством золотого шитья. С 18 века дорогая вышивка этих мастеров украшает народные костюмы, парадную военную форму и церковные облачения. Платки и шали, расшитые в Торжке, всегда были желанным подарком: в основе был чаще всего узор в виде розы с бутонами и листьями, который дополнялся хитрыми завитками.

Шерстяные платки с богатым декором, вышитые вручную, сегодня стоят более 50,000 рублей.

7. Осетинский платок

Ажурный шелковый платок, который носят осетинки, называется «цыллае каелмаерзаен». Его не шьют и не вяжут, а плетут из тонкого шелка, иногда добавляя народные орнаменты. Такой способ плетения появился в Осетии в конце 19 века и сохраняется до сих пор. Осетинский платок светлый и легкий – всего 100-200 грамм, и отлично защищает от яркого солнца. Процесс создания платка очень трудоемкий, а потому изделие очень и сегодня остается дорогим – от 20 до 50 тысяч рублей.

Платки и шали – история и фото

Ну что ж? Одно заботой боле –
Одной слезой река шумней
А ты все та же – лес, да поле,
Да плат узорный до бровей.

И невозможное возможно,
Дорога долгая легка,
Когда блеснет в дали дорожной
Мгновенный взор из-под платка,
Когда звенит тоской острожной
Глухая песня ямщика.
А.Блок

Сегодня мне бы хотелось поговорить с Вами о женском, нежном, целомудренном предмете женского гардероба – о платке.

Раньше я надевала платок только для посещения храма, даже не платок, а палантин, и это было так удобно, и красиво, и ощущения совсем другие, не такие, как от вязаной шапки.
Этой зимой я хотела обновить шапочку, и сколько не искала – все безуспешно, все казалось неудобным, или мне не идет, или цвет не тот. Тогда я вдохновилась образами девушек, которые носят платки вместо других головных уборов, и решила попробовать.

Конечно, для меня было важно, чтобы платок был из натуральных тканей, а также теплым и красивым. Поэтому я напрямую отправилась в магазин «Павлопосадские платки» (Павлопосадкая мануфактура работает с 1795 г.) Выбор платков просто завораживает, выбрать было нелегко, но все же я определилась, выбрав платок бруснично-розово-алых тонов со смешанным узором – немного цветочков и немного орнамента «огурцы». Конечно же, в моем списке ближайших покупок появилось еще минимум 2-3 платка.

Скажу честно – ощущения от ношения платка удивительные. Он смотрится очень женственно и необычно, мягко и скромно. Он сдерживает – в платке намного сложнее, например, грубить, или спорить.

Мне стало интересно изучить историю платка на Руси, и понять, почему же он вызывает у меня такие ощущения?
Предлагаю Вам отправиться вместе со мной в небольшое путешествие по истории.
Изначально, еще в языческие времена, женщины покрывали голову на Руси, чтобы сберечь себя от холода, от сурового климата.
После Крещения Руси, с приходом на нашу землю православной веры, головные женские уборы считаются неотъемлемой частью женского костюма.
Головной убор являлся символом добропорядочности: показаться “простоволосой” было верхом неприличия, а чтобы опозорить женщину, достаточно было сорвать с ее головы убор. Это было самым тяжелым оскорблением. Отсюда и произошло выражение ‘опростоволоситься’, то есть ‘опозориться’.

В Древней Руси женщины носили венцы или венчики, сначала из кожи или бересты, обтянутые богатой тканью, а затем металлические, украшенные драгоценными камнями. Сверху к венцам прикрепляли длинные покрывала, которые ниспадали на спины. По словам В. О. Ключевского, с XIII в. знатные русские женщины стали носить на головах кокошники. Слово произошло от слова «кокошь», то есть наседка, курица. Кокошники напоминали по форме луковицу. Край кокошника обрамляли поднизи в виде сеточки или бахромы.
Обшивали кокошники темно-красной материей и красиво унизывали жемчугами и камнями. Кокошники для богатых боярынь и боярышень изготовляли специальные мастерицы.

Затем женщины стали носить убрус – часть головного убора замужней женщины — полотенце, богато украшенное вышивкой. Укладывался вокруг головы поверх подубрусника — мягкой шапочки, закрывавшей волосы, — и завязывался или закалывался булавками.

Убрус представляет собой прямоугольное полотнище 2 метра в длину и 40—50 см в ширину. Материал зависел от благосостояния владелицы. Наиболее распространённый вариант — украшенное вышивкой или каймой льняное полотно или другая плотная ткань. Знатные женщины носили убрус из белого или красного атласного полотна и парчи. Носили такой платок поверх головного убора.
В повседневной жизни крестьянки носили простые платки – символ замужества.

В конце XIX века платки в качестве головного убора повсеместно были распространены в России. Их носили девушки и молодые женщины в разное время года. Платки придавали женскому костюму особую красочность и своеобразие. Сначала платки повязывали поверх головного убора (обычно кички), позже их стали носить самостоятельно, по-разному повязывая на голове. Девушки завязывали платок под подбородком, а иногда – концами назад (так носили платок и замужние женщины). Мода носить платки, завязав узел под подбородком, пришла в Россию из Германии в ХVІІІ – XIX вв., а образ русской женщины – “Алёнушки в платочке”, завязанном таким образом, – сформировался уже в XX веке.

Платок в образе русской женщины был логическим завершением костюма. Он был как бы окладом для ее лица, женщина без платка, все равно, что “дом без кровли”, “церковь без купола”. Платок придавал женщине особую женственность, нежность. Ни один другой головной убор не придавал столько лиричности облику женщине, сколько платок.

Платок как обозначение социального статуса

У незамужних девушек были иные головные уборы и прически. Главным их головным убором были венцы, называемые также красой. Например, изображение терема в несколько ярусов, разделенных жемчужной обнизью. Венец представлял собой наклеенную на твердую прокладку ленту из византийской парчи, один край которой приподнят и вырезан зубьями. Венчик изготавливали из серебра или бронзы.
На концах венчика устраивали крючки либо ушки для шнурка, которым он завязывался на затылке. Затылок у девушек в таких головных уборах оставался открытым. Вдоль щек спускались от венца рясы — нити бус из камней или чаще жемчуга, а лоб украшали поднизью. Венец был всегда без верха, потому что открытые волосы считались признаком девичества. Венцы девушек среднего достатка состояли из нескольких рядов золотой проволоки, которые иногда украшались кораллами и полудрагоценными камнями. Иногда это была просто широкая повязка, вышитая золотом и жемчугом. Такая повязка суживалась на затылке и связывалась широкими вышитыми лентами, спадавшими на спину.

Зимой девицы покрывали голову высокой шапкой, которая называлась столбунец. Низ ее оторачивали бобровым или собольим мехом, а высокий верх делали из шелка. Из-под столбунца выпадали косы с красными лентами. Дело в том, что под столбунец надевали еще повязку, спереди широкую и сзади узкую, которая там же и завязывалась лентами. К девичьим лентам пришивали косники — плотные треугольники из кожи или бересты, обтянутые шелком или расшитые бусами, жемчугом, полудрагоценными камнями. Они вплетались в косу с помощью золотой крученой нити. После того как девица выходила замуж, голову покрывали женским убором.

Платок на голове замужней женщины еще с библейских времен был символом женского благородства и чистоты, покорности и смирения перед мужем и Богом, вот почему не используя платок женщина выражала свою гордыню, непокорность, в связи с чем не могла быть допущена в храм для духовного покаяния.
Также считается, что замужняя женщина демонстрировала платком свою зависимость от мужа, и посторонний мужчина не мог ее тронуть или побеспокоить.
Платок дает женщине ощущение защищенности, безопасности, принадлежности мужу, добавляет женственности, скромности и целомудрия.

Производство платков

На протяжении 19 в. все платки были безымянные. До нас не дошли все имена фабричных мастеров, авторов чудесных платков. Данила Родионов -первый мастер, чье имя упомянуто, он был и резчиком и набивщиком.
Восточные шали в России появились раньше, чем во Франции. В официальную моду они вошли в конце 18в. – в 1810 г., когда пришел стиль “ампир”. В десятые годы 19 в. появились первые русские шали.

Они изготовлялись в основном на 3-х крепостных фабриках.
• 1. Колокольцовские шали – на фабрике Дмитрия Колокольцова, воронежского помещика.
• 2. В мастерской помещицы Meрлиной, которая начинала с производство ковров в Воронежской губернии, затем перешла на шали и перевезла мастерскую в Подрядниково Рязанской губернии. “Шарфы и платки госпожи Мерлиной высокой своею добротою заслужили первое место среди продукции этого типа”.
• 3. В мастерской воронежской помещицы Елисеевой.

Шали всех 3-х мастерских именовались колокольцовскими. В отличие от восточных и европейских шалей русские шали были двусторонними, изнанка не отличалась от лица, ткались из козьего пуха в технике паласа и ценились очень высоко. В первой четверти 19 в. шаль стоила 12-15 тыс. руб. Лучшие шали ткались в течение 2,5 лет.

В середине 19 в. в России складывается особый центр производства национальных платков – Павловский Посад.) 0 нем есть материал в журнале “Мануфактура и торговля” за 1845 г. Отрывки оттуда: ” 13 мая 1845 г. село Вохна Богородского уезда и 4 рядом лежащие деревни переименованы в Павловский посад”.
Купец Лабзин и вступивший с ним в дело Грязнов открыли фабрику набивных платков, на фабрике работало 530 рабочих. Шелковые и бумажные изделия фабрики раскупались на ярмарках, которых устраивалось в Павловском Посаде до 9-ти в год.

В 1865 г. Штевко открыл крупное производство набивных платков по шерсти и ситцу. Но только с 80-х годов 19 в., когда фабрика Лабзиных перешла на анилиновые красители, начинает формироваться тип павловского платка, прославившего Павловский Посад. Дело в том, что природными красителями получить чистые яркие цвета на шерстяной ткани чрезвычайно трудно. И вот на смену природным красителям пришли яркие химические – к концу 50-х годов анилиновые, а с 1868 г. – ализариновые.
К концу 19 в. – началу 20 в. павловские платки экспонируются на Международных выставках, покоряя своеобразием и национальной самобытностью. Яркие, многокрасочные они стали самыми любимыми в народе. Их популярность способствовала их универсальность: платок шел ко всему и ко всем – к нарядам крестьян и городских низов.

Узоры павлопосадских платков

Павловские платки периода 1860-1870-х годов стилистически мало отличались от платков московских мануфактур, которые преимущественно декорировались так называемым «турецким» узором, стилистика которого восходит к тканым восточным шалям. Этот узор наиболее характерен для русских тканых и набивных платков 1-ой половины XIX века. Он предполагает использование определенных орнаментальных мотивов в виде «боба» или «огурца», геометризированных растительных форм. В России интерес к искусству Востока был достаточно устойчив на протяжении всего XIX в. Хотя некоторые исследователи ошибочно связывают с павловским платком исключительно цветочную орнаментацию, но, тем не менее, павловские шали с «турецким» узором также были довольно разнообразны.

Во 2-ой половине XIX в. изображение цветов, причем в несколько натуралистической трактовке, было очень модным. Вероятно, это было обусловлено свойственными всей эпохе историзма романтическими тенденциями связи человека с живой природой. Предпочтение цветочным мотивам отдавалось в вышивке, кружеве, тканях. Букетами цветов декорировали фарфор, подносы, их изображения стали появляться в росписи интерьеров. Так что в украшении шалей цветами проявилось стремление павловских мастеров сделать модный товар, который будет пользоваться спросом у покупателей.

В рисовальной мастерской фабрики в 1871 г. работало уже 7 рисовальщиков: Степан Васильевич Постигов, Иван Иванович Иванов, Михаил Ильич Судьин (Судин), Аким Васильев, Павел Захарович Невесткин, Борис Ефремович Красильников, Захар Андреевич Проханов. К концу века их число достигло одиннадцати. Труд художников высоко ценили: жалованье самого высокооплачиваемого из них Степана Постигова составляло в то время 45 рублей, что почти в 2 раза превышало зарплату резчика и в несколько раз заработок рабочих других специальностей.

Конец XIX — начало XX в. можно рассматривать как время окончательного сложения стиля павловского платка. Узор набивался на кремовом или цветных грунтах, чаще всего черном или красном. Орнамент включал объемное изображение цветов, собранных в букеты, гирлянды или разбросанных по полю платка. Иногда цветы дополняли тонкими орнаментальными полосками или небольшими элементами стилизованных растительных форм. Отличительной особенностью павловских платков была безупречная гармония в подборе цветовых сочетаний и отдельных элементов декора. Не случайно предприятие получает в 1896 г. высшую награду промышленной выставки в Нижнем Новгороде: право изображения Государственного герба на вывесках и этикетках.

С середины 1920-х годов традиционный цветочный орнамент получает несколько иную трактовку. Цветочные формы в эти годы укрупняются, обретая порой почти осязаемую объемность. Колорит платков строится на ярких контрастирующих сочетаниях красных, зеленых, синих и желтых красок.
Рисункам послевоенного периода свойственна декоративная насыщенность, более плотная скомпанованность цветочного узора. Цветовая и композиционная наполненность рисунка со сложными светотеневыми разработками соответствовала общей тенденцией развития прикладного искусства тех лет.
В последнее десятилетие проводится работа по восстановлению рисунков старых павловских шалей. Создание новых рисунков ведется в двух направлениях. Наряду с развитием классической линии появились новые, современные рисунки, учитывающие общеевропейские тенденции развития платка. В соответствии с модой и стилем времени меняется цветовой строй изделий. Колористическая гамма строится на гармоничном сочетании сближенных тонов с преобладанием бежевых, охристых, коричневых и зеленоватых.

Если Вас также, как и меня, заинтересовали платки, то посмотрите платочки на сайте Павлопосадских платков, а я уже мечтаю приобрести книгу Анатолия Баровского «Платочной радуги узор» , которая также продается в этом магазине.

Я желаю Вам осознания Вашей женской природы, и приятных экспериментов с женственной одеждой! И желаю Вам найти подходящий и радующий Вас платочек!

Мировая история женского платка

История ношения платка берет свое начало в глубокой древности и уходит корнями в различные исторические эпохи и культуры. Платок является атрибутом практически всех религий и частью моды и стиля в современности.

Традиция ношения такого головного убора, как платок, очень растянута географически – Древние цивилизации – Греческая на Западе, Китай на востоке, Египет и Персия на Ближнем Востоке, исламская Средняя и Центральная Азия и Индийская цивилизация на Юге. Центральную и северную часть этой историко-географической эпохи занимает Древне Славянская Ведическая Русь, дохристианских времен. Повсеместно встречаются образы, в которых обязательно элементом является платок.

Разумен вопрос: а почему эта традиция существует? Возникшая тысячелетия назад, она существует и по сей день. Логично будет предположить, что причиной тому погода – где-то платок защищал голову от зноя, где-то от холода, а в пустынных и степных краях еще и от пыли и песка.

Но также, мы знаем, что наши предки были умны, и помимо практической стороны ношения платков, был еще и более глубокий смысл.

Две тысячи лет до нашей эры найдено первое упоминание о платке как о головном уборе. Относится оно к эпохе фараонов Египта.

И в Египте, и в Ассирии платок указывал на положение владельца в обществе. Головной убор фараонов назывался нем. Он подчеркивал власть и богоподобие фараона. Закрученный сзади в узел, яркий сине-золотой платок, по бокам спускался до плеч.

Покрывать голову женщинам было принято и в Европе. Это считалось правилом благопристойности и символизировало зрелость. Поэтому незамужние женщины не ходили с непокрытой головой, ведь это подчеркивало их статус.

В Германии женщины носили длинные вуали, свободно развевающиеся на плечах, заколотые под подбородком брошью.

В XVII – XVIII веках пришла мода на другие головные уборы – капюшоны, а затем и шляпки.

К началу XIX пришла мода на шали. Считается, что возникла она после египетского похода Наполеона, возвратившись из которого, он привёз своей Жозефине кашмирские шали. Французские модницы сразу же повторили опыт первой красавицы Франции, а за ними и все дамы Европы. В это время большое распространение получили восточноевропейские, индийские шали.

В эпоху Возрождения женщины уже часто не покрывали головы. Подтверждением тому служат картины великих художниокв той эпохи – например, картина “Дама с горностаями” В начале 18 в. на севере Европы появились первые набивные платки с различными рисунками от орнамента до политической карикатуры

Платком традиционно не в качестве модных веяний покрывали голову девушки разных религий. Данная традиция сохраняется и по сей день.

Почему женщины носят платок на голове?

Платок один из важных факторов престижа и призван скрывать женскую красоту. Женские волосы – один из главных символов соблазнения. Для женщины, также, длинные, сильные волосы символ энергии. Они хранят опыт и память человека. Считалось, что женщина с длинными волосами вынашивает ребенка без проблем. Недаром, человеку, пережившему горе или утрату, советуют постричься. В Индии этот обряд считается чисткой кармы. Поэтому раньше не стригли волосы: остриженная женщина у всех народов считалась опозоренной. Мужчины также не носили короткие стрижки, лишь немного подстригали волосы. Изначально во всех вероисповеданиях покрывание головы служило некой защитой от отрицательной энергетики, сглаза и излишнего мужского внимания. Этот головной убор был символом нравственности, чистоты, скромности. До сих пор, девушки, носящие платок на голове отмечают, что в нем чувствуют себя более уверенно. Платок сдерживает, в нем не хочется спорить, ругаться.

Он часто выступал показателем социального статуса обладательницы. Богатые особы носили платки из дорогой ткани, вышитые. Взглянув на головной убор, можно было определить статус его хозяйки, так как он наглядно демонстрировал достаток семьи, сословие и семейное положение. Также, платком обертывали священные предметы. Танцуя, девушки с помощью платка подчеркивали изящность и легкость своих движений.

Еще на Руси считалось, что волосы хранят энергию, поэтому девушки не распускали волосы, опасаясь пагубных последствий. После замужества, женщины полностью покрывали волосы, в то время как у девушек из-под платка или косынки можно было увидеть косу. С библейских времен покрытая голова у женщины была символом благородства, целомудрия и смирения перед мужем. Платок означал принадлежность к мужу, что защищало женщину от посторонних. Поэтому отказ от платка считался выражением гордыни и непокорности, в связи с чем таких женщин не допускали в храм.

История русского женского платка

История платка в Древней Руси начинается примерно в 12 веке: тогда женщины носили «убрус». Его делали из различных материалов: для бедных из шерсти,для более состоятельных из шелка и украшали камнями, золотой и серебряной нитью, речным жемчугом, вышивкой. Платок служил защитой от сурового климата, поэтому его носили поверх головного убора.

До появления крупной промышленности все платки были безымянными и ткались крестьянками на обычных домашних станках. Их или украшали узорными ткаными полосами, вышивками или красили и набивали на них печатные узоры. В ХVI — XVII веках появились платки из плотной «коноватой ткани» и назывались «канаватки». Предположительно, появились они после поездки Афанасия Никитина в Индию. Ими торговали купца с Востока, поэтому особенно ценились и считались драгоценностью. Платок был акцентом в образе русской женщины, его завершением. Большую часть жизни женщина носила платок, не снимая его до самой смерти. Он придавал женщине особый шарм, изысканность

В 17 веке производство шалей было поставлено на поток. И до сих пор платок с традиционными русскими узорами актуален в нашем гардеробе. С 18 века в России набирает обороты изготовление больших платков и шалей. Подражая пестрым шалям, недоступным широкому кругу людей, стали выпускать набивные платки.

Наши шали сочетали красный и желтый цвет – как подражание дорогим парчовым тканям. Желтый цвет был похож на золото.

В начале 19 в. шали создавались на 3-х фабриках, которые назывались «колокольцескими» Товары фабрик Третьякова и Прохорова конкурировали с западными товарами.

К концу 19 в годах стали применять ализариновые красители. Самыми известными стали барановские платки и ситцы, отличавшиеся ярким красным цветом. Секрет этого цвета был в используемой воде, в которой практически не содержалось соли. Добывалась она на озере в селе Карабаново. Барановские платки были узнаваемы: по рисунку, орнаментальному рисунку и ярким краскам.

Позже, мода на платки достигла пика – шалями стали обивать обувь, мебель, шили из них одежду.

В 20 веке платки и шали стали одним из необходимых аксессуаров. На каждом празднике или церемонии женщина появлялась в платке. На картинках художников мы можем увидеть девушек в пестрых или пуховых шалях, которые согревали даже в самые суровые морозы. Эти женщины – образ нашей Родины. В 20 веке платок все еще был популярен. Атрибутика красного цвета стала символом соцреализма – это коснулось и платка, точнее косынки. Иностранцы страстно желали привезти в свою страну «русский сувенир» красный пионерский галстук. В Великую Отечественную войну платочек был символом верности и талисманом для фронтовиков. Они хранили его в своих шинелях, и он служил им стимулом для защиты Родины и напоминал о семье.

Платки и шали – история и фото

На Руси с шалью были знакомы ещё задолго до европейцев. По Великому шёлковому пути, который начинается в Китае, купцы привозили к нам разные восточные диковины, в том числе и шали.

Но, как и в случае с англичанками, наши дамы тоже не прониклись этим аксессуаром. Носить носили, но как-то без энтузиазма. И не для красоты, а скорее для тепла и целомудрия.

Тем более, что у нас самих подобного добра было в достатке. Женщины издавна носили на голове убрусы, которые в 17 веке трансформировались в платки.

Убрус – покрывало в виде полотенца длиной до 2 метров, шириной – 50см. Его особым образом оборачивали вокруг головы, один конец заправляя внутрь, а другой оставляли свободным. Этот конец, как правило, украшали вышивкой либо каменьями

Со временем убрус укоротился и превратился в плат, который позже стали называть платком.

В 17 веке крестьянки носили плат на особые шапочки: кики, кички, повойники, кокошники, а знатные дамы надевали поверх головного убора фату.

В 19 веке русское дворянство жило с оглядкой на Запад, а точнее на Францию. В моде было всё французское: костюм, язык, манеры, стиль в архитектуре.

Как только Франция обратила свой взор на восточные шали, нашим модницам они, естественно, тоже срочно понадобились.

Путь шали из Индии был очень длинным, поэтому и стоили они , как ступень от космического корабля, т.е. как целая деревенька с крестьянами в придачу.

Приезжая в Россию, такая шаль стоила порядка 20 тысяч рублей. Для сравнения, за корову отдавали 30 рублей. Естественно, такие вещи по карману были только богатым аристократкам.

А ведь бедные дворянки тоже мечтают заиметь в своём гардеробе хоть одну шаль. Но за такие деньжищи – это просто нереально. Какой же выход?

Естественно – наладить производство собственных шалей. Только так можно было удешевить товар.

И тогда некоторые предприимчивые и смекалистые помещики озаботились данной проблемой. К счастью, история сохранила их имена, и даже некоторые творения ручного ткацкого дела- шали. Это помещики Надежда Мерлина, Дмитрий и Григорий Колокольцовы, Вера Елисеева- пионеры “шалевого” промысла.

Например, воронежская помещица Вера Елисеева пять лет потратила на эксперимент по производству русской шали. Для этого она купила заграничную шаль и разрезала её на куски, для того, чтобы понять секрет рисунка, который ткался вместе с шалью.

Параллельно ткачеству Елисеева занимается вопросом удешевления сырья, потому что привозной пух (гималайской или тибетской козы) был дорогим. И такой способ нашёлся.

Раньше в степях Западной Сибири водились вигони и сайгаки, которые давали не менее качественный пух.

Вигони выглядели, примерно, так:

Ну, не красавчик ли? Как позирует! А как фотогеничен!

Причём, пух наших животных был настолько качественным: лёгким и тонким , что из 15 граммов можно было изготовить нить длиной 4,5 километра. Я не оговорилась: именно километра! Прописью: четыре с половиной тысячи метров! Она в 5 раз была тоньше волоса.

Вот объясните мне, как она не рвалась? и как её можно было почувствовать пальцами?

Для ткачества привлекались молодые девушки из крепостных, естественно, с очень чувствительными пальцами и острым зрением . Эти девушки никогда не занимались домашними и полевыми работами: берегли пальцы.

Электричество на тот момент ещё не изобрели, поэтому ткачеством занимались при лучинах, практически в потёмках. А труд этот был безумно кропотливым, напряжённым, ювелирным.

Как правило, в течение 10 лет девушки теряли зрение. Помещики им давали вольную и выдавали небольшой капитал. Но это было уже ни к чему. Поскольку свой век эти девушки доживали в богадельнях.

Цена шали от Веры Елисеевой: от 1 до 10 тысяч рублей.

Согласитесь, всё-таки дороговато. А дело всё в сроках изготовления. Самая простая шаль: однотонная, без рисунка изготавливалась около года, с рисунком – 2,5 года. Представили? Одна шаль – 2 года!! За год на предприятии изготавливалось не больше 16 шалей.

Работа над шалью шла медленно: 3 – 4 мастерицы за день могли выткать не более полусантиметра шалевой ткани, причем концы нитей заделывались особым образом. Приёмы, применяемые для изготовления ковров, применялись в технике паласного ткачества при изготовлении шалей. Благодаря этому шали не имели оборотной стороны, различить, какая сторона была изнаночная, было невозможно даже с лупой.

Как правило, на работу отбирались усидчивые кропотливые молодые девушки с хорошим зрением, так как в изделии насчитывалось до 60 оттенков.Сама шаль не была цельной – она состояла из отдельных кусков, соединенных почти незаметными швами, шедшими по границе с рисунком – например, по границе полосок с «жемчужинами». То ли станки были маленькими, то ли для того, чтобы несколько мастериц быстрее заканчивали работу.

И остались в истории русского искусства шали не хуже индийских кашмирских, подписанные инициалами «Н.М.» (см. правый нижний угол), а имена искусных мастериц, как всегда, канули в лету.

Те самые колокольцовские, мерлиновские и елисеевские шали хранятся в солидных музеях. Моему музею такая роскошь – не по карману.Такие вещи хранятся в фондах Государственного исторического музея, Эрмитаже, Русском музее.

Не так давно прошла выставка русских платков и шалей в городе Санкт -Петербурге в Русском музее. Там были представлены уникальнейшие экспонаты.

Эти вещи не просто уникальны и бесценны. Но они ещё и невечны. К сожалению, как бы музейные хранители ни старались, но шали ветшают, выгорают. Самый большой срок жизни подобных вещей – 300 лет, максимум 400-500 ( но это надо очень сильно постараться: не трогать, не выставлять, а положить в морозилку).

Совет. Никогда не верьте, когда вам говорят: вот этой тряпочке уже 1000 лет. Лукавят! Ткани из натуральных волокон ветшают и со временем превращаются в труху.

Для справки: очень много шалей ручного , да и машинного ткачества были варварски уничтожены после революции. При разграблении помещичьих усадеб, простой люд этими шалями застилал свои столы вместо скатертей, носил их на плечах и голове, подвергая частой стирке, рвал их на тряпки.

Возвращаемся к теме русских шалей начала 19 века. Как уже говорилось, шали всё равно оставались дорогими. Обедневшая дворянка пока ещё не имеет возможности приобрести десяток шалей себе в приданое.

Вот тут на сцену фэшн-индустрии выходят павловопосадские платки. Но это уже совсем другая история: другая техника, другая эстетика, другое отношение к шали.

Главное, как только шали стали массовыми, дворянки тут же к ним охладевают. Не комильфо, однако.

А вот та самая колокольцовская шаль. Таких почти нет в природе, увы((

Производителя этой шали не помню. Тоже старинная, похожа по почерку на мерлиновскую.

Ещё одна старинная шаль ручного ткачества, двусторонняя:

Русские шали, кстати, ценились выше европейских. Именно в силу отсутствия изнанки. Они были одинаковыми с двух сторон. А этого добиться было очень нелегко!

Середина шали — гладкая однотонная, а вытканная отдельно и пришитая к центральной части кайма состояла из пышного растительного орнамента гирлянд и букетов роз, сирени, гиацинтов, ландышей, незабудок и пионов. При их изготовлении использовалось до 60 различных цветов нитей.

На самом деле производства в разных концах Европы открывали почти одновременно. Это и Великобритания, и Франция, и Германия и Россия. Ясно только, что мода на шали точно пришла из Франции, и букеты роз, сменившие восточные «огурцы», тоже пришли оттуда.

К сведению: сегодня на антикварных рынках русские шали ценятся больше французских — из-за высокого качества шерсти. В этом случае России сильно поспособствовала Сибирь и близость к Азии, где водились вигони и сайгаки, киргизские козы, чья горловая шерсть не уступала кашмирской, а по некоторым свойствам и превосходила ее. Этим преимуществом и воспользовались русские помещики.

Костюм конца XVIII в. изменил мир танцев. Они стали быстрыми, и партнеры в танце могли быть рядом, так как платье не мешало подойти к женщине. Соответственно изменилась и обувь. Обувь к античному наряду полагалась без каблуков. Дамские туфли шили из атласа белого, голубого и розового цветов без каблука с острыми, длинными носками в форме лодочки, на утолщенной кожаной подошве. Эти очень открытые туфли, подобно балетным тапочкам, завязывались белыми лентами крест-накрест на манер античных сандалий. Такая обувь была похожа на туфельку современной балерины.

Ходить плавной, скользящей походкой и тем более танцевать в такой обуви было непросто. Необходимо было носок подавать вперед, пятку поднимать вверх и не опускать ее на пол прежде носка. Голову нужно было поднять, шею держать свободно, тело прямо, плечи опустить, локти прижать к бедрам, руки держать спереди. Ходить нужно было строго по прямой, грациозно, не торопиться. Это требовало тренировки. Платья делали не совсем длинными, поэтому туфельки и щиколотки были видны

.Женские прически более сложные и имеют ряд вариантов. Чаще всего женщины носят прически на подобии античных – с легкой завивкой.

И все как одна в шалях. Хоть на плечико, хоть на спинку кресла, хоть на подлокотник, но обязательно накинут.

Эти тончайшие драгоценные изделия имели бешеную популярность в столичных аристократических кругах. Происхождение этих шалей на портретах светских дам нам неизвестно, но все они – современницы Мерлиной, Елисеевой и Колокольцова.

В каталоге Санкт-Петербургской выставки российских мануфактурных изделий 1829 года было написано, что шали фабрики Мерлиной “по особенностям ткани и колеров превосходят шали европейского производства и потому принадлежат к первому сорту”.

К сожалению, сведений о тех шалях, тонкости производства и жизни самих помещиц сохранилось очень мало. Вот одно из них про Надежду Мерлину:

«У нее отличная фабрика шалевая, их ткут особенным манером. Они во всей России известны, их славят даже в столицах, и они до того громки и ценны, что некто Коленкур, французский посланник у Двора Российского, торговал на ее фабрике превосходной работы шаль, будто бы для жены Наполеона, и давал за нее 10 тысяч, но госпожа Мерлина, как патриотка, не захотела выпустить в чужое государство домашнего сего изделия», – записал князь Долгорукий в своих воспоминаниях., почтивший своим визитом Мерлину и Колокольцовых.

«Не знаю, весело ли тем, кои вырабатывают шали и платки, но знаю, что любо смотреть на их труды. Какое мягкое полотно! Какие живые краски! Какие замысловатые узоры: все в совершенстве, — живописует Долгорукий мерлинские шали. — И после скажут в Париже, что мы дики, необразованы, а в Лондоне, что у нас нет ума изобретательного, нет искусства! Оставьте нас как мы есть, господа иностранцы! Мы, право, вам ни в чем не уступим: у нас руки гибкие, земля богатая, народ покорный: чего с этим не выдумаешь? Было бы кому налаживать добрую волю».

История создания русских шалей

Ручное вязание смело можно причислить к самым старинным видам рукоделия. Сегодня как никогда остро ощущается необходимость в бережном отношении к истории художественного наследия страны, возрождению прекрасных русских традиций и промыслов. Естественная потребность человека в красоте, стремление к творчеству превратили русские ремесла в настоящее искусство. Разнообразие приемов, богатый выбор цветовых и орнаментальных решений, нестандартность фасонов и моделей вдохновляет нас на создание красивой одежды.
Русские шали. Как часто они согревали в XIX веке полуобнажённых красавиц, которым в своих прозрачных нарядах было легко простудиться. Или же украшали плечи простых крестьянских женщин и девушек. Судя по портретам русских художников В.Л.Боровиковского и И.П.Аргунова, шали на женских плечах в России появились в 90-е годы ХVIII столетия.

Одним из трофеев в 1799 году молодой Бонапарт вывез с Востока именно кашемировые шали. Они тогда стоили достаточно дорого. Особенное предпочтение у дам имели индийские шали. Но и турецкие не уступали им в красоте и в цене. Затем появились английские и французские. Когда дамы открывали коробки с подарками, привезёнными им с Востока, первое, что они могли ощутить — запах пачули. О чём это говорило? Ну конечно же — там была шаль. А при чём здесь пачули, которые вскоре стали использовать в парфюме? Дело в том, что шали пересыпали пачулями, чтобы уберечь их от моли. Немного времени прошло с тех пор, как Наполеон удивил французских дам ценным подарком. Орнамент у всех был в одном восточном стиле — мотивы в виде арок, бобов и прочих элементов, заполненных мелким растительным орнаментом. Все шали — и восточные, и западные, имели лицевую и изнаночную сторону.
Шали, производившиеся в России, отличались высоким совершенством и славились на мировом рынке. Следует отметить, что в мастерских Веры Андреевны Елисеевой впервые заменили шерсть тибетских коз на шерсть сайгаков. По отзывам того времени из «Журнала мануфактур и торговли» «…пух сей оказался столь нежным, тонким, мягким, что пряжа, из него выпрядаемая, уподобляется шёлку, и шали, из оной изготовляемые, не токмо не уступают… кашмирским, но и превосходят их». В 13 граммах шерсти было 450 метров нити. Представьте себе, насколько тонка была пряжа и изделие из неё. Но это ещё не всё. Ткали на маленьких станочках, содержащих не челноки, а небольшие иголочки. И было их столько же, сколько оттенков в изделии. Наши русские шали не имели лицевой и изнаночной стороны, они были одинаковы с обеих сторон. Как хочешь, так и повязывай.

Купавинские шали делали на Купавинской фабрике князя Н.Б. Юсупова, их носили только купчихи. Стоимость одной шали составляла 200 рублей, что равнялось годовому жалованью фабричного рабочего.
Великолепными вязаными шалями из козьего пуха прославился Оренбургский край. Как гласит легенда, первая оренбургская шаль была подарена императрице Екатерине II одной казачкой. Царица поразилась искусной работе, щедро одарила мастерицу, но приказала слугам ослепить ее, чтобы никто ничего подобного больше не сделал. К счастью, у казачки была дочь, которой она успела передать секреты вязания. Начиная с середины XIX века оренбургские пуховые изделия не раз удостаивались медалей на всемирных промышленных выставках в Лондоне, Чикаго, Брюсселе. Легкие, ажурные, словно паутинка, шали и платки, пяти аршин в длину и пяти в ширину (3,5 ґ 3,5 м), поражали посетителей выставок не только своей красотой, но и тем, что их можно было протащить сквозь золотое колечко и уместить в скорлупе гусиного яйца.
До нас не дошли имена тех мастериц, которые трудились в мастерских вышеназванных помещиков, но их современники высоко ценили мастерство этих безымянных женщин. Шали выполнялись длительный срок — от шести месяцев до 2,5 лет, и стоили очень дорого. Крепостные мастерицы у помещицы В.А. Елисеевой трудились до 10 лет, после чего получали свободу с небольшим капиталом, да и не нужны они были — проработав такой срок работницы теряли зрение.
Сохранилось таких шалей на сегодняшний день мало, но если посмотреть на картины русских живописцев, мы всё же сможем представить ту красоту, которую создавали русские женщины-мастерицы.
В царствование Александра I воспитанниц женских учебных заведений начали обучать танцу с шалью. Так девушки демонстрировали свое изящество, грациозность и хорошую осанку. Эта традиция сохранилась до конца XIX века. Подтверждение данному факту можно найти в романе Ф. М. Достоевского «Преступление и наказание», где титулярный советник Мармеладов рассказывает Раскольникову: «Знайте же, что супруга моя в благородном губернском дворянском институте воспитывалась и при выпуске с шалью танцевала при губернаторе и при прочих лицах, за что золотую медаль и похвальный лист получила». Старинные шали, как восточные, так и русские, были очень длинными и исключительно с тканым орнаментом. Умению носить их придавалось большое значение. Один конец обертывали вокруг руки, другой спускали до земли. Чтобы удерживать шаль в нужном положении, в ее углы вшивали металлические шарики (иногда шарики вплетали в кисти).

Проходит время, сменяются столетия — мода меняется все быстрее и быстрее, заимствуя детали и элементы прошлых лет. Поэтому и сейчас в вашем гардеробе русская шаль не будет лишней. Она не подвержена влиянию времени. Это классический предмет женского гардероба.
Народ, не утративший истоки своей культуры, имеет будущее. Отрадно видеть, как в трудное для всех нас время возрождаются былые ремесла и легендарная слава Мастера.

…Но остался в складках смятой шали
запах мёда от невинных рук. С. Есенин

Платок

Портрет торопчанки с цветком

Ткань четырёхугольной формы, часть одежды или дополнение к ней

История

Считается, что история платка начинается примерно с XII в., когда женщины стали носить убрус — головное полотенце или полотно из куска ткани, которое набрасывали поверх головного убора.

Спустя век, в русском языке появляется слово «шаль», позаимствованное из персидского языка, означающее большой узорный платок. Огромную и замечательную роль играет платок в ансамбле народного костюма как завершение головного убора или украшение , как повседневного так и праздничного наряда.

Разновидности

Платки изготавливаются из самых разнообразных тканей. Они бывают расшиты золотным шитьём, бисером и жемчугом. Назначение у платков так же различно. В первую очередь они делятся на мужские и женские. Так же надо упомянуть платки носовые.

По материалу изготовления платки делятся на:

• ситцевые
• полиэстровые
• шерстяные
• шелковые
• пуховые
• из смесовых тканей

О женских платках

Его специфическая роль в истории русского костюма очень во многом связана с православием. По канону православная замужняя женщина не могла выйти без головного убора даже из своей горницы, не говоря об улице.

При этом ношение того или иного головное убора, как правило, не отменяло платка. Даже зимой шапка надевались поверх платка, а не вместо него.

Изготовлялись платки из разнообразных материалов в зависимости от времени года. Так в к.XVIII в., когда между русскими и местным уральским населением установились торговые взаимоотношения, в Оренбургской области появились платки из козьего пуха, столь популярные и сегодня.

В начале XIX в. появились Павловопосадские платки, первоначально изготовлявшиеся методом ручной набивки и бывшие чрезвычайно многоцветными. Большой платок назвали шаль.

Тогда же, в начале XIX в. шаль приобрела популярность и в России, став непременным атрибутом женского костюма. Состоятельные дамы носили ее в любое время года и практически всюду — в театр, на бал, на прогулку и даже дома.

Именно в этот период времени в нашей стране существовал танец «па де шаль».

Как и в Европе, в России умению носить шаль придавали большое значение. Внушительные по своим размерам, шали удерживались на плечах с помощью специальных золотых шариков, которые вшивались в ее углы, а иногда вплетались в кисти.

Среди такого множества платков и шалей любая женщина на ярмарке или в модном магазине могла купить платок по вкусу и достатку, для праздников и будней, на холодную и жаркую погоду.

Мужские платки

Мужские платки изначально выполняли только функциональную роль – защищали шею от пронизывающего ветра и песка. А украшением мужской платок стал гораздо позднее.

В европейскую моду платок ввел Людовик XIV. По его указанию ношение мужчинами платка свидетельствовало о принадлежности к дворянскому происхождению. Таким образом, обыкновенный платок стал считаться предметом роскоши.

Женские платки

Этот головной убор неотъемлемо связан с образом русской женщины. Платок был символом нравственности, чистоты, скромности.

Он часто выступал показателем социального статуса обладательницы. Знатные особы носили «богатые» платки из дорогой ткани, вышитые золотом.

Платком обертывали священные предметы. В танце с его помощью девушки подчеркивали грациозность и легкость своих движений.

Носовой платок

Это особая деталь гардероба. Он необходим как для гигиены, так и в виде украшения. Переменчивая мода влияла на внешний вид и использование носового платка.

Во время раннего Ренессанса платки считались жизненно необходимым и функциональным аксессуаром.

Носовые платки постепенно стали более украшенными, служа знаками любви четы друг к другу. Каждый уважаемый мужчина носил платок, и по сей день он считается символом благородства и социального ранга.

В средневековье носовой платок был символом романтической любви. В XVI веке носовые платки оставались роскошью и использовались исключительно знатными дамами.

Памятные платки

Особое место в истории занимает тема памятных платков, напечатанных «с надлежащего разрешения» властей в честь знаменательных событий в истории России. По их сюжетам можно проводить уроки истории: о короновании императоров, о 300-летии царствования Дома Романовых, о столетии Отечественной войны 1812 года и многое другое.

Кустышки

Часть головного убора русского традиционного костюма Архангельской области.

Кустышки представляют собой широкий платок из тафты красного цвета, сложенный в полосу шириной около 12 см и завязанный на повойник таким образом, чтобы узелок располагался на лбу, а кончики платка торчали в разные стороны.

Носители традиции говорят, что: «кустышки должны стоять как ушки у зайчика».

Платок в религиях

В различных религиях платок является обязательным атрибутом одежды женщины.

Христианство

Такая традиция относится к глубокой христианской древности, а именно еще к апостольским временам. В то время всякая замужняя добропорядочная женщина, выходя из дома, покрывала голову. Девочки могли ходить без платка, девушки одевали платок, но волосы могли не убирать, можно было оставить косу на виду.

Другие конфессии

Ношение платка во многих религиях связано со скромным поведением женщин и мужчин. Последователи иудаизма обязывают замужних женщин покрывать голову.

У мусульман подход к этим требованиям похож. Они утверждают, что покрытая голова женщины — это признак покорности Аллаху, благочестия, превосходства, счастья и независимости.

Видео: Платки и шали

Платки и шали в жизни любой женщины всегда занимали особое место. В видео ниже мы побываем на уникальной выставке «Шали и Платки» в Сергиево-Посадском музее-заповеднике.

Авторские права

Вы можете приобрести платки и шали в магазине «Русские ремёсла»!

Магазин «Русские ремёсла» — интернет-магазин единичных и редких изделий, подарков и сувениров народного искусства России. Мы предлагаем традиционные произведения русских народных художественных промыслов, изготовленные лучшими авторами и мастерами в разных регионах России.

Мы гарантируем подлинность народного искусства, эксклюзивность представленных изделий и уникальность каждого предмета.

Биография Стеллы МакКартни и бренд Stella McCartney

Стелла МакКартни (Stella Nina McCartney) – британский дизайнер, создатель и арт-директор бренда Stella McCartney.

«Быть модным – значит, быть современным, быть современным – значит, менять привычный ход вещей».

Стелла МакКартни, дочь знаменитого Пола МакКартни, родилась 13 сентября 1971 года на севере Лондона в Ноттинг Хилле. Родители её были известные на весь мир: отец – музыкант группы «The Beatles» – Пол МакКартни и мать – фэшн-фотограф – Линда Истман. В семье было четверо детей – две старшие сестры и младший брат. Своих детей МакКартни отдали учиться в обычную государственную школу. Зная, кто их родители, учителя «спрашивали с них особенно строго». Но Стелла была способной девочкой, и огорчаться по этому поводу ей приходилось не часто.

Из-за гастролей отца семья постоянно переезжала. Родители общались со многими знаменитостями, и с детства детей окружали люди искусства – музыканты, актёры, дизайнеры, фотографы. В дальнейшем со многими из них Стелла продолжала поддерживать связь. В апреле 1998 года умерла мать от рака груди. Стелла очень любила свою мать, и старалась быть на неё похожей. Линда была активисткой по защите животных. И в дальнейшем Стелла повторит её и станет поддерживать организации по защите животных.

В память о матери 26 апреля 2008 года Стелла и Пол МакКартни открыли фотовыставку с работами Линды Истман. Стелла с детства увлекалась модой, она любила посещать блошиные рынки и любоваться антикварными изделиями. Однако она не только любовалась, но и покупала, создавая новые образы. С 13 лет она пробовала создавать свои модели и училась у личного портного Пола МакКартни.

В 15 лет Стелла стажировалась у Кристиана Лакруа. А в 1991 году Стелла МакКартни поступила в Центральный колледж искусств и дизайна Saint Martins. На её дипломную коллекцию в 1995 году были приглашены Наоми Кэмбелл, Кейт Мосс и Ясмин Ле Бон. Её коллекция была представлена под музыку и песню Пола МакКартни «Stella May Day» («Майский день Стеллы»). Об этом событии тогда писали многие газеты, а вещи из коллекции с большим успехом продавались во многих универмагах Лондона и Токио.

В 1997 году её пригласили на пост креативного директора Chloe. Молодой дизайнер Стелла МакКартни не побоялась сменить на этом посту самого Карла Лагерфельда. Многие с недоверием отнеслись к этому назначению, считая, что предыдущим успехам Стелла обязана только лишь знаменитости своего отца. Карл Лагерфелльд также отнёсся к этому назначению со скептицизмом, назвав фамилию МакКартни «громкой, но в мире музыки».

Однако новая коллекция Стеллы для бренда Chloe снова была успешной. Прежде чем выпустить эту коллекцию в качестве креативного директора Chloe, Стелла полностью рассмотрела весь архив марки и взяла его за основу, добавив по воспоминаниям стиль своей матери и свою дизайнерскую фантазию. Тогда, после выпуска коллекции, её короткие жакеты с кружевами и облегающие брюки критики назвали «новым силуэтом».

Стелла создала свадебное платье для своей сестры, Мэри, а затем и Мадонны для бракосочетания её с Гаем Ричи. На этом посту она находилась около четырёх лет. За это время продажи Дома увеличились почти в пять раз, а их покупательницами стали не только взрослые женщины, но и совсем юные особы, а также многие голливудские звёзды. В 2001 году Стелла покинула Chloe и вскоре открыла свой собственный Дом Stella Nina McCartney совместно с Gucci Group. Бренд Stella McCartney выпускает женскую, и детскую одежду, аксессуары, нижнее белье.

2003 год – в этом году у Стеллы МакКартни произошли большие изменения, как в личной жизни, так и в карьере. В 2003 году она вышла замуж за Алисдера Уиллиса, британского издателя Wallpaper. Свадьба проходила в замке на шотландском острове Бьют. А платье невесты было создано Стеллой МакКартни и Томом Фордом. Свадебное платье являлось обновлённой версией того, в котором 12 марта 1969 года выходила замуж Линда Истман. Тогда же Стелла открыла бутик в Лондоне на Бонд стрит и выпустила свой первый аромат — «Stella».

С этого времени о ней стали говорить как об одной из влиятельных женщин-дизайнеров в модной индустрии.

Стелла МакКартни создавала костюмы для мирового турне Мадонны ReInvention World Tour, Энни Леннокс, наряды для Гвинет Пэлтроу и Джуда Лоу в фильме «Небесный капитан и мир будущего». В 2004 году совместно с фирмой Adidas был заключён контракт и создана линия Adidas by Stella McCartney. В эту линию вошли одежда для фитнеса, тенниса, плавания, серфинга, бега, всех видов зимнего спорта, а позднее и одежда для йоги. Делая карьеру в области модной индустрии, она много времени отдавала своей семье, в которой к 2010 году было уже большое пополнение – два сына и две дочери.

Стелла выросла в семье, где было много детей, поэтому и для неё семья представляет большую ценность. Она разработала и запустила детскую линию одежды – Stella MacCartney KIDS, в которой одежда и для девочек, и для мальчиков от 0 до 12 лет. Это достаточно стильная одежда для дома и улицы, а также нижнее бельё. Вся одежда создана для детей в ярком, нарядном и забавном стиле. В линии выпускаются и детские аксессуары – зонты, сумки и прочие необходимые предметы.

2005 год. Разработана капсульная коллекция одежды и аксессуаров StellaMcCartney for H&M, для шведского бренда H&M. Благодаря характерному дизайну и демократичным ценам, коллекция была быстро распродана.

2007 год. По версии «Time» Стелла МакКартни вошла в список 100 самых влиятельных людей планеты. Совместно с YSL Beaute Стелла запустила линию продукции по уходу за кожей Care, которая состоит из натуральных компонентов.

2008 год. Разработана коллекция сумок для LeSportsac. В этой коллекции были не только чемоданы и сумки для путешествий, но и сумки для матерей с грудными детьми, а также аксессуары для младенцев. Цены достаточно демократичные. В том же 2008 году вышла первая органическая коллекция Стеллы МакКартни Stella McCartney Organic Collection, которая состояла из моделей одежды, изготовленной из переработанных натуральных материалов. Все изделия продавались только в лондонском универмаге Harvey Nichols.

2009 год. Детская коллекция для бренда Gap. Одежда продавалась во многих странах – в США, Канаде, Великобритании, Ирландии, Франции, Японии.

2010 год. Стелла запустила свой собственный интернет-магазин. На сайте есть раздел, в котором она дает рекомендации стилиста в выборе одежды из своих коллекций. В этом же году Стелла начала сотрудничество с брендом Disney и выпустила ювелирные украшения – «Алиса в стране чудес». В то же время она становится креативным директором подразделения Adidas Team GB.

2011 год. Стелла МакКартни включена в список самых влиятельных женщин по версии издания The Daily Telegraph. На Пятой авеню в Нью-Йорке открыт бутик в универмаге Saks.

2012 год. Стелла создала экипировку для спортсменов британской команды, в которой насчитывалось до 590 предметов одежды для 900 спортсменов. Эта разработка заняла 2,5 года. А еще в 2012 году выпущена линия нижнего белья «Stella» с более демократичными ценами в сравнении с основным направлением и капсульная коллекция для детей «Little Miss Stella». Коллекция «Little Miss Stella» включала одежду для младенцев и девочек в возрасте до 14-ти лет. К каждому предмету прилагался набор специальных фломастеров для ткани, чтобы девочки сами могли разрисовать свои вещи.

Муза Стеллы МакКартни певица Рианна, которая помогала дизайнеру своими советами во время создания коллекции весна-лето 2013.

Стелла МакКартни активно поддерживает организации по защите животных. Она сама является вегетарианкой, и не использует мех и кожу животных в своих коллекциях. Стелла считает, что красивые и даже роскошные вещи можно создать, не используя для этого кожу и мех животных.

«…50 миллионов животных убивают ради модной индустрии. Я не думаю, что мода стоит таких жертв». «… Продавать такие вещи действительно сложно, но я это делаю»! На одной из курток, созданных ею в линии Adidas, надпись – «Подходит для спортивных вегетарианцев». Стелла МакКартни является членом организации PETA (People for the Ethical Treatment of Animals – «Люди за этичное отношение к животным»).

Благотворительность
Стелла МакКартни регулярно перечисляет денежные средства от продаж в благотворительные фонды. И с 2003 года является членом Британского Королевского Легиона.

В 2009 году дизайнер создала лимитированную коллекцию футболок «Red Nose». Они были украшены принтами с изображением Пола МакКартни, комиков Моркамба и Уайза, а также Мадонны в образе Минни Маус. Коллекция называлась «Red Nose», так как все известные личности были изображены с красными носами. Цены были не более 10 долларов. Все средства от продажи были направлены в фонд общественной организации «Comic Relief» для помощи африканским детям. В рекламной компании принимали участие знаменитости: Кира Найтли, Гвинет Пэлтроу, Натали Имбрулья, Клаудиа Шиффер, Сэм Тейлор-Вуд и другие.

В 2011 году Стелла МакКартни участвовала в благотворительной акции «Пожертвуй пальто». Тёплые вещи предназначались для нуждающихся пожилых людей. И каждый желающий мог отдать свои тёплые вещи.

Стелла МакКартни перечислила 10% от продаж своих коллекций в универмаге Saks в фонд Натальи Водяновой «Обнаженные сердца».

Стелла МакКартни также принимает участие в сборе средств для фонда, созданного ее отцом, по борьбе с раком.

2000. «Дизайнер года».

2003. «Courage Award» за вклад в борьбу с раковыми заболеваниями.

2004. «Дизайнер года» по версии британского Glamour.

2006. Награда от фонда PETA за этическое отношение к животным.

2007. «Дизайнер года» по версии «Elle Style». «Дизайнер года» от Британского совета моды.

2008. «Зеленый дизайнер» от Aсcessories Council Excellence. «Дизайнер года» по версии «Spanish Elle».

2009. «Женщина года» по версии журнала Glamour UK, «Forces for Nature» за активную позицию по вопросам сохранения природных ресурсов от Совета по охране природных ресурсов.

2012. «Дизайнер года» и «Лучший бренд» от Британского совета моды.

Стелла доказала, что не только знаменитой фамилией, но и достоинствами созданного ею бренда может гордиться Великобритания.

Сценарий семинара — практикума Тема: «Влияние народного декоративно — прикладного искусства на воспитание и развитие детского творчества»

Старший воспитатель: Высшей категории Савченко Инна Викторовна МБДОУ детский сад №98 комбинированного вида г. Владикавказ, 2021 г.

Цель семинара:

1. Расширять и закреплять знания воспитателей о народном декоративно-прикладном искусстве, его влиянии на развитие детского творчества.
2. Расширять знания о народных промыслах, знать историю их возникновения и развития.
3. Уметь воспроизводить элементы росписи на готовых плоскостных формах.
4. Воспитывать уважение к труду народных умельцев, использовать произведения декоративно-прикладного искусства в воспитании и развитии дошкольников, а также чувство уважения к искусству своего народа.

«Давайте детям больше и больше созерцания общего, человеческого, мирового искусства; но преимущественно старайтесь знакомить их с этим через родные, народные и национальные явления». В.Г. Белинский

Скачать конспект

Скачать презентацию

I. Детское изобразительное творчество во многом сходно с тем, что мы видим в народном искусстве. Смелое сочетание цветов, так любимое детьми, простота формы – все это мы находим в народной игрушке, в орнаменте резьбы, в вышивке, чеканке. И все это близко и доступно детям. Действительно, как говорит И.Е. Репин, в первоначальных попытках ребенка вырезать, нарисовать, построить можно и нужно видеть начало искусства. Изделия народного творчества: деревянные и глиняные игрушки, расписная посуда, нежное кружево – наполнены красотой, радостью, добром и увлекают детей в мир прекрасной сказки. Орнаменты, используемые народными мастерами для росписи изделий, включают в себя цветы, листья, ягоды, траву (их ребенок видит, гуляя в лесу и парке, по участку детского сада), а также простые в выполнении полоски, круги, кольца, точки (геометрические элементы). Знакомство детей с народными промыслами помогает им войти в мир прекрасного, учит видеть и чувствовать неповторимые сочетания красок природы, повышает эмоционально-эстетическую культуру.

Многие изделия народного творчества являются произведениями искусства. Они создавались руками талантливых мастеров; причем каждый делал все сам от начала и до конца. Люди всегда стремились к красоте, украшая свой дом и все, что их окружало в труде и быту. Главным учителем на пути постижения прекрасного была природа. Она же предоставляла и простейшие материалы – глину, дерево, камень, кость, лен, шерсть.

В зависимости от условий жизни, наличия природного материала, спроса на изделия тем или иным мастерством овладевают целые семьи, а подчас и деревни. Так рождались народные промыслы. На севере России – резьба по кости, плетение кружев и изделия из оленьего меха, центральная Россия известна производством художественных предметов из дерева и металла. Урал знаменит кружевным шитьем, ювелирными изделиями из самоцветов. Предметы народного творчества создавались для украшения жилища, в память о торжественном событии, для хозяйственных нужд, на продажу, по специальному заказу.

Современная дошкольная педагогика особое внимание обращает на возрождение народных традиций, развитие и понимание роли своей нации, своего этноса в мировом историческом процессе. Для педагога, таким образом, важно умение реализовать потенциал национальных традиций, обычаев; воспитать в себе интерес к родной культуре.

Окружение детей предметами национального характера помогает с самого раннего возраста понять, что они часть своего народа. Деятельное ознакомление детей с народной декоративной росписью, увлечение их национальным изобразительным декоративно-прикладным искусством

помогает не только созерцать произведения и творения мастеров, но и самим активно участвовать в процессе творчества.

Такой деятельностный, творческий подход позволит сделать знания детей более прочными, а их эмоционально-оценочное отношение к произведениям народного творчества осознанным.

Знакомя детей с предметами народного быта, рисуя хохломские, городецкие и осетинские узоры, читая народные сказки, педагоги каждый раз по кирпичику закладывают фундамент гармоничного отношения к себе и окружающему миру, помогают решить одну из важных задач – научить детей жить вместе в добре и согласии.

Реализовать содержание обучения можно и нужно: от внешнего, наглядного, к духовному, внутреннему и проходить через все виды деятельности: игровую, познавательную, музыкальную, художественную.

Погружение дошкольника в сокровищницу национальной культуры способствует воспитанию у них социальных норм, позитивных привычек, установок, ориентаций на свой народ, которые направлены на формирование культуры личности, характера человека, наделенного национальными чертами.

III. Из истории промыслов.

ЖОСТОВСКИЕ ПОДНОСЫ. Жестовский промысел возник в 1830г. в

Подмосковной деревне. Поначалу изготовлялись бумажные подносы из папье-маше, но уже в описании Всероссийской выставки в 1889году упоминалось, что крестьяне Филипп Никитин и Осип Вишняков представили вещи, выполненные из жести… А знаменитый мастер А.П. Гогин, подносы которого – уникальные образцы тонкой «фарфоровой» росписи.

ГОРОДЕЦКИЕ УЗОРЫ. В Горьковской (ныне Ниже-городской) области широко известен центр художественной росписи г.Городец – ворота в заволжский край. Основан Городец был в 1152году Юрием Долгоруким и служил крепостью для защиты восточных границ Ростово-Суздальского княжества. Промысел возник в середине XIX века в Городецких деревнях Курцево и Хлебаиха. Здесь издревле славились мастера плести деревянные кружева. Ими украшали дома, предметы быта, ткацкие станки. Расписывались также лубяные короба, игрушки, шкатулки, посуда. Излюбленным для городецкой росписи является изображение сценок из городской жизни (гуляние, чаепитие, застолье, военные действия). Еще любили рисовать фигуру коня и сказочных птиц, а также растительный орнамент, который располагался вокруг. К элементам городецкой росписи относятся: розан, розетка, бутон, яблочко, ягодка, купавка и веточки с зубчатыми листочками. Для фона чаще берут желтый цвет, а для остальной росписи – красный, розовый, синий, голубой, зеленый. Мастера составляли разные оттенки голубого, розового, зеленого цвета при помощи белил. Чтобы роспись задышала, ее оживляют белыми штрихами и точками-оживкой. В наше время Городецкие мастера, сохраняя традиционные формы росписи, создают новые типы композиции мотивов, которыми украшают детские столики, стульчики, табуретки-сундучки и т.д.

РУССКАЯ МАТРЕШКА. Трудно себе представить ярмарку без матрешки. Она появилась много позже игрушки глиняной. Матрешке почти сто лет. Привезли ее из Японии. Вернее, привезли не ее, а японскую куколку Кокэси и фигурку добродушного старика, мудреца Фукурумы, у которого голова вытянулась вверх потому, что он все время думал. Фукуруму можно было раскрыть, в нем находилось еще несколько фигурок. Игрушка была необычной. Она понравилась и взрослым, и детям.

Первая русская матрешка состояла из восьми фигурок. Фигурка каждой выточена из деревянного бруска. Она разнимается на две части, а в ней еще фигурка. Матрешки бывают разные: двухместные, десятиместные. Самая большая матрешка – 48-местная. Матрешек делают в Селинове, Сергиевом Посаде, Полховском Майдане, поэтому они так и называются. Делают их из липы или березы сначала самую маленькую, а затем все больше и больше. Первую матрешку расписал художник С.Малютин. Ее специально сделали для выставки в Петербурге.

Фигурки матрешек, вырезанных из дерева, попадают в руки к женщинам-мастерицам. Они обмазывают их крахмальным клейстером, сушат. Становятся фигурки белее снега. Затем перышками и кисточками мастерицы начинают их раскрашивать. Когда матрешки из России появились на Всемирной выставке в Париже, они сразу завоевали всеобщее признание и любовь, стали символом страны.

ДЫМКА. Дымковская игрушка называется так потому, что родилась она в

слободе Дымково неподалеку от города Хлыново. Так раньше называлась Вятка. Игрушки были самым ярким украшением ярмарки с озорным названием – Свистунья.

Старики рассказывают такую легенду. Однажды к крепостным стенам слободы подошли враги. Городу грозила гибель. Тогда горожане придумали хитрость. Все жители, даже малые дети, получили по глиняной свистульке. Подкравшись ночью к врагам, они подняли громкий свист. Так, наверное, свистел сказочный

Соловей-Разбойник, от свиста которого шатались деревья и разрушались терема. Враги решили, что их окружает великое

Войско и в страхе бежали. С тех пор ни один праздник не обходится без ярких игрушек-свистулек. Элементы росписи Дымки – древние символы языческой веры. Круг – символ солнца и каравая хлеба. Точки – звезды, волнистые линии – вода, прямые линии – дорога. Расписываются игрушки красным, синим, оранжевым, желтым, зеленым цветом. Черный берется как дополнительный.

ГЖЕЛЬ. Гжель, Гжель – что за название, что за слово такое? Древнее

название Гжель произошло от слова «жечь». Деревня славилась огневым промыслом. Из чудесной глины мастера-гончары делали игрушки и посуду, делают и сейчас. Сделают изделие, обожгут его в печи и начинают расписывать. Рисуют мастера голубым цветом красивые цветы, садовые и полевые (астры, розы, незабудки). Еще рисуют злаки, травку, птиц. Рисуют мастера синей, голубой, реже фиолетовой. А, если вся посуда голубая, то рисунок наносят золотом. Когда роспись покрывают глазурью, она называется подглазурной, а если рисуют сверху глазури, называют надглазурной.

ПАВЛОВОПОСАДСКАЯ Недалеко от города Москвы стоит славный город

ШАЛЬ – народное чудо Павловский Посад. В давние времена жили в этом

городе мастера умелые. Собрались они однажды и стали думу

думать, как бы им мастерство свое показать, всех людей порадовать да край свой прославить. И самый энергичный и хваткий зажиточный крестьянин Иван Лабзин основал в городе большую ткацкую фабрику. А один из его сыновей решил ткать да разукрашивать разными красками платки шерстяные. И назвали те платки – шалями. Изначально искусные мастера расписывали платки вручную. Украшали их каймой узорчатой да цветами, листьями, букетами красоты невиданной. Стоит приглядеться, и увидишь в узорах цветы знакомые, что в лесу растут, на лугу или в саду. Позже у мастеров появились помощники – машины. С тех пор стала фабрика выпускать великое множество шерстяных шалей для красавиц русских. А когда повезли павлопосадские шали на выставки в другие страны, то полюбились они людям по всей земле.

Все хвалили русских мастеров да уважали. Павлопосадский платок до сих пор является лучшим подарком для женщины!

ЗОЛОТАЯ ХОХЛОМА. Расскажу — ка я вам легенду. Когда-то, давным-

давно, от царской немилости сбежал в леса мастеровой человек. Срубил избу, смастерил лавки, стол, полки. Из дерева вырезал посуду. Прилетали к нему птицы, и он всегда их кормил. Однажды прилетела к нему жар-птица, он и ее накормил. В благодарность за доброту жар-птица взмахнула крылом, коснулась им посуды – и стала посуда золотой. Никто жар-птицу не видел, поэтому каждый хохломской мастер рисует ее по-своему.

Кроме птиц любят хохломские мастера рисовать различные сказочные сюжеты, животных, фантастические цветы, ягоды: землянику, малину, крыжовник, смородину, рябину. Без уменья и старанья такую посуду не сделать. А времени сколько надо! Посуду эту вытачивают на токарном станке из липы или березы, а сверху покрывают тонким слоем глины. Когда заготовка высохнет, ее покрывают толстым слоем олифы и красят серебристым алюминиевым порошком, а затем расписывают.

После сушки в печи серебро дает золотистый оттенок. И поэтому хохлому называют «золотой», «пламенной». Расписывают изделия «травкой» и «кудриной». При росписи используют красный, зеленый, желтый, черный цвет.

IV. Художественные принципы ознакомления дошкольников с

народным декоративно-прикладным искусством.

Исследователь специфики декоративно-прикладного искусства Л.Д. Рондели отмечал: «У народного и детского творчества одна природа: их

роднят такие свойства, как непроизвольность, непосредственность,

простота, живость и богатство воображения, чувство радости,

праздничности, наивность…»

Л.Д. Рондели выделил художественные принципы, которые позволяют педагогу выстроить универсальную схему ознакомления дошкольников с различными видами народного творчества.

VI. Элементарное моделирование с помощью ложек.

Воспитателям задается загадка:

«Сама не ест, а всех кормит!» (ложка)

Деревянные ложки давно стали не только предметом быта, но и полноценным ударным музыкальным инструментом, на котором дошкольник может играть самые замысловатые ритмы, создавать импровизации, музицировать соло и в ансамбле, доставляя радость себе и окружающим.

Стоит подчеркнуть, что область применения ложек не ограничивается только музыкальным воспитанием. С помощью ложек дети, как самостоятельно, так и при опосредованном участии взрослого, могут заниматься элементарным моделированием, выкладывая по образцу или по памяти различные геометрические фигуры, цифры и даже фигуры-образы неживых предметов и живых существ. Подобные упражнения значимы для развития у дошкольников пространственно-образного мышления, концентрации внимания, творческого восприятия и памяти, а также развития мелкой моторики пальцев рук. Таким образом, ложки выступают в роли предметов-заменителей, наделенных неспецифическими свойствами. Процесс выкладывания, перестраивания ложек интересен детям, так как это прежде всего игра, что дополнительно мотивирует детей заниматься, развиваясь дальше.

Задание воспитателям:

Каждой группе воспитателей (они делятся на две, три команды) предлагается с помощью ложек смоделировать по памяти различные фигуры-образы.

Кто больше смоделирует образцов. (каждый по одному и по очереди в команде, стараясь не повторяться)

VII. Практикум: «Народные умельцы – среди нас».

Задание: Расписать плоскостные изображения предметов, используя элементы

разных видов декоративно – прикладного искусства. (на столах

располагается все необходимое оборудование для этого задания).

Закрепление материала на практике.

VIII. Рефлексия: Велика Россия наша,

И талантлив наш народ,

О Руси родной, умельцах

На весь мир молва идет.

Золотая хохлома,

Ей не налюбуются,

И в Париже, и в Нью-Йорке

Хохлома красуется.

В Гжели делают посуду –

Сколько радости для глаз!

Подрастают мастерицы,

Может быть и среди нас.

Я куплю себе свистульку,

Буду трели выводить,

Мастеров из славной Дымки

Никогда нам не забыть!

Любовались гости чудом,

Громко восхищались –

Городецкой красотой

Сраженные остались.

Наша Русская матрешка

Не стареет сотню лет,

В красоте, в таланте русском

Весь находится секрет.

Славится и наш Кавказ

Умельцами народными,

Посуда и камень

Мебель и шерсть

Все могут руки народные!

Мы славим горные края,

Где луч в снегах играет светлый

Природа, люди – все напоказ

Талантам края в Осетии нету!

Ты играй моя гармошка,

Ты нам домбра подпевай,

Мастеров Руси великой

Во весь голос прославляй!!!

Странник


Сочинитель
Сообщений: 771
профиль

Репутация: 361